REVUE CULTURELLE

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1999-2026

LES NEWS du Cinéma, DVD, TV

Nouveautés DVD

" Vivaldi et moi " ; Un film de Damiano Michieletto avec Tecla Insolia , Michele Riondino, DVD/BRD/VOD, Diaphana Editions Vidéo, 2026.

Au début du XVIIIe siècle, l’Ospedale della Pietà à Venise recueille et forme de jeunes orphelines à la musique. Dissimulées au public, souvent masquées ou derrière une grille, l’orchestre de jeunes filles se produit pour les riches mécènes de l’institution. Cécilia, 20 ans, y excelle en tant que violoniste. Jusqu’au jour où l’arrivée d’un nouveau maître de musique, Antonio Vivaldi, vient bousculer sa vie et celle de l’Ospedale...

Avec « Vivaldi et moi », le réalisateur italien Damiano Michieletto signe un premier long-métrage plus que convaincant. Tout amoureux de la musique, et des arts en général, ne pourra qu’être séduit par cette approche à la fois sensible et esthétique sur l’un des génies de la musique occidentale que fut incontestablement le compositeur et musicien vénitien Vivaldi.

Il faut confier que le réalisateur est loin d’être un débutant, même s’il s’agit de sa première réalisation pour le 7ième art. Damiano Michieletto est, en effet, une figure incontournable du monde lyrique en ayant offert depuis les années 2000 des mises en scène remarquées des plus grands opéras. Vénitien de naissance, le réalisateur ne pouvait qu’être happé par l’univers suggéré par la vie de Vivaldi en retenant l’une des périodes probablement la moins connue de sa carrière, celle de sa collaboration musicale au sein de l’Ospedale della Pietà, institution vénitienne recueillant et formant des orphelines.

A partir de ce thème conjuguant musique et passions, «Vivaldi et moi » compose une fresque sublime où la musique offre les variations les plus subtiles des affects, suggère plus qu’elle n’impose et métamorphose les paysages de la Sérénissime. Nul larmoiement factice dans cette évocation pourtant délicate et souvent rude de la vie de ces jeunes filles abandonnées par le destin et trouvant refuge dans une institution souvent prête à tout pour assurer sa survie dans cette Venise des XVIIe et XVIIIe siècles. Quête d’identité et soif inassouvie de reconnaissance rapprocheront deux âmes égarées au sein de cette Venise déclinante et séduite par l’esprit libertin du XVIIIe siècle.

Un film incontournable des plus prometteurs servi par un jeu d’acteurs particulièrement juste.

On ne peut qu’applaudir !

" La Grazia " de Paolo Sorrentino avec Toni Servillo, Anna Ferzetti, Orlando Cinque, Massimo Venturiello, 2h13, DVD ET BLU-RAY Pathé, 2026.

Mariano De Santis, Président de la République italienne, est un homme marqué par le deuil de sa femme et la solitude du pouvoir. Alors que son mandat touche à sa fin, il doit faire face à des décisions cruciales qui l’obligent à affronter ses propres dilemmes moraux : deux grâces présidentielles et un projet de loi hautement controversé...

La langue italienne, comme le français, accorde deux sens au mot grâce. Celle délivrée par le Président de la République pour la remise d’une peine, et la bienveillance divine témoignée à l’homme. Paolo Sorrentino part de cette ambivalence afin de retracer le portrait d’un homme, le premier responsable politique du pays, confronté au terme de son mandat à des questions essentielles, pour ne pas dire existentielles, aussi bien sur le plan personnel que public. Le doute, la fragilité, mais aussi la responsabilité, l’éthique et les valeurs afférentes rythment ce film bien différent de Parthénope et de la Grande Bellezza, déjà présentés dans ces colonnes.

Nous retrouvons avec un plaisir non dissimulé l’acteur fétiche du réalisateur en la personne de Toni Servillo, bien inspiré dans ce rôle qui lui sied à merveille, si ce n’est l’humour quelque peu oublié quant à ce juriste austère, grand pénaliste devant l’Eternel, mais guère enclin au partage de ses sentiments…

La photographie, toujours superbe, magnifie les plans de la Ville Eternelle, alors que la musique apporte son lot de surprises, inoubliables scènes de rap et de chants des chasseurs alpins dans des situations incongrues comme Sorrentino les affectionne. Nous retrouvons dans La Grazia cette poésie à fleur de pellicule et cette sensibilité qui font de chaque film du réalisateur d’origine napolitaine des instants… de grâce !

« Le Prince enchaîné » ; Un film de Luis Lucia avec Antonio Vilar – María Mahor ; Durée : 88 minutes ; Versions : espagnol, Sous titres : français ; Format 1.66 original respecté, 16/9ème – 1920/1080p, Couleur, Combo BluRay/DVD, Master 2K restauré, Artus Films, 2026.

Le roi de Pologne Basilio a fait enchaîner son fils Segismundo dans une tour, suite à une prophétie qui prédit que le prince apporterait le désastre dans le pays et la mort du roi. Aimant malgré tout son fils, le roi ordonne sa libération le temps de le mettre à l’épreuve. Mais, ayant goûté à la liberté, Segismundo refuse de reprendre les chaînes.

Voici un long-métrage à découvrir dans cette belle édition Artus Films. « Le Prince enchaîné » du réalisateur Luis Lucia vient en effet de bénéficier d’une restauration exemplaire, redonnant vie à ses couleurs chatoyantes et à la netteté de l’image. Adaptant la célèbre pièce de Pedro Calderón de la Barca, dramaturge et poète espagnol du XVIIe s., « La Vie est un songe », le réalisateur également espagnol livre avec ce film une superproduction alliant action et réflexion philosophique, rarement conjuguées dans ce genre de film.

Si l’action, comme la pièce originale, se situe dans la lointaine Pologne médiévale, les scènes sont tournées quant à elles dans les décors naturels de la Sierra de Guadarrama et le château de Manzanares el Real. Dans ce cadre atemporel, les différents protagonistes, qu’il s’agisse d’Antonio Vilar, de Paul Naschy ou de Maria Mahor sont convaincants, leur interprétation évitant tout emphase. Retenant l’idée centrale de la pièce du dramaturge espagnol, le film développe de manière intéressante ce fil ténu qui relie l’illusion à la réalité, à un tel point que le principal protagoniste ne sait plus s’il est en train de rêver ce qu’il venait de vivre ou inversement…

Si cette fresque métaphysique simplifie bien entendu les questions sous-jacentes soulevées par la pièce baroque, il demeure qu’elle offre de belles interrogations servies, ici, par une réalisation impeccable.

« Les Sables du Kalahari » (Sands of the Kalahari) - 1965 ; Un film de Cy Endfield avec Stanley Baker, Nigel Davenport, Harry Andrews, Stuart Whitman; bonus, Combo DVD/BR, Rimini Editions, 2026.
 

En Afrique du Sud, un petit avion contenant 7 personnes s’écrase dans le désert du Kahari. Les survivants n’ont pas le choix : pour survivre, il va falloir s’entraider. Mais lorsque les vivres commencent à manquer, les plus bas instincts des uns et des autres reprennent le dessus…

Voici un film quelque peu oublié du réalisateur américain Cy Endfield, réalisateur ayant déjà signé le fameux Zoulou l’année précédente (et présenté dans ces colonnes). Si cette aventure dans « Les Sables du Kalahari » n’offre pas la geste épique du précédent long-métrage, la brutalité et la vision quelque peu manichéenne des protagonistes qui y sont développées méritent qu’on redécouvre ce film injustement relégué dans les oubliettes du 7e art.
Les décors naturels du désert de Kalahari en plein cœur de l’Afrique du Sud retiennent tout d’abord l’attention du spectateur, un lieu aride, cadre idéal pour mettre à nu les sentiments humains les plus vils, lorsque tout semble perdu. Cette confrontation brutale avec les éléments sera encore renforcée par ces sept survivants, un chiffre symbolique qui ira en s’amenuisant au fil de ce récit palpitant. Stanley Baker brille pour son rôle à contre-emploi, alors que chaque personnage se coule dans un rôle de dominant ou de dominé.
Si quelques longueurs peuvent être relevées, notamment quant à la violence gratuite à l’égard des singes, il demeure que « Les sables du Kalahari » pose la question, malheureusement toujours d’actualité, des limites entre instinct sauvage et civilisation… A ce titre, ce film mérite d’être redécouvert aux Editions Rimini Editions.

" Parthenope" ; Un film de Paolo Sorrentino avec Celeste Dalla Porta, Stefania Sandrelli, Gary Oldman, DVD & BRD, Pathé Films, 2025.
 

La vie, tel un long voyage, de Parthenope, de sa naissance dans les années 1950 à nos jours. Une épopée féminine sans héroïsme, débordante d’une inexorable passion pour la liberté, pour Naples et les visages de l’amour...

Comme à l’accoutumée, c’est un film singulier que nous livre le réalisateur Paolo Sorrentino avec Parthenope, un film quelque peu moins exubérant que la fameuse Grande Bellezza et tendant plus vers une introspection et réflexion sur le long fil de la vie… Conçu comme une allégorie de Naples, sa ville natale donne lieu à des tirades passionnées alternant entre diatribes et confessions d’amour. Parthenope dans la mythologie grecque est une sirène, ce qu’est assurément cette jeune femme, interprétée brillamment par Celeste Dalla Porta, et dont la naissance a lieu sur l’une des plages de la cité, à l’image de son illustre inspiratrice sillonnant les rives de la cité napolitaine. A partir de ces fées – ou sirènes – ayant bercé l’enfance de cette jeune personne, c’est toute la problématique de la séduction, de l’amour et de la désillusion entremêlés qui rythmera ce film un brin nostalgique. Naples s’avère être un conservatoire des sentiments où le sacré cohabite dangereusement avec le profane, la passion avec la raison et les sentiments avec l’ironie tragique. Si le rythme semble différent des précédentes réalisations, nous retrouvons cependant avec Parthenope toujours cette sensibilité esthétique, chère au réalisateur, et qui lui inspire des plans de toute beauté, beauté constituant l’un de ses credo de prédilection…
 

« 13 jours 13 nuits » de Martin Bourboulon avec Roschdy Zem, Lyna Khoudri, Sidse Babett Knudsen… Drame, Thriller – 1h52, DVD, Pathé Films, 2025.
 

Kaboul, 15 août 2021. Alors que les troupes américaines s’apprêtent à quitter le territoire, les Talibans prennent d’assaut la capitale et s’emparent du pouvoir. Au milieu du chaos, des milliers d’afghans tentent de se réfugier dans le dernier lieu encore protégé : l’Ambassade de France. Seuls, le commandant Mohamed Bida et ses hommes en assurent la sécurité. Pris au piège, il décide de négocier avec les Talibans pour organiser un convoi de la dernière chance avec l’aide d’Eva, une jeune humanitaire franco-afghane. Commence alors une course contre la montre pour évacuer les réfugiés jusqu’à l’aéroport et fuir l’enfer de Kaboul avant qu’il ne soit trop tard…

Voici un film prenant et saisissant de la première minute jusqu’au dernier plan. Avec « 13 jours 13 nuits », le réalisateur français qui avait signé les films « Eiffel » et le diptyque des « Trois Mousquetaires » fait la preuve de la diversité de son talent en évoquant le drame de l’évacuation de Kaboul lors de la prise de pouvoir des Talibans en Afghanistan le 15 aout 2021. Nulle surenchère inutile, mais une sobriété efficace laissant la place au tragique d’un pays en proie à la peur et à la lutte pour sa survie…
Il faut avouer que Martin Bourboulon ne laisse guère de temps morts dans ce long-métrage de près de deux heures et, signe de son efficacité, certains de ses protagonistes confiaient avoir été eux-mêmes happés par le suspense lors du visionnage de la première !
Des plans très soignés et une caméra très mobile accentuent cet effet de tension perceptible, sans céder pour autant au spectaculaire. Bien au contraire, le film laisse la priorité à la dimension humaine avec des cadrages serrés sur les visages et les regards, en soulignant, notamment, cette fragilité et le doute qui saisissent les différents acteurs de ce récit poignant.
Roschdy Zem livre une nouvelle fois une interprétation inspirée du héros de cette histoire véridique, celle du commandant Mohamed Bida, témoin et acteur de ce drame qui perdure encore de nos jours…
 

" L’Espion de Dieu " ; Un film de Todd Komarnicki avec AUGUST DIEHL, JONAS DASSLER et DAVID JONSSON , DVD, Angel Studios - SAJE Distribution, 2025.
 

Alors que le monde est au bord de l’anéantissement, le pasteur Dietrich Bonhoeffer est plongé au cœur d’un complot visant à éliminer Hitler. Peut-il assassiner un homme pour espérer en sauver des millions ? Sa vie et sa foi sont en jeu.

Si le nom du pasteur Dietrich Bonhoeffer n’est guère connu du grand public, son opposition à Hitler allant jusqu’à envisager son élimination physique, marqua les esprits. Véritable cas de conscience pour un homme de Dieu, la résistance au mal peut-elle conduire jusqu’à l’assassinat même du plus inique des hommes ?
Au-delà de cette question métaphysique, le film de Todd Komarnicki parvient à rendre sensible l’engagement spirituel et physique de ce jeune théologien que rien ne prédestinait à un tel avenir. Amoureux de la vie et de musique, ce jeune Allemand, dont August Diehl livre une belle interprétation, ne peut concevoir l’ostracisation et la ségrégation en cours aux États-unis et en Allemagne à son époque. Homme de combat spirituel, tout d’abord, Bonhoeffer accepte difficilement l’idée même d’éliminer physiquement le responsable de la vague brune menaçant son pays et bientôt l’Europe entière. Cependant, face à l’inacceptable, ses doutes s’effritent pour enfin accepter l’engagement total de son être dans ce combat du bien contre le mal…
 

"La Prisonnière de Bordeaux" (2024) ; Un film de Patricia Mazuy avec Isabelle Huppert, Hafsia Herzi, Noor Elasri, Jean Guerre Souye, William Edimo, Magne-Håvard Brekke, Lionel Dray, Jana Bittnerova ; Audio : Français DD 5.1, Français DD 2.0, Audiodescription (pour Malvoyants) DD, DVD, Blaq Out 2025.
 

Alma, seule dans sa grande maison en ville, et Mina, jeune mère dans une lointaine banlieue, ont organisé leur vie autour de l'absence de leurs deux maris détenus au même endroit... À l'occasion d'un parloir, les deux femmes se rencontrent et s'engagent dans une amitié aussi improbable que tumultueuse...

Voici une bien curieuse évocation retenue par la réalisatrice Patricia Masuy, reprenant un scénario jusqu’alors abandonné, pour aboutir à ce film « La Prisonnière de Bordeaux ». Une histoire quelque peu improbable d’un rapprochement entre deux femmes que tout oppose, la condition sociale tout d’abord, le parcours personnel, le caractère, et enfin les aspirations de vie si éloignées l’une de l’autre, même si… Et c’est justement dans ce « même si », cette attraction tenant à la fois du calcul et de la spontanéité, de la liberté et de l’indépendance, que tient l’originalité de cette réalisation impulsive et soignée pour ce long métrage. Mais cela sera également sans compter sur les nombreux déterminismes qui rattrapent inexorablement les protagonistes de cette curieuse histoire, avec des scènes parfois cocasses et redoutablement plausibles comme celle où l’ami avocat salue la jeune Mina en pensant qu’elle était une employée de maison intérimaire… Cette fable sociale sera l’occasion d’apprécier non seulement de belles scènes d’intérieur à l’esthétique certaine, mais aussi le jeu toujours évanescent et fragile d’une Isabelle Huppert inspirée contrastant avec le caractère trempé et spontané de Hafsia Herzi, encore une fois métamorphosée physiquement pour ce rôle.

« L'Homme d'argile » (2023) d’Anais Tellenne avec Emmanuelle Devos, Raphaël Thiéry, Mireille Pitot ; Audio : Français DD 5.1, Français DD 2.0, Sous-titrage : Français , DVD, Blaq Out, 16 juillet 2024.
 

« Raphael n'a qu'un œil. Il est le gardien d'un manoir dans lequel plus personne ne vit. A presque 60 ans, il habite avec sa mère un petit pavillon situé à l'entrée du grand domaine bourgeois. Entre la chasse aux taupes, la cornemuse et les tours dans la Kangoo de la postière, les jours se suivent et se ressemblent. Par une nuit d'orage, Garance, l'héritière, revient dans la demeure familiale. Plus rien ne sera plus jamais pareil ».

Nombreux sont les thèmes abordés par ce film singulier d’Anais Tellenne, mais celui qui retiendra probablement l’attention en premier sera certainement ce soin de tous les instants porté au regard, regard sur l’autre, sur soi-même et sur la vie. Le regard bleu intense de Garance interprétée avec une rare intensité par Emmanuelle Devos, à la fois fragile et tendue dans sa quête artistique ; le regard cyclopéen de Raphael, Quasimodo des temps modernes. Ces êtres en souffrance errent dans ce décor d’un autre temps où tout semble en suspens, chaque émotion ne demandant qu’à pouvoir s’exprimer par la sculpture, la cornemuse ou tout simplement par l’amour…
Porté par un beau jeu d’acteur, ce film surprenant pousse le spectateur dans ses retranchements, sollicite à voir « d’un autre œil » cet homme frustre dans son éveil à l’altérité et identité suscitée par le geste créateur de la sculptrice, réminiscences de l’homme né de la terre selon le souffle biblique et d’une réalisatrice inspirée.

Bonus : Court métrage : "Le Mal bleu" d'Anaïs Tellenne et Zoran Boukherma (2018, 15') ; Enregistrement de la musique originale par l'Orchestre Symphonique de Budapest (15') ; Commentaire de séquence par Anaïs Tellenne (6')

" Perfect days " ; Un film de Wim Wenders avec Koji Yakusho, Min Tanaka, Arisa Nakano, DVD, Blaq Out, 2024.
 

Hirayama travaille à l’entretien des toilettes publiques de Tokyo. Il s’épanouit dans une vie simple, et un quotidien très structuré. Il entretient une passion pour la musique, les livres, et les arbres qu’il aime photographier. Son passé va ressurgir au gré de rencontres inattendues.

Et si Hirayama avait raison ? Qu’avons-nous fait de notre vie ? Telles sont les questions qui ne manqueront pas de se poser les spectateurs de ce film émouvant et sensible offert par Wim Wenders l’année passée et disponible aujourd’hui en une belle édition DVD et blue-Ray chez Blaq Out. Le réalisateur allemand célèbre déjà pour la poésie de son fameux long-métrage « Les Ailes du désir » enchante de nouveau avec cette réalisation d’une rare esthétique dans le quotidien urbain de la capitale du Japon, Tokyo.
Nous devinons progressivement que le personnage principal - interprété avec une présence hypnotique à l’écran par Koji Yakusho (Prix d’Interprétation masculine à Cannes ) - semble avoir une autre vie que celle qui l’occupe quotidiennement quant à l’entretien des toilettes publiques de la capitale japonaise. Mais rien ne semble transparaître de ce passé probablement douloureux et qui l’a conduit à changer de vie et surtout de poser ce regard sur les êtres et les choses. Soulignons que pour cette réalisation, Wim Wenders avoue que Koji Yakusho fut « réputé » être un adepte des premières et uniques prises ! « Laissez-moi faire », disait-il… Et combien avait-il raison tant sa présence crève l’écran !
La part onirique si chère au réalisateur allemand s’immisce avec délicatesse dans les rêves d’une rare beauté stylistique sans pour autant que la poésie du quotidien ne soit en reste avec également des plans superbes… sans oublier l’architecture étonnante des toilettes design et interactives de Tokyo !
Chaque plan de ce film introspectif sublime le regard que nous portons sur notre quotidien, en témoigne cette lumière qui transparaît des arbres si précieux au personnage principal. Baigné d’esprit zen tout autant que shintoïste, « Perfect Days » encouragera le spectateur occidental, mais aussi japonais à se réapproprier cette intériorité si souvent mise à mal à notre époque…

A noter, enfin, les bonus passionnants et la belle et longue présentation du film par Wenders lui-même.

Canadian Pacific - 1949 ; Un film de Edwin L.Marin avec Randolph Scott, Jane Wyatt, DVD, Sidonis, 2023.
 

Employé de la Canadian Pacific Railroad, Tom Andrews reçoit pour mission de trouver un passage dans les Montagnes Rocheuses pour finaliser un itinéraire de chemin de fer entre le Canada et les États-Unis. Une entreprise qui n'est pas du goût de tout de monde, en particulier des trappeurs qui mettent tout en œuvre pour saboter le projet, allant jusqu'à provoquer une révolte indienne afin de préserver leurs intérêts dans le commerce de la fourrure…

Ce long-métrage sorti en 1949 en pleine époque de succès du western propose un sujet rarement abordé au grand écran à savoir la difficile construction du chemin de fer reliant les États-Unis au Canada. Très rapidement ce chantier monumental rencontra de sérieuses difficultés de la part des populations locales qui redoutèrent d’être spoliées de leurs biens sans oublier le sort guère plus enviable réservé aux nombreuses tribus indiennes…
L’acteur Randolph Scott, véritable vedette à l’époque avec à un actif de pas moins de 62 westerns, campe avec brio, ici, le personnage de l’arpenteur ayant pour mission délicate de trouver une voie dans les Montagnes Rocheuses ainsi que faire régner l’ordre sur ce chantier plus qu’explosif…
Le scénario bien ficelé et crédible s’appuie sur des faits historiques lors de l’édification de la ligne datant de 1881, des faits historiques ayant fourni un grand nombre d’anecdotes au film. Les décors de cette grande production sont pour la plupart ceux des fameuses Montagnes Rocheuses qui irradient de leurs couleurs vertigineuses cette aventure mouvementée.
Un trio amoureux, des Indiens, un vilain, il n’en fallait pas plus pour que cette réalisation enlevée du réalisateur Edwin L. Marin offre un plaisant divertissement !
 

"Le samouraï" (1967) : Un film de Jean-Pierre Melville avec Alain Delon, François Périer, Nathalie Delon, Cathy Rosier… Scénario de Jean-Pierre Melville et Georges Pellegrin ; Photographie d’Henri Decaë ; Décors de François de Lamothe ; En UHD, Blu-ray et DVD, coffret collector limité et numéroté à 1 000 exemplaires, Pathé Films, 2023.
 

Jef Costello (Alain Delon), un tueur à gages, reçoit pour mission de liquider le patron d’une boîte de jazz et prépare soigneusement son coup. Dans le club, personne ne le voit sauf la pianiste (Cathy Rosier) qui le croise alors qu’il quitte la scène du crime… Arrêté pour vérification d’identité, il est relâché grâce à un solide alibi mis au point avec sa maîtresse Jane (Nathalie Delon). Pourtant persuadé qu’il est bien l’homme recherché, le commissaire de police (François Périer) décide de se lancer à ses trousses.

« Le samouraï » du réalisateur Jean-Pierre Melville compte parmi ces films entrés dans la légende du cinéma, tant pour ses qualités esthétiques – cette couleur melvillienne à nulle autre pareille restituée par la superbe restauration du film – que pour la consécration de son personnage central : le mythique Alain Delon. « Le samouraï » marquera une étape déterminante dans la reconnaissance internationale de Jean-Pierre Melville à la fin des années 60. Perfection des plans, importance du non-dit et des silences propices à développer l’éventail du jeu énigmatique d’Alain Delon, ce film taillé sur mesure pour l’acteur manifeste le goût du réalisateur pour les héros solitaires et sans peur. Mais derrière cette façade percent de temps à autre quelques failles, celles suggérées par l’attachement discret à cet oiseau en cage ou encore cette très discrète relation amoureuse avec sa maîtresse interprétée, ici, par sa femme dans la vie, Nathalie Delon…
Bref, celles et ceux qui n’auraient pas revu ce film incontournable auront plaisir à le redécouvrir ou à le découvrir tout simplement dans cette remarquable édition complétée par des bonus également passionnants ; à découvrir notamment le témoignage de Philippe Labro sur son amitié indéfectible avec Melville.
 

« Audrey Rose » (1977) - Un film de Robert Wise Frank De Felitta (scénario) avec Anthony Hopkins, Marsha Mason et John Becken ; DVD / 1h 53min / RIMINI Editions, 2023.
 

Janice et Bill Templeton forment avec leur fille Ivy une famille heureuse et sans histoire... jusqu’au jour où un mystérieux étranger se met à les suivre partout où ils vont. L’inconnu finit par leur proposer un rendez-vous et leur révéler qu’Ivy serait la réincarnation de sa propre fille, morte onze ans plus tôt...

Les amateurs de West Side Story seront surpris de découvrir que son réalisateur Robert Wise excellait également dans un tout autre genre, à savoir celui du fantastique ! « Audrey Rose » compte parmi cette veine développée en 1977 dans la foulée du fameux film L’Exorciste sorti en 1973.
Pour ce long-métrage Robert Wise ne fait pas le choix d’effets spéciaux impressionnants, mais au contraire retient une approche reposant essentiellement sur les non-dits et les atmosphères oppressantes avec un jeu de prises de vue intérieur/extérieur subtil. Tout en effet est en suggestion dans ce film servi par l’interprétation inspirée du jeune Anthony Hopkins qui apporte un peu de profondeur sur cette histoire de réincarnation. Si les questions soulevées s’inscrivent dans le contexte de l’époque d’une Amérique découvrant les spiritualités d’Extrême-Orient, le film peine quelque peu à élever le débat. Au-delà, cette réalisation soignée offre cependant de bonnes scènes sur une question originale à redécouvrir dans cette édition DVD.

Bonus :
-Le cinéma d’horreur selon Robert Wise (17’30), par Stéphane du Mesnildot, historien du cinéma
-Audrey Rose, une âme pour « deux » : livret de 24 pages conçu par Marc Toullec

« EN PLEIN FEU » ; Un film de Quentin Reynaud avec Alex Lutz et André Dussollier ; Durée: 1h25, DVD ; Apollo films - StudioCanal, 2023.
 

Un feu géant ravage la forêt des Landes. À la suite d’une alerte évacuation, Simon et son père Joseph quittent leur domicile mais se retrouvent rapidement prisonniers de leur véhicule au milieu de ce cauchemar climatique. Le brasier se rapproche. Que faire ? Attendre les secours… ? Ou n’est-ce pas en s'enfonçant plus loin encore dans l'immensité terrifiante de la forêt brûlante qu'ils trouveront le moyen de s'en sortir… ?

Le dernier film de Quentin Reynaud plonge le spectateur dans la fournaise des relations, celles d’un père avec son fils à l’instant ultime de la vie. Sur fond cataclysmique – le réalisateur parvenant à reproduire de manière impressionnante l’embrasement de la forêt des Landes – ce long-métrage cherche surtout à approfondir les errances du personnage principal interprété avec talent par Alex Lutz dans ces rapports de père en fils. Les errances de Simon dans la forêt embrasée ne sont pas sans rappeler celles de Kagemusha dans l’un des chefs d’œuvre d’Akira Kurosawa et cette ambiance de fin du monde constituant l’arrière-plan demeure, ici, propice à de multiples évocations oniriques. Quelle issue s’offre au jeune homme pris dans les tenailles de l’embrasement général malgré la présence essentielle de son père interprété avec justesse par André Dussollier et ce fils qu’il tente en vain de joindre ? Un film sensible à découvrir dans cette édition DVD.
 

BIG GUNS ; Un film de Duccio Tessari avec Alain Delon, Richard Conte, Roger Hanin, Carla Gravina, Marc Porel… Scénario : Ugo Liberatore, Franco Verucci et Roberto Gandus, d'après une histoire de Franco Verucci ; Musique : Gianni Ferrio ; Édition restaurée DVD/Blu-ray, Pathé Films, 2023.
 

Tony Arzenta exerce ses talents de tueur à gages pour le compte d’une mafia internationale. Lorsqu’il annonce son retrait pour consacrer davantage de temps à sa femme et son fils, l’organisation décide de le traquer pour le liquider...

Ce film quelque peu méconnu dans lequel Alain Delon campe le rôle d’un tueur à gages désabusé vient de faire l’objet d’une restauration inédite en 4K sous la supervision de Pathé ; une restauration bien venue qui offre d’occasion de redécouvrir l’acteur dans un scénario taillé pour lui sur mesure. Sans valoir le Clan des Siciliens, « Big Guns » devrait retenir l’attention des amateurs de Delon tant ce dernier livre dans ce long-métrage, qu’il co-produisit et qui fut dirigé par Duccio Tessari, une interprétation sensible et pleine de nuances, loin des rôles parfois plus composés qu’il pourra jouer par la suite. C’est en effet un Alain Delon à la fois taciturne et mélancolique, froid mais aussi les larmes aux yeux que l’on découvre avec cette palette d’émotions à partir de son seul et fameux regard…
Ce film sorti en 1973, un an après le fameux Parrain, sans jouir du même souffle, s’inscrit cependant dans une version plus réaliste de la mafia, dont les codes moraux semblent nettement plus estompés - à la différence de la vision parfois esthétisante du Parrain – au profit d’une noirceur impitoyable et probablement plus fidèle à la réalité. Devenu une machine à tuer dont les sentiments se sont quasiment évanouis, le tueur s’engage dans une course poursuite vers une mort inéluctable.
Avec des plans soignés, une photographie qui s’inscrit notamment dans le design des années seventies et le modernisme urbain des villes européennes telle la brumeuse Milan hivernale, Big Guns ravira assurément les amateurs d’Alain Delon et des films de cinéma bis.

Infos techniques :
DVD - 1.85 - Couleur
Version française : 99 min - LANGUES : Français Mono 2.0 - SOUS-
TITRES : Sourds et malentendants
Version italienne : 109 min - LANGUES : Italien Mono 2.0 - SOUS-
TITRES : Français / Anglais
BLU-RAY - 1.85 - Couleur
Version française : 103 min - LANGUES : Français DTS Mono 2.0 -
SOUS-TITRES : Sourds et malentendants
Version italienne : 113 min - LANGUES : Italien DTS Mono 2.0 -
SOUS-TITRES : Français / Anglais
Suppléments :
Big Guns : Entretiens autour du film avec Nicolas Pariser, Jean-
François Rauger et Laurent Chollet (38 min)
 

"Trois Jours à Vivre" ; Un film de Gilles Grangier avec Daniel Gélin, Jeanne Moreau, Lino Ventura, Georges Flamand, Armontel et Aimé Clariond, DVD, Pathé film, 2023.
 

Simon Belin est un comédien ambitieux dans une troupe de théâtre itinérante, mais toujours relégué aux seconds rôles. Un soir, il est témoin d’un meurtre. En identifiant le premier suspect qu’on lui présente, Lino Ferrar, il voit là une opportunité pour briller et être sous le feu des projecteurs. Mais ce dernier s’échappe de prison et prévient Simon : il ne lui reste que trois jours à vivre.

« Trois jours à vivre » compte parmi ces films quelque peu injustement oubliés et dont la récente restauration redonne un lustre appréciable pour cette réalisation pourtant soignée signée Gilles Grangier et servie par une pléthore d’acteurs talentueux. Qu’on en juge ! Daniel Gélin, Jeanne Moreau, Lino Ventura et bien d’autres gloires du cinéma concourent en effet à donner du brio à « Trois jours à vivre ». Mais, le réalisateur a lors de sa sortie en 1958 (deux ans après son tournage) été quelque peu boudé par la Nouvelle Vague qui critiquait en lui un cinéma trop facile et grand public.
Certes l’intrigue servie tout de même par le truculent dialoguiste Michel Audiard est un brin prévisible mêlant ambiance de films noirs et comédie. Les jeunes acteurs s’engagent cependant pour donner à ce long-métrage une certaine profondeur notamment le duo Gélin et Moreau particulièrement présent à l’écran pour ce début de leur carrière.
Mais le charme de ce film réside surtout dans la photographie remarquable d’Armand Thirard, sans oublier un jeune assistant-réalisateur plein de promesses en la personne de… Jacques Deray !
Bref, tout concourt à faire de « Trois jours à vivre » un plaisant moment de divertissement et de cinéma dans cette belle belle version restaurée Pathé Film.

« L'homme de Dieu » ; Un film de Yelena Popovic avec Aris Servetalis (The Waiter (2018)), Alexander Petrov (War Zone (2012)), Mickey Rourke (Iron man 2 (2010), Les Immortels (2011)) & Tonia Sotiropoulou (Skyfall (2012), Hercule (2014)) ; Durée : 1h50, DVD, Saje Distribution, 2022.
 

Exilé injustement, condamné sans jugement, calomnié sans motif. La vie, les épreuves et les tribulations d’un homme de Dieu, Saint Nectarios d'Égine, qui supporta jusqu’au bout la haine injuste de ses ennemis tout en prêchant la Parole de Dieu sans relâche.

« L’homme de Dieu », deuxième long-métrage de la réalisatrice Yelena Popovic, fait entrer le spectateur dans l’univers mystique des grands ascètes spirituels, en l’espèce celui de Nectarios d’Égine au parcours singulier. Ce film qui a rencontré un large succès lors de sa sortie retrace, en effet, le parcours étonnant d’un véritable saint ayant toute sa vie durant enduré les injustices et autres cabales afin d’écarter cet homme jugé trop dérangeant. Cet homme de Dieu éloigné de toute soif du pouvoir dérange en effet les autorités religieuses de son temps au XIXe siècle et suscite ainsi bien des haines et convoitises contre lui. Véritable bouc émissaire des faiblesses humaines, il sera dès lors conspué, exilé et relégué dans une île lointaine, Égine, où il fondera un monastère de moniales, cette dernière initiative donnant également lieu à de nouvelles injustices.
Ce film sobre et à la réalisation esthétique nous plonge dans l’intériorité de cet homme de Dieu à la fois humble et fort d’une passion sans limites pour l’amour divin transcendant toutes les bassesses humaines. La qualité de ce film tient également au charisme rayonnant de son principal acteur en la personne d’Aris Servetalis qui irradie l’écran de son regard bienveillant et parvient même à occulter la brève présence étonnante de Mickey Rourke dans la scène finale où il incarne le paralytique miraculé !

« Bill Doolin le hors-la-loi » (Cattle Annie and Little Britches) – 1981 ; Un film de Lamont Johnson avec Burt Lancaster, Amanda Plummer, DVD, Sidonis, 2022.
 

Deux adolescentes, bercées d’histoires de hors-la-loi, décident de partir à leur recherche. Elles croisent le chemin de l’un d’entre eux : Bill Doolin, ombre de lui-même. Leur déception fait place à leur décision de l’aider à échapper à un marshal très entêté.

« Bill Doolin » du réalisateur Lamont Johnson se trouve être le dernier western d’une légende du cinéma, Burt Lancaster. Initialement prévu pour un autre héros hollywoodien du genre, John Wayne, ce dernier étant gravement malade, l’acteur au sourire légendaire le remplaça au pied levé. Si ce western du début des années 80 n’a pas le brio de ses aînés, il offre cependant un traitement original d’un sujet véridique, à savoir la lente décomposition d’une bande de bandits menée par Bill Doolin au terme de sa vie accompagné de l’un des derniers Dalton. Deux adolescentes sans ressources, ni parents, sont fascinées par ces hors-la-loi et décident de se rallier à leur cause, partageant leur vie miséreuse faite de vols souvent ratés…
Inspiré d’une histoire vraie, notamment les deux jeunes filles Anna McDoulet et Jennie Stevens qui purgeront une peine de prison pendant 6 mois au terme de cette épisode de leur vie, ce western parvient à restituer de manière à la fois humoristique et tragique leur quotidien. Deux figures ressortent de cette réalisation tournée à Durango dans le propre ranch de John Wayne : un Burt Lancaster au terme de sa carrière mais rayonnant de présence et de joie de vivre. Face à lui, la fille de Christopher Plummer, pétillante et parvenant sans forcer à prendre sa place dans ce milieu d’hommes…

Format : 4/3 1:33 Audio : VOSTFR – VF Durée : 97 min Bonus : Présentation du film par Patrick Brion

COUP DE FOUET EN RETOUR (BLACKLASH) de John STURGES – 1956 - Avec Richard WIDMARK, Donna REED, William CAMPBELL ; INEDIT en BLU RAY Master HD, Interview de Richard WIDMARK, Technicolor restauré - VF/VOST, 1h21, DVD, Sidonis, 2022.
 

Au lendemain de la Guerre de Sécession, Jim Slater revient en Arizona, à la recherche de la tombe de son père qui, jadis, échappa au massacre de ses compagnons par les indiens avant de s’enfuir avec 60.000 dollars en or…

« Coup de fouet en retour » est l’exemple même de western ne bénéficiant pas des moyens financiers importants des compagnies concurrentes, mais proposant néanmoins un scénario et une réalisation méritant l’attention.
Produit par Universal à l’époque, ce film assez modeste offre, en effet, une intrigue séduisante allant crescendo jusqu’à son issue singulière. Il faut dire que le réalisateur John Sturges signera par la suite de grands westerns passés à la postérité tels « Les sept mercenaires » et « Règlement de Comptes à OK Corral »…
Sans atteindre le niveau de ces derniers, « Coup de fouet en retour » mérite d’être redécouvert grâce à cette belle édition Technicolor restaurée Master HD, et surtout pour la prestation qu’y livre le grand acteur Richard Widmark plus vrai que nature. Le personnage qu’il incarne développe tout au long du film différentes facettes psychologiques qui se révèlent progressivement avec nuances, ce qui n’est habituellement pas le propre du genre. Face à lui Donna Reed (« tant qu’il y aura des hommes » ; « La vie est belle ») resplendit à l’écran par sa présence.

« SOLE » ; Un film de Carlo Sironi avec Claudio Segaluscio et Sandra Drzymalska, DVD, Les Alchimistes Films, 2022.
 

Le jeune Ermanno vit dans une Italie sans futur. Lena, 22 ans, enceinte, arrive tout juste de Pologne. Elle porte l’enfant que l’oncle d’Ermanno et sa femme adopteront à la naissance…

Premier long-métrage du jeune réalisateur Carlo Sironi, « Sole » fait preuve d’une maturité étonnante et d’une maîtrise technique remarquable (filmée en format 1:1.33). Délaissant les effets spéciaux et le zapping des images, le réalisateur prend le temps d’entrer au cœur de la psychologie de chacun des protagonistes pour livrer un film fin et introspectif. Revendiquant l’héritage du cinéma japonais des années 50 dont notamment le célèbre réalisateur Mikio Naruse, Sironi tisse progressivement une narration reposant plus sur l’expression de ses acteurs que sur le dialogue. D’un mutisme obsédant dans la première partie du film, des failles s’immiscent cependant progressivement jusqu’au point d’orgue final. La barrière de la langue (dans le film comme pour les acteurs retenus), le lourd passé suggéré pesant sur chacun d’entre eux, la fatalité des liens éclatés ne laissent guère d’espoir dans cet univers glauque où l’amour maternel impossible devient tarifé… Mais Sironi parvient à introduire dans cette histoire un brin d’espoir, une lumière qui progressivement justifie le titre du film, prénom de l’enfant qui occupera la deuxième partie. Histoire d’amour improbable, communication suggérée plus qu’avérée, « Sole » irradie le cœur des hommes au final dans cette ambiance bleutée qui caractérise la photographie de ce film à découvrir impérativement.

« Si j’étais un espion » ; Un film de Bertrand Blier avec Bernard Blier, Bruno Cremer, Patricia Scott, Claude Piéplu, Pierre Le Rumeur, Suzanne Flon ; Scénario de Bertrand Blier ; Dialogues de Philippe Adrien ; Musique de Serge Gainsbourg et Michel Colombier ; En combo DVD/Blu-ray, Pathé Films, 2022.
 

Médecin parisien menant une existence paisible et anonyme, le docteur Lefebvre voit sa vie totalement bouleversée lorsqu’un de ses patients, connu pour son comportement dépressif, est porté disparu…

Une ambiance noir et blanc des plus classiques, un médecin « soudainement » impliqué dans une histoire rocambolesque, Bertrand Blier dans un rôle original… Il n’en fallait pas plus pour composer un film d’espionnage atypique, premier film de Bertrand Blier, le fils de l’acteur appelé à un bel avenir. Et pourtant, cette réalisation singulière ne connut pas à sa sortie un succès retentissant, ce qui surprend aujourd’hui au regard de la qualité de l’image et du jeu des acteurs. Composant par le truchement d’une intrigue de plus en plus serrée une ambiance étrange, ce film alterne entre oppression du personnage manifestement pris au piège et quotidien anonyme de la vie parisienne des années 60. Bertrand Blier signe avec « Si j’étais un espion » un film en marges du genre, le spectateur ne parvenant pas à cerner ce mystère, ni la véritable personnalité des protagonistes à commencer par celle du médecin, impeccablement interprété par Bernard Blier en premier rôle. Avec ses plans soignés et une musique attractive signée Gainsbourg, ce film mérite d’être redécouvert dans cette version restaurée en 4K.

Version restaurée en 4K, sous la supervision de Pathé avec le soutien du CNC
Suppléments :
Si j’étais un espion : Entretien avec Bertrand Blier par Vincent Roussel (30 min)
Archive : Bernard et Bertrand Blier à propos de leur première collaboration

« Contes du hasard et autres fantaisies » ; Un film de Ryusuke Hamaguchi avec Kotone Furukawa, Katsuki Mori, Kiyohiko Shibukawa, Fusako Urabe, Aoba Kawai ; DVD et VOD, Diaphana, 2022.
 

Un triangle amoureux inattendu, une tentative de séduction qui tourne mal et une rencontre née d’un malentendu. La trajectoire de trois femmes qui vont devoir faire un choix…
Après « Drive My Car » présenté dans ces colonnes, Oscar du meilleur film international, le dernier long-métrage du réalisateur japonais Ryūsuke Hamaguchi développe sur trois contes la thématique de la coïncidence touchant un personnage féminin. Manifestement inspiré du cinéma d’Éric Rohmer, « Contes du hasard et autres fantaisies » explore l’intimité féminine jusqu’en ses infimes variations en autant de petits tableaux sensibles, allant de la légèreté aux questions les plus existentielles.
Ce parcours sinueux de trois femmes livrées à leur destin se trouve bouleversé par cet inattendu qui introduit des ruptures subrepticement dans leur vie quotidienne. Le hasard fait-il bien les choses ? Tels sont les fils qui se tissent dans cette réalisation soignée se déroulant dans le silence feutré de l’inconscient des personnages. Réalisé sous la forme de trois histoires distinctes, « Contes du hasard et autres fantaisies » convie à l’inattendu du monde, à notre capacité à élever notre imagination pour aborder certaines situations que le hasard place sur nos vies.
Ce film a le mérite de nous ouvrir à cette perspective, ce qui n’est pas le moindre de ses mérites.

"UN AUTRE MONDE" de Stéphane Brizé avec Vincent Lindon, Sandrine Kiberlain, Anthony Bajon, DVD, DIAPHANA ÉDITION VIDÉO, 2022.
 

Un cadre d'entreprise, sa femme, sa famille, au moment où les choix professionnels de l'un font basculer la vie de tous. Philippe Lemesle et sa femme se séparent, un amour abimé par la pression du travail. Cadre performant dans un groupe industriel, Philippe ne sait plus répondre aux injonctions incohérentes de sa direction. On le voulait hier dirigeant, on le veut aujourd'hui exécutant. Il est à l'instant où il lui faut décider du sens de sa vie.

Ce troisième opus de la trilogie, après « La loi du marché » (2015) et « En guerre » (2018), fait entrer le spectateur dans l’univers sombre et impitoyable du marché, marché qui gouverne et dirige toutes les lois des affaires… et les hommes écrasés par elles. Ce qui est vécu au quotidien par des millions de femmes et d’hommes dans nos sociétés dites modernes fait l’objet d’un traitement une fois de plus sans concession par Stéphane Brizé avec son acteur fétiche, Vincent Lindon particulièrement inspiré par son rôle. Cet être que l’on sent sensible et ouvert s’effondre progressivement dans l’adversité, à la fois professionnelle et privée, de sa vie. S’entourant d’acteurs pour la plupart non professionnel à l’exception de la fragile Sandrine Kimberlain, méconnaissable dans ce rôle où elle interprète une femme brisée par son divorce, Brizé dépeint sans merci, mais sans caricatures pour autant, cette dépersonnalisation des rapports humains conduisant à cet « homme sans qualité » qu’évoquait déjà en son temps Robert Musil. Sans dévoiler l’issue de ce film bien mené, le personnage central n’acceptera pas cette fatalité, non point en Robin des Bois des affaires mais en homme debout, face à son destin et à celui de ses congénères. Un film qui fait sens.
 

« L’extravagant Mr. Deeds » (Mr. Deeds Goes to Town) 1936 ; Un film de Frank Capra avec Gary Cooper et Jean Arthur ; DVD, Wild Side Vidéo, 2022.
 

Martin W. Semple s’est tué dans un accident de voiture, léguant son immense fortune à un neveu qu’il n’a jamais vu. La haute société new-yorkaise est en émoi !
Qui est donc ce Longfellow Deeds, ce jeune homme naïf, un tantinet loufoque, qui joue du tuba et écrit des vers, pour la plus grande joie des habitants de sa bourgade,
Mandrake Falls ?

Ce chef-d’œuvre du réalisateur Frank Capra réalisé en 1936 fait l’objet d’une belle édition avec ce coffret BR/DVD/Livret. Il faut dire que ce récit humaniste passé à la postérité pour l’impressionnant travail mené par le réalisateur américain d’origine italienne, non seulement sur les cadrages savants mettant en valeur ses acteurs, mais aussi pour cette liberté qui fut sienne afin d’encourager les émotions de ces derniers à l’écran.
Et le résultat opère avec cette saisissante prestation d’un jeune acteur qui serait amené à être pourtant plus connu pour ses rôles taciturnes que facétieux. Le jeune Gary Cooper crève, en effet, l’écran dans ce rôle unique dans sa carrière où il lui sera loisible de laisser apparaître tour à tour un visage candide, des traits tourmentés ou encore des sourires communicatifs. Face à lui la sémillante Jean Arthur a quelques difficultés à rivaliser avec son partenaire qui lui vole souvent la vedette.
Frank Capra avec cette comédie délivre à la veille de la 2e Guerre mondiale un message pour un monde plus humain anticipant déjà sur son iconique « La vie est belle » qui sortira dix ans après. Le réalisateur de « Arsenic et vieilles dentelles » livre ainsi avec « L’extravagant Mr Deeds » un film à la fois bouleversant et divertissant à redécouvrir dans cette belle édition Wild Side Vidéo !

« Les nuits révolutionnaires » réalisé par Charles Brabant, 7 épisodes de 60 min - Version numérisée et restaurée en 2K, 4 DVD, Doriane Films, RM Arts, 2021.
 

Restif de la Bretonne, écrivain et philosophe, moraliste autant que libertin, a vécu la Révolution à chaud. Toutes les nuits, il arpente les bas-quartiers du Paris populaire, tel un hibou. C’est en voyant défiler sous ses yeux la grande, et la petite histoire, qu’il a écrit Les Nuits de Paris.

Véritable petit bijou de nos jours injustement méconnu, la série « Les nuits révolutionnaires » d’après l’œuvre et la vie de Nicolas Restif de la Bretonne nous transporte à la veille de la Révolution jusqu’à la Terreur robespierriste en 7 épisodes passionnants. Le réalisateur, Charles Brabant, littéralement happé par le souffle rétivien a conçu un scénario particulièrement habile afin de restituer ces temps troublés où chaque parti cherchait à tirer à soi la lame de fond révolutionnaire. Produite pour le bicentenaire de la Révolution en 1989, cette fresque trépidante n’a pas pris une ride et la prestation de son personnage principal en la personne de Michel Aumont rivalise avec la beauté des décors restituant le Paris nocturne et diurne des années révolutionnaires.
Alternant moments de gravité et scènes plus cocasses, l’esprit libertin côtoie celui des Lumières en d’habiles transitions. Avec un casting de choix (Michel Bouquet, Maria Casarès, Fabrice Luchini, Gérard Desarthe, Bernard Fresson, Daniel Mesguich, Paul Crauchet, Michel Robin, Maria de Medeiros, Marcel Maréchal…), cette série parvient à se saisir non seulement de l’esprit révolutionnaire avec ses convictions et doutes, mais aussi de la vie parisienne vue sous d’autres angles que ceux habituellement légués par l’histoire officielle, sous le regard perçant de cet écrivain à l’étonnant parcourt que fut Restif de la Bretonne (1734-1806), dit « le hibou ».
Un voyage captivant sur les temps révolutionnaires à découvrir impérativement avec ce coffret Doriane Films !

« Eiffel » ; Un film de Martin Bourboulon avec Romain Duris, Emma Mackey et Pierre Deladonchamps ; DVD, Pathé, 2022.
 

Venant tout juste de terminer sa collaboration sur la Statue de la Liberté, Gustave Eiffel est au sommet de sa carrière. Le gouvernement français veut qu’il crée quelque chose de spectaculaire pour l’Exposition Universelle de 1889 à Paris, mais Eiffel ne s’intéresse qu’au projet de métropolitain. Tout bascule lorsqu'il recroise son amour de jeunesse. Leur relation interdite l’inspire à changer l’horizon de Paris pour toujours.

C’est un visage et surtout une passion qui ont été ainsi rendus à Gustave Eiffel avec ce film réalisé par Marin Bourboulon. Ce long-métrage parvient à rendre avec une beauté saisissante cette fin de siècle qui connut l’Exposition Universelle et tous les espoirs après une guerre ayant ravagé les esprits. L’heure est à l’insouciance et à la démesure, ce qui tombe bien, car Eiffel offrira le projet qui cristallisera cette attente en une unique dentelle de fer.
Mais l’intérêt de ce film ne réside pas dans la seule évocation de la genèse de l’un des monuments les plus emblématiques de la capitale française mais aussi dans le traitement du caractère du personnage saisi par une passion de jeunesse qui éclaire sous un jour nouveau tout son travail. Ces « deux femmes » occuperont l’esprit de l’ingénieur de manière à la fois possessive et exclusive, la première lettre du prénom de l’aimée A pour Adeline rejoignant la forme de la célèbre tour en devenir… Le réalisateur parvient à évoquer avec puissance et poésie cette édification qui ne sera pas sans embûches. Avec une photographie remarquable et des plans saisissants, toute la magie de la Dame du Champ de Mars se trouve magnifiée dans ce film à découvrir dans cette belle édition Pathé.

« Échec au porteur » (1957) ; Un film de Gilles Grangier avec Paul Meurisse, Jeanne Moreau, Serge Reggiani et Simone Renant ; Scénario : Pierre Véry, Noël Calef et Gilles Grangier d'après le roman Échec au porteur de Noël Calef ; Dialogues : Noël Calef et Pierre Véry ; DVD – 1.37 - N&B - 83 min, Pathe Films, 2022.
 

Membre d'un gang de trafiquants, Bastien Sassey transporte un ballon de foot contenant de la drogue. Mais celui-ci est bientôt remplacé par un ballon en plastique chargé d'explosifs, destiné à éliminer un gang rival. Hélas, cette bombe à retardement tombe entre les mains d'un groupe d’enfants qui joue à proximité...

La superbe restauration livrée par Pathé Films réjouira tous les amateurs de bons polars, « Échec au porteur » réalisé en 1957 par Gilles Grangier comptant assurément parmi eux. Porté par un scénario bien ficelé adapté du roman de Noël Calef par l’auteur lui-même et Pierre Véry, ce film transportera instantanément le spectateur dans un univers à jamais révolu, celui des banlieues naissantes des années 50… Grâce à une distribution prestigieuse mettant en avant Paul Meurisse, Jeanne Moreau et Serge Reggiani sans oublier des seconds rôles convaincants, « Échec au porteur » tient en haleine des premières jusqu’aux dernières minutes. Mais le plaisir réside surtout dans la beauté de la réalisation avec ses plans parfaits, cette photographie impeccable et un tournage en extérieur sur des plaines en profonde mutation entre campagne et prochaine urbanisation, à l’image des inoubliables plans de Pasolini sur les borgate romaines. On y retrouvera ces meutes de jeunes enfants se chamaillant dans les décombres de vieilles bâtisses appelées à être rasées par les pelleteuses de promoteurs, ces petites ruelles dignes du photographe Atget et, paradoxalement, un monde gagné par l’industrialisation et le modernisme, notamment la police, avec de nouvelles technologies qui feront sourire de nos jours…

Suppléments :
- Analyse du film par Bertrand Tavernier (15 min)
- Gilles Grangier, Le Cinéma de Banlieue – Entretiens avec François
Guérif & Noël Véry (18 min)
- Actualité Pathé : Noël Calef reçoit le prix Quai des Orfèvres pour son
livre Échec au Porteur – 1956
Sort également en DVD « Le sang à la tête » de Gilles Grangier.
 

« L’Idiot » 1946 ; Un film de Georges Lampin ; Scénario de Charles Spaak avec Gérard Philippe, Edwige Feuillère, Lucien Coëdel et Marguerite Moreno d’après le roman de Fedor Dostoïevski, DVD PAL - Toutes Zones - VF - N&B - 95 mn - Doriane Films – 2021.
 

1870. Après un long séjour en Suisse pour des raisons de santé, le tendre et idéaliste prince Lev Nikolaïevitch Mychkine (Gérard Philippe) retourne à Saint-Pétersbourg. Sans ressources, il se rend chez le général Epantchine, son seul parent. Vite écoeuré par l’hypocrisie de la haute société russe, le prince tente d’empêcher la belle Anastasia (Edwige Feuillère) de se perdre aux mains du vil marchand Rogojine. Qui de l’idiot ou du voleur gagnera son coeur ?

Il fallait oser une adaptation en moins de cent minutes du célèbre roman de près de mille pages de Fiodor Dostoïevski « L’Idiot ». Georges Lampin su relever ce défi avec un charme certain dans ce film sorti au lendemain de la guerre, en 1946. Un tout jeune acteur encore méconnu à l’époque allait irradier l’écran dans le rôle du prince Mychkine. Son nom ? Un certain Gérard Philippe qui interprétait à la même époque du tournage le rôle de Caligula dans la pièce de Camus, un grand écart qui témoignait déjà de l’aisance de la future vedette. Dans le film de Lampin, face à la ténébreuse et provocante Edwige Feuillère dans le rôle de la belle Anastasia, Gérard Philippe parvient à se saisir de l’esprit du grand romancier russe quant à l’interprétation de son rôle. Un souffle mi christique, mi- exalté, caractérise ce personnage que ses contemporains présentent comme simple d’esprit alors que la lucidité de son cœur parvient à révéler l’âme des personnes qu’il rencontre. Dans ces multiples confrontations et sur fond d’hypocrisies de la société russe, « L’Idiot » introduit un message d’espoir, vite estompé par la fin tragique. Lampin, réalisateur d’origine russe et nourri de littérature de son pays offre avec cette réalisation soignée et des plans pour certains de toute beauté une lecture convaincante de ce célèbre roman.
 

Du plomb pour l'inspecteur » (Pushover) – 1954 ; Un film de Richard Quine avec Fred MacMurray, Philip Carey, Kim Novak ; Format : 16/9, 1:85, Audio : Français – VOST, Durée : 82 min, Noir et Blanc, DVD, Sidonis, 2021.
 

Des braqueurs tuent un vigile avant de prendre la fuite avec leur butin. Un inspecteur infiltré surveille la maîtresse de l’un d’eux, mais l’amour entre en jeu, et il se trouve rapidement pris au piège entre gangsters et policiers ; sa vie va alors basculer.

Ce petit joyau méconnu du film noir mérite assurément d’être redécouvert grâce à cette édition soignée du label Sidonis. « Du plomb pour l’inspecteur » du réalisateur Richard Quine emporte en effet le spectateur en un tourbillon sans retour impliquant un policier et une femme fatale balayés par la tentation. Car là est bien le fil directeur de cette belle réalisation, aux plans impeccables, portant principalement tout au long du film sur un seul et même immeuble au sein duquel les protagonistes se débâteront pour échapper à leur destin…
L’intrigue se met en place très progressivement à partir d’un banal hold-up d’une banque, sans qu’un mot ne soit prononcé. Puis, crescendo, l’action véritable se met en place, non point à coups de revolver et de sirènes de voiture, mais bien plus subtile car située essentiellement sur le plan psychologique. L’inspecteur interprété avec une rare intelligence par Fred MacMurray (« Assurance sur la mort ») glisse insidieusement de la rectitude de son métier à la tentation de la passion et du gain. Tout cela est mené de main de maître par le réalisateur avec une jeune actrice au tout début de sa carrière, Kim Novak, inoubliable dans « Vertigo », mais dont on pressent ici toutes les promesses.
Un film captivant à compléter par les toujours documentés bonus de Bertrand Tavernier et François Guérif.

« Les Civilisations perdues : Jerash cité gréco-romaine », réalisation Jacques Vichet, Blue Bird Productions, LCJ Éditions, 2014.
 

Si les sites de Pétra, Leptis Magna, Palmyre ou encore Volubilis sont de nos jours bien connus, celui de Jerash en Jordanie reste plus confidentiel. Comme si le voile qui avait recouvert cette cité fondée à l’époque hellénistique par les Séleucides l’avait à la fois préservée des destructions mais aussi, et par là même, condamnée à une certaine discrétion. Le passionnant documentaire de Jacques Vichet ouvre les portes de cette ville bâtie par les vétérans de l’armée d’Alexandre le Grand qui lui auraient donné son nom – Gerasa (cité des Gérontes) – et ses premiers édifices. Chaque siècle laissera ses strates archéologiques mises en évidence avec didactisme par l’archéologue et spécialiste du site Jacques Seigne. Si ce labyrinthe minéral peut de prime abord déconcerter quelque peu le spectateur, le chercheur lui-même architecte démêle au fil de ce documentaire esthétique cet écheveau en montrant combien il demeure essentiel de replacer chaque édifice encore visible dans son contexte historique, ce que nous voyons n’étant pas la configuration initiale souhaitée par les bâtisseurs mais souvent le fruit de multiples aménagements et remplois par les siècles postérieurs. La conquête romaine lui donnera ses lettres de noblesse, notamment grâce au commerce prospère et à l’agriculture. Gerasa deviendra même l’une des dix principales cités de l’empire et accueillera en son enceinte l’empereur Hadrien en 129. Après son heure de gloire, cette cité connaîtra un lent déclin à partir des invasions perses et arabes sous les Omeyyades, déclin accentué par les terribles tremblements de terre au VIIe s. Après un bref sursaut au moment des croisades, le sable enveloppera définitivement cette cité en un long sommeil qui paradoxalement lui sera salutaire en la préservant des outrages du temps…

Réalisateur : Jacques Vichet, Genre : Documentaires, Année : 2013, Durée : 0h52, Langue : Français / Anglais, Sous-titre : Aucun, Format : 16/9, Son : Stéréo en dolby digital 2.0

BACKTRACK A.KA. CATCHFIRE, 1990 - Couleurs - 100 mn; Un film de Dennis Hopper avec Dennis Hopper, Jodie Foster ; Nouvelle restauration HD, Montage Director's Cut en exclusivité sur l'édition Blu-ray, Version originale sous-titrée + Version française, Édition Blu-ray ou DVD, Carlotta Films, 2021.
 

Anne Benton, une jeune artiste de Los Angeles, est témoin d’un meurtre orchestré par la mafia. Elle tente de trouver protection auprès de la police, mais les hommes de main du parrain ont déjà retrouvé sa trace. Anne parvient malgré tout à s’enfuir sous une nouvelle identité. Un tueur à gages nommé Milo est alors engagé pour débusquer et éliminer la jeune femme. Contre toute attente, cet homme sans pitié va tomber amoureux de sa cible…

Avec Backtrack, l’acteur et réalisateur Dennis Hopper revisite le genre du polar. Les repères traditionnels se trouvent en effet bouleversés pour le plus grand plaisir du spectateur, tout d’abord un brin désemparé, puis finalement embarqué dans cette folle cavale menée tambour battant par Dennis Hopper, également acteur dans son film, en compagnie de la troublante Joddie Foster.
Si Dennis Hopper sait jouer à la perfection des rôles aussi différents que ceux qu’il a interprétés avec brio dans « Easy Rider », « Blue Velvet » ou encore « Apocalypse Now », dans « Backtrack » il se joue, en effet, avec un plaisir évident des codes classiques du polar. Et pourtant, tous les ingrédients sont réunis, une jeune artiste témoin gênant d’un crime commis par la mafia, une police inefficace pour la protéger et une fuite sous la forme d’une cavale sans lendemain face aux gangsters… Mais cette recette aurait été trop évidente pour Dennis Hopper, cet esthète épris d’art contemporain dont il a su inviter de grands représentants au cœur même de sa réalisation. Cela donne des scènes assez étonnantes et d’une rare esthétique dans une galerie d’art. Les liens entre art contemporain et cette réalisation débridée fourmillent au point de faire perdre parfois les repères du spectateur étonné par ces multiples références à des artistes majeurs du XXe siècle tels Jenny Holzer ou encore Georgia O'Keeffe, sans oublier la courte scène avec Bob Dylan…
Dennis Hopper, dans cette réalisation aux multiples versions, s’amuse et amuse avec « Backtrack », un film sans prétention, tournant tout en dérision, et aux multiples clins d’œil à l’histoire du cinéma…
 

" Dieu sait quoi " de Jean-Daniel Pollet - 1995 ; Film en version restaurée, 90 minutes ; textes de Francis Ponge, dits par Michael Lonsdale ; 14 x 19 cm , 64 pages + DVD, Éditions de l’œil, 2020.
 

Des objets quotidiens filmés dans un paysage provençal, tels que les évoqua Francis Ponge dans ses textes. Peu à peu se dévoile ce « monde muet » qui « est notre seule patrie », s’animent ces « retours de la joie, ces rafraîchissements de la mémoire, des objets de sensations », ce que Ponge appelait ses « raisons de vivre ».

Lorsque la poésie de Francis Ponge rencontre celle du cinéaste Jean-Daniel Pollet, le 7e art propose une autre voie, celle du cinéma de poésie, proche de ce que poursuivit en son temps Pier Paolo Pasolini. Aussi Jean-Daniel Pollet part-il de cette clé de l’œuvre de Francis Ponge : "Ce monde muet est notre seule patrie." Il s’agit alors de redescendre aux choses, comme aux mots, une descente qui n’a rien de celle d’Orphée, mais relève plutôt de l’intimité du regard et du verbe… « Dieu sait quoi » est une locution souvent employée par le poète Francis Ponge, non point en une recherche transcendantale, mais plutôt comme un aveu d’impuissance à nommer les choses.
Jean-Daniel Pollet a, ici, décidé de relever ce défi en suggérant une image à partir de ces objets du quotidien, artefact appartenant au réalisateur dans l’enclos de sa vie privée, en une métaphore plus générale de la vie humaine. Carafes, verres, tables, écran de télévision, fruits de fin d’automne sont autant de suggestions et de supports à capter ce monde muet grâce à la poésie de l’image. Ces plans fixes ou mouvants « éclairés » par l’admirable musique d’Antoine Duhamel faisant écho parfois à d’autres réminiscences héritées de Bach composent un cadre libre à cet échange entre l’image et la langue. La poésie de Ponge avec la voix de Michael Lonsdale irradie ces plans de toute beauté du réalisateur. « Dieu sait quoi » offre cette manière de filmer propre à Jean-Daniel Pollet en suggérant à hauteur du regard une ligne indicible d’horizon. Les éléments se conjuguent dans cette partition terrestre et céleste tendue vers le sud, la Méditerranée, si précieuse aux deux hommes.
Le silence du langage, hypnotique, alterne avec la poésie de l’image à un point tel qu’un galet irisé d’eau se métamorphose en poème. Une aventure secrète et à la fois ouverte grâce à ce remarquable livret-DVD proposé par les éditions l’œil.

Jean et Otto, un homme de presse français et un jeune francophile allemand, se battent pour la paix en Europe. La fille de Jean, Corinne, démarre une brillante carrière d'actrice de cinéma. Mais la guerre éclate et la France est occupée. Les deux amis ont un rôle majeur dans cette nouvelle France. Jean trouve la stature d'un grand patron de presse, ardent promoteur de la Collaboration avec l'occupant, Otto devient l'ambassadeur du Reich à Paris. Corinne, se trouve jetée dans la fosse aux lions…

Le réalisateur Xavier Giannoli, déjà remarqué pour « Illusions perdues », s’attaque avec « Les Rayons et les ombres » à la période trouble de l’Occupation et de la collaboration en France après la défaite de 1940. Thème sensible s’il en est dans l’Hexagone, ce film a fait le choix d’éviter toute caricature pour lui préférer les zones à mi-teintes, ces infimes glissements de la vie conduisant à des choix pourtant radicaux et irréversibles. Car Jean Luchaire n’est pas présenté comme un salaud de plus, mais plutôt un être faible, influencé par la réussite, l’argent et les plaisirs ; Vecteurs de sa vie qui occuperont progressivement une place croissante, remplaçant rapidement les idéaux de pacifisme et d’humanisme qu’il partageait avec son ennemi allemand de longue date, Otto Abetz, tristement connu par la suite pour être devenu un diplomate du Troisième Reich et criminel de guerre nazi…

La faiblesse de cœur de ces personnages les conduit en effet à transiger avec leurs principes et à accepter l’inacceptable sous couvert de petits arrangements. Dans ce maelström irréversible, Corinne, la fille de Jean, se trouve prise dans cet engrenage fait d’ivresses et d’évasion, une insouciance résumée à un « Je ne savais pas » si récurrent au lendemain de la guerre…

Evitant toute caricature, « Les Rayons et les ombres » devrait servir d’enseignement moral, notamment pour celles et ceux qui prétendent toujours « ne pas savoir ».

Une belle leçon de cinéma servie par un Jean Dujardin magistral.

"Maigret et le mort amoureux" ; Un film de Pascal Bonitzer avec Denis Podalydès, Anne Alvaro, Manuel Guillot, Irène Jacob, ; Scénario de Pascal Bonitzer d’après le roman de Georges Simenon « Maigret et les vieillards », DVD/BDR, Pyramide Video, 2026.

Le commissaire Maigret est appelé en urgence au Quai d’Orsay. Monsieur Berthier-Lagès, ancien ambassadeur renommé, a été assassiné. Maigret découvre qu’il entretenait depuis cinquante ans une correspondance amoureuse avec la princesse de Vuynes, dont le mari, étrange coïncidence, vient de décéder. En se confrontant aux membres des deux familles et au mutisme suspect de la domestique du diplomate, Maigret va aller de surprise en surprise...

Si nous avons tous en mémoire les interprétations inoubliables de Jean Richard, Jean Gabin ou encore Bruno Cremer, campant chacun avec leur personnalité le fameux personnage du commissaire Maigret né sous l’inspiration de Georges Simenon, le dernier film de Pascal Bonitzer vient apporter un nouveau souffle qu’il convient assurément de découvrir avec cette sortie DVD chez Pyramide Video.

Une surprise, tout d’abord, avec le choix de Denis Podalydès (Benoît Magimel avait également été pressenti pour ce rôle). Le fameux sociétaire de la Comédie Française prouve une fois de plus la richesse de l’éventail de ses interprétations. Ici, il plonge avec une certaine délectation et aisance dans l’univers simenonien, un rôle pourtant difficile eu égard aux légendes qui l’avaient précédé…

Si cette réalisation a fait le choix de retenir un cadre plus contemporain (les années 2000 avec l’apparition du téléphone portable), cette modernité s’estompe cependant volontairement très rapidement au profit de cette atmosphère propre au roman, où l’enquête menée façon « Maigret" prend le dessus. Notre commissaire, toujours réfractaire à la modernité, porte son traditionnel chapeau et tient fidèlement sa pipe tout au long du film, même si certains personnages lui recommandent des patchs anti-nicotine… Maigret fait surtout preuve d’un regard perçant afin d’analyser les femmes et les hommes qui lui sont présentés. Or, pour cet opus, l’affaire est loin d’être aisée. Cet imbroglio d’amours impossibles tisse en effet un réseau des plus complexes, que même le plus célèbre des commissaires semble avoir des difficultés à démêler. Et si, au terme de l’enquête, l’issue semblant certaine, le spectateur réalisera avec Maigret que rien n’est cependant acquis...

Bref, du pur Simenon !

Une belle réalisation à découvrir dans cette édition Pyramide Vidéo enrichie de bonus avec le réalisateur, mais aussi le fils de Georges Simenon.

« À pied d’œuvre » ; Un film de Valérie Donzelli avec Bastien Bouillon, André Marcon, Virginie Ledoyen ; DVD/BRD/VOD, Diaphana Editions, 2026.

À pied d’œuvre raconte l’histoire vraie d’un homme qui renonce à son métier dont il ne comprend plus le sens pour se consacrer à sa véritable passion, l’écriture. Mais être publié ne veut pas dire gagner sa vie…

Le dernier film de Valérie Donzelli nous fait plonger au cœur de la création et de la condition des artistes - en l’espèce un écrivain. A l’image de la fraise d’un dentiste s’introduisant progressivement dans une molaire, cette réalisation d’un réalisme redoutable va au fond des choses, et des êtres, dans le quotidien le plus trivial qui soit. Nous sommes loin de l’univers doré d’un Saint-Germain-des-Prés avec ses auteurs en chemise blanche immaculée. Notre héros se voit progressivement s’enfoncé dans la précarité, une précarité très rapidement condamnée par ses proches. Résistant comme un frêle esquif à cette adversité, Paul va de petits boulots en petits boulots, balloté dans un monde du travail temporaire sinistre et soumis à une concurrence inhumaine.

Bastien Bouillon parvient à se saisir de ce rôle avec un réalisme étonnant, se transformant littéralement physiquement et psychiquement au fil de ce long-métrage éprouvant. Quelques rares rayons de lumière égayeront, ici ou là, ce portrait sombre, et néanmoins réaliste : des mains tendues et autres témoignages poignant de son fils. La vie d’écrivain n’est décidément pas un long fleuve tranquille…

« Hérésie » ; Un film de Didier Konings avec Anneke Sluiters, Len Leo Vincent, Reinout Bussemaker ; (60 mn) SVOD VOD DVD, Charybde Distribution & Doriane Films, 2026.
 

Au Moyen Âge, dans un petit village très pieux de Hollande, Frieda tente de concevoir un enfant avec son mari. Malheureusement, elle ne parvient pas à tomber enceinte, et les villageois commencent à la soupçonner d'avoir conclu un pacte avec le diable qui résiderait dans la forêt.

Voici un premier film prometteur pour ce jeune réalisateur néerlandais, Didier Konings, déjà bien connu par ailleurs du 7e art pour lequel il voue une passion depuis son plus jeune âge lorsqu’il découvrit pour la première fois « Jurassic Park » de Steven Spielberg. Amoureux des effets visuels, le jeune homme s’est, en effet, vite dirigé vers la peinture numérique et l’art conceptuel. Apprécié pour ses qualités artistiques, il deviendra alors concept-artiste à Los Angeles et collaborera à de nombreux films dans lesquels il excellera à créer des univers majestueux et mystérieux. « Hérésie » est donc son premier long-métrage, et bien qu’il ne fasse que 60 minutes, c’est – il faut le dire d’emblée - une véritable réussite !
Dans un univers tenant à la fois de la fresque médiévale et des mythes, l’histoire nous transporte au Moyen Âge dans un petit village de Hollande bordant une profonde forêt. En ces lieux, la vie villageoise se partage entre travaux du quotidien et une vie communautaire soudée par une religion dictant toutes les valeurs morales. Tout semblait se dérouler sans encombres jusqu’au moment où une jeune femme ne parvenant pas à avoir un enfant et accusée de commerce avec le diable décide alors de franchir la limite interdite de la forêt…
A partir de là, les frontières s’estompent, ce qui était présenté comme le bien devient sujet à question, alors que l’univers fantasmagorique des fées et des forces diaboliques composent une société moins redoutable qu’il n’y paraissait de prime abord. Prolongeant un questionnement déjà entamé au XIXe siècle par Michelet avec « La Sorcière », ce film, sans pour autant verser dans un féminisme outrancier, repense les notions de bien et de mal, de religion et de croyances païennes, pour dépasser ces antagonismes et suggérer subtilement quelques pistes philosophiques.
Bien sûr, le spectateur retiendra également la prestation convaincante de l’actrice Anneke Sluiters et les effets spéciaux de Didier Konings d’une redoutable et esthétique efficacité !
Un film à découvrir.
 

« La règle du jeu » (1939) ; Un film de Jean Renoir ; Durée 1H47 - Langues : Français Dual Mono – Noir & Blanc, DVD, Rimini Editions, 2025.
 

L’aristocrate Robert de la Chesnay organise une partie de chasse dans un château en Sologne. Durant quelques jours, maîtres et domestiques vont s’y croiser dans un inoubliable ballet…

« La règle du jeu » du grand cinéaste Jean Renoir, devenu un classique à partir des années 50, eut pourtant à souffrir de bien des avatars à ses débuts. Obligé, en effet, de couper dans son scénario en raison de difficultés financières à la veille de la Seconde Guerre mondiale, le fils d’Auguste Renoir dut également voir son long-métrage amputé de nombreuses scènes dont les pellicules furent malheureusement détruites… Malgré ces péripéties, qui auraient pu définitivement enterrer ce film conçu à partir de la pièce de Musset « Les Caprices de Marianne », « La Règle du jeu » prit au fil des décennies valeur d’icône du cinéma, au point d’être considéré comme l’un des meilleurs films de Renoir et une même véritable « leçon de cinéma » selon Truffaut.
Débutant par un ton léger, typique des comédies du cinéma des années 30, le film va crescendo en un tourbillon de sentiments qui, du vaudeville, tourne au drame au terme de cette « partie de campagne » d’un autre genre, en référence au moyen métrage du cinéaste en 1936.
Robert Toutain, Nora Gregor, Marcel Dalio, sans oublier le réalisateur en personne campant le rôle d’Octave, livrent chacun pour cette incontournable réalisation une brillante interprétation sertie de cadrages et de plans de toute beauté dignes du grand Jean Renoir !

« Le gorille vous salue bien » un film de Bernard Borderie avec Lino Ventura, Charles Vanel, Pierre Dux, Bella Darvi, Marie Sabouret, Jean-Pierre Mocky, Scénario : Antoine Dominique, Jacques Robert et Bernard Borderie, DVD/BR, Pathé Films, 2025.
 

Géo Paquet, dit « Le Gorille » s’évade de prison aidé de l’extérieur. Son emprisonnement n’était qu’un camouflage destiné à masquer son activité au sein des Services de Renseignements dont il est l’agent no. 1. La D.S.T s’inquiète de la disparition de plans de l’aéronautique militaire et c’est seul et poursuivi par la police légale que « Le Gorille » mène l’enquête…

Qui ne connait, au moins de nom, le titre « Le gorille vous salue bien » passé à la postérité du 7e art ? Pathé Films propose aujourd’hui une belle édition restaurée de ce film d’anthologie en coffret DVD et BR réalisé par Bernard Borderie au tout début de la Ve République, en 1958. Il faut replacer dans son contexte, en effet, ce long-métrage à mi-chemin entre film d’espionnage et série noire avec un Lino Ventura crevant l’écran, de la première à la dernière minute.
Adapté de la série romanesque d’Antoine Dominique, « Le Gorille » connaîtra une première réalisation effectivement avec Lino Ventura, mais ce dernier ne souhaitant pas s’enfermer dans un rôle à répétition, le relais passera ensuite à Roger Hanin pour les épisodes suivants (2&3).
Hésitant entre sérieux et comédie, ce film sortit en plein cœur de la guerre froide, avec un scénario accentuant autant que faire ce peut le mystère qui sied au genre retient l’attention… La réalisation, cinématographiquement parlant, séduit avec des plans de toute beauté, une caméra mobile et réactive, sans oublier une photographie des plus esthétiques dans le Paris, et sa banlieue, des années 50.
Le succès de cette réalisation tient bien entendu à la prestation de son acteur principal dont c’est ici le premier grand rôle, mais également à une distribution laissant également la part belle à d’autres acteurs talentueux tels Robert Manuel, Pierre Dux, René Lefèvre sans oublier l’excellent Charles Vanel.
Un film à redécouvrir dans cette superbe version restaurée !

A noter la suite du Gorille qui vient également de paraître chez Pathé Films : « La Valse du Gorille » avec Roger Hanin.
 

« Le Terroriste (1963) » de Gianfranco De Bosio avec Gian Maria Volontè, Philippe Leroy, Giulio Bosetti, Raffaella Carrà, José Quaglio, Cesarino Miceli Picardi, Carlo Bagno, Roberto Seveso ; Blu-ray + DVD + Livret, Rimini Editions, 2025.

Venise, hiver 1943. La Résistance italienne prépare une attaque contre le siège de la Kommandantur. Un homme, surnommé l'Ingénieur, joue un rôle central dans ce plan.

« Le terroriste » est tout d’abord une œuvre de mémoire, celle, personnelle, du réalisateur italien Gianfranco De Bosio qui entra très jeune dans la Résistance italienne lors de la Seconde Guerre mondiale, et de manière plus générale, celle d’un pays qui se divisa face à l’invasion allemande entre collaboration et opposition. Les évènements relatés ne cherchent en aucune manière à magnifier une action héroïque, mais plutôt à discerner des convictions profondes qui n’empêchèrent pas la peur, le doute et les oppositions.
Servi par une rare et belle esthétique sublimant une Venise inhabituelle, loin des clichés usuels, ce long-métrage sorti en 1963 vient de faire l’objet d’une remarquable restauration 4K par les éditions Rimini, une restauration qui lui redonne toute la finesse de la photographie et la beauté de ses plans sur la Cité des Doges noyée dans les brumes d’un hiver glacial sur tous les plans.
Le grand comédien Gian Maria Volontè - que l’on avait notamment apprécié dans l’adaptation du roman de Carlo Levi Cristo si è fermato a Eboli, accentue encore dans cette réalisation la dimension dramatique des faits relatés grâce à une interprétation à la fois convaincue et d’une rare sobriété. « Le Terroriste » dénonce l’apathie générale face à l’oppression et à l’inacceptable, une belle leçon à méditer moins d’un siècle après ces évènements…

Audio : Français DTSHD-MA 2.0mono, Italien DTSHD-MA 2.0mono Sous-titrage : Français Boîtier avec étui, Restauration 4K, Contient : - le Blu-ray du film, - le DVD du film, - un livret (32 pages),
Blu-ray : Entretien avec Me Stefano de Bosio, avocat et fils du réalisateur (2024, 44') "Le Terroriste et Venise", retour sur les différents lieux du film (2025, 23') Entretien avec Daniel Currò, ancienne conservatrice de la Cinémathèque Italienne (2020, 27')

« 1984 » ;Un film de Michael Redford avec John Hurt, Richard Burton, Suzanna Hamilton et Cyril Cusac ; 105 mn, DVD, Rimini Editions, 2024.
 

En 1984, le monde est dominé par trois grandes puissances qui se livrent une guerre perpétuelle. L’une d’elles, l’Océania, est dirigée par un parti unique et soumise à un régime totalitaire, personnifié Big Brother, dont le portrait est omniprésent. Le bureaucrate Winston Smith tombe amoureux de Julia, ce qui est totalement interdit.

Le film « 1984 » réalisé par Michael Redford offrira à celles et ceux qui n’auraient pas encore lu le fameux roman dystopique de Georges Orwell une transposition cinématographique convaincante à plus d’un titre.
Le scénario tout d’abord plonge littéralement le spectateur dans l’univers orwellien glaçant à souhait où les couleurs se sont quasiment estompées pour une atmosphère sépia des plus oppressantes… Des plans soignés, des cadrages jouant des contrastes avec les effets des masses endoctrinées et la solitude du héros quasi kafkaïen interprété avec une rare justesse par John Hurt, happent spontanément et allant crescendo jusqu’au terme de cette intrigue qui dénonce les effets de l’endoctrinement des masses et de la manipulation politique au lendemain de la Seconde Guerre mondiale et à la veille de la Guerre froide.
Le choix des acteurs s’avère également des plus judicieux - John Hurt précédemment évoqué, mais aussi l’inoubliable Richard Burton dont ce sera le dernier rôle à l’écran puisqu’il disparaîtra à l’âge de 58 ans quelques jours après la fin du tournage. Ce géant du grand écran et du théâtre livre dans ce dernier film une interprétation idoine faite de fausse compassion et d’une rare cruauté quant à l’endoctrinement.
Au final, le spectateur de cette belle réalisation servie par la musique du légendaire groupe londonien Eurythmics n’aura qu’une envie, redécouvrir le roman à l’origine de ce film réussi.
 

« La Tresse » ; Un film de Laetitia Colombani avec Kim Raver, Fotinì Peluso et Mia Maelze, DVD, M6 Video.

Inde. Smita est une Intouchable. Elle rêve de voir sa fille échapper à sa condition misérable et entrer à l'école. Italie. Giulia travaille dans l'atelier de son père. Lorsqu'il est victime d'un accident, elle découvre que l'entreprise familiale est ruinée. Canada. Sarah, avocate réputée, va être promue à la tête de son cabinet quand elle apprend qu'elle est malade. Trois vies, trois femmes, trois continents. Trois combats à mener. Si elles ne se connaissent pas, Smita, Giulia et Sarah sont liées sans le savoir par ce qu'elles ont de plus intime et de plus singulier.

Le film de Laetitia Colombani retrace le destin de trois femmes, et de trois vies parallèles, qui bien que ne se rencontrant à aucun moment, aboutiront néanmoins à un lien commun : celui de la vie et du courage des femmes. Tout oppose en effet la condition sociale de Smita et de sa fille, cette Intouchable à l’avenir tout tracé dans la réprobation générale des laissés-pour-compte de la société indienne, de celle de cette avocate canadienne à la carrière prometteuse. Entre ces deux vies, Giulia, jeune Italienne, apparaît dans la fraîcheur innocente de sa jeunesse jusqu’à ce que l’accident de son père révèle l’ampleur du désastre…
Réalisé d’après le best-seller de la réalisatrice Laetitia Colombani, ce film d’une sobre intensité emporte le spectateur en un maelström vertigineux des sentiments, évocation poignante du destin de ces trois femmes, des destinées traitées avec une rare sensibilité écartant tout pathos. L’esthétique des plans est également de toute beauté qu’il s’agisse des couleurs de l’Inde, de la lumière hypnotique bleu-azur du sud de l’Italie ou encore de la perfection géométrique des buildings de la city canadienne, tout emporte conviction. Ce formalisme accentué par des optiques et des caméras différentes parvient à restituer parfaitement le destin croisé de ces trois femmes que tout éloigne pourtant, mais qui finira par les réunir au final.
Un film d’une rare intensité qui rapproche les êtres et souligne la force d’âme de ces femmes du XXI° siècle.

« Persée l'invincible » (1963) ; Réalisateur : Alberto de Martino avec Leo Anchoriz, Richard Harrison, Anna Ranalli, Arturo Dominici, DVD, ARTUS Films, 2024.

Acrisios a usurpé le trône d’Argos en tuant le roi et épousant sa veuve, Danaé. Persée l’héritier légitime, vit à Sériphos, ville voisine, mais ignore tout de sa naissance. Il va le découvrir grâce à la belle Andromède, puis, avec l’aide de la déesse Athéna, accomplir des exploits héroïques pour reprendre le trône...

Avec « Persée l’invincible » du réalisateur Alberto de Martino, le spectateur plongera dans la mythologie revisitée par le péplum italien ! De Martino est en effet un habitué du genre avec une production plus que pléthorique, alternant entre réalisations inspirées et d’autres… nettement moins… Persée compte parmi les premières avec un scénario plausible bien qu’inspiré très extensivement de l’histoire mythologique. Si des aménagements avec l’Histoire et la Géographie sont en effet perceptibles, il n’en demeure pas moins que cette réalisation parvient à capter dès les premiers plans l’attention de l’amateur de péplum avec des bons, des méchants, des monstres dont la terrible Gorgone quelque peu surprenante…
Richard Harrison, ancien culturiste habitué du genre, parvient à occuper progressivement l’écran même s’il n’a pas le même charisme qu’un Steve Reeves ou d’un Reg Park, alors que Leo Anchóriz et Arturo Dominici incarnent les forces du mal de manière convaincante. Comptant parmi les références du cinéma populaire italien, « Persée l’Invincible » est à redécouvrir dans cette très belle édition combo DVD/BRD incluant les deux montages du film et accompagnée d’un très instructif livret revenant sur le thème mythologique de Persée !

Montage espagnol HD - VOST - 82' / Montage italien SD - VF + VOST - 86'

« Chien de la casse » ; Un film de Jean-Baptiste Durand avec Anthony Bajon, Raphael Quenard, Galatea Bellugi ; Durée : 93 minutes, Langue : Français, Nationalité : France, BRD, Blaq Out, 2024.
 

Dog et Mirales sont amis d’enfance. Ils vivent dans un petit village du sud de la France et passent la majeure partie de leurs journées à traîner dans les rues. Pour tuer le temps, Mirales a pris l’habitude de taquiner Dog plus que de raison. Leur amitié va être mise à mal par l'arrivée au village d'une jeune fille, Elsa, avec qui Dog va vivre une histoire d'amour. Rongé par la jalousie, Mirales va devoir se défaire de son passé pour pouvoir grandir, et trouver sa place.

Voici le premier long-métrage de Jean-Baptiste Durand, un réalisateur est qui s’est déjà fait remarqué par une double récompense en 2024 avec le César du Meilleur Premier Film et le César de la Meilleure Révélation Masculine. La qualité à la fois graphique et cinématographique de ce film tient au fait que son réalisateur a bénéficié au préalable d’une formation aux arts graphiques, notamment dans le domaine de la peinture de portraits qu’il affectionne plus particulièrement.
Et c’est bien les portraits à la fois intimistes et quelque peu désabusés des protagonistes qui ressortent de ce film dont l’action se passe essentiellement dans les ruelles d’un petit village du sud de la France, par morte-saison, un cadre esseulé qui accentue encore plus le désoeuvrement de certains des personnages. Mais ici nulle condamnation – le réalisateur connaît bien ce milieu rural dont il est originaire – mais plutôt une succession d’esquisses très graphiques d’âmes en peine, cherchant la communication et l’amour malgré la parole qui bute souvent… Mirales, interprété avec une verve impressionnante par Raphael Quenard, s’avèrera beaucoup plus fragile qu’il n’y parait alors que le mutisme de son ami d’enfance, Dog, brillamment interprété par Anthony Bajon (remarqué déjà dans La Prière), s’estompera progressivement jusqu’à l’acmé du film. Amour, amitiés, passions et mal de vivre ponctuent ce film d’une grande sobriété et d’une esthétique indéniable.

« Le Ciel rouge » ; Un film de Christian Petzold avec Thomas Schubert, Paula Beer, Langston Uibel, Enno Trebs, Matthias Brandt, DVD, Blaq Out, 2024.
 

« Une petite maison de vacances au bord de la mer Baltique. Les journées sont chaudes et il n'a pas plu depuis des semaines. Quatre jeunes gens se réunissent, des amis anciens et nouveaux. Les forêts desséchées qui les entourent commencent à s'enflammer, tout comme leurs émotions. Le bonheur, la luxure et l'amour, mais aussi les jalousies, les rancœurs et les tensions. Pendant ce temps, les forêts brûlent. Et très vite, les flammes sont là ».

Avec « Le Ciel rouge », le réalisateur allemand Christian Petzold livre un témoignage sensible et intériorisé sur les relations humaines. Sur fond de forêt incandescente, un maillage de plus en plus serré des sentiments se tisse progressivement alors que sourde la menace des éléments, en l’occurrence le feu. Après un début quelque peu poussif aux accents rohmériens, ce long métrage prend toute son ampleur en révélant le cœur de chacun des protagonistes, surtout celui de l’écrivain, interprété avec justesse par l’acteur autrichien Thomas Schubert mais également celui plus énigmatique de la jeune femme avec la rayonnante Paula Beer.
Après l’insouciance, l’embrasement gagne chacun des protagonistes jusqu’à l’acmé au terme de cette aventure estivale où pointent le danger et la mort soulignée par la poignante musique de Ryuichi Sakamoto (lire notre interview)… Dans ce maelström captivant, quelques belles références littéraires, Heinrich Heine et son délicat poème Asra, Uwe Johnson quelque peu méconnu de ce côté-ci du Rhin…
Ce film sensible qui aborde au carrefour des sentiments la question de la création artistique et de ses enjeux sur fond de nature en danger, un propos discret mais juste qui témoigne de la qualité du cinéma de Christian Petzold et de ses acteurs. À découvrir.

« Une pierre dans la bouche » de Jean-Louis LECONTE réalisé en 1983 avec HARVEY KEITEL, CATHERINE FROT, MICHEL ROBIN Et RICHARD ANCONINA, scénario de Gérard Brach et Jean-Louis Leconte, photographie Henri Alekan, version restaurée en DVD, Doriane Films, 2023.
 

Un fugitif américain, blessé et traqué, échappe à ses assassins lancées à ses trousses. Il se réfugie dans une très belle demeure isolée où vit Victor, vieux comédien, aveugle et fortuné. L'arrivée du neveu du vieillard, avide personnage flanqué d'une charmante petite amie, va bouleverser ce fragile équilibre. Les tueurs de l'homme en fuite ne tarderont pas à venir rendre visite au vieil homme.

Certains films, quelque peu tombés dans l’oubli après leur sortie, méritent d’être redécouverts, c’est le cas d’ « Une pierre dans la bouche » du réalisateur Jean-Louis Leconte sorti en 1983. Plusieurs arguments plaident en effet à revoir ce long-métrage d’un réalisateur qui à l’époque fit appel à une légende du cinéma dans son équipe technique à savoir le grand chef opérateur Henri Alekan qui confèrera à ce film une photographie unique.
Dans ce cadre à la fois enchanteur et oppressant d’un beau manoir esseulé et quelque peu abandonné, un duo d’acteurs va tisser des liens inattendus et originaux inversant le fameux syndrome de Stockholm. Le fugitif interprété avec brio par le grand Harvey Keitel (Taxi Driver) se laisse en effet progressivement émouvoir par le vieux comédien aveugle joué avec truculence et profondeur par Michel Robin, sociétaire de la Comédie française, et qui n’est plus à présenter… Dans ce film à mi-chemin entre théâtre et cinéma, tragédie et comédie, la vie semble suspendue malgré l’adversité qui enserre la demeure. L’arrivée de deux autres protagonistes (Richard Anconina accompagné de la jeune Catherine Frot) ne fera qu’accélérer le destin de cette histoire singulière dont le titre « Une pierre dans la bouche » renvoie à une signification de trahison dans le milieu mafieux.

« Le conquérant » ( The Conqueror) - 1956 ; Un film de Dick Powell avec John Wayne et Suzan Hayward, DVD, Sidonis Calysta, 2023.
 

Au début du XIIe siècle, les vastes plaines d'Asie centrale brûlent des guerres que se livrent, depuis des siècles, des tribus rivales. C'est là que vient au monde Temüjin, fils ainé de l'une des familles de guerriers de l'un des quarante clans que compte le peuple mongol. Brave parmi les braves, il se doit de venger la mort de son père, tué par un chef tatare dont il tombe amoureux de la fille, la farouche Bortaï. La bataille s'engage, la première avant que Temüjin n'entre dans l'histoire sous le nom de Gengis Khan...

Si le nom de Temüjin n’est guère connu que des spécialistes, celui de Gengis Khan qu’il prendra par la suite en devenant le conquérant de l’Asie centrale est plus familier… Ce sont les débuts de cette incroyable légende que relate ce film du réalisateur Dick Powell en une superproduction hollywoodienne convoquant les plus grandes stars du cinéma de l’époque.
John Wayne et Suzan Hayward tiennent en effet le haut de l’affiche de ce film qui atteint à l’époque un budget record et connut un véritable succès auprès du public. Il faut dire que rien n’a été ménagé quant aux moyens employés : figurants en grand nombre, cavaliers éprouvés et cascades plausibles, paysages magnifiques tournés dans l’Utah…
Passées les quelques minutes de surprise quant au rôle d’un John Wayne transformé en chef du peuple mongol, le spectateur se laisse prendre par ce récit de fiction s’inscrivant dans l’Histoire véridique de ce chef de guerre qui fit trembler l’Asie jusqu’à la Chine.
 

« L'homme à la peau de serpent » (The Fugitive Kind )- 1960 ; Un film De Sidney Lumet avec Marlon Brando, Anna Magnani, Joanne Woodward, DVD, Sidonis, 2023.
 

Bohème, Val Xavier quitte La Nouvelle-Orléans, où il a des ennuis avec la justice, et s’installe dans une petite localité du Mississippi avec la ferme intention de se racheter une conduite. Il est embauché par Lady Torrance, la patronne d’un commerce. Une femme nettement plus âgée que lui, aigrie par son mariage malheureux avec un homme qui, souffrant, ne quitte pratiquement plus le lit. Celle-ci tombe bientôt sous le charme du nouveau venu qui ne laisse pas non plus indifférentes l’épouse du shérif et une jeune femme alcoolique et nymphomane.

Taillé sur mesure pour l’acteur Marlon Brandon, ce long-métrage du réalisateur Sidney Lumlet explore l’univers décrit par le célèbre écrivain américain Tennessee William qui en signe lui-même le scénario à partir de sa pièce « Opheus Descending » écrite quelques années plus tôt. L’écrivain en dépeignant l’univers sombre et passionné d’une petite ville du Mississippi avait déjà pensé, avait-il confié, au célèbre acteur irradiant littéralement l’écran sous la caméra de Sidney Lumet. Face à lui Anna Magnani, peut-être plus convaincante dans les films de légende de Pier Paolo Pasolini (Mama Roma) que sous les latitudes américaines, mais donnant néanmoins une réplique juste.
Le film parvient à instaurer un climat à la fois passionnel et quelque peu déphasé, chacun des protagonistes semblant déraciné sur cet ilot esseulé du Mississippi. Mais le génie de Lumlet (Douze hommes en colère ; Serpico) est de parvenir à saisir la face sombre du Sud des États-Unis dans ces années d’après-guerre où racisme, violence et alcool rythmaient la vie quotidienne. Une vision pessimiste de la société américaine de cette époque que parviennent cependant à illuminer le jeu époustouflant et la présence de Marlon Brando.

« VIRGIN SUICIDES » -1999 ; Un film de Sofia Coppola avec Kirsten Dunst, James Woods, Kathleen Turner, A.J. Cook, Josh Hartnett, Leslie Hayman, Michael Paré, Scott Glenn, Danny DeVito ; Scénario et dialogues de Sofia Coppola d'après le roman de Jeffrey Eugenides, The Virgin Suicides ; Musique originale de Richard Beggs, Air, combo 4K UHD + Blu-ray, et en Salle, Pathé, 2023.
 

Dans une ville américaine tranquille et puritaine des années soixante-dix, Cecilia Lisbon, treize ans, tente de se suicider. Elle a quatre sœurs, de jolies adolescentes. Cet incident éclaire d'un jour nouveau le mode de vie de toute la famille…

Ce premier film hypnotique de Sofia Coppola sorti en 1999 fit date à l’époque en raison de l’atmosphère qui se dégage non seulement de l’intrigue mais également du traitement de cette histoire tirée de l’Amérique des années 70. À la fois récit onirique sur l’adolescence contrariée de cinq jeunes filles et critique de la superficialité d’une société engoncée dans ses contradictions, Virgin Suicides ne laisse pas indifférent avec cette évocation à la fois cynique et tragique.
Le contraste saisissant du puritanisme de façade lézardé par les aspirations des jeunes adolescentes et les ravages de la société de consommation préfigure ce qui adviendra quelques décennies plus tard sur le vieux continent.
La version restaurée 4K met en valeur le travail sur la photographie de la jeune réalisatrice accentuant l’univers onirique dans lequel les jeunes filles se protègent en tentant en vain de préserver un dernier bastion de liberté. L’innocence perdue, le souffle libertaire, l’incompréhension entre les sexes, la définition de l’amour, nombreux sont les thèmes abordés avec poésie mais aussi une tragique lucidité par Sofia Coppola dans ce film de jeunesse sans concession.

Version restaurée en 4K Infos techniques : BLU-RAY - 1.66 - Couleur – 97 min LANGUES : Français et Anglais DTS 2.0 & 5.1 - SOUS-TITRES : Français 4K ULTRA-HD - 1.66 - Couleur - 97 min LANGUES : Français et Anglais DTS 2.0 & 5.1 - SOUS-TITRES : Français
 

« Esterno Notte » ; Une série de Marco Bellocchio avec Fabrizio Gifuni, Margherita Buy, Toni Sevillo, Fausto Russo Alesi, Daniela Marra, Gabriel Montesi, Paolo Pierobon, Fabrizio Contri, Pier Giorgio Bellocchio, Antonio Piovanelli, Bruno Cariello, Gigio Alberti, Luca Lazzareschi, ITALIE | FRANCE | SÉRIE | 2022 6 x 55 minutes, COFFRET 2 DVD, Arte editions,2023.
 

Le 16 mars 1978, Aldo Moro, alors président de la Démocratie chrétienne, est enlevé par les Brigades Rouges. En état de choc, le gouvernement italien se retrouve face à un dilemme : faut-il accepter la négociation avec le groupe terroriste, au risque de mettre en péril la démocratie, ou ne rien céder et prendre le risque d’une mise à mort de l’homme politique ?

Marco Bellochio signe avec Esterno Notte une série passionnante sur l’affaire qui traumatisa l’Italie entière à la fin des années 70 lorsque le président de la Démocratie chrétienne Aldo Moro fut enlevé par les Brigades Rouges souhaitant imposer la révolution prolétarienne d’inspiration marxiste-léniniste. L’évènement porta un coup sévère aux institutions qui jusqu’alors avaient résisté aux multiples attentats perpétrés par ces groupes d’extrême gauche durant les années de plomb.
Le cinéaste Marco Bellochio n’est plus à présenter et ce coup d’essai dans le domaine de la série est une véritable réussite, tant la qualité du scénario, la réalisation de chacun des épisodes, le choix des acteurs convainquent sans réserve, une vingtaine d’années après Buongiorno notte du réalisateur sur ce même sujet. Privilégiant le format long de la minisérie afin d’approfondir l’analyse des protagonistes, Bellochio examine tour à tour le personnel politique, le rôle du pape Paul VI interprété par Toni Servillo, les membres des Brigades Rouges, sans oublier l’étonnante métamorphose réalisée par Fabrizio Gifuni pour interpréter le rôle d’Aldo Moro.
Rien n’est épargné dans cette triste évocation d’une société prise par le doute le jour où l’un de ses responsables devient l’otage d’un groupuscule extrémiste… Cette histoire qui marqua l’Histoire italienne du XXe siècle se trouve restituée avec un rare talent aux accents christiques au terme de cet épisode sombre.
 

« Chasse à la mafia (Vous souvenez-vous de Paco ?) » ; Un film de Jess Franco, Espagne 1963, DVD, Artus, 2023.
 

Alors qu’il s’apprêtait à donner des renseignements à l’inspecteur Ruiz à propos du politicien véreux Leprince, le barman Paco est assassiné à coups de couteau. L’inspecteur mène l’enquête alors que, petit à petit, les participants au meurtre tombent les uns après les autres.

Le nom du réalisateur Jess Franco semble quelque peu tombé dans l’oubli de nos jours alors même que ce touche-à-tout ait réalisé près de 200 films mêlant érotisme et horreur, et ait attiré l’attention d’un certain Orson Welles qui en fit son assistant-réalisateur pour Falstaff… « Chasse à la mafia », réalisé en 1963, ressort très nettement de cette production massive à petit budget avec un film à la fois soigné sur le plan technique et plutôt plaisant à découvrir grâce à cette musique omniprésente qui confère un rythme certain à l’intrigue.
Franco a su adapter des auteurs en tout genre allant de Sade à Mirbeau en passant par Exbrayat pour « Chasse à la mafia », plus connue sous son titre original espagnol Rififí en la ciudad. Si l’intrigue guère originale se déroule dans le milieu de banditisme et de politiciens crapuleux, l’angle retenu par le réalisateur, celui d’un policier tenace précédé d’une mystérieuse femme qui le devance dans son enquête, retient cependant l’attention du spectateur pris par le déroulement de l’histoire. Jean Servais campe, ici, le rôle classique de salaud prêt à tout pour assouvir sa soif de pouvoir alors que l’acteur espagnol, Fernando Gomez, livre une interprétation plus fine et moins prévisible de son rôle.
Avec quelques plans d’une rare esthétique dans le goût d’Orson Welles et une photographie également remarquable, « Chasse à la mafia » mérite d’être redécouvert grâce à cette nouvelle version intégrale - Master 2K restaurée parue chez ARTUS Films.

Langue Français, Espagnol, Sous-Titre Français, Format Coffret digipack Blu Ray + DVD
Format Original 1.77 - 16/9ème compatible 4/3 - 1920/1080p Format DVD DVD - PAL - Zone 2 / BD - Zone B Duree 104 minutes Noir et blanc / couleur Noir et blanc

« L'Atalante » 1933 de Jean Vigo avec Michel Simon, Dita Parlo, Jean Dasté, Gilles Margaritis, Louis Lefebvre, Maurice Gilles, Raphaël Diligent ; Nouveau master restauré 4K, DVD, Gaumont Classiques ,2022.

Jean, un marinier, a épousé Juliette, une fille de paysans de l'Oise. Leur vie va se dérouler, avec des alternances de bonheur et de tristesse, à bord d'une péniche, "L'Atalante". L'équipage se compose d'un mousse et du père Jules, un pittoresque loup de mer vivant dans sa cabine au milieu de ses chats et d'un indescriptible capharnaüm. Juliette, distraite un moment, rêve de Paris...

« L’Atalante » compte parmi ces chefs-d’œuvre du 7e art qui sont restés gravés dans la mémoire des cinéphiles ainsi que le rappelle Martin Scorcese dans le bonus accompagnant ce DVD restauré paru chez Gaumont Classics. Il faut souligner que c’est un important travail de restauration qui a été entrepris sur ce film signé du réalisateur Jean Vigo disparu prématurément après n’avoir réalisé que 4 longs métrages. Une belle et audacieuse restauration qui a pu être réalisée grâce aux nombreuses versions, ruchs voire seulement bandes sonores, encore disponibles…
Ce nouveau master restauré 4K restitue ainsi toute la profondeur des plans soignés du réalisateur ainsi que la beauté de la photographie en noir et blanc des berges de la Seine sur lesquelles se déroule l’essentiel du film tourné, rappelons-le, en 1933.
Si l’histoire peut sembler quelque peu anodine, le jeu des acteurs – comment passer sous silence la présence inoubliable du grand Michel Simon ?!– lié à l’art cinématographique livre, ici, une vue ou plutôt une vie de Paris des plus esthétiques, aujourd’hui disparu et prolongeant encore quelque temps le Paris d’un Atget déjà si engagé dans l’industrialisation.
Entre comédie et poésie, tableau sensible d’un monde bientôt révolu, « L’Atalante » offre au spectateur une belle leçon de cinéma, idéalement restituée par cette édition Gaumont Classics.
 

Bonus :
Présentation de L'Atalante par Martin Scorsese (3')
Tournage d'hiver de Bernard Eisenschitz (70')
L'Atalante restauré (3')
 

« Fille du Diable » (1946) ; Un film de Henri Decoin avec Pierre Fresnay, Fernand Ledoux, Andrée Clement et Albert Rémy, DVD et VOD, Gaumont, 2022.
 

Célèbre criminel en fuite, Saget est pris en voiture par Ludovic Mercier, un homme qui revient dans son village natal après 25 ans d’exil fructueux aux Etats-Unis. Mais Mercier est ivre et le véhicule dérape. Si l’automobiliste meurt dans l’accident, Saget survit et décide d’usurper l’identité du mort. Accueilli en fanfare par tous les villageois, il trompe ses compatriotes à l’exception de la mystérieuse Isabelle, surnommée « Fille du Diable »…

Si le nom du réalisateur Henri Decoin semble quelque peu méconnu de nos jours, il connut cependant une notoriété certaine au lendemain de la Seconde Guerre mondiale et signera quelques longs-métrages intéressants tel la « Fille du Diable », un film alternant entre drame psychologique et policier. Usant de plans audacieux pour l’époque et travaillant la photographie avec art, Decoin offre, en effet, avec cette réalisation une attrayante réflexion sur les frontières entre bien et mal, déterminisme et libre arbitre.
Servi par une musique brillante du grand compositeur Henri Dutilleux, la « Fille du Diable » mérite d’être également redécouvert pour son jeu d’acteurs convaincant avec un Pierre Fresnay plus vrai que nature, incarnant un mauvais garçon sur le point de se repentir ; Fernand Ledoux, remarquable de justesse et d’humour, sans oublier la troublante Andrée Clément, disparue prématurément, quelques années après ce long métrage, du grand écran.

" Les Chiens de guerre" ; Un film de John IRVIN avec Christopher WALKEN, Tom BERENGER, Jean-François STEVENIN, JoBeth WILLIAMS ; Format écran : 16/9, Format image : 1.85, Durée : 1h40 environ ; Langues : Français, Anglais, Sous-titres : Français, Son: 2.0, DVD, (inclut version longue)
 

Jamie Shannon est un mercenaire de renom. Son job : parcourir le monde et participer à toutes les guerres qui peuvent l’enrichir. Il vient d’accepter la mission la plus dangereuse de toute sa carrière : organiser un putsch au Zangaro, État africain gouverné par un dictateur sanguinaire. Pour remplir son contrat, il doit recruter une équipe de dangereux mercenaires… de véritables chiens de guerre.

Marquant le début des années 80, « Les chiens de guerre » réalisé par John Irvin s’inscrit dans le cadre de cette longue série de films traitant du thème des mercenaires aux quatre coins du monde… Adaptant à l’écran le roman de Frederick Forsyth, ce long-métrage s’est fait remarqué pour son traitement réaliste des protagonistes qui se démarque des autres réalisations du genre. Loin du superhéros hollywoodien invincible, Shanon laisse apparaître dès les premières minutes du film le quotidien banal et souvent glauque de ces hommes souvent laissés pour compte de l’armée et dont les idéaux se réduisent souvent à des questions financières. Tourné au Belize sur la côte est de l’Amérique centrale, « Les chiens de guerre » décrit les aventures d’une petite équipe de mercenaires recrutés par le personnage qu’incarne avec sobriété et brio Christopher Walken. Atypique, ce film retrace la longue préparation du commando, ses imperfections et aspects sombres avant l’assaut final. Bénéficiant d’un casting international, « Les chiens de guerre » offre au réalisateur John Irvin l’occasion de dépeindre un univers qu’il connaissait bien pour avoir auparavant couvert la guerre du Vietnam en tant que documentariste. A noter le titre anglais de ce film inspiré d’une réplique du Jules César de William Shakespeare : « Carnage ! et alors seront lâchés les chiens de guerre »…

Pygmalion - Leslie Howard et Anthony Asquith avec Leslie Howard, Wendy Hiller, Wilfrid Lawson, Marie Lohr, d’après la pièce de George Bernard Shaw, Mostra de Venise 1938 - Meilleure interprétation masculine, Oscars 1939 - Meilleure Adaptation, Version originale anglaise, sous-titres français - Noir & Blanc - 95 mn, DVD, Doriane Films, 2022.
 

Le professeur Henry Higgins, expert en phonétique, fait la connaissance d’une jeune fleuriste de Covent Garden, Eliza Doolittle, au très fort accent cockney. Avec son ami le colonel Pickering, il fait le pari de la faire passer pour une duchesse...

Exercice de haute virtuosité que cette brillante adaptation de la célèbre pièce de George Bernard Shaw. Avec « Pygmalion », en effet, les trois réalisateurs crédités au générique signent un long-métrage enlevé et trépidant, au rythme et ambiance british à souhait. Il faut avouer que les interprétations livrées par Leslie Hiller et Wendy Hiller contribuent à faire de ce film servi par une photographie impeccable un classique du cinéma anglais. L’humour se trouve bien entendu placé au premier plan avec des réparties hilarantes à la hauteur du célèbre dramaturge irlandais.
Mais, « Pygmalion » se double par ailleurs d’une analyse sociale non dénuée d’intérêt avec une critique des hiérarchies de classe omniprésentes dans la société aristocratique britannique du siècle passé.
Brillant et pétillant, « Pygmalion » offre une belle leçon de cinéma récompensé par les plus hautes institutions du grand écran.

Bonus DVD :
Un cottage dans le Dartmoor, un film de Anthony Asquith (88 minutes)
Un livret illustré de 12 pages

« LE ROI DE PARIS » ; Un film de Dominique Maillet avec Philippe Noiret, Veronika Varga, Jacques Roman, Manuel Blanc, Michel Aumont, Paulette Dubost, Corinne Clery, Ronny Coutteure, Franco Interlenghi, Sacha Briquet, Bernard Lajarrige, Pierre Vial ; Coffret combo 2 DVD + 1 Blu-ray - 181 min - Version originale française - Sous-titres anglais et hongrois - Sous-titres pour sourds et malentendants – Audiodescription, Doriane Films, 2022.
 

Le « Roi de Paris », en cette saison théâtrale 1930, est le grand acteur Victor Derval qui règne en maître sur le Boulevard et vit entouré de sa cour : un directeur de théâtre, sa fidèle habilleuse, un marquis déchu et pique-assiette, et son ancienne maîtresse et partenaire à la scène. Un jour, il est accosté par Lisa, une jeune étrangère venue tenter sa chance comme actrice à Paris. Séduit, Victor Derval l’embauche et l’installe chez lui où elle fait la connaissance de Paul, son fils. Père et fils en viennent très vite à se disputer l’amour de la jeune actrice…

« Le roi de Paris » de Dominique Maillet, curieusement passé sous silence lors de sa sortie en 1995, livre un portrait sensible sur la condition de comédien dans les années 30. Avec un rôle taillé sur mesure pour l’immense Philippe Noiret, ce long-métrage bénéficie d’un luxe de décors remarquables servant à la prestation du facétieux comédien avec, en contrepoint, une jeune comédienne Veronika Varga parvenant à ne pas être éclipsée par l’imposant acteur.
« Le roi de Paris » dévoile les arcanes de la notoriété en en révélant les sommets, mais aussi les gouffres, ainsi qu’il ressort assez finement de ce rapport de plus en plus étroit entre l’acteur, son fils et la jeune ingénue.
Avec un Michel Aumont quelque peu en retrait, ce film séduit et divertit, atout principal de la condition d’artiste dont il souligne les gouffres et paradoxes.

"Robuste" ; Un film de Constance Meyer avec Gérard Depardieu et Déborah Lukumuena ; DVD & VOD, Diaphana, 2022.
 

Lorsque son bras droit et seul compagnon doit s’absenter pendant plusieurs semaines, Georges, star de cinéma vieillissante, se voit attribuer une remplaçante, Aïssa. Entre l’acteur désabusé et la jeune agente de sécurité, un lien unique va se nouer.

Avec « Robuste », Constance Meyer signe son premier long-métrage, un film sensible et émouvant sur les rapports entre individus. Taillé sur mesure pour la carrure de Gérard Depardieu, le scénario offre une confrontation singulière avec, face à lui, l’étonnante Déborah Lukumuena déjà remarquée dans « Divines » et nullement intimidée devant ce monument du cinéma français.
Si la vulnérabilité et le désabusement abondent dans ce film aux plans soignés, tout cynisme s’éloigne progressivement au fur et à mesure que la lumière apportée par la jeune Aïssa entre dans le cœur de cet homme aigri. Jouant des contrastes entre ces corps « robustes » et cachant pourtant une fragilité certaine, cette belle réalisation convie le spectateur à s’interroger sur ses propres réalisations, incomplétudes et valeurs. Avec une photographie également remarquable, « Robuste » ouvre sur le sens de la vie et notre rapport à elle.

« Meurtre À Montmartre » ; Un film de Gilles Grangier avec Michel Auclair, Paul Frankeur, Giani Esposito, Annie Girardot, Jacqueline Noëlle, Lucien Nat et Marcel Bozzuffi ; Scénario de Gilles Grangier et René Wheeler, d'après le roman de Michel Lenoir ; Dialogues de René Wheeler ; combo DVD/BRD, Pathé Films, 2022.
 

Le marchand d’art Marc Kelber croit faire l’affaire du siècle quand il achète un tableau de Gauguin à Jacques Lacroix, un prétendu collectionneur. Mais quand il découvre que ce dernier est un escroc qui lui a vendu un faux, Kelber est bien décidé à se venger. Il retrouve alors Lacroix et ses complices, le peintre faussaire Watroff et sa compagne et modèle Viviane. Mais plutôt que de leur faire payer leur arnaque, il décide finalement d’y prendre part.

Ce film noir « Meurtre à Montmartre » qui vient de faire l’objet d’une version restaurée en 4K sous la supervision de Pathé et avec le soutien du CNC sera l’occasion de redécouvrir la qualité apportée à toutes les étapes de la réalisation par cette personnalité du monde du cinéma que fut Gilles Grangier. Après « Échec au porteur » présenté dans ces colonnes et « Le Sang à la tête », c’est au tour de « Meurtre à Montmartre » de bénéficier d’une belle édition inédite à partir des négatifs originaux grâce à l’initiative de Valérie Paulin.
Sorti en 1957, ce long-métrage présente un tableau à la fois réaliste et sombre au cœur de Paris. Ce qui n’aurait pu être qu’une mauvaise affaire d’un marchand d’art va en effet rapidement tourner au drame et révéler les affres du cœur humain, prêt à tout pour l’appât du gain. Bien au-delà d’un simple crime crapuleux, Grangier explore en effet les intrications complexes des personnalités réunies notamment des quatre protagonistes principaux à savoir le marchand d’art interprété avec une rare profondeur par Paul Frankeur, le prétendu collectionneur peu scrupuleux joué avec une aisance déconcertante par Michel Auclair, l’artiste paumé interprété par Giani Esposito et enfin la compagne de ce dernier, une petite jeunette âgée de 25 ans et déjà promise à un bel avenir en la personne d’Annie Girardot…
Ce quatuor mené de main de maître par Grangier compose une partition impeccable et réaliste, le plus souvent en décor extérieur révélant l’art du réalisateur pour des plans impeccables et une photographie d’une rare profondeur. Ayant fait l’objet d’une préparation poussée sur le milieu de l’art, ce film adapté de l’œuvre de l’écrivain Michel Lenoir s’avère vite convaincant sur un sujet pourtant pointu. La mise en scène à la fois rigoureuse et laissant une grande liberté aux acteurs conduit à un film d’une belle maîtrise et dont on s’étonne qu’il ait pu être éreinté par la critique lors de sa sortie et tombé injustement dans l’oubli depuis…

Suppléments :
- Meurtre à Montmartre : Entretiens autour du film
Avec Valérie Paulin et François Guérif (31 min)
- Actualité Pathé : Exposition de faux chefs-d’œuvre au salon de la police 1954

"Le Vétéran" ; Un film de Robert Lorenz avec Liam Neeson, Katheryn Winnick et Juan Pablo Raba, DVD,

M6 Vidéo, 2022.

Poursuivis par les membres d’un cartel mexicain, une mère et son fils traversent la frontière qui sépare le Mexique de l’Arizona et se retrouvent sur les terres de Jim Hanson. Aigri, vieillissant, celui-ci dénonce traditionnellement les immigrés clandestins aux autorités. Mais quand la mère est tuée dans une fusillade, l’américain récalcitrant décide d’aider le jeune Miguel à fuir. Le vétéran de guerre veuf et désabusé et le garçon orphelin vont devoir traverser les États-Unis, poursuivis par des criminels et des policiers corrompus.

Un héros solitaire, un brin acariâtre, et un jeune immigré innocent traqué par des gangsters forment la trame de ce long-métrage réalisé par Robert Lorenz qui s’est notamment fait connaître pour sa longue collaboration avec Clint Eastwood (Sully, American Sniper ou encore Invictus). L’acteur retenu pour ce film d’action n’en est pas moins que le talentueux Liam Neeson qui incarne idéalement cet ancien Marine de la guerre du Vietnam, désabusé et résolu à donner un sens à la vie misérable qu’il menait jusqu’alors. Mené tambour battant, ce film pousse à l’extrême les limites du bien et du mal avec tout de même quelque surprise, notamment dans la scène finale. Quelques clins d’œil notamment à Clint Eastwood jalonnent ce long-métrage divertissant, notamment lorsque le jeune Miguel regarde le fameux film « Pendez-le haut et court » à la télévision… Avec de superbes plans tournés en décors naturels dans l’Ohio ou au Nouveau-Mexique, « Le Vétéran » permet une nouvelle fois d’apprécier les qualités d’acteur de Liam Neeson, convaincant dans cette réalisation enlevée.

« Je suis un aventurier » (The Far Country) 1954; Un film de Anthony Mann avec James Stewart, Ruth Roman et Walter Brennan, Édition collector digibook DVD + Blu-Ray + livre de 144 pages – édition limitée à 2500 exemplaires, Sidonis, 2022.
 

1896. Inculpé de meurtre, Jeff Webster quitte Seattle mais en arrivant à Skagway, il est accusé par le juge corrompu Gannon d’avoir troublé l’ordre public en menant ses troupeaux à travers la ville. Ceux-ci ayant été confisqués, Jeff part pour Dawson avec Ronda Castle qui l’a engagé comme chef d’équipe. Il reprend bientôt possession de son troupeau, poursuivi par Gannon...

« Je suis un aventurier » compte parmi ces westerns d’Anthony Mann marqué par sa collaboration fructueuse avec l’acteur James Stewart (Winchester 73, L’Homme de la plaine…)
À partir d’un scénario classique d’un solitaire tel qu’en comptait l’Amérique à ses débuts, le réalisateur tisse progressivement une évocation allant crescendo, le personnage central, à l’origine centré sur lui-même, s’ouvrant progressivement aux maux de son entourage.
Filmé dans les splendides décors du glacier d'Athabasca et du parc naturel de Jasper dans les Rocheuses canadiennes, ce long-métrage fut l’occasion de prises de vue inoubliables et d’une photographie non moins remarquable de la part de William Daniels.
Évoquant de manière récurrente la loi du plus fort, ce film suggère progressivement la réaction d’une partie des habitants au profit d’une loi et d’une justice plus grande, prémices de la société moderne américaine qui allait s’imposer par la suite. James Stewart plus vrai que nature rayonne dans ce film divertissant, non dénué de scènes parfois dramatiques, avec face à lui le toujours sympathique vieillard bougonnant incarné par Walter Brennan (que l’on retrouvera souvent aux côtés de John Wayne notamment dans Rio Bravo), sans oublier la brune Ruth Roman et la blonde Corinne Calvet. Un western séduisant à retrouver dans cette belle édition Sidonis en DVD.

"Drive my car" ; Un film de RYUSUKE HAMAGUCHI d'après la nouvelle de Haruki Murakawi avec Hidetoshi Nishijima et Toko Miura, DVD, Diaphana, 2022.
 

Alors qu’il n’arrive toujours pas à se remettre d’un drame personnel, Yusuke Kafuku, acteur et metteur en scène de théâtre, accepte de monter Oncle Vania dans un Festival, à Hiroshima. Il y fait la connaissance de Misaki, une jeune femme réservée qu’on lui a assignée comme chauffeur. Au fil des trajets, la sincérité croissante de leurs échanges les oblige à faire face à leur passé.

« Drive my car » du réalisateur japonais Ryusuke Hamaguchi emmène le spectateur en une longue pérégrination de près de trois heures, un voyage dans la vie et notre quotidien, parsemés de blessures et de non-dits. Filmé avec une rare netteté et des plans d’une rigueur épurée faisant alterner modernité du Japon sur fond de paysages traditionnels saisissants, ce film où la musique laisse s’exprimer les silences ne pourra qu’apostropher le spectateur pour cette place accordée à l’introspection.
En un parallèle séduisant avec la fameuse œuvre de Tchekhov « L’Oncle Vania », les protagonistes de ce film singulier tentent de composer avec leur vie, avec la vie. Kafuku, metteur en scène, admirablement interprété par le ténébreux Hidetoshi Nishijima peine à trouver le sens des épreuves qu’il subit, celles de sa jeune enfant, puis de sa femme. Puisant dans l’œuvre théâtrale et l’écriture, ces questionnements propres à tout être, le metteur en scène représenté lors de la préparation d’un festival à Hiroshima ne parvient pas à se départir du mutisme qui l’empêche de jouer de nouveau le rôle de l’oncle Vania. Ce questionnement subtil sur le sens de la vie s’étire au fil des longues routes serpentant la modernité nippone jusqu’à ce que l’éveil surgisse de manière inattendue par le truchement de la jeune femme qui lui sert de chauffeur.
Ces huis clos ne laisseront pas le spectateur indemne, un film à découvrir dans cette belle édition.
 

« Le genou d’Ahed » ; Un film de Nadav Lapid avec Avshalom Pollak, Nur Fibak, Yoram Honig, DVD, Pyramide Video, 2022.
 

Y., cinéaste israélien, arrive dans un village reculé au bout du désert pour la projection de l’un de ses films. Il y rencontre Yahalom, une fonctionnaire du ministère de la Culture, et se jette désespérément dans deux combats perdus : l’un contre la mort de la liberté dans son pays, l’autre contre la mort de sa mère.

C’est littéralement un cri de rage et de désespoir que lance le réalisateur israélien Nadav Lapid avec « Le genou d’Ahed », un film sélectionné au Festival de Cannes 2021. Le clin d’œil du titre de ce long-métrage n’échappera pas aux cinéphiles épris du fameux « Genou de Claire » d’Éric Rohmer, mais ici, la symbolique s’avèrera tout autre. Ahed est une palestinienne en révolte contre l’attitude d’Israël sur les terres occupées, tout comme Y. le cinéaste du film qui fulmine contre son propre pays. Au-delà du domaine culturel et du cinéma qui font l’objet d’une sévère diatribe de la part de Lapid, son alter ego à l’écran, « Le genou d’Ahed » devient en quelque sorte une allégorie de nos sociétés modernes contemporaines et de la modernité face aux valeurs immuables. Quelle liberté foule-t-on au nom du culturellement correct ? Quelle singularité aplanit-on au prétexte des bonnes intentions ? On le voit, ces questionnements trouvent des échos plus qu’actuels à notre époque et Nadav Lapid par un rythme saccadé, des mouvements de caméras parfois intempestifs à l’image de la colère sourde qui gronde traduit ces bouillonnements par différentes attaques acérées. Face à lui, son pays sûr de lui prend les traits d’une avenante jeune femme au sourire généreux, ce sourire de la technocratie arrogante qui sous couvert d’une jeunesse conditionnée se fissure au moindre doute. Un cinéma engagé et enragé à découvrir.
 

"Dans la gueule du loup" (The Mob - 1951) ; un film de Robert Parrish avec Broderick Crawford, Betty Buehler, Richard Kiley, Ernest Borgnine et Charles Bronson ; Format : 16/9 - 1:33, Audio : Français – Anglais – VOST, Durée : 87 min, Bonus : Présentation François Guérif et Bertrand Tavernier, Couleur : Noir et Blanc, DVD, Sidonis, 2021.
 

Le détective Johnny Damico sort d’une boutique et tombe sur une scène de crime ; c’est le début pour lui d’une longue et périlleuse infiltration de la pègre…

Le réalisateur Robert Parrish offre avec « Dans la gueule du loup » sorti en 1951 un film noir, enlevé et au rythme haletant. Servi par un scénario remarquable de William Bowers d'après le roman « Waterfront » de Ferguson Findley, ce deuxième long-métrage de Robert Parrish repose également sur son personnage central interprété avec un brio certain par le monumental Broderick Crawford, crevant l’écran par sa présence, une présence qui retiendra d’ailleurs quelques années plus tard l’attention de Fellini pour son fameux film « Il Bidone ».
« Dans la gueule du loup » traite le thème qui deviendra classique par la suite au grand écran de l’infiltration par un policier du milieu de la pègre. Suivant une progression allant crescendo, cette histoire toujours plausible est l’occasion pour le réalisateur de déployer son art cinématographique, tant à l’occasion de scènes extérieures sur les docks de toute beauté que pour de somptueux plans d’intérieur. La photographie en noir et blanc signée Joseph Walker (Mr Smith au sénat) séduit spontanément tout autant que le jeu des acteurs dont certains seront appelés à un bel avenir tels Ernest Borgnine (L’homme de nulle part) Richard Kiley (L’homme à l’affut) et une courte apparition de Charles Bronson (Chino)… Un film efficace et attractif qui tient le spectateur en haleine jusqu’à la scène finale.

« Family life » ; Un film de Ken Loach avec Sandy Ratcliff, Bill Dean, Grace Cave, Malcolm Tierney, Hilary Martin, Michael Riddall, Alan MacNaughtan, Johnny Gee ; Master restauré par STUDIO CANAL, Version originale anglaise, sous-titres français, Noir & Blanc, 105 mn, Collection Typiquement British, DVD Doriane Films, 2021.
 

Au Royaume-Uni, dans les années 70. Janice, jeune femme fragile, est ramenée à ses parents par la police après avoir erré dans le métro londonien. Entre inquiétude et irritation, Vera et son mari poussent leur fille à consulter le docteur Donaldson, un psychiatre novateur. Mais la dureté de ses parents et la violence de l’acharnement médical vont conduire Janice dans une descente aux enfers.

Film emblématique des années 70, « Family life » de Ken Loach happe le spectateur en une spirale infernale dans ce qu’une famille peut créer de pire. Partant de la situation banale d’une jeune femme fragile interprétée avec réalisme par Sandy Ratcliff ayant connu elle-même une enfance et une vie difficile, le réalisateur anglais parvient avec ce film sombre à créer un tourbillon sourd et en apparence invisible qui emporte le personnage principal dans les affres de la psychose, dans l’incompréhension quasi totale de ses parents. Pire, l’expression « l’enfer est pavé de bonnes intentions » se trouve portée à son paroxysme dans cette réalisation implacable. Les parents de la jeune femme représentent l’archétype même de l’impossibilité d’une véritable communication où préjugés et aveuglement conduisent à l’anéantissement d’un être. L’univers de la psychiatrie ne ressort pas grandi de ce film à charge ; inspiré du courant antipsychiatrie, ce film dénonce très tôt en 1972 l’inanité des traitements à base d’électrochocs et médicaments qui rapidement détruisent toute vie chez le patient ainsi que l’illustre tristement cet exemple malheureusement banal. Un film fort, toujours d’actualité, et qu’il importe de découvrir dans cette belle édition.


Complément : Visiblement je vous aime, film de Jean-Michel Carré
Beaucoup, passionnément, à la folie, documentaire de Jean-Michel Carré
Entretien avec Claude Sigala, directeur du Coral
 

"Summertime" (Vacances à Venise) – 1955 ; Un film de David Lean avec Katharine Hepburn et Rossano Brazzi, BR, Carlotta Films, 2026.

Jane Hudson, une Américaine célibataire et quadragénaire, réalise son rêve en allant passer ses vacances à Venise et espère bien y trouver la concrétisation de tous ses idéaux romantiques. Un matin, Jane entre dans le magasin d’antiquités de Renato de Rossi, qui lui propose de l’initier à la vie vénitienne…

Une Américaine célibataire en quête d’amour, un antiquaire au charme irrésistible lors d’un séjour à Venise, tous les ingrédients étaient réunis pour faire de ce film une romance de plus, comme celles qu’affectionnait Hollywood dans les années 50… Mais c’était sans compter avec la personnalité du réalisateur de « Summertime » traduit en français par Vacances à Venise, le célèbre réalisateur David Lean, auteur également de Brève Rencontre, Lawrence d’Arabie, Le Pont de la rivière Kwai ou encore le Docteur Jivago !

Au-delà de l’effet « carte postale » du Pont des Soupirs et de la Piazza San Marco, le réalisateur britannique signe avec ce film une réalisation tout à la fois délicate et non dénuée d’humour sur les affects des sentiments. Summertime n’hésite pas à recourir aux clichés du genre avec des couples d’amoureux jalonnant les quais des canaux de la Sérénissime, comme pour mieux accentuer la solitude de l’héroïne, merveilleusement campée par une Katharine Hepburn d’âge mûre, à la fois fragile et forte dans son isolement.

Les plans de toute beauté ajoutent bien entendu au charme de cette réalisation quelque peu plus méconnue du réalisateur, alternant entre les ruelles intimistes de Venise et ses trésors architecturaux incontournables. L’acteur italien Rossano Brazzi contribue lui aussi à la réussite de ce long-métrage, dépassant les stéréotypes du latin lover des premiers plans pour ajouter à son rôle une profondeur insoupçonnée ; un angle original, une nouvelle fois de plus, à mettre également au crédit du grand réalisateur britannique.

Disponible pour la première fois en Blu-ray™ dans cette superbe restauration 4K.

LES SUPPLÉMENTS :

. PRÉFACE DE PIERRE BERTHOMIEU (9 mn – HD)

. CLOSE-UP (22 mn)

Un entretien avec le réalisateur David Lean diffusé par CBC dans l’émission Close-Up du 7 avril 1963.

. Bande-annonce

BD 50 • MASTER HAUTE DÉFINITION • 1080/23.98p • ENCODAGE AVC

Version Originale / Version Française DTS-HD Master Audio 1.0 • Sous-Titres Français

Format 1.37 respecté • Couleurs • Durée du Film : 100 mn

Stalag 17 » ; Un film de Billy Wilder avec William Holden, Otto Preminger, Don Taylor ; Édition Limitée Combo Blu-ray DVD, RIMINI Editions, 2026.

Durant la Seconde Guerre Mondiale, des soldats américains emprisonnés dans un camp allemand cherchent à s’évader et à débusquer le traitre qui se trouve parmi eux.

Le réalisateur austro-américain, Billy Wilder, est connu pour ses nombreuses réalisations de films noirs et comédies ; on se souvient d’Ariane, La vie privée de Sherlock Holmes, Fedora ou encore le Boulevard du crépuscule. « Stalag 17 », réalisé en 1953, demeure cependant quelque peu moins connu dans sa filmographie alors même que cette adaptation au grand écran d’une pièce de théâtre pour Broadway de Donald Bevan et Edmund Trzcinski mérite d’être redécouverte avec cette édition RIMINI.

L’action se déroule en un huis clos quasi complet, à savoir un baraquement d’un camp de prisonniers américains durant la Seconde Guerre mondiale. Billy Wilder dont la famille périt dans des camps de concentration ne pouvait que porter un regard engagé sur cette réalisation, même s’il adopta pour le cas présent le ton de la comédie. Huis clos - avons-nous dit, car ce film d’une durée de 120 mn se déroule quasiment intégralement entre les quatre murs d’un baraquement de prisonniers, à l’exception de quelques scènes extérieures dans le camp… Et, pour autant rien de figé ou de limité dans cette réalisation ! En effet, grâce à l’usage d’une caméra des plus mobiles, d’une succession virtuose de plans rapprochés sur les différents groupes de protagonistes de cette histoire rocambolesque, le réalisateur parvient à se saisir paradoxalement de questions fondamentales sur le sens de la vie et de la liberté, les hésitations entre déterminisme et volonté, sans oublier une analyse sans concessions sur la nature humaine.

Il ressort de cette réalisation remarquable un film oscillant entre drame et comédie, servi par un casting de choix avec notamment un William Holden crevant l’écran, bien qu’encore très jeune, Don Taylor, Peter Graves (mondialement connu avec Mission Impossible), sans oublier la présence truculente du grand réalisateur Otto Preminger dans le rôle du colonel von Scherbach, commandant du camp…

« 30 Minutes de Sursis » (The Slender Thread) - 1965 - Noir et Blanc ; Un film de Sydney Pollack avec Sidney Poitier et Anne Bancroft ; 1H38 / Langues : Français et Anglais dual mono / Sous-titres : Français, DVD et BR, Rimini Editions, 2026.

Étudiant en psychologie, Alan est bénévole dans un centre d’appels d’urgence. Ce jour-là, au bout du fil, il y a Inga, une femme désespérée qui vient de prendre une dose mortelle de comprimés et souhaite parler à quelqu’un avant de mourir. Aidé d’un psychiatre et d’un inspecteur de police, Alan n’a que peu de temps pour localiser et sauver sa correspondante...

L’adage « La vie ne tient qu’à un fil » n’aura jamais été aussi vrai avec « 30 Minutes de Sursis » du réalisateur Sydney Pollack dont c’est, ici, le premier long-métrage avant une longue carrière couronnée de nombreux films passés à la postérité (Tootsie, Out of Africa…).

L’histoire se déroule dans l’Amérique des années 60 ; une course-poursuite contre le temps, et pour la vie, est engagée dans un centre d’aide d’appels d’urgence. Une femme désespérée vient d’avaler un tube entier de barbituriques et il ne lui reste plus qu’une demi-heure à vivre… Réunissant un casting exceptionnel avec Sidney Poitier et Anne Bancroft, sans oublier Terry Savalas malheureusement en retrait pour ce rôle discret, Sydney Pollack parvient à instaurer un climat tendu, opposant l’anonymat d’une mégapole américaine à l’appel au secours d’une femme dont les certitudes viennent de s’écrouler en une journée.

Le contraste saisissant de la haute technicité des moyens mis en œuvre en une débauche rhétorique de la toute-puissance américaine de l’époque et du manque d’écoute de cette même civilisation moderne ne pourra que questionner le spectateur quant à ce monde devenu tentaculaire et dont nous avons hérité… La virtuosité, déjà aiguisée pour cette première réalisation, de Sydney Pollack impressionne également avec des plans soignés, une caméra très mobile et un soin tout particulier apporté à la photographie, notamment lors des passages tendus.

Enfin, le jeu très juste des acteurs, qu’il s’agisse d’Anne Bancroft émouvante de fragilité prête à basculer et de la présence éclatante de Sidney Poitier plus vrai que nature justifie à lui seul de redécouvrir ce film servi par cette belle édition RIMINI Editions.

Supplément : Entretien avec Nathalie Bittinger, maître de conférences en cinéma (23 min)

« La Condition » ; Un film réalisé par Jérôme Bonnell avec Swann Arlaud, Galatea Bellugi, Louise Chevillotte et Emmanuelle Devos , DVD, DIAPHANA ÉDITION VIDÉO, 2026.

C’est l’histoire de Céleste, jeune bonne employée chez Victoire et André, en 1908. C’est l’histoire de Victoire, de l’épouse modèle qu’elle ne sait pas être. Deux femmes que tout sépare mais qui vivent sous le même toit, défiant les conventions et les non-dits…

Le réalisateur Jérôme Bonnell offre avec « La Condition » une réflexion à la fois sensible et sans détours sur la condition féminine au début du XXe siècle, un tournant encore largement marqué par les diktats masculins des siècles précédents. Cependant, notons que ce film ne s’est pas limité à cette approche déjà bien parcourue et exploitée par le 7e art, mais a souhaité élargir son propos aux multiples failles imposées par la vie, celles bien entendu de ces deux femmes marquées dans leur chair par le destin, mais aussi celle d’André, personnage masculin moins caricatural qu’il n’y paraît de prime abord, sans oublier le rôle muet plus que surprenant réservé à la comédienne Emmanuelle Devos…

Servie par des intérieurs de toute beauté à l’éclairage clair-obscur qu’un Caravage n’aurait pas renié, cette réalisation « La condition » dépasse ce qu’on entendait à cette époque par situation sociale et embrasse plutôt « la condition humaine » au sens où la percevait Malraux, cet espoir de pouvoir transcender son destin par son propre engagement, tout en gardant à l’esprit ce que rappelle de manière lancinante la pièce de Franz Liszt, discrètement répétée dans le film, Wiegenlied, du berceau jusqu’à la tombe…

Un réalisation soignée à découvrir en DVD chez Diaphana Edition Vidéo!

« Les Copains d'Eddie Coyle » ; Un film de Peter Yates avec Robert Mitchum, Peter Boyle, Combo Dvd + BR + Livret, Edition Limitée, ESC Distribution, 2026.
 

Petit gangster sans envergure, Eddie Coyle vit de petites combines, de contrebande et de trafic d’armes. Afin d’échapper à la prison, il accepte de travailler comme indicateur pour le FBI...

Le réalisateur britannique Peter Yates, bien connu pour son film « Bullitt » en 1968 avec l’inoubliable Steve McQueen, a également signé en 1973 un long métrage intitulé « les Copains d’Eddie Coyle » quelque peu oublié depuis et faisant l’objet aujourd’hui d’une édition DVD/BR chez ESC Distribution. Abordant le thème de petits malfrats sans envergure dans la ville de Boston, le réalisateur choisit un angle original en mettant en avant l’un d’entre eux, Eddie Coyle, interprété par Robert Mitchum dans un rôle à contre-emploi. Loin du héros solitaire et taciturne, le grand acteur campe, ici, un personnage à bout de souffle, ayant vécu de petites combines et autres trafics d’armes, menant par ailleurs une vie de famille plus qu’ordinaire avec femme et enfants dans un petit pavillon de banlieue… Sans chercher à mettre vraiment en avant ses autres personnages, Yates propose une vision désenchantée de cet univers interlope, où le désœuvrement et la solitude prédominent, sans autre issue qu’une combine de plus. Un univers quelque peu glauque de l’Amérique des années 70, le constat final au terme de cette longue dérive sera sans appel et sans concession : aucun espoir de rédemption pour les laissés-pour-compte du rêve américain !

« La femme à abattre » (The Enforcer - 1951) ; Un film de Bretaigne Windust et Raoul Walsh avec Humphrey Bogart, Zero Mostel et Everett Sloane ; DVD, ESC Editions, 2025.
 

Le gangster qui avait accepté de témoigner contre le chef d’une redoutable organisation criminelle se tue accidentellement. Le procureur Martin Ferguson perd son témoin clé et doit repartir à zéro. Il a peu de temps pour éviter que le suspect ne ressorte…

Voici un film injustement méconnu à redécouvrir avec plaisir dans cette belle édition DVD des éditions ESC. Bretaigne Windust, son éphémère réalisateur venu du monde du théâtre, se vit secondé par le grand Raoul Walsh suite à des problèmes sur le tournage avec la Warner Bros.
Le résultat fut - il est vrai, impeccable avec des plans réactifs et mobiles, des cadrages jouant du noir et blanc à l’image de ses protagonistes, professionnels du crime dans les années 40…
Le scénario est directement inspiré de l’affaire Murder Inc., affaire qui fit dans ces années grand bruit aux Etats-Unis et qui donna lieu à une enquête sur cette mafia instituant une véritable entreprise du crime.
Windust passa le relais à l’incontournable Raoul Walsh qui livra avec ce long-métrage un film de toute beauté sans que l’on sache réellement la part de chacun de ses réalisateurs (il faut ce sur ce point regarder le passionnant bonus à ce sujet).
Soulignons, enfin, que l’indéniable réussite de « La femme à abattre » tient, également et bien sûr, à son casting de choix avec notamment un Humphrey Bogart plus inspiré que jamais et qui ajoute encore à l’intérêt de ce film.

Il Ferroviere (Le Disque Rouge)- 1956 ; Un film de Pietro Germi, Italie, 116 mn, Noir et Blanc, 1.37, BR, Carlotta, 2025.
 

Le soir de Noël, Sandro accourt fièrement retrouver son père, Andrea Marcocci, un conducteur de locomotive. Mais sur le chemin du retour, ce dernier s’arrête au café et s’y attarde alors que sa femme et ses enfants l’attendent à la maison. L’année qui suit voit la famille se désagréger. Un jour, un homme se jette sous le train conduit par Andrea. Quelques heures plus tard, bouleversé, ce dernier ne voit pas le signal d’arrêt et évite de peu un grave accident…

Ce film emblématique de la première moitié du parcours de Pietro Germi constitue en quelque sorte l’acmé de la veine néoréaliste, avant un changement radical de style dans la filmographie du réalisateur italien qui signera des films initiant la « comédie à l’italienne » avec notamment le mémorable « Divorce à l’italienne »…
Interprétant lui-même avec un brio certain le rôle principal du cheminot Andrea Marcocci, Germi explore cet univers populaire de l’Italie d’après-guerre, avec attendrissement - et sans concession d’un monde qu’il connaissait bien par ses origines modestes à Gênes. A noter l’éblouissante interprétation du petit Sandrino.
Des plans également généreux quant à la liesse populaire s’exprimant dans des fêtes réunissant toutes les générations jusqu’aux scènes les plus dramatiques lorsque la pénombre envahit progressivement la pellicule, Il Ferroviere fait date en cette année 1956 même si certaines critiques émanant du Parti communiste italien relèveront injustement un regard trop caricatural des masses populaires de l’Italie d’après-guerre.
Tout concourt à faire de ce long-métrage une étape incontournable du cinéma italien de ces années 50 récompensé par de nombreux prix et qui n’a pas pris une ride grâce à cette très belle restauration 4K qui en restitue toute la somptuosité…

« PONTCARRAL, COLONEL D’EMPIRE » (1942) ; Un film de Jean Delannoy avec Pierre Blanchar, Annie Ducaux, Suzy Carrier, Simone Valère, Madeleine Suffel, Madeleine Suffel, Renée Thorel ; Scénario d’Albéric Cahuet, Bernard Zimmer ; Décors de Serge Pimenoff ; Costumes de Georges Annenkov ; Musique de Louis Beydts ; DVD, Pathé Films, 2025.
 

Pontcarral (Pierre Blanchar) est baron et ancien colonel d’Empire sous Napoléon, méprisé de tous pendant la Restauration. Lorsque Garlone de Ransac (Annie Ducaux), fière aristocrate, lui propose de l’épouser, il y voit une possible revanche sur la société. C’était sans savoir que Garlone l’utilise aussi pour une vengeance personnelle…

C’est à la redécouverte d’un réalisateur quelque peu négligé, Jean Delannoy, et d’un acteur relégué dans les archives du cinéma, Pierre Blanchar, à laquelle nous convie ce DVD du film « Pontcarral, colonel d’Empire » sorti en 1942 en pleine Occupation. Jean Delannoy s’imposa à l’époque comme un réalisateur majeur avec des films à succès tels L’Éternel Retour, La Symphonie pastorale ou encore La Princesse de Clèves. Ce long-métrage de près de deux heures fait figure, avec le recul, de manifeste de résistance dans la France occupée des années 40. L’interprétation un brin héroïque de Pierre Blanchar (Les Croix de bois ; La Symphonie Pastorale) en tant que colonel d’Empire déchu après la Restauration laisse en effet l’impression d’un combat, certes illusoire, quant à la gloire napoléonienne, afin de retrouver les fastes de l’Aigle disparu à Sainte-Hélène.
Tourné principalement en studio, avec des plans soignés et une photographie remarquable, ce film plaisant offre un certain regard sur cette période troublée où la France entre les deux Restaurations se déchirait entre les nostalgiques de l’Empereur et de la fleur de lys. Le jeu un brin désuet mais néanmoins convaincant de Pierre Blanchar et la présence à l’écran d’Annie Ducaux justifient de redécouvrir ce film qui bénéficie d’une belle restauration.

Infos techniques :
DVD ߦ 1.33 ߦ N&B ߦ 118 min
LANGUE : Français DTS mono 2.0 ߦ SOUS-TITRES : Anglais / Sourds et malentendants ߦ AUDIOVISION

BLU-RAY ߦ 1.33 ߦ N&B ߦ 123 min
LANGUE : Français DTS mono 2.0 ߦ SOUS-TITRES : Anglais / Sourds et malentendants ߦ AUDIOVISION

Suppléments :
Pierre Blanchar, le grand oublié par Olivier Barreau (20min)
Jean Delannoy, mon père (20min)
Mémoires inédits de Jean Delannoy (12min)

« AU P’TIT ZOUAVE » ; Un film de Gilles Grangier avec François Périer, Dany Robin, Marie Daëms, Jacques Morel, Alice Field ; Scénario et dialogues de Pierre Laroche ; Adaptation d’Albert Valentin ; Décors de Raymond Druart ; DVD • 1.33 • N&B • 110 min, Pathé Films, 2024.
 

Dans un quartier populaire de Paris, où les policiers et un assassin de vieilles filles sévissent, le café Au P’tit Zouave offre réconfort et sécurité aux habitants modestes de la ville. Mais l’arrivée d’un homme plus fortuné et mystérieux vient perturber l’équilibre déjà précaire de l’établissement.

Voici une petite pépite bien injustement méconnue de nos jours et que Pathé Films a eu la fort bonne idée de restaurer en une édition ravivant tout le charme de la photographie de ce film signé du réalisateur Gilles Grangier, réalisateur déjà présenté dans ces colonnes (« Le Sang à la tête » (1956), « Échec au porteur » (1957), « Trois jours à vivre » (1958), « 125 rue Montmartre » (1959)). L’action se déroule presque exclusivement au sein d’un ancien café de Paris dans un quartier populaire, métro Grenelle, où il fait office de port d’échouage pour bien des épaves de la vie. Dans ce microcosme où chacun réinvente le monde au quotidien, un verre de gros rouge à la main, il ne se passe guère autre chose que la vie qui défile, son long cours tranquille… jusqu’à ce que l’imprévisible survienne avec l’apparition d’un bien curieux personnage, aussi mystérieux que séducteur. On l’aura compris, c’est le grand acteur François Périer qui incarne, ici, ce personnage énigmatique avec cette faconde dont il avait le secret, et conférant ainsi au film toute sa profondeur.
Gilles Grangier n’a pas ménagé sa peine pour reproduire l’esprit d’un bistrot de quartier populaire avec ses âmes en peine et ses petites mesquineries bien anodines qui constituaient le quotidien de ces îlots de vie au cœur de la capitale. Ces lieux, aujourd’hui relégués au rang de souvenirs, prennent ici vie avec une poignante authenticité.
Entre comédie et film noir, « Au P’tit Zouave » vaut surtout pour sa truculente évocation de Paris au siècle passé, une évocation sublimée par une mise en scène minutieuse et un sens aigu du détail. Ce film, à la fois tendre et cruel, restitue avec brio une atmosphère aujourd’hui disparue, offrant ainsi un voyage dans le temps empreint de mélancolie et de charme.

LANGUE : Français Mono 2.0 • SOUS-TITRES : Anglais / Sourds et malentendants •
AUDIOVISION BLU-RAY • 1.33 • N&B • 110 min LANGUE : Français DTS mono 2.0 • SOUS-TITRES : Anglais / Sourds et malentendants • AUDIOVISION
Suppléments :
François Périer, le prince de l’ambiguïté (22 min)
Dany Robin, la petite fiancée de la France (24 min)
Robert Dalban : Profession second rôle (10 min
 

« La Rose de la mer » ; Un film de Jacques de Baroncelli avec Fernand Ledoux, Roger Pigaut, Denise Bosc, Noël Roquevert, Pierre Palau, René Génin ; Restauré par Pathé, en DVD/Blu-ray, Pathé, 2024.
 

Jérôme possède un bateau, La Rose de la Mer, avec son truand d'oncle. Ils naviguent avec une bande de forbans engagés par l'oncle pour saborder le navire et toucher la prime d'assurance. Mais Jérôme n’est pas de cet avis et s’oppose au reste de l’équipage.

Le cinéma compte certains réalisateurs injustement tombés dans l’oubli, Jacques de Baroncelli en est un exemple notoire. Après avoir découvert « La Rose de la mer », l’un de ses derniers films sorti en 1946, on se posera la question : pour quelle raison avoir attendu aussi longtemps pour ressortir cette pépite des oubliettes du 7e art ?
Tout concourt en effet à faire de « La Rose de la mer » une belle page du cinéma : son scénario adaptant avec aisance le roman sombre de Paul Vialar dans le milieu très fermé de la marine marchande, le choix des acteurs, véritables gueules du cinéma évitant de sur-jouer, une photographie remarquable et des plans de toute beauté. Articulé autour de l’idée de rédemption, ce film nous plonge dans les profondeurs de la psyché d’individus ballottés tout aussi bien par la vie que par les flots.
Derrière les masques et les postures, se cachent des cœurs d’êtres humains qui se fendent parfois comme les vagues les plus solides sur les brisants. Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, ce film se veut comme un message d’espoir, de la noirceur des hommes peut naître parfois les plus belles fulgurances…

« BLACK TEA » ; Un film de Abderrahmane Sissako avec Nina Mélo , Han Chang, DVD, Gaumont, 2024.
 

Aya, une jeune femme ivoirienne d’une trentaine d’années, dit non le jour de son mariage, à la stupeur générale. Émigrée en Chine, elle travaille dans une boutique d'export de thé avec Cai, un Chinois de 45 ans. Aya et Cai tombent amoureux mais leur histoire survivra-t-elle aux tumultes de leurs passés et aux préjugés ?

« Black Tea » peut s’enorgueillir d’être non seulement un film d’une rare beauté par ses plans soignés, son art de la photographie et de la lumière, mais aussi un film d’ouverture, une diagonale des cultures qui touche au cœur dès les premiers plans. Échappant fort heureusement aux discours lénifiants des « citoyens du monde » et autres « habitants d’une même planète », le réalisateur Abderrahmane SISSAKO déjà salué dans ces colonnes pour son mémorable long-métrage Timbuktu (2014) ne lisse pas l’altérité, tant s’en faut. Porté par un jeu d’acteurs délicat et subtil à l’égal de l’art du thé mis en valeur dans ce film, « Black Tea » développe la force des sentiments au-delà des frontières culturelles sans pour autant les nier. Car les préjugés abondent bien entendu dans cette Chine qui sait accueillir ces étrangers d’origine africaine lorsque leur présence sert les intérêts économiques du pays mais peut remettre en question leur installation avec la même rapidité. Mais là n’est pas le propos du réalisateur qui privilégie par cette allégorie de la rencontre de deux continents l’analyse des liens tissés et les réseaux inexorablement scellés qui en découlent.
« Black Tea » explore avec finesse ces échanges, ces confrontations parfois, tout en magnifiant ces silences évocateurs entre les êtres.

« POUR L’AMOUR DU CIEL » ; Un film de Luigi Zampa avec Jean Gabin, Mariella Lotti, Antonella Lualdi, Julien Carette, Elli Parvo… Restauré par Pathé ; Scénario de Cesare Zavattini ; Adaptation de Suso Cecchi D'Amico, Vitaliano Brancati, Diego Fabbri, Giorgio Moser ; Dialogues d’Henri Jeanson ; Musique de Nino Rota ; Photographie de Carlo Montuori ; Montage d’Eraldo Da Roma ; Décors de Gastone Medin ; En combo DVD/Blu-ray, 2024.
 

Lorsqu’il se fait mortellement renverser par un camion, le riche industriel romain CarloBacchi se voit refuser l’entrée au paradis. Le juge céleste lui donne alors douze heures pour racheter ses fautes en faisant le bonheur de Santini, un de ses ouvriers qui a tenté de se suicider.

Cette coproduction franco-italienne réalisée par Luigi Zampa associe une vedette française du 7e art en la personne de Jean Gabin et des comédiens italiens pour un tournage dans la Ville Éternelle. Entre néoréalisme italien et comédie à la croisée des genres, « Pour l’amour du ciel » bénéficie aujourd’hui d’une belle restauration disponible en combo DVD/Blu-Ray réalisée par les éditions Pathé.
Que pourrait faire tout à chacun s’il lui était donné quelques heures à revivre afin de réparer ses torts ? Tel est le thème retenu pour ce film servi par un rythme enlevé et des plans rigoureux magnifiant la Rome à la veille des années 50. À noter la musique du célèbre compositeur italien Nino Rota !
Si le film peut souffrir parfois de ce mélange des genres et d’une équipe disparate, il n’en demeure pas moins que la prestation de Jean Gabin ainsi que la superbe photographie méritent à elles seules de (re)découvrir cette page restée discrète dans la filmographie au lendemain de la Seconde Guerre mondiale.

« Opération Prophète » ; Un film de Michal Kondrat, DVD, Saje Editions, 2024.
 

1956. Après trois ans d’emprisonnement aux mains du régime communiste pendant la guerre froide, le cardinal Stefan Wyszyński, primat de Pologne, est rétabli à la tête de l’Église catholique à Varsovie. Chef spirituel et visionnaire, il dialogue sans relâche avec les autorités communistes pour négocier plus de droits pour l’Église et la nation opprimée. Quel est cet homme prophétique qui a ouvert la voie à l’ascension spectaculaire du pape Jean-Paul II et à la chute du communisme en Europe ?

C’est une belle et tragique histoire – véridique – que celle que nous propose le réalisateur Michal Kondrat sur le combat d’un homme d’Église, le primat Wyszynski, et de son peuple contre l’athéisme aveugle d’un régime, celui de la Pologne communiste. Celui qui osa dire non à l’oppression au péril de sa propre vie et celle de ses compagnons a en effet inspiré le réalisateur polonais pour ce long-métrage à la fois sensible et délaissant tout pathos inutile quant à cette histoire tragique.
Jour après jour, année après année, nous découvrons le combat quotidien de cette personnalité forte et déterminée instillant auprès de son entourage le courage de lutter contre la machine politique impersonnelle et broyant toute opposition sur son passage. Tortures physiques, intimidations, menaces et diffamations, tout est mis en place afin d’éradiquer toute survivance de la foi catholique indissociable de l’âme polonaise.
C’est ce rude combat que nous découvrons avec ce film servi par l’interprétation remarquable de l’acteur Slawomir Grzymkowski, littéralement habité par son rôle.
Un récit historique dont il convient de ce souvenir et qui ouvrit la voie à l’action déterminante du pape Jean-Paul II à l’encontre du communisme en Europe.
 

« Le maître des îles » (1970) ; Un film de Tom Gries avec Charlton Heston, John Phillip Law, Geraldine Chaplin- Combo DVD / Blu-Ray, Sidonis Calysta, 2024.
 

L’archipel d’Hawaï dans les années 1880. Descendant d’une riche famille de planteurs, Whip Hoxworth abandonne le commerce maritime pour prendre possession des terres héritées de son père. Contre vents et marées, il devient à l’issue de quelques années le plus grand propriétaire de la région grâce au travail acharné de ses ouvriers chinois dont un couple élève son fils. Sachant son activité menacée par l’indépendance des îles, il fomente une révolution de manière à ce que son territoire bénéficie du protectorat américain…

Réalisé au fait de la gloire de son acteur principal, Charlton Heston, « Le maître des îles » ne rencontra pas à sa sortie le succès que ce film méritait, la grande époque du cinéma d’aventure hollywoodien étant quelque peu passée au tournant des années 70. Cette superproduction aux moyens financiers exceptionnels à l’époque mérite pourtant d’être redécouverte, et ce, à plus d’un titre :
Tout d’abord pour la prestation de l’acteur principal, Charlton Heston, qui après le succès de « La Planète des singes » en 1968 jouit d’une réputation incontestée à Hollywood. Autour de lui, Géraldine Chaplin et surtout la Chinoise Tina Chen dont se fut le plus grand rôle à l’écran méritent aussi d’être soulignées.
Si quelques longueurs incontournables au genre peuvent être notées, il demeure néanmoins que « Le maître des îles » du réalisateur Tom Gries (Will Penny, Le Solitaire, Cent fusils, L’Évadé, Le Solitaire de Fort Humboldt) a su associer faits historiques et fiction de manière plaisante et divertissante. Le scénario de James R. Webb informé pour l’époque d’après le best-seller de James Michemer entre au cœur de l’Histoire de l’archipel hawaïen en tenant compte des réalités sociales et ethniques à la fin du XIXe s.
Pour parfaire l’ensemble, la musique enlevée du grand Henri Mancini viendra ajouter au charme de cette fresque épique réussie, à redécouvrir.

« Hôtel de France » (1987)- Un film de Patrice Chéreau avec Laurent Grévill, Valeria Bruni Tedeschi, Vincent Perez, Laura Benson, Thibault de Montalembert, Marc Citti, Bernard Nissille, Marianne Denicourt, Isabelle Renauld, Bruno Todeschini, Agnès Jaoui, Hélène de Saint-Père, Thierry Ravel, Dominic Gould, Foued Nassah, Eva Ionesco… ; Scénario : Patrice Chéreau et Jean-François Goyet d'après l'œuvre d'Anton Tchekhov ; Photographie : Pascal Marti, DVD/BRD, Pathé Films, 2023.
 

Quand ils avaient vingt ans, Michel et Sonia se sont aimés. Ils faisaient partie d'une bande de copains provinciaux, dont Michel en était le leader, celui qui "irait loin". Mais il s'est arrêté en chemin, et voilà qu'ils se retrouvent tous à une réception quelques années plus tard. Sonia ne peut s'empêcher d'être déçue et Michel d'en être blessé.

Avec « Hôtel de France » de Patrice Chéreau, voici une curieuse réalisation, de nouveau disponible en DVD/BRD chez Pathé Films, entre cinéma et théâtre, ce qui n’étonnera pas les amoureux du metteur en scène disparu en 2013. En une adaptation libre de la pièce « Platonov » d’Anton Tchekhov, Chéreau s’empare, ici, de l’un de ces carrefours des sentiments que la vie déploie parfois, pour explorer l’intériorité de chaque protagoniste, toujours en rapport avec le groupe.
Le film sorti en 1987 fut un échec tant sur le plan de la critique que des spectateurs, le réalisateur avouant a posteriori son insatisfaction sur ce long-métrage expérimental. Et pourtant, presque quarante années plus tard, cette sortie en DVD permettra de découvrir l’étendue du champ d’expérimentation de ce metteur en scène/réalisateur de génie que fut Patrice Chéreau. Certes, les amoureux de Tchekhov pourront de prime abord être surpris de découvrir cette adaptation contemporaine dans un hôtel restaurant plus qu’ordinaire au bord d’une nationale… Passé l’étonnement, le spectateur se trouvera cependant engagé malgré lui en un tourbillon à la fois jubilatoire et destructeur des relations humaines, avec, comme fil directeur récurrent la question essentielle : qu’avons-nous fait de notre vie ?
Ce film fut réalisé avec sa très jeune équipe du Théâtre des Amandiers de Nanterre dont de nombreux noms alors inconnus deviendront par la suite des références dans leur art, citons notamment Vincent Perez, Thibault de Montalembert, Bruno Todeschini, Valeria Bruni-Tedeschi, Laurent Grévill, Agnès Jaoui, Marianne Denicourt, Eva Ionesco… Véritable chorégraphie humaine, « Hôtel de France » rejoint la dramaturgie de Tchekhov sur cette perte des repères, les rapports conflictuels entre générations, les jeux cyniques de séduction.
Si quelques imperfections pointent parfois, cette adaptation très libre sera néanmoins l’occasion de retrouver l’esprit Chéreau anticipant sur son grand film « La Reine Margot » en 1994.
 

Coffret Yves Boisset : « Espion lève-toi (1981) + Le Saut de l'ange » avec Lino Ventura, Michel Piccoli, Bruno Cremer, Bernard Fresson, Krystyna Janda ; Combo Blu-ray + DVD Collection Make my day !, Studiocanal 2023.
 

Sébastien Grenier, un ancien espion, dirige une société à Zurich. Tandis que les attentats terroristes se multiplient, Sébastien est contacté par un haut fonctionnaire suisse, Jean-Paul Chance. La mort de ses deux amis les plus chers décide Sébastien à reprendre ses activités d'espion...

Comptant parmi l’un des derniers grands films du réalisateur Yves Boisset avant qu’il ne passe à la télévision, « Espion lève-toi » fut l’occasion de réunir deux monstres sacrés du cinéma avec Lino Ventura et Michel Piccoli dans la grande tradition des films d’espionnage des années 60 et 70.
Dans un univers trouble et sombre, cette confrontation entre les deux protagonistes sur fond de dialogues toujours inspirés de Michel Audiard ne laisse pas un instant de répit. Lino Ventura crève l’écran face au jeu de chat et de la souris de Michel Piccoli, en une partie d’échecs énigmatique sans issue dans le cadre de la ville de Zurich.
Influencé par le cinéma de Francesco Rosi et le contexte géopolitique troublé des années 70, Yves Boisset signe avec cette réalisation soignée un grand film entré depuis dans les classiques du cinéma. Un incontournable irrésistible !

A noter que ce coffret combo DVD/BRD contient également le 4ème film du réalisateur « Le saut de l’ange », film d’action de 1971 avec Jean Yanne.

LA CIBLE de Peter Bogdanovich avec Boris Karloff, (1967 - Couleurs - 90 mn), Nouvelle Restauration 2K, Version originale sous-titrée français + Version française, Édition Blu-ray ou DVD, Inédit en Blu-ray, Carlotta, 2023.
 

Byron Orlok, célèbre acteur de films d’épouvante, a décidé de mettre un terme à sa carrière. Sa dernière apparition publique aura lieu le lendemain à un drive-in où il présentera son dernier film. Ce jour-là, Bobby Thompson, un assureur fasciné par les armes à feu, abat de sang-froid sa mère et sa femme. Bien décidé à ne pas s’arrêter là, le jeune homme poursuit sa route, jalonnée de cadavres, jusqu’au drive-in…

Un jeune homme de la middle class américaine vivant chez ses parents avec son épouse et entretenant avec eux des relations apparemment sans problème ; parallèlement, un vieil acteur, à la gloire en berne du cinéma de l’horreur, et en fin de parcours… Voici les personnages centraux que tout oppose dans les premières minutes de ce premier long-métrage de Peter Bogdanovich. Mais l’action va s’accélérer lorsque nous comprenons que derrière cette routine presque inquiétante se cache un personnage froid et prêt à tout quant à sa passion dévorante pour les armes à feu… L’horreur succédera au quotidien, en un singulier jeu de miroir (voir notamment la scène finale, la plus réussie du film avec le coup de feu sur l’écran du drive-in…). Surtout, ce drame ne sera curieusement pas dans la fiction du 7ième art représenté avec talent par le jeu impeccable de Boris Karloff dans l’un de ses derniers rôles à l’écran, mais bien dans la réalité d’un tueur en série au-dessus de tout soupçon.
Ce thème pourrait apparaître banal à l’heure malheureusement tragique des multiples carnages de tueur en série aux États-Unis, si ce n’est que ce film date de 1967, il y a plus de 55 ans, soit plus d’un demi-siècle, à une époque où ce phénomène était nouveau et demeurait encore marginal de l’autre côté de l’Atlantique… Malgré les maladresses dues aux conditions plus que particulières de tournage rappelées dans le bonus du coffret prestige DVD+BRD édité en nombre limité par Carlotta, le film suscite la curiosité dès l’accélération des évènements.
Il est intéressant de noter d’ailleurs que « La Cible » fut quelque peu limitée lors de sa sortie car entre-temps Martin Luther King et le président Kennedy avaient été assassinés dans les conditions que l’on sait. Reste que « La Cible » demeure un film à redécouvrir dans cette belle édition restaurée 2K sous la supervision de Peter Bogdanovich en personne !
 

« Le Cardinal » ; Un film de Nicolae Margineanu avec Mircea Andreescu, Alexandru Rusu, Radu Botar ; Versions : VF, VOST, Durée : 95 min, DVD, Saje Éditions, 2023.
 

1950, prison de Sighet, Roumanie. C'est là, derrière les barreaux, qu'un groupe d’évêques gréco-catholiques est emprisonné par les autorités communistes, dans le but de les amener à renier toute forme d’allégeance au Vatican, perçu comme une influence étrangère. Un homme s'élève parmi eux qui devient progressivement un guide pour chaque prêtre : l'évêque Iuliu Hossu...

Développant un thème déjà abordé par l’écrivain japonais Shūsaku Endō dans son célèbre roman « Silence », le réalisateur roumain Nicolae Margineanu a su se saisir de la résistance de la foi face à l’adversité, un choix toujours difficile dans un contexte d’oppression. A la différence du roman japonais, il ne s’agit pas pour Iuliu Hossu, évêque de l’Église grecque-catholique roumaine de Gherla, d’apostasier sa foi mais d’accepter de se convertir à l’Église orthodoxe roumaine. Mais c’était sans compter sur la ferme conviction du prélat roumain et de ses compagnons arrêtés en 1948 et emprisonnés dans les terribles geôles roumaines.
En évitant toute surenchère de violences suffisamment suggérées par cette belle réalisation, « Le cardinal » a privilégié l’analyse des caractères des différents protagonistes de cet univers carcéral, véritable huis clos où les personnalités se révèlent. L’homme d’Église reste inflexible même si parfois quelques failles peuvent poindre sans qu’elles ne conduisent à céder pour autant sous la menace… Ce film sensible révèle ce combat du quotidien, fait d’humanité dans les pires conditions et toujours cette compassion indéfectible du prélat non seulement pour ses compagnons d’infortune mais également à l’égard de ses tortionnaires.
Reconnu martyr, le cardinal Iuliu Hossu a été béatifié le 2 juin 2019 par le pape François et ce film remarquable lui rend – ainsi qu’à ses compagnons – l’hommage qui s’imposait.

« Quand siffle la dernière balle » (Shoot out) – 1971 ; Un film de Henry Hathaway avec Gregory Peck, Patricia Quinn et Robert F.Lyons ; Audio : VOST et VF Dual Mono Restaurées ; Durée : 97mn ; Bonus : Présentations Patrick Brion et Jean-François Tiré, DVD, Sidonis, 2023.
 

Un homme, Clay Lomax, sort de prison après avoir purgé une peine de 8 ans et veut se venger de Sam Foley, un complice qui l'a trahi. Mais au passage, il lui échoit la petite fille de 7 ans de la femme qu'il avait aimée avant son incarcération et qui est morte entre temps. Donc il lui reste à poursuivre son objectif, avec une petite fille dans les pattes, et une bande de tueurs à ses trousses engagés par le fameux traître.

Le grand réalisateur Henry Hathaway n’est plus à présenter et ses films, ses westerns et films d’action, sont bien souvent passés à la postérité du 7ème art. Aussi sera-t-il intéressant de (re)découvrir son avant dernier film, « Quand siffle la dernière balle » qui sans égaler « Nevada Smith », « La conquête de l’Ouest », « Les trois lanciers du Bengale » ou encore « Le Carrefour de la mort », mérite cependant d’être redécouvert. Ce long-métrage fait figure d’hommage au genre classique du western avec ces paysages du Nouveau Mexique exceptionnellement rendus par de superbes plans en une saison automnale annonciatrice du crépuscule du genre et du réalisateur.
Le film vaut également d’être redécouvert pour la présence rayonnante de Gregory Peck, incarnant étonnement le rôle d’un méchant repenti, retrouvant peu à peu le sens des valeurs sans oublier cette petite fille interprétée avec une rare présence par la jeune Dawn Lyn dont l’effronterie n’a d’égal que l’attendrissante spontanéité.
Si le scénario laisse parfois quelque peu à désirer, l’action allant crescendo réservera de beaux moments de cinéma pour cette ultime ode au genre western.
 

« Les écumeurs » (The Spoilers) – 1942 ; Un film de Ray ENRIGHT avec John WAYNE, Marlene DIETRICH, Randolph SCOTT, DVD, Sidonis, 2023.
 

La ruée vers l'or bat son plein en Alaska. De prétendus agents du gouvernement détournent la loi en spoliant de leur concession les prospecteurs les plus modestes qui, désormais associés à Glennister, propriétaire d'un gisement important, tiennent tête au commissaire aux mines McNamara. Avec l'aide d'un juge véreux, ce dernier réplique par davantage d'expropriations encore, allant jusqu'à envoyer Glennister derrière les barreaux. Celui-ci n'entend pas se laisser faire…

Casting de choix pour ce western quelque peu atypique nous transportant dans l’univers sauvage de la ruée vers l’or avec John Wayne, Marlene Dietrich et Randolph Scott. Un trio de choc réuni, ici, pour la première fois dans ce film enlevé. Marlene Dietrich crève littéralement l’écran dans cette réalisation soignée de Ray Enright, un habitué du western, genre qu’il sert à merveille avec des plans rigoureux et surtout des décors et scènes d’extérieurs d’un réalisme époustouflant. L’action menée tambour battant est ponctuée de bagarres spectaculaires dont notamment celle finale réglant le compte du cynique et néanmoins toujours souriant Randolph Scott. John Wayne s’impose bien entendu aux côtés de sa partenaire qu’il ne parvient pas curieusement cependant à éclipser contrairement aux autres westerns qu’il tourna, le charme de Marlene Dietrich s’imposant !
 

« 10 hommes à abattre » ( 10 Wanted Men 1955) ; Un film de Bruce HUMBERSTON –avec Randolph SCOTT, Richard BOON, Lee VAN CLEEF, DVD, Sidonis, 2023.
 

Arizona. Tenace, John Stewart est parvenu à défendre son ranch contre les Indiens. Sous prétexte qu'il donne refuge à sa fille adoptive, son rival Campbell engage dix tueurs pour l'abattre, mais il s'agit en réalité pour ce dernier de faire main basse sur ses terres afin d'agrandir son propre domaine. Assiégé auprès d'une poignée de fidèles, Stewart leur résiste…

« 10 hommes à abattre » compte parmi ces westerns mettant en avant des acteurs réputés du genre tel l’incontournable Randolph Scott, mais aussi Richard Boon ainsi que de jeunes premiers appelés à un bel avenir comme Lee Van Cleef. Sans atteindre les sommets d’un John Ford, cette réalisation de Bruce Humberston se laisse néanmoins agréablement découvrir pour la prestation plus nuancée qu’à l’habitude de Randolph Scott qui compte une soixantaine de westerns à son actif, toujours charmeur, mais plus fragile et bousculé par cette rivalité inattendue au stade de sa vie apaisée de grands propriétaires. Richard Boone au début de sa carrière s’impose également à l’écran, lui qui sera appelé à jouer dans des films de légende tels Alamo, Tonnerre Apache, Rio Conchos, Le Dernier des géants… Avec des plans serrés sur l’action, la succession de scènes impressionnantes telle celle de l’attaque à la dynamite d’une maison servant de refuge à Stewart, offrira un divertissement plaisant pour ce western à redécouvrir.

Format : CINEMASCOPE, Audio : VF/VOST, Durée : 80 min, Bonus : Présentation Patrick BRION et Jean François GIRE
 

« La cité de la violence » (Citta Violenta) – 1970 ; Un film de Sergio Sollima avec Charles Bronson, Telly Savalas, Jill Ireland, Michel Constantin, Umberto Orsini… Format : Cinemascope, 2:35, 16/9, DVD, Sidonis, 2023.
 

Tandis qu’il circule en voiture avec sa compagne Vanessa, le tueur à gages Jeff Heston tombe dans un piège. Blessé, il échoue en prison. Libéré, il ne poursuit désormais plus qu’un double objectif : se venger de ceux qui l’ont trahi et retrouver celle qu’il aime. Sa croisade sanglante débute à la Nouvelle-Orléans où la mafia locale l’attend de pied ferme…

Ce film signé par le réalisateur et critique de cinéma italien Sergio Sollima revisite les codes du polar en proposant une adaptation exacerbée répondant au style des années 70. La violence omniprésente – suggérée ou explicite – ne passerait plus aujourd’hui selon les codes éthiques fort heureusement plus évolués notamment quant aux violences faites aux femmes. Par delà ces clichés d’une société à l’époque en crise, ce long-métrage servi par une photographie irréprochable vaut essentiellement pour le jeu de l’acteur phare dans le genre, un certain Charles Bronson… Incarnant à la perfection le rôle de loup solitaire, la touche originale vient de ses rapports plus que passionnels avec sa compagne dans le film – et véritable épouse dans la vie – la ravissante Jill Ireland. Entre histoire d’amour mouvementée, mafia intempestive avec un Terry Savalas que l’on a connu sous des jours meilleurs, « La cité de la violence » est servi par la musique toujours efficace du légendaire Ennio Morricone et ravira les nostalgiques des films des années 70, courses poursuites automobiles, pattes d’eph et cols à rallonge garantis !

Détails techniques :
Audio : Français et VOST, Durée : 108mn, Bonus : Présentation François Guérif et Jean-Baptiste Thoret, Couleur

Pier Paolo Pasolini 100 ans en 6 BRD aux éditions Carlotta
6 BD • MASTERS HAUTE DÉFINITION • 1080/23.98p • ENCODAGE AVC Version Originale / Version Française* DTS-HD Master Audio 1.0 • Sous-Titres FrançaisFormats 1.37, 1.66 et 1.85 respectés • Noir & Blanc et Couleurs • Durée Totale des Films : 867 mn, 2022.
 

Pier Paolo Pasolini aurait cent ans en cette année 2022 et les éditions Carlotta lui rendent le plus bel hommage qui soit en réunissant 9 de ses meilleurs films en un somptueux coffret Blueray. Couvrant la décennie des années 60, des années des plus prolifiques, ce coffret inclut notamment son premier film Accattone (1961) qui sera le point de départ d’un cinéma d’auteur à nul autre pareil. Retenant des acteurs pour la plupart non professionnels et focalisant sa caméra sur les borgate romaines déshéritées, le cinéaste poète capte les méfaits de l’industrialisation sauvage de l’Italie. La perte du lien, les communautés déplacées dans des barres d’immeubles dépersonnalisés, la pauvreté humiliante sont autant de thèmes récurrents qui structurent ce cinéma à hauteur d’âmes en perdition. Suivront dans cet esprit Mamma Roma l’année suivante, puis La Ricotta en 1963 avant le coup de tonnerre esthétique porté par L’Évangile selon saint Matthieu, admirable réalisation pour l’intellectuel marxiste qu’était Pier Paolo Pasolini… Ce coffret inclut également des réalisations plus méconnues du cinéaste : Des Oiseaux petits et gros, Œdipe Roi, Carnet de notes pour une Orestie africaine sans oublier l’énigmatique Médée avec Maria Callas, autant de réalisations passionnantes qui devraient captiver non seulement les amateurs du cinéaste italien, mais également tous les passionnés du grand écran.

LES 9 FILMS

BLU-RAY 1 : ACCATTONE (1961 – N&B – 117 mn – Nouvelle Restauration 4K)
BLU-RAY 2 : MAMMA ROMA (1962 – N&B – 107 mn – Nouvelle Restauration 4K) • LA RICOTTA (1963 – Couleurs et N&B – 35 mn – Restauration HD)
BLU-RAY 3 : L’ÉVANGILE SELON SAINT MATTHIEU (1964 – N&B – 138 mn – Restauration 2K)
BLU-RAY 4 : DES OISEAUX PETITS ET GROS (1966 – N&B – 89 mn – Restauration HD) • ENQUÊTE SUR LA SEXUALITÉ (1964 – N&B – 92 mn – SD)
BLU-RAY 5 : ŒDIPE ROI (1967 – Couleurs – 104 mn – Restauration HD) • CARNET DE NOTES POUR UNE ORESTIE AFRICAINE (1970 – N&B – 74 mn – Restauration 2K)
BLU-RAY 6 : MÉDÉE (1969 – Couleurs – 111 mn – Restauration 2K)

LES SUPPLÉMENTS

2 DOCUMENTAIRES :
"CINÉASTES, DE NOTRE TEMPS : PASOLINI L’ENRAGÉ" (98 mn)
"MÉDÉE PASSION, SOUVENIRS D’UN TOURNAGE" (30 mn)
4 DOCUMENTS OU ANALYSES • 7 ENTRETIENS
SCÈNES COUPÉES : "DES OISEAUX PETITS ET GROS" • "MÉDÉE"
7 BANDES-ANNONCES ORIGINALES
2 BANDES-ANNONCES : "ÉVÉNEMENT PASOLINI 100 ANS !"

« Les jeunes amants » ; Un film de Carine Tardieu avec Fanny Ardant, Melvil Poupaud, Cécile de France, Florence Loiret Caille, Sharif Andoura, DVD, Diaphana, 2022.
 

Shauna, 70 ans, libre et indépendante a mis sa vie amoureuse de côté. Elle est cependant troublée par la présence de Pierre, cet homme de 45 ans qu’elle avait tout juste croisé, des années plus tôt. Et contre toute attente, Pierre ne voit pas en elle “une femme d’un certain âge”, mais une femme, désirable, qu’il n’a pas peur d’aimer…

Comment évoquer ces liens trop souvent occultés ou tout simplement tus, parce que dérangeants, entre deux êtres qui s’aiment malgré une importante différence d’âge ? C’est l’interrogation qu’a souhaité aborder « Les jeunes amants » de Carine Tardieu et de la scénariste Agnès de Sacy à partir d’un projet initial de la réalisatrice Sólveig Anspach disparue avant d’avoir pu le tourner.
Ce film à la fois sensible et tendre alterne entre lumière et pénombre. À partir d’un thème en effet délicat et rarement traité au grand écran, cette réalisation pudique mais explorant les consciences des différents protagonistes, notamment des proches, déploie une palette de sentiments qu’interprètent avec justesse Fany Ardant et Melvil Poupaud. Sans excès et tout en nuances, « Les jeunes amants » adopte un ton juste qui saisit spontanément le spectateur, le fait sourire et l’émeut souvent également. Il faut dire que Fany Ardant irradie l’écran, une fois de plus, pour ce rôle pourtant difficile à tenir. Face à cette légende du cinéma, Melvil Poupaud parvient à rendre crédible cette histoire vécue par des couples, entre clandestinité et culpabilité. A noter les seconds rôles qui offrent un contrepoint vibrant à cette réalisation soignée, qu’il s’agisse de Cécile de France, Florence Loiret Caille ou encore Sharif Andoura plus vrai que nature…
Un film au ton juste et non dénoué d’humour.

« Le dénonciateur » (1949) ; Un film de Mitchell Leisen avec Alan Ladd, Wanda Hendrix et Francis Lederer ; DVD, Sidonis, 2022.
 

Deuxième Guerre Mondiale. Plusieurs agents américains sont envoyés dans l’Italie sous la botte allemande pour saboter un réseau. Dénoncés à l’ennemi, la plupart sont tués. L’Europe désormais en paix, le capitaine Carey, qui compte parmi les rares survivants, revient sur les lieux du drame, dans la région de Milan, bien déterminé à démasquer le traître…

Ce film noir injustement méconnu réalisé par Mitchell Leisen compte parmi la filmographie de l’acteur Alan Ladd (« L’homme de la Vallée perdue) pour lequel il livre une prestation remarquable. Ladd dont le jeu à la fois sobre et expressif développe, en effet, dans ce film d’espionnage toute une palette d’émotions sous la caméra de Mitchell Leisen qui s’efforce ici de rendre l’atmosphère d’après-guerre d’un petit village lombard en Italie. Entre secrets farouchement préservés, jalousies et vendetta, l’intrigue palpitante tient le spectateur en haleine jusqu’à l’issue finale. À noter l’excellente musique de ce film composée par Ray Evans et Jay Livingston, musique qui fut gratifiée d’un Oscar en 1951.

« Adieu Monsieur Haffmann » ; Un film de Fred Cavayé avec Daniel Auteuil, Gilles Lellouche, Sara Giraudeau, Nicolai Kinski, Mathilde Bisson et Anne Coesens, DVD, Orange Studio, 2022.
 

Paris 1941. François Mercier est un homme ordinaire qui n’aspire qu’à fonder une famille avec la femme qu’il aime, Blanche. Il est aussi l’employé d’un joaillier talentueux, M. Haffmann. Mais face à l’occupation allemande, les deux hommes n’auront d’autre choix que de conclure un accord dont les conséquences, au fil des mois, bouleverseront le destin de nos trois personnages.

Ce quasi-huis clos dans le Paris occupé embarque le spectateur dans la spirale du mal ordinaire. Un petit employé, médiocre et jusqu’alors résigné, découvre avec l’arrivée des Allemands dans la capitale qu’il peut atteindre tout ce qui lui était jusqu’alors interdit par sa condition modeste et son handicap. En adaptant la pièce de théâtre du même nom de Jean-Philippe Daguerre couronnée de 4 Molière, le réalisateur Fred Cavayé a fait choix d’éviter pour ce long-métrage tout manichéisme. François Mercier n’apparaît pas au début sous un mauvais jour face à l’adversité à laquelle se trouve confronté son patron, le joaillier talentueux M. Haffmann, interprété avec justesse par un Daniel Auteuil remarquable. Ce n’est que progressivement que l’âme de l’employé se révèle, laissant libre court à ses mauvais instincts. Gilles Lellouche livre ici une interprétation impressionnante quant à cette métamorphose du salaud ordinaire. Face à lui, son épouse jouée avec finesse par Sara Giraudeau se transforme elle aussi, mais en sens contraire, tout au long du film. « Adieu Monsieur Haffmann » évite les poncifs du genre et livre une réflexion épurée sur ce qui révèle ou au contraire pervertit les individus, une belle réalisation soignée aux décors de toute beauté du Paris des années 40.

« La Reine Des Cartes » ; Un film de Thorold Dickinson ; Musique de Georges Auric ; Photographie d’Otto Heller ; Master restauré par STUDIO CANAL, Version originale anglaise, sous-titres français, Noir & Blanc - 95 mn, Doriane Films, 2022.
 

Au XIXe siècle, à Saint-Pétersbourg, une vieille comtesse vend son âme au diable en échange du pouvoir de gagner aux cartes. Un officier cupide et féru de jeu cherche à connaître son secret, quitte à courir de grands dangers.

Le réalisateur anglais Thorold Dickinson s’est saisi avec « La Reine des Cartes » du chef-d’œuvre d’Alexandre Pouchkine « La Dame de pique » en une réalisation virtuose. Ce film aux accents faustiens - la fameuse scène de l’apparition de la vieille comtesse dans la chambre du jeune officier brillamment interprété par Anton Wallbrook – met en place, plan après plan, une ambiance entre pénombre et clarté grâce à l’admirable photographie d’Otto Heller. Cette ambiance feutrée des tavernes et salons mondains de la Russie tsariste contraste avec le pacte diabolique entraînant un jeune officier ambitieux en une spirale irréversible.
Réalisé avec peu de moyens, ce long-métrage du réalisateur anglais parvient à atteindre des sommets à la fois esthétiques mais aussi dramatiques. Thorold Dickinson déploie, en effet, dans ce film étonnamment méconnu un art consommé du fantastique en d’infimes détails, des prises de vue vertigineuses, sans oublier le jeu des acteurs talentueux tels Wallbrook et Edith Evans.
Un film à redécouvrir dans cette remarquable édition Doriane Films.

Complément : un livret illustré de 12 pages avec un texte de Jean-François Baillon et l’extrait d’un entretien avec Martin Scorsese.

« Partenaires » ; Un film de Claude d’Anna avec Nicole Garcia, Jean-Pierre Marielle, Michel Galabru et Michel Duchaussoy ; 75 mn - Version française, DVD, Doriane Films, 2022.

Dans les coulisses et les loges du théâtre où se joue la énième représentation d’une pièce à succès, se déroule une comédie dramatique. Une actrice célèbre, Marion Wormser, développe des rapports tumultueux avec son partenaire et mari, grand comédien devenu acteur de second plan, Gabriel Gallien…

Ce film méconnu de Claude d’Anna a le mérite non seulement de réunir deux monstres sacrés du cinéma français en la personne de Nicole Garcia et Jean-Pierre Marielle, mais également de proposer une lecture à huis clos des coulisses du monde théâtral. Entre comédie et drame, arrière-cour et pleins feux de la scène, le réalisateur tisse progressivement un portrait doux-amer de la vie de représentation, sur scène comme dans la vie quotidienne. Nicole Garcia et Jean-Pierre Marielle composent un couple convaincant à l’écran, avec ces nuances d’ironie sarcastique, ces gouffres béants et, en filigrane, cette peur de la solitude face à leurs démons intérieurs. Allégorie plus générale de la vie, « Partenaires » souligne les chemins parfois divergents de toute association et démontrant ainsi que chaque individu se trouve toujours seul face à lui-même.

"Voyage au Congo" ; Documentaire ; Réalisation de Marc Allégret avec André Gide ; 1926, Noir & Blanc, Muet, 115 minutes ; Numérisation et restauration 2 K avec le soutien du CNC et de la Cinémathèque française ; Création musicale de Mauro Coceano, © Les films du Jeudi, Doriane – 2022.
 

En 1925, l’écrivain André Gide effectue un voyage en Afrique-Équatoriale française et au Congo belge avec son secrétaire, Marc Allégret, qui en tire un document filmé et en rapporte de nombreuses photographies…

« Voyage au Congo » ne relève pas vraiment de l’enquête ethnographique sur le modèle de celle qu’entreprendra quelques années plus tard Claude Lévi-Strauss au Brésil. Avec cette évocation filmée en 1926 par le secrétaire d’André Gide, Marc Allégret, appelé à un brillant avenir de cinéaste, il s’agit plutôt d’une digression poétique et esthétique. La quête de la beauté, celle de ces paysages encore vierges pour la plupart de toute dévastation coloniale, c’est « l’homme nu », celui encore préservé de toutes les entraves de l’occidentalisation qui transparaît dans ces plans certes naïfs mais d’une ineffable esthétique. Si, bien entendu, les commentaires laissent parfois percevoir quelques ethnocentrismes, il demeure cependant que « Voyage au Congo » jette un regard bienveillant sur ce monde où candeur et joie de vie transparaissent dans les scènes filmées en 1925.
Restauré à partir du négatif original par les Films du Panthéon et les Films du Jeudi en collaboration avec la Cinémathèque française, « Voyage au Congo » est le premier film de Marc Allégret. Le musicien Mauro Coceano en a composé la musique accompagnant ces images d’une époque aujourd’hui révolue, presque un siècle plus tard. À la différence des jugements de Lévi-Strauss, ce ne sont pas de « Tristes Équateurs » qui sont, ici, dévoilés par la caméra d’Allégret mais plutôt une candeur de vie préservée, une certaine insouciance que ces corps encore indemnes de l’influence occidentale subliment. Danses, travaux des champs, pratiques sociales, palabres, c’est cette vie africaine que souhaitait faire découvrir l’écrivain André Gide alors chargé de mission par le Ministère des Colonies. L’homme blanc est étonnamment absent de cette réalisation au style libre, renforçant ainsi cette impression de contre-enquête ethnographique du « bon sauvage », un parti pris moderne pour l’époque.
C’est cette poésie préservée des affres de la modernité qui a été captée sur la pellicule et qui peut être, avec un plaisir certain de curiosité, redécouverte grâce à cette remarquable restauration. Un film qui vaut tout un voyage tant ces images restent longtemps gravées dans la mémoire. A noter le livret très complet qui accompagne le DVD présentant de nombreux témoignages.

« LUI » ; Un film de Guillaume Canet avec Guillaume Canet, Virginie Efira, Mathieu Kassovitz et Laetitia Casta ; Drame ; 1h28, DVD, Pathé, 2022.
 

Un compositeur en mal d’inspiration, qui vient de quitter femme et enfants, pense trouver refuge
dans une vieille maison à flanc de falaise, sur une île bretonne déserte. Dans ce lieu étrange et
isolé, il ne va trouver qu’un piano désaccordé et des visiteurs bien décidés à ne pas le laisser en
paix.

Avec son film « Lui », le réalisateur et acteur Guillaume Canet revisite en quelque sorte Nietzche et Rimbaud en faisant du « je est un autre » avec lequel il a bien des mailles à partir… Sur le ton de la comédie, ce film réalisé dans le superbe cadre sauvage de Belle-Île offrira non seulement des scènes cocasses à l’humour cinglant, mais aussi quelques propositions fertiles pour réfléchir au sens de la vie. Reprenant la formule du monologue intérieur chère à Joyce, c’est dans la solitude bretonne que ce film décrit les errements du personnage central en butte avec lui-même et qui convoque, sans le vouloir, tous les protagonistes de sa vie. Mais au bout d’un moment, la liste commence à s’allonger et notre personnage d’apparaître vite débordé par tout ce monde s’invitant spontanément dans sa retraite de moins en moins solitaire. Avec ce film, Guillaume Canet démontre s’il en était encore besoin une nouvelle fois ses talents de comédien, mais aussi sa capacité à concevoir et à monter un film sur un thème délicat et mené tambour battant. A découvrir dans cette belle édition.
 

« LA RUE CHAUDE » ; Un film d’Edward Dmytryk (Walk On The Wild Side) - 1962 - avec Capucine, Jane Fonda, Barbara Stanwyck, Laurence Harvey et Anne Baxter; DVD, Wild Side Video, 2021.
 

La Nouvelle-Orléans, 1930. Objet de toutes les convoitises, la brillante et sophistiquée Hallie est la principale attraction de la plus célèbre maison close de la ville. Très éprise d’elle, Jo, la tenancière de l’établissement, la fait surveiller étroitement par ses sbires. Tout droit arrivé du Texas – après avoir croisé la route de la jeune et délurée Kitty – Dove va bouleverser la donne en se lançant à la recherche de l’amour de sa vie, Hallie, qui s’était volatilisée quelques années plus tôt…

Le réalisateur Edward Dmytryk signe avec « La rue chaude » en 1962 un film aux multiples facettes et quelque peu méconnu. Ce long-métrage qui a fait l’objet de difficultés lors de sa réalisation du fait de multiples interventions sur son scénario séduit cependant spontanément pour son esthétique et sa photographie de toute beauté sur fond de Louisiane des années 30.
Le générique de Saul Bass annonce la couleur - en noir & blanc – avec cette étonnante progression d’un chat plus noir qu’une panthère dans les dédales d’une rue sordide… La musique, également, force l’admiration grâce au talent d’Elmer Bernstein (« Les sept Mercenaires »), plus inspiré que jamais dans ces airs de jazz envoutants.
L’intrigue sert d’écrin de choix pour cette adaptation très libre du roman de Nelson Algren et offre la possibilité de déployer les talents d’acteur de l’énigmatique et insaisissable Capucine, de l’âpre Barbara Stanwick à la généreuse Anne Baxter, sans oublier une petite nouvelle, Jane Fonda, inoubliable en ingénue dévergondée… Face à ces femmes omniprésentes, la pureté et candeur de Laurence Harvey (déjà plus qu’inflexible face à John Wayne dans le légendaire « Alamo ») étonne quelque peu lorsque l’on se souvient du roman initial de l’amant américain de Simone de Beauvoir. Il demeure cependant que ce film noir et impitoyable réservera de nombreuses scènes inoubliables, telles celles se déroulant dans la maison close sur fond de musique jazz.
Un film impitoyable sur fond de passion et dépression.

"Absolution" – 1978 ; Un film d’Anthony Page avec Richard Burton, Dominic Guard, David Bradley, Billy Connolly ; DVD, durée : 1H35, langue : Français + VOSTFR, Sous-titre : oui, format : Couleur 16/9, DVD, LCJ, 2021.
 

Un prêtre enseignant dans une école militaire catholique se trouve confronté à une blague morbide évoquée lors de la confession par un de ses plus prometteurs étudiants. À la recherche de la vérité, il sera confronté au plus terrible des secrets…

« Absolution » peut à juste titre se targuer d’être un excellent thriller tenant en haleine le spectateur des premières scènes bucoliques dans la campagne anglaise jusqu’à la terrible et cynique issue finale.
À partir d’un scénario machiavélique – ou plus exactement diabolique – signé Anthony Shaffer, ce film à tort méconnu d’Anthony Page se trouve servi par la brillante interprétation de Richard Burton campant le rôle d’un prêtre rigoriste. Plus tourmenté que jamais, ce dernier se trouve confronté à la naissance du mal dans l’âme de l’un de ses étudiants les plus prometteurs, un germe qui se déploiera avec finesse tout au long du film pour atteindre son point culminant en cette fameuse scène finale inoubliable, rendue pourtant sans aucun effets spéciaux.
Car là réside la réussite de ce long-métrage qui n’a eu recours à aucun trucage, mais a fait choix de privilégier bien au contraire la seule dimension psychologique des protagonistes. Tout à fait plausible, ce récit servi par une réalisation sobre et soignée gagne en intensité jusqu’à son terme et questionne le spectateur sur les frontières toujours ténues entre le bien et le mal.

À cinquante ans, Gioia vit encore chez ses parents, sous la coupe d'une mère autoritaire. Elle consacre sa vie à l'enseignement de la littérature française. Alessio, un nouvel élève de son lycée, suit une scolarité chaotique. Gioia va alors lui proposer des cours particuliers. Quand ces deux solitudes se rencontrent, un poison silencieux se distille. Qui séduit réellement l'autre ?

C’est une évocation à la fois sensible et dramatique que nous livre le réalisateur italien Nicolangelo Gelormini avec « La Tentazione ». Explorant les tréfonds des sentiments, exacerbés par les parcours des protagonistes de cette histoire tragique, tristement inspirée d’un fait divers, ce long-métrage servi par un jeu d’acteurs remarquable ne pourra laisser indifférent.

Une histoire servie par une réalisation à l’esthétique indéniable, notamment avec des plans de Turin de toute beauté, nous rappelant que le réalisateur Nicolangelo Gelormini fut diplômé d’architecture avant de se lancer dans le 7e art !

Quatre histoires de fantômes issues du folklore japonais.

LES CHEVEUX NOIRS : Un samouraï choisit d’abandonner sa femme pour fuir la pauvreté et épouse la fille d’un riche gouverneur. Hanté par le souvenir de son premier amour, il finit par retourner sur ses pas...

LA FEMME DES NEIGES : Pris dans une tempête de neige, deux bûcherons trouvent refuge dans une cabane. Le plus jeune voit son compagnon mourir sous le souffle glacial d’une mystérieuse femme, qui fait promettre au survivant de ne jamais révéler cette histoire à quiconque...

HISTOIRE DE HOICHI SANS OREILLES : Un jeune aveugle du nom de Hoichi est recueilli par des moines près de la baie de Dan-no-ura, théâtre d’une sanglante bataille qui opposa jadis les clans Heike et Genji. Par son chant, Hoichi va réveiller les fantômes des vaincus...

Composé à partir de quatre récits indépendants, ce film qui bénéficie d’une nouvelle restauration exemplaire 4K, ouvre les portes d’un monde légendaire, parsemés de récits de fantômes au sein du Japon traditionnel. Tous les amoureux du pays au Soleil Levant savent combien ce dernier a longtemps nourri - et nourrit encore notamment dans les mangas - un goût particulier pour ces contes convoquant esprits et autres fantômes, jetant un trouble manifeste entre le monde réel et surnaturel. C’est cette magie dont est parvenu à se saisir Kobayashi, de manière extraordinaire, en dressant de véritables tableaux dignes du théâtre No. Des plans d’une beauté inouïe forçant l’admiration, un travail d’une redoutable précision du chef opérateur Yoshio Miyajima et du directeur artistique Shigemasa Toda. Une collaboration qui permit ainsi la réalisation de ce monument du cinéma japonais considéré comme l’un des meilleurs films du 7ième art.

Un film à découvrir en salle dès le 1er juillet.

« Le dernier vrai Samouraï » - 2024 - de Junichi Yasuda avec Makiya YAMAGUCHI, Norimasa FUKE, Yuno SAKURA, Rantaro MINE, Ken SHONOZAKI, Yoshiharu FUKUDA, Ichiko KURENAI, Hajime INOUE - 131 min - Couleurs - 1.85:1 - VOSTF - DCP - Visa n° 167281 Car, Carlotta Film.

Kyoto, à la fin de l’époque d’Edo. Deux samouraïs de clans ennemis luttent dans un combat sans merci jusqu’à ce qu’une pluie torrentielle s’abatte sur eux et qu’un éclair les éblouisse. À sa grande surprise, Shinzaemon Kosaka du clan Aizu se réveille dans le Japon contemporain, sur le plateau d’une série historique spécialisée dans le genre jidaigeki. Pris pour un figurant à cause de son apparence et de son comportement, le samouraï devient vite la coqueluche des tournages, avant d’être engagé comme cascadeur professionnel…

Auschwitz, 1941. En représailles à l’évasion d’un prisonnier, 10 hommes sont condamnés à mourir de faim dans un bunker. Lorsqu’un père de famille est désigné par le sort, Maximilien Kolbe, prêtre polonais, s’avance pour prendre sa place. Maximilien s’engage alors dans un combat pour faire triompher l’amour dans cet enfer sur terre.

Un film lumineux et redoutablement émouvant.

Mère célibataire et hôtesse de bar en fin de carrière, Yukiko Tsuji travaille sans relâche au Bel Ami, un petit club du quartier animé de Ginza à Tokyo, pour subvenir aux besoins de son jeune fils, Haruo, garçon vif et malin, mais livré à lui-même…

Entre résignation et combativité, impassibilité et émotions à fleur de kimono, Naruse nous transporte dans un Japon méconnu des années 50 soulignant déjà la place délicate des femmes en une réalisation d’une rare sobriété.

« Remorques » (1941) ; Un film de Jean GRÉMILLON avec Jean GABIN, Madeleine RENAUD, Michèle MORGAN d’après le roman de Roger VERCEL “Remorques” ; Scénario et dialogues Jacques PRÉVERT, adaptation André CAYATTE et Charles SPAAK, décors Alexandre TRAUNER, image Armand THIRARD, musique Roland MANUEL, Carlotta, 2023.

André Laurent, capitaine du remorqueur Le Cyclone, assiste avec son équipage à la noce d’un de ses marins avant d’être appelé en urgence pour secourir les passagers d’un cargo, dont Catherine, l’épouse du commandant. Alors que sa femme Yvonne lui dissimule sa maladie et le supplie de prendre sa retraite, André tombe follement amoureux de Catherine, avec laquelle il débute une liaison...

« Remorque » est l’histoire d’une passion amoureuse entre un marin et une femme mystérieuse sortie des ondes, Calypso envoûtante ayant pour ce film les yeux de Michèle Morgan…

« L’Étang du Démon » (Yasha-ga-ike) 1979 ; Un film de Masahiro Shinoda avec Tamasaburo BANDO, Go KATO, Tsutomu YAMAZAKI, Hisashi IGAWA, Fujio TOKITA, Koji NANBARA, Yatsuko TANAMI, directeurs de la photographie Masao KOSUGI et Noritaka SAKAMOTO,
musique Isao TOMITA, scénario Takeshi TAMURA et Haruhiko MIMURA, d’après la pièce de Kyoka IZUMI ; Pour la 1re fois au cinéma en version restaurée 4K 2021.

Province d’Echizen, été 1913. En route vers Kyoto, le professeur Yamasawa traverse un village frappé par la sécheresse, perdu au milieu des montagnes. À proximité se trouve l’étang du Démon, objet de superstitions de la part des habitants. En effet, si la cloche du village ne sonne pas quotidiennement, le dragon retenu au fond de l’eau serait libéré et provoquerait un déluge mortel. L’arrivée de Yamasawa chez Akira et Yuri, le couple chargé de faire respecter cette tradition immuable, va bientôt mettre en péril cet équilibre…

La réussite de ce film à la fois étrange et pourtant familier aux lecteurs des nombreux contes et légendes du Japon ancien tient à deux facteurs essentiels : La qualité de la réalisation et la performance extraordinaire notamment celle du grand acteur de kabuki Tamasaburo Bando parvenant à incarner avec puissance et subtilité les deux personnages féminins. Après Fleur pâle (1964) et Double Suicide à Amijima (1969), L’Étang du Démon fait entrer le spectateur dans un univers onirique des plus réussis où les réminiscences de la musique occidentale (Debussy, Moussorgski) s’entrecroisent aux références traditionnelles japonaises. De la même manière, les personnages fantastiques qui, progressivement, s’immiscent dans cette légende étonnante tiennent à la fois des multiples divinités et démons traditionnels du Japon ancien et des évocations du peintre Jérôme Bosch. C’est dans cette alliance étonnante que réside le charme de ce récit surprenant dont le spectateur ne sort pas indemne à son terme grâce à cette très belle restauration 4K…

« Une vie difficile » (Una Vita difficile) ; Un film de Dino Risi avec Alberto Sordi, Lea Massari – Italie – 1961 – 1h59, Distribution Les Acacias, 2021.

Silvio Magnozzi, ancien résistant, tente en homme de gauche convaincu de s’accrocher à ses convictions politiques. Lui qui s’est reconverti en journaliste engagé a de plus en plus de mal à subvenir aux besoins de sa famille. Son épouse, Elena, supporte de moins en moins son idéalisme et lui reproche de ne pas vouloir tirer profit du miracle économique italien. Lorsqu’elle le quitte, Silvio tente de la reconquérir en acceptant de se compromettre avec un riche industriel italien…

"La Macchinazione"

Interview David Grieco

Rome, 05/01/17

 Interview EXCLUSIVE

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David Grieco est un talentueux réalisateur italien (Evilenko 2004) qui a connu dans sa jeunesse Pier Paolo Pasolini dont il a été l'assistant pour ses films et l'ami jusqu'à sa disparition tragique. Convaincu que le grand intellectuel italien pourfendeur de la société de son temps n'est pas mort d'un simple assassinat crapuleux, il a réalisé un film sensible et engagé, La Macchinazione, dans lequel il évoque sa vision de cette disparition. Rencontre avec David Grieco autour de ce film et de son témoignage personnel.

ous avez connu Pier Paolo Pasolini et avez travaillé pour lui très tôt dans votre carrière cinématographique. Quel souvenir gardez-vous de lui ?

David Grieco : J’ai connu Pasolini alors que j’étais âgé d’une dizaine d’années. Pasolini fréquentait ma famille notamment mon père et sa seconde épouse, Lorenza Mazzetti, réalisatrice anglaise. Alors qu’elle réalisait son premier film sans aucun budget, Pasolini qui souhaitait entreprendre lui-même Accatone venait souvent à la maison lui demander conseil. Le lieu était ouvert à un grand nombre de personnes du cinéma de tous horizons et très tôt on m’a proposé d’être comédien, ce que j’ai accepté. Je me suis, cependant, vite rendu compte que je n’étais pas fait pour cela. Lorsque j’ai eu 15-16 ans, Pasolini a écrit un rôle pour moi dans le film Théorème. Malgré un certain nombre de réalisations derrière moi, je me sentais toujours gêné, mal à l’aise devant la caméra. Lors du tournage, j’ai dit à Pasolini que je ne souhaitais plus être acteur et qu’il fallait qu’il coupe les scènes où je figurais. Il fut surpris et même s’il fut certainement déçu, il accepta cependant de supprimer les scènes précédentes, mais me demanda instamment d’en réaliser encore une dernière qui autrement l’aurait bloqué dans la réalisation de son film. J’ai alors accepté et j’ai tourné cette dernière scène, mais je ne veux toujours pas, même encore aujourd’hui, revoir ce film ! Après cela, j’ai demandé à Pasolini d’être son assistant sur ce même film et il a accepté.

Je l’ai également déçu à une autre reprise lorsqu’il m’a demandé de m’occuper de Maria Callas pendant le tournage de Médée. C’était une tâche très délicate car il appréciait beaucoup cette femme, peut-être la seule femme qu’il ait vraiment aimée. Il savait que j’étais un petit voyou des rues mais qu’en même temps j’étais issu d’un milieu bourgeois et intellectuel. De plus, je parlais plusieurs langues, et pour lui, j’étais dès lors l’interlocuteur idéal pour m’occuper d’elle. Au bout de trois semaines, j’ai finalement décidé d’arrêter car Maria Callas était la diva que l’on connaît et méritait bien sa réputation ! Elle faisait par exemple tomber un objet par terre en me demandant de le ramasser, m’appelait au beau milieu de la nuit pour me demander une bouteille d’eau minérale alors qu’elle se trouvait dans le meilleur hôtel de Rome… Pasolini ne s’est pas fâché mais j’ai bien senti, qu’une nouvelle fois, il était déçu par mon attitude, et nous ne nous sommes plus vus pendant un an.
À l’âge de 18 ans, je suis devenu journaliste ; c’est à cette époque que nous avons repris contact. Nous avions un rapport beaucoup plus adulte, différent aussi parce qu’il était également journaliste et qu’il aimait beaucoup ce métier. On parle souvent de Pasolini en tant que poète, écrivain, réalisateur mais rarement en qualité de journaliste ; or, c’est une activité qui l’a non seulement beaucoup occupé, mais qui lui a aussi énormément apporté et qu’il a aimée. Il a fait plus de 800 articles dans sa vie en commençant par la presse clandestine pendant la guerre. Il a toujours gardé sur lui sa carte de journaliste, qui n’était pas, certes, la carte professionnelle mais une carte secondaire qu’il affectionnait tout de même. Pour l’anecdote, elle était encore dans ses papiers avec lui le jour de sa mort. Pour mener des enquêtes pour ses articles, il me demandait souvent des sources que je pouvais lui procurer dans les archives de L’Unita, le journal du PCI pour lequel je travaillais. J’étais d’ailleurs un peu l’intermédiaire entre lui et Enrico Berlinguer qu’il appréciait beaucoup. J’avais avec Pasolini un rapport quotidien très banal fait de conversations lors des nombreux repas dans les trattorias romaines pris avec Ninetto Davoli, Franco Citti et bien d’autres encore. Nous étions comme une bande de gamins en passant nos soirées ensemble, souvent dans la rue, on faisait les idiots. On ne le sait pas assez mais Pasolini avait un grand sens de l’humour. Je le considérais comme un ami d’enfance alors même qu’il avait exactement l’âge de mon père à cette époque !

L’image de Pasolini dans votre film laisse l’impression de quelqu’un à la fois résolu dans son combat mené depuis ses jeunes années, et en même temps une certaine érosion, fatigue, voire découragement ? Est-ce ainsi que vous avez pu le percevoir dans les derniers mois de sa vie ?

David Grieco : Le Pasolini que je décris dans mon film La Macchinazione est celui des quatre derniers mois de sa vie. À cette époque, je le voyais moins, car il fréquentait Pino Pelosi. La personnalité de Pasolini durant cette période, un Pasolini fatigué, usé - et je suis heureux que vous l’ayez souligné - est effectivement pour moi un élément très important du film. Dans ses derniers mois, il avait une fièvre, la fièvre d’aller jusqu’au bout, il avait mis son nez partout, il avait un grand nombre d’informateurs qui lui donnaient des tuyaux incroyables, mais parallèlement Pasolini était épuisé car il avait vraiment l’impression que personne ne le comprenait. Moi-même, avec le recul, je me souviens lui avoir fait le reproche qu’il était trop pessimiste, que sa vision apocalyptique de la société n’était pas forcément justifiée. Il n’acceptait pas ces remarques et estimait que nous ne comprenions pas ce que lui pourtant savait. C’est d’ailleurs un peu mon chagrin aujourd’hui avec le recul. Il a voulu aller jusqu’au bout, il savait probablement qu’il risquait sa vie, mais il a pensé qu’avec sa mort tout exploserait. Malheureusement…

Cet héritage a justifié ce long-métrage que vous venez de réaliser La Macchinazione. Le titre indique très clairement le parti que vous avez pris pour expliquer la mort du célèbre poète, écrivain et cinéaste, allant au-delà d’un crime crapuleux.

David Grieco : Oui, bien au-delà. Le film d’Abel Ferrara qui est sorti en 2014 sur cette même thématique est un peu la raison d’être de mon propre film. À l’époque, les producteurs m’avaient proposé de faire le scénario pour le film de Ferrara. Même si j’étais sceptique quant à l’approche qui y serait retenue, j’ai malgré tout commencé à travailler sur le scénario et Ferrara m’a indiqué qu’il ne souhaitait évoquer seulement que le dernier jour de la vie de Pasolini. J’ai insisté, cependant, qu’il fallait bien néanmoins rappeler comment et pourquoi il avait été tué, ce à quoi Ferrara m’a répondu : "Je ne veux pas faire une histoire d’espionnage !" Notre histoire s’est dès lors arrêtée là, et j’ai quitté cette réalisation. Les semaines qui ont suivi, je n’arrivais plus à dormir, j’avais pourtant un autre film à faire à Prague, mais j’ai tout arrêté en me disant que je devais réaliser ce film en souvenir de Pasolini, les autres personnes ayant connu Pasolini étant presque toutes mortes. Nous nous sommes très endettés pour réaliser ce film.

La Macchinazione, un film réalisé par David Grieco avec Massimo Ranieri, Libero De Rienzo, Matteo Taranto, François Xavier Demaison et avec Milena Vukotic, Roberto Citran, Tony Laudadio et Alessandro Sardelli et l’amicale participation de Paolo Bonacelli, Catrinel Marlon. Scénario de David Grieco et Guido Bulla. Produit par Marina Marzotto, Alice Buttafava, Dominique Marzotto, Lionel Guedj, Vincent Brançon. Musique PINK FLOYD. Produit par Propaganda Italia en association avec Moutfluor Films, MIBACT en coproduction avec To Be Continued Productions, 2016.

Des sources très précises sont évoquées dans votre film qui jettent un éclairage différent sur ce qui est habituellement présenté.

David Grieco : 50 % des sources m’appartiennent puisque ce sont des choses que j’ai vécues personnellement lors des derniers mois précédant sa mort. J’ai également suivi de très près le premier procès de Pelosi puisque j’en ai écrit le mémoire pour la famille Pasolini avec pour juge le frère d’Aldo Moro qui sera d’ailleurs kidnappé et tué deux ans après. Ce juge qui s’appelle Carlo Alfredo Moro condamne Pelosi à neuf ans de prison pour le meurtre de Pasolini avec des inconnus. À partir de là, ma conviction était confirmée. Et cela m’a rappelé une anecdote que j’avais vécue chez Laura Betti en février 1975. Alors que nous dînions avec elle, elle s’est mise à m’interpeller vivement en me disant : « Il faut que tu l’arrêtes ! ». Surpris, je lui ai demandé « Comment cela ? » Elle a poursuivi : « Oui, il (Pasolini) est fou, il est en train d’écrire un livre sur Eugenio Cefis, le président de ENI et de Montedison, il ne comprend pas, ils vont le tuer ! Toi qui es un journaliste professionnel, il faut que tu l’arrêtes ». Abasourdi, j’ai demandé à Pasolini " Pourquoi ? Tu as décidé d’écrire un livre sur Eugenio Cefis ? " Il m’a répondu amusé par métaphore : « Tu sais le pétrole est plus important que l’eau… », mais il ne m’en a pas dit plus et ne m’a pas laissé entrer dans ce qui le retenait déjà à cette époque. Les mois qui ont suivi, j’ai compris qu’il me demandait régulièrement des sources journalistiques qui m’ont donné une idée de son parcours et de ce qu’il recherchait. À chaque fois que j’ai essayé d’entrer dans le vif du sujet, il s’est esquivé. C’était un homme très méfiant, ce qui était plus que justifié avec, il faut le rappeler, plus d’une trentaine de procès dans sa vie… Il a vraiment été persécuté tout au long de sa carrière, ce qui l’incitait à ne faire confiance qu’à un très petit nombre de personnes dont je faisais partie. Dans les dernières années, il avait un peu ce syndrome d’être trahi, ce qui a fait qu’il a été trahi par presque tout le monde. Je ne saurai jamais si c’est lui qui a en quelque sorte provoqué cela ou si c’était son destin et qu’il le connaissait en tout état de cause.

Vous citez en exergue de votre film cette phrase de Pasolini : « Le courage intellectuel de la vérité et la pratique politique sont deux choses inconciliables en Italie ». Comment la réouverture de son procès et l’instruction récente se déroulent-elles dans votre pays récemment secoué politiquement par la chute du gouvernement Renzi et le non au référendum?

David Grieco : J’estime que cette phrase prononcée par Pasolini il y a plus de 40 ans est toujours valable. On est absolument dans la même situation, c’est d’ailleurs un phénomène mondial que nous avions devancé en Italie ! Je pense en effet que ce que Pasolini affirmait à une époque où certains individus avaient encore une réelle profondeur et désintéressement personnel est encore plus d’actualité aujourd’hui. Il m’est arrivé plein de difficultés et d’obstacles avec le tournage de ce film et qui sont le signe de ce que nous évoquons, j’ai d’ailleurs du mal à ne pas faire le parallèle dans une moindre mesure en ce qui me concerne avec ce qu’a pu connaître Pasolini à son époque. Si je peux citer un exemple, il est évocateur de ces petits tracas que l’on peut semer sur le chemin d’un réalisateur dénonçant un complot politique dans son film. 48 heures avant la sortie en salle du film en Italie, j’ai reçu une interdiction de le voir aux mineurs de moins de 14 ans alors même que j’ai bien pris soin d’éviter tout ce qui pourrait entrer dans ce type de censure. J’ai d’ailleurs obtenu depuis la levée de cette censure. J’aurais plein d’autres exemples de cet ordre à citer…

Peut-on dire de Pasolini qu’il a lui-même été la victime expiatoire de ce qu’il dénonçait ? Et avez-vous l’impression que cette image est encore présente dans la conscience collective italienne ou bien qu’elle a cédé au chant du relativisme et du consumérisme international ?

David Grieco : Pasolini a été non seulement la victime expiatoire de ce qu’il a dénoncé mais il l’a en plus, selon moi, souhaité. Dans ce film, je montre combien il est allé sur le lieu du crime en sachant, je pense, ce qui allait survenir. Ceux qui le connaissaient avaient remarqué avant sa mort combien il pouvait parfois abandonner une conversation, être très irritable et même laisser apparaître une peur, ce qu’il ne voulait jamais admettre pour autant. Le courage était son drapeau. Il était persuadé en agissant ainsi d’abattre tout le complot qu’il avait démasqué, ce en quoi il s’est trompé. J’ai souvent eu l’occasion lors de manifestations de constater combien Pasolini, bien qu’agressé verbalement par des jeunes, était capable d’engager une conversation avec eux et que ces derniers repartaient en s’excusant. Il a peut-être pensé pouvoir se rendre sur la plage d’Ostie et les convaincre.
Je pense que la raison principale et intime est qu’il s’est rendu sur place à cause de la mort de son frère. Pasolini a clairement annoncé dans une réponse à un courrier de lecteur que l’exemple de son frère le mènerait jusqu’à la fin de sa vie. J’ai interprété cela comme une vision prophétique. Pasolini a toujours mis une certaine distance entre lui-même et les autres intellectuels. Il a toujours critiqué ces intellectuels comme des penseurs de salon avec leurs beaux intérieurs et leur maison protégée, sans qu’ils sachent quoi que ce soit de l’extérieur et de la rue. Il a eu la même attitude parfois dans le cercle restreint de ses amis intellectuels. J’ai quelques anecdotes à l’esprit : par exemple, lorsque nous sortions manger une pizza, il nous emmenait dix minutes chez Moravia ou Calvino en prétextant une question à leur poser, mais j’ai vite compris qu’il le faisait exprès car nous débarquions à l’improviste avec des cheveux très longs, habillés comme des voyous et nous avions bien remarqué que les personnes présentes étaient sidérées ; C’était, selon moi, une provocation manifeste. Il était clair que c’était une manière de se stigmatiser, lui écrivain bourgeois vivant dans un intérieur confortable et parlant néanmoins de révolution avec le souvenir de son frère mort au combat. Ce sens de la culpabilité est essentiel selon moi pour comprendre Pasolini.

Pouvez-vous nous dire vos raisons pour le choix de la musique des Pink Floyd et plus précisément Atom Heart Mother qui rythme et donne un fil directeur à votre réalisation ? Comment avez-vous pu en obtenir les droits ?

David Grieco : Je travaille habituellement avec un compositeur italo-américain extraordinaire qui s’appelle Angelo Badalamenti ("Twin Peaks") qui est un de mes meilleurs amis et qui a composé la bande sonore de mon film précédent, "Evilenko". Mais cette fois je voulais faire ce que Pasolini faisait d’habitude, c’est-à-dire utiliser une musique qui existait déjà. J’ai tout de suite pensé à "Atom Heart Mother" qui est le disque qui a marqué davantage mes goûts musicaux quand j’étais jeune. J’ai donc envoyé aux Pink Floyd une lettre et le scénario du film traduit en anglais.
Tout le monde se foutait de ma gueule, bien évidemment, car ils l’avaient refusé à l’époque à Stanley Kubrick pour "Orange mécanique". Mais un mois après les Pink Floyd m’ont permis de l’utiliser en dépensant un minimum parce qu’ils voulaient soutenir ce film qui raconte la vérité sur la mort de Pasolini. J’en ai fait donc une sorte de requiem, et tout d’un coup je me suis aperçu qu’il s’agissait en quelque sorte d’un véritable requiem.

Cher David Grieco, merci pour ce précieux témoignage et nous ne pouvons que souhaiter que votre film soit très bientôt dans les salles françaises !

propos recueillis par Philippe-Emmanuel Krautter

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