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Édition Semaine n° 26 / Juin 2024

 

« Les Tiepolo, invention et virtuosité à Venise »

Beaux-Arts de Paris jusqu’au 30 juin 2024

 

 

C’est au pluriel qu’il faut décliner dans l’art le patronyme Tiepolo, ce dont fait la brillante démonstration une passionnante exposition dans le cadre toujours aussi intimiste et inspirant du Cabinet des dessins et des estampes Jean Bonna aux Beaux-Arts de Paris. Quel autre lieu en effet dans la capitale offre une aussi grande intimité entre le visiteur et de prestigieuses œuvres d’art ? Pour ce printemps, les commissaires Hélène Gasnault et Giulia Longo ont souhaité présenter cette famille si prolifique non seulement à Venise mais également bien au-delà de la lagune. Point de départ : le « patriarche », Giambattista Tiepolo né en 1696 et mort en 1770. Si ce maître exceptionnel signera les plus grandes fresques virtuoses ornant palais et églises avec son style inimitable, son art du dessin forcera également l’admiration ainsi qu’en témoignent les feuilles remarquables réunies pour l’exposition à partir du fonds des Beaux-Arts, deuxième collection publique de dessins de l’artiste.

 


Non présentés depuis plus de trente ans, ces dessins mis en regard avec ceux de ses deux fils, Giandomenico (1727-1804) et Lorenzo (1736-1776), ainsi que d’artistes aussi renommés que Rembrandt, Piazzetta, Canaletto Guardi ou encore Novelli dressent un panorama unique de l’art des Tiepolo pour appréhender des scènes du quotidien avec la même virtuosité que celles de l’art sacré…

L’attention se portera par exemple sur ces esquisses si spontanées de pied, tête et flacons témoignant de l’art déjà abouti du jeune Giambattista à se saisir avec sagacité du quotidien. L’art de l’estampe également présenté dans le parcours permettra également de constater combien l’artiste témoigne de cette même habileté pour des scènes plus officielles telle cette Apparition de la Vierge du Carmel à saint Simon Stock dans laquelle l’artiste met en œuvre un véritable tourbillon de personnages renforcé par le chaos des pierres à l’antique au premier plan. Variantes et variations serviront d’essais et d’études à cette virtuosité qui se déploie dans le mouvement et les positions les plus improbables, comme si les Tiepolo avaient découvert l’art de s’abstraire de la gravitation…

Les deux fils de l’artiste Giandomenico et Lorenzo recueillent et prolongeront encore cet héritage avec des œuvres de qualité tel cet admirable pastel de Lorenzo représentant avec force les traits d’un vieil homme barbu ou encore cet inattendu effroi de la Vierge lors de l’Annonciation évoqué par Giandomenico.
 


Pour aller plus loin… Le catalogue...

Catherine Loisel, Hélène Gasnault et Giulia Longo signent un remarquable catalogue venant complèter idéalement la visite de l’exposition et qui permettra d’en prolonger les développements. Ce 58e Carnet d’études édité par les Beaux-Arts de Paris témoigne, en effet, de l’importance de la présente exposition ainsi que le souligne en préface Alexia Fabre, directrice des Beaux-Arts de Paris : « C’est aussi la force du dessin qui s’exprime dans cette exposition et cette publication, avec des feuilles décorrélées d’autres projets, assumées dans leur réalité, non assignées au statut d’œuvres préparatoires : le dessin par lui-même et pour lui-même est au cœur de ce voyage dans la Venise rococo… ».
La présente publication approfondit effectivement l’étude de cet art du dessin appréhendé par cette famille unique des Tiepolo, qu’il s’agisse de l’art de l’estampe en vogue à cette époque ou du pur exercice de style. Si cette créativité débridée préludera aux plus grandes œuvres peintes, le dessin en tant que tel concourt à cette apothéose graphique qui sera le trait distinctif des Tiepolo en ce XVIIIe siècle vénitien.

 

catalogue avec des textes de Catherine Loisel, conservatrice honoraire du musée du Louvre et spécialiste du dessin italien ancien, Hélène Gasnault, conservatrice des dessins et Giulia Longo, conservatrice des estampes et photographies aux Beaux-Arts de Paris. Carnet d’études n°58, 112 pages.
 

 

 

« Paris 1874 – Inventer l’impressionnisme »

Musée d’Orsay

jusqu’au 14.07.24

 

 

Comment considérer le mouvement de l’impressionnisme au titre d’avant-garde alors que de nos jours les œuvres de ces artistes nous semblent devenues des classiques ? C’est la question centrale d’une belle exposition au musée d’Orsay qui nous invite à redécouvrir l’originalité et la modernité de ces peintres en marge du XIXe siècle académique qui en 1874 marquèrent leurs différences par rapport à leurs confrères. Le musée d’Orsay et la National Gallery of Art de Washington ont osé bousculé nos habitudes en rappelant combien des artistes comme Monet, Degas, Renoir, Morisot, Pissaro, Sisley, et Cézanne firent irruption dans de ce dernier tiers du siècle de la Révolution industrielle. 1874 fait en effet figure de date charnière ainsi que le rappellent Sylvie Patry et Anne Robins, commissaires de l’exposition, et la réunion d’une trentaine d’artistes qui eut lieu en cette année entre le 15 avril et le 15 mai dans les anciens ateliers de Nadar marqua un point d’ancrage à la fois mythique et méconnu.

 

Claude Monet (1840-1926) Coquelicots 1873 Huile sur toile
50 x 65,3 cm Paris, Musée d'Orsay

© RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) / Hervé
Lewandowski

 

La présente exposition invite justement le visiteur à redécouvrir période et pose un regard neuf sur cet évènement essentiel pour la destinée du mouvement impressionniste. Dans ce laboratoire en marge des Salons officiels se croisent toutes les influences et les peintres que l’on affublera du qualificatif Impressionnistes s’avèrent bien minoritaires ainsi que le soulignent les premières salles du parcours du Grand espace d’exposition du musée d’Orsay. Il faut souligner la richesse – parfois quelque peu déconcertante – des œuvres réunies en un accrochage vertigineux mais souhaité et des plus fructueux afin de rappeler le contexte de l’évènement de 1874. Ce parcours rappelle en effet combien cette période de mutation s’inscrivit dans un climat d’après-guerre et à la veille de l’instauration de la IIIe République. Parmi ces trente artistes, seuls sept d’entre eux seront considérés par la suite comme « impressionnistes ». L’originalité de la présente exposition du musée d’Orsay est justement de nous convier à revoir le regard, notre regard porté sur ce mouvement, ce qui en marqua l’originalité mais aussi les liens avec la société de son époque, des rapports plus complexes qu’il n’y paraît de prime abord et que le parcours éclaire avec brio.

« Paris 1874– Inventer l’Impressionnisme » ; Catalogue officiel de l’exposition éponyme au Musée d’Orsay – RMN, Paris.

 


C’est un beau et riche catalogue qui accompagne l’exposition éponyme « Paris 1874 – Inventer l’impressionnisme » au musée d’Orsay. Avec son format allongé et ses 289 pages, il comblera autant ceux qui ont eu la chance de découvrir cet événement que ceux n’ayant pu à regret s’y rendre. Sous la direction de Sylvie Patry et d’Anne Robbins, toutes deux commissaires de l’exposition, l’ouvrage offre une succession de contributions qui sont autant de tableaux, de repères et d’analyses pour appréhender au mieux cette période qui a vu naître l’un des mouvements majeurs – et probablement le plus connu – de l’histoire de l’art : l’impressionnisme.

 

Camille Pissarro (1830-1903) Matinée de juin, Pontoise
1873 Huile sur toile 55 x 91 cm inv. 2539
Karlsruhe, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe
Photo Staatliche Kunsthalle

 

Mais si son apogée a donné lieu aux plus grandes expositions et ouvrages de référence, sa naissance entre Salons officiels et volonté d’indépendance des artistes dans ce Paris du dernier quart du XIXe siècle marqué par la guerre de 1870 et la Commune demeure paradoxalement plus ignorée, ainsi que le soulignent d’emblée les commissaires en leur préface : « La manifestation de 1874 est en effet à la fois mythique et inconnue ».

 

Et si cette date a été effectivement et classiquement donnée comme l’acte fondateur de l’impressionnisme, bien des malentendus ou du moins flottements demandent aujourd’hui à être levés. C’est en ce sens que ce catalogue entend parallèlement à l’exposition au Musée d’Orsay « revisiter » par une féconde analyse s’articulant autour de quatre chapitres majeurs ce « Paris de 1874 » dans lequel s’inscrivit l’invention de l’impressionnisme. Un catalogue incontournable et idéalement complémentaire de la visite de l’exposition.

 

 

Exposition « Théodore Rousseau – La voix de la forêt »

Petit Palais

jusqu’au juillet 2024

 

 

Le Petit Palais de Paris accueille actuellement une exposition consacrée au peintre Théodore Rousseau (1812-1867), l’un des porte-paroles de cette nature tant questionnée par les artistes au XIXe siècle, anticipant sur les Impressionnistes et s’immergeant littéralement dans l’élément naturel. C’est la « voix de la forêt » que tente de transmettre le peintre en des œuvres non point démonstratives sur le plan académique – même si la technique irréprochable force l’admiration – mais puissamment inspirées par cette osmose avec la nature, une osmose atteinte après de longues études, immergé dans cette dernière.

 


En une scénographie particulièrement réussie évoquant sous-bois et autres futaies, le parcours nous invite à découvrir toutes les facettes de l’art de Théodore Rousseau, un art alliant vivacité du trait puisé à la chlorophylle des arbres chéris et couleurs traduisant cette vie protéiforme parfois bouleversée malheureusement par l’irruption de l’homme.

 

 

Cette école du paysage plus tard admirée par les jeunes impressionnistes et autres photographes ne recueillit pourtant pas l’assentiment général de ses contemporains choqués de ce refus par l’artiste de suivre la voie académique imposée. Il ressort cependant du choix artistique retenu pat Théodore Rousseau une vision, non plus dominatrice de la nature telle qu’elle prévalait jusqu’alors, mais une vision plus intimiste, témoignant, de l’intérieur, des multitudes organiques qui s’offraient à son regard.

 

Rousseau ne cherche pas en effet à embellir la nature – elle n’en a guère besoin – mais bien à en percevoir les dialogues intimes y compris avec l’homme et le peintre qu’il fut.

Les forêts de Fontainebleau, les paysages de Normandie, d’Auvergne, des Landes ou du Bery sont alors prétexte à cette ode d’amour avec la vie intrinsèque du végétal, ainsi que sut également l’exprimer en son temps le poète Charles Baudelaire: « C’est un naturaliste entraîné sans cesse vers l’idéal ». Une liberté marquée notamment tant sur le plan formel – avec de nombreuses esquisses hybrides avec le tableau – que sur le fond, et qui nous permet au XXIe siècle d’apprécier l’approche novatrice d’une âme éprise d’absolu ouvrant bien des portes à ses successeurs.

 

Pour aller plus loin… Le catalogue
 


« Théodore Rousseau – La voix de la forêt » catalogue sous la direction de Servane Dargnies-de-Vitry, Éditions Paris Musées, 2024.


Servane Dargnies-de-Vitry, commissaire de l’exposition, ouvre le catalogue en rappelant cette confession de Théodore Rousseau : « J’entendais aussi les voix des arbres ; les surprises de leurs mouvements, leurs variétés de formes et jusqu’à leur singularité d’attraction vers la lumière m’avaient tout d’un coup révélé le langage des forêts ». C’est cette grammaire de la nature que tente de saisir l’artiste qui souhaitait « surprendre la nature chez elle ». Servane Dargnies-de-Vitry rappelle combien la grande préoccupation de Rousseau fut de peindre au-delà des arbres et de la forêt « la manifestation de la vie », une attitude de tous les instants qui s’observe dans le réalisme extrême de ses œuvres, sans exclure pour autant un idéal à rapprocher d’un panthéisme certain.

 


Cet angle complexe et novateur à l’époque fait en ces pages l’objet de riches études articulées autour des quatre pôles de l’exposition : « révolutionner la peinture du paysage » ; « Le grand refusé » ; « Fontainebleau et Barbizon » ; « La voix des arbres ». L’ouvrage abondamment illustré par les œuvres de l’artiste ainsi que de nombreux documents permettra de mieux se plonger encore dans la création du peintre et de son œuvre, un atelier à l’air libre d’une modernité qui étonne encore de nos jours où notre rapport à la nature est plus que jamais questionné.

 

 

Exposition Revoir van Eyck

rencontre avec un chef d’œuvre – La vierge du chancelier Rolin

Musée du Louvre

du 20 mars au 17 juin 2024.

 

 

C’est un bijou d’exposition que nous propose actuellement le musée du Louvre, une exposition tournant autour d’une magnifique œuvre, une toile de Jan van Eyck – la Vierge du chancelier Rolin - seul tableau de l’artiste conservé en France au Louvre et qui vient de faire l’objet d’une restauration. A l’occasion de cette dernière ayant révélé un revers peint en trompe-l’œil d’un faux marbre vert probablement de la main de l’artiste ont été réunies autour de cette Vierge afin de mieux la mettre en perspective d’autres œuvres d’artistes tout aussi prestigieux : Roger van der Weyden, Robert Campin ou encore de Jérôme Bosch, des prêts exceptionnels de musées internationaux, mais aussi cinq autres œuvres de Jan van Eyck dont La Vierge et L’Enfant dite Vierge de Lucques prêtée pour la première fois par le Museum de Francfort.
L’exposition sous le commissariat de Sophie Caron, conservatrice au département des peintures du musée du Louvre, a été conçue pour offrir au public l’occasion unique de mieux connaître et appréhender cette œuvre exceptionnelle ( initialement tableau de dévotion mobile), destinée à Nicolas Rolin, chancelier du duché de Bourgogne. Personnage aussi sévère qu’énigmatique que le visiteur découvrira ou plutôt rencontrera sous différents angles et portraits dans le parcours de l’exposition. Visage du chancelier par van Eyck dans La Vierge de Rolin, bien sûr, mais aussi des visages signés van der Weyden sur ce panneau du polyptyque du Jugement dernier des hospices de Beaune ou encore dans cette enluminure du manuscrit des Chroniques de Hainaut de la Bibliothèque royale de Belgique.

L’attention sera également happée par la splendeur et richesse du paysage d’arrière-plan de la Vierge du chancelier Rolin, un paysage d’une profondeur et ampleur inouïes presque uniques dans l’œuvre de Jan van Eyck, et révélant, ainsi que le souligne Sophie Caron, avec notamment son jardin et ses petits personnages tout le talent de miniaturiste de l’artiste. « Il ne s’agit pas, en effet, d’un lieu réel mais seulement vraisemblable, qui permet une immersion presque hypnotique, favorable à la prière. » Comment ne pas imaginer devant la richesse et splendeur de cette Vierge, le chevalier Rolin en prière ? Le visiteur pourra d’ailleurs grâce à une installation haute-résolution s’immerger littéralement dans ce paysage unique. S’imposera également au regard du visiteur la splendeur des architectures retenues et imaginées par Jan van Eyck avec ces colonnes pour la Vierge du chevalier Rolin ou encore avec cet intérieur d’église pour cette splendide toile – L’Annonciation – provenant du Courtesy National Gallery of art de Washington.

 

© Musée du Louvre / Michel Urtado - Nicolas Bousser


Tournant autour de cette Vierge du chancelier Rolin, six sections sont ainsi proposées soulignant l’usage privé de ce tableau de dévotion mais aussi peut-être sa vocation d’épitaphe, décomposant le paysage d’arrière-plan avec ses personnages ou analysant encore les liens entre cette Vierge et l’art de l’enluminure ou de certains bas-reliefs. Plus qu’une rencontre, c’est véritablement un dialogue entre la Vierge du chancelier Rolin, l’art de ce premier tiers du XVe siècle et le visiteur pleinement immergé qu’instaure cette exposition tel un écrin de choix.

 

 

« D’un monde à l’autre »

Autun, de l'antiquité au Moyen Âge

Musée d’Archéologie nationale à Saint-Germain-en-Laye

jusqu’au 17 juin 2024.

 

 

Le Musée d’Archéologie nationale à Saint-Germain-en-Laye propose de redécouvrir le passé prestigieux de l’une de nos communes de France, Autun, qui fut à l’origine une importante cité antique romaine en plein cœur de l’actuelle Bourgogne. Avant d’être nommée Autun, c’est en effet sous le nom d’Augustodunum, fondée par Auguste, qu’est connue cette grande cité où réside le peuple des Éduens alliés des Romains.
Dès la première salle de l’exposition, le visiteur pourra découvrir la maquette de l’antique rempart qui protégeait la cité, rempart emblématique de l’importance de la cité à l’époque.

 

 

C’est cette place déterminante en Gaule de la cité d’Augustodunum que soulignent les premières salles avec notamment ces structures d’enseignement supérieur ou Écoles méniennes qui avaient pour mission de former les futures élites de l’Empire. Ainsi, il ne sera pas rare de retrouver de jeunes éduens dans des fonctions importantes de l’administration voire même au sein du pouvoir central à Rome. C’est dès lors tout le processus de diffusion de la culture « gréco-romaine » qui se déploie sous nos yeux par ces structures éducatives au cœur de la Gaule dont de nombreux restes archéologiques ont été dévoilés à Autun lors de fouilles. Le visiteur sera surpris des pièces - parfois exceptionnelles – présentées notamment ce vase diatrète du IVe siècle révélant toute la virtuosité des maîtres verriers romains.

 

Mais cet essor n’aura qu’un temps, avec les IIIe et IV° s. la cité se rétractera au point de perdre près de 50 % de sa surface occupée, une tendance que l’on retrouvera d’ailleurs dans de nombreuses autres cités. À partir du IVe s. l’exposition montre combien l’apparence de la ville se transforme avec le démantèlement de certains monuments antiques réemployés, la distinction d’une ville haute siège de l’évêque et d’une ville basse. Les fouilles de la nécropole de Saint-Pierre-l’Estrier installée en périphérie livreront de précieuses informations sur les différents procédés d’inhumation selon les différentes religions qui cohabitaient. C’est notamment dans cette nécropole que les premiers témoignages du christianisme naissant en Gaule feront jour. Les siècles suivants également retracés dans cette exposition didactique seront marqués par des évolutions architecturales qui progressivement abandonnent l’antique pour annoncer le roman.

 

 

 


C’est à ce voyage dans le temps à partir de la ville d’Autun que convie l’exposition « D’un monde à l’autre » au Musée d’Archéologie nationale de Saint-Germain-en-Laye.
 

Commissariat général
Rose-Marie Mousseaux, conservatrice générale du patrimoine, directrice du musée d’Archéologie nationale et du Domaine national de Saint-Germain-en-Laye.
Daniel Roger, conservateur général du patrimoine, adjoint à la directrice, responsable du pôle scientifique du musée d’Archéologie nationale


Commissariat scientifique :
Carole Fossurier, archéo-anthropologue, responsable scientifique de la fouille de la nécropole Saint-Pierre-l’Estrier, Inrap
Agathe Mathiaut-Legros, conservatrice en chef, directrice des musées et du patrimoine, ville d'Autun
Nicolas Tisserand, directeur adjoint scientifique et technique, Inrap

 


A lire : « Autun antique » sous la direction de Yannick Labaune, Editions du Patrimoine.

 

 

« Maurice Denis – Les chemins de la Nature »
jusqu'au 31 mars 2024
Maurice Denis Musée départemental

Saint Germain en Laye

 

L’exposition « Les Chemins de la nature » au Musée départemental de Saint-Germain-en-Laye explore l’œuvre de Maurice Denis à travers le prisme de la nature dont il fut l’un des grands chantres de la fin du XIXe et première moitié du XXe. C’est au Prieuré de Saint-Germain-en-Laye, lieu où vécut l’artiste avec sa famille de 1914 à sa mort que cette exposition dévoile ces liens intimes qui unissaient Maurice Denis à la nature, une nature polymorphe mais toujours reliée à un symbolisme fort reposant sur une transcendance récurrente.
Ce qui fut un ancien Hôpital général royal érigé sous Louis XIV, avant de devenir propriété du peintre, puis depuis 1980 un musée-jardin Maurice Denis du Département des Yvelines, est avant tout un cadre exceptionnel et inchangé malgré les siècles passés…

 

Denis-Poissy©CRMD-Olivier Goulet
Vue du pont de Poissy, vers 1896
Huile sur bois
H. 26 x l. 39,5 cm
Collection particulière
©Catalogue raisonné de Maurice

 

Ayant fait l’objet d’importants travaux de restauration, les arbres majestueux, les jardins en déclivité, offrent encore aujourd’hui ce dialogue permanent entre nature et culture légué par l’artiste, un charme et une poésie demeurant perceptibles dès l’entrée de la propriété.
C’est cet atelier vivant qui permit à Maurice Denis d’explorer couleurs et formes ainsi que le révèle le parcours inspirant de cette exposition sous le commissariat de Nolwenn Herry et Fabienne Stahl. Avec cinq parties et de nombreuses œuvres jamais montrées, l’exposition « Chemins de la nature » dévoile ainsi au visiteur ce dialogue permanent qu’entretint Maurice Denis avec la nature, une nature habitée par la foi intense de l’artiste mais aussi sublimée par tout un réseau subtil de références symboliques, mythologiques et profanes.

 

Le Dessert au jardin (Portrait de Marthe et de Maurice Denis au crépuscule)

, 1897 Huile sur toile H. 99,5 x l. 120 cm
Saint-Germain-en-Laye,
musée départemental Maurice Denis,
inv. PMD. 976.1.127
copyright:Réunion des musées nationaux - Grand Palais / Benoît Touchard
 

 

La famille demeure l’un des pivots de cette création, et même lorsque le peintre s’inspire d’un portrait de son épouse ou des jeux de ses enfants, ces sujets se métamorphosent rapidement en scènes bibliques suggérées ou explicites. Qu’il s’agisse des jardins de sa vie en Bretagne ou à Saint-Germain-en-Laye, des natures mortes ou de scènes mythologiques, le « Nabis aux belles couleurs » ainsi qu’il fut surnommé par ses pairs, attache toujours une importance déterminante à ce rayonnement de la lumière par un entrelacs subtil de couleurs. Empruntons ainsi avec Maurice Denis ces enchanteurs « Chemins de la nature » au musée départemental Maurice Denis jusqu’au 31 mars 2024 !

Pour aller plus loin…

Les éditions toujours soignées de Fata Morgana dans la collection A Fontfroide, Bibliothèque artistique & Littéraire viennent de faire paraître deux ouvrages de Maurice Denis : « La leçon des maîtres » tout d’abord livre un ensemble de portraits rédigés entre 1902 et 1939 par Maurice Denis, ce peintre emblématique du mouvement des Nabis. En ces pages inspirées, Maurice Denis confie au lecteur les grands artistes qui marquèrent son propre art, des anciens tels Fra Angelico, Raphaël ou encore Poussin aux modernes avec Delacroix, Corot, Manet, Renoir… Ce bel ouvrage réalisé par Juliette Solvès présente le grand intérêt d’entrer au cœur de l’analyse de chacun de ces pairs par le prisme du grand artiste que fut lui-même Maurice Denis.

 



Dans la même collection, Maurice Denis signe des « Écrits sur les Nabis » ; une belle introduction à un mouvement aussi éphémère que marquant et dont l’un de ses membres éminents nous livre les lignes de forces majeures revenant sur ces jeunes peintres enthousiastes se réunissant dans un bistrot du passage Brady et jetant les bases de ce mouvement postimpressionniste qui allait marquer l’histoire de l’art au terme du XIXe siècle. Bases théoriques structurées du mouvement (notamment à partir de ce credo du peintre : « “Se rappeler qu’un tableau est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées”) et portraits de ses membres composent ces « Écrits » essentiels pour mieux comprendre la pensée et l’œuvre de ces artistes devenus des « classiques »…
 

 

Pour approfondir encore la place et le rôle de Maurice Denis dans le renouveau des arts sacrés au XXe s. il faudra impérativement aborder la lecture de cette somme incontournable qui vient de paraître aux éditions Hermann : « Les Ateliers d’art sacré 1919-1947 – Rêves et réalités d’une ambition collective » sous la direction d’Isabelle Saint-Martin et Fabienne Stahl. Après les ravages causés par la Première Guerre mondiale dans l’opinion publique, Maurice Denis et Georges Desvallières fondèrent les Ateliers d’art sacré. Souhaitant une autre voie que celle jusqu’alors imposée par l’art saint-sulpicien, ces artistes suggérèrent et mirent en œuvre des pistes originales que cet ouvrage explore avec finesse.

 


Enfin, le lecteur se reportera avec profit au catalogue de l’exposition publié aux Éditions Ouest-France, un ouvrage prolongeant agréablement et de manière fructueuse par ses nombreuses contributions la visite de l’exposition « Maurice Denis - Les Chemins de la nature » au musée départemental Maurice Denis de Saint-Germain-en-Laye jusqu’au 31 mars 2024.

 

 

À la cour du Prince Genji
Musée Guimet
1000 ans d’imaginaire japonais jusqu'en 25 mars 2024

 

 

L’an mille japonais est un siècle déterminant pour la prose au pays du soleil levant, et l’œuvre phare « Le Dit du Genji » de la dame de la Cour Murasaki Shikibu (c. 973 –c. 1014-1025) s’impose en premier lieu tant ce récit délicat sur l’aristocratie tranchait sur les mœurs encore brutales de cette époque. C’est ce contraste saisissant qui inspire la très belle exposition conçue par Aurélie Samuel, commissaire, installée actuellement au cœur du musée Guimet en une scénographie esthétique seyant à la perfection d’écrin à ces récits raffinés.
L’ouvrage du « Dit du Genji » sert bien entendu de fil directeur à ce parcours où se côtoient œuvres d’art précieuses, manuscrits, estampes, jusqu’à l’étonnante création du grand maître tisserand Itaro Yamaguchi (1901-2007) qui a fait don au musée d’une splendide réinterprétation du Dit du Genji en quatre éblouissants rouleaux…

 

Murasaki Shikibu, Cent poètes célèbres du Japon, manuscrit illustré, milieu du 19e siècle (détail) Paris, Musée Guimet, BG3566 © RMN-Grand Palais (Musée Guimet, Paris) / Thierry Ollivier

 

Pour l’écrivain Yukio Mishima, le Dit du Genji pouvait être comparé au miroir de la vie humaine, reflet de la beauté éphémère et de la tristesse de l’existence. Cette infime tension entre l’impermanence chère à la pensée bouddhiste et cette harmonie intemporelle que relevait également un autre grand écrivain japonais en la personne de Yasunari Kawabata rythme ainsi tout le parcours de l’exposition avec ses objets d’apparat et du quotidien, tels ces paravents d’une beauté bravant les siècles et les vicissitudes des hommes.
Le Dit du Genji (Genji monogatari) en un long récit alterne récits du faste de la Cour et intrigues amoureuses qui en allègent quelque peu le formalisme. La langue japonaise révèle ainsi toute les introspections de son auteur et de cette époque par toute une série de nuances esquissées par le fil du pinceau et de la calligraphie. En témoignent les nombreuses créations ultérieures réunies dans l’exposition, ainsi que le souligne Yannick Lintz, présidente du musée Guimet : « En évoquant les raffinements de la cour impériale à travers la vie et les intrigues amoureuses du prince Hikaru Genji, le roman suscite depuis mille ans une iconographie extrêmement riche. Cette exceptionnelle créativité à laquelle le Dit du Genji a ouvert la voie est illustrée dans l’exposition par un ensemble d’objets précieux, laques, sculptures, peintures et estampes issus des collections du Musée Guimet et de plusieurs collections françaises et japonaises ».
L’exposition prolonge encore l’actualité de cette source littéraire et culturelle incomparable, trésor national du Japon, avec la culture manga qui lui offre des développements inattendus en la personne de Waki Yamato (né en 1948) avec Asaki yume mishi, sans oublier la section finale impressionnante quant à la grande œuvre en quatre rouleaux du maître Itarô Yamaguchi déployée sur des dizaines de mètres, signe soyeux et précieux que le Dit du Genji n’a pas fini d’éblouir les sens…

« Le Dit du Genji » de Murasaki-shikibu ilustré par la peinture traditionnelle japonaise, 3 volumes sous coffret, La petite collection, Diane de Selliers Éditeur, 2008.
 


La petite collection des Éditions Diane de Selliers accueille l’un des textes les plus illustres de la littérature japonaise traditionnelle. Le lecteur retrouvera, en effet, dans ce très bel ouvrage l'intégralité du roman mis en valeur par 520 peintures allant du XII siècle jusqu'au XVII°, véritable éventail du raffinement et de la délicatesse de l’art japonais. L'entreprise est à la hauteur de la dimension du texte dans cette très belle traduction de René Sieffert. Ces trois volumes offrent ainsi 1256 pages d'excellence et constituent un écrin de choix pour ce texte appartenant aux trésors culturels du Japon. Le Dit du Genji fut en effet écrit au XI° siècle par la préceptrice d'une jeune impératrice.

 

 

Observés au quotidien par cette jeune impératrice, les personnages de la cour ont ainsi retrouvé une deuxième vie dans ces pages éternelles où l’amour et intrigues rythment de leurs passions le récit délicat de la prosatrice. Borges estimait que "Ce n'est pas que l'oeuvre monumentale de Murasaki soit meilleure ou plus mémorable ou encore plus intense que le roman de Cervantès, mais elle est plus complète et la civilisation qu'elle décrit est plus délicate." N'oublions pas qu'à la même époque, en 1008, l'univers des chansons de geste règne en Occident. Nous sommes loin du récit épique vantant la bravoure des chevaliers.

 


L'analyse particulièrement fine des caractères est développée dans le cadre d'une société de cour où les arts jouent un rôle clé dans les relations sociales. Ainsi, poésie, calligraphie, musique, peintures, vêtements... vibrent dans ces pages où le raffinement surprend toujours le lecteur occidental habitué à des références plus rudes à la même époque.
Il faut encore saluer l’impressionnant travail iconographique qui non seulement sert d’écrin à ce texte immémorial mais le sublime encore par d’infinis réseaux de références. L'oeuvre mérite toute l’attention du lecteur occidental afin de parvenir à démêler les nombreux personnages qui évoluent en fonction de leur promotion dans la hiérarchie de la cour. Ce dernier sera aidé en cela grâce à cette très belle édition dont le livret introductif permet de se reporter à tout moment de la lecture aux différentes branches des familles en présence.
Il fallait une édition digne de rappeler la beauté de ces temps anciens du Japon, les Éditions Diane de Selliers y parviennent avec ce travail remarquable et remarqué. Une publication, en effet, plus que saluée puisque cette dernière a reçu, en 2008, la distinction du Ministère de la Culture du Japon pour son rayonnement international de la littérature et de l’art japonais, mais également le Grand Prix du Jury de La Nuit du Livre en 2009 et le Prix d'honneur du Ministre des Affaires du Japon en 2018.

 

 

Nicolas de Staël

Musée d’Art Moderne de Paris

jusqu’au 21 janvier 2024

 

 

Nicolas de Staël, trop jeune exilé de Russie, trop tôt orphelin, poursuivra incessamment une quête sans frontières ni limites, pas même celles de la vie qu’il interrompra volontairement un 16 mars 1955 en se jetant du toit de son atelier d’Antibes… C’est ce parcours singulier que retrace avec précision, l’exposition du Musée d’Art Moderne de Paris en un cheminement didactique permettant d’approcher cette personnalité et artiste à nul autre pareil. Littéralement habité par la peinture, son art répond rapidement à un élan irrépressible et urgent de saisir le monde et le temps.

 

 

Cette recherche effrénée ne cherchait pas à emprunter les modes de son époque, même si des influences peuvent bien entendu être perçues, ici ou là, au fil des salles de l’exposition.

La lente élaboration de son œuvre tient à la fois de cette instantanéité du monde qu’il tentait de saisir, et cette conscience toujours lucide du chercheur de papillon sans filet. Le parcours élaboré par les commissaires de l’exposition - Charlotte Barat-Mabille et Pierre Wat, conseillère scientifique Marie du Bouchet évoque bien cette mémoire de l’œuvre, bâtie patiemment par Nicolas de Staël, une manière de se confier au monde, discrète et pourtant irradiante. Le peintre œuvre sans cesse dans son « laboratoire-atelier », brisant les codes et aspirant à un absolu de la lumière et de la couleur toujours plus insaisissable. L’exposition rappelle ainsi de manière chronologique ce parcours unique à partir de 200 tableaux, dessins et gravures.

 

 

Depuis la figuration initiale à l’abstraction croissante, des toiles sombres comme son âme aux couleurs éclatantes de son aspiration à l’absolu de l’art, Nicolas de Staël tente ainsi de fuir les gouffres existentiels par cette quête picturale incessante jusqu’à l’année 1955 où l’artiste décidera de passer de l’autre côté de la toile…

 

 

"Staël - Du trait à la couleur" Anne de Staël, Hazan, 2023.

"Nicolas de Staël - Le voyage au Maroc" Arléa, 2023

 

 

Louis Janmot - « Le Poème de l’âme »

Musée d’Orsay jusqu’au 7 janvier 2024

 

 

Le peintre Louis Janmot (1814-1892) n’est guère connu que des cercles de spécialistes et des amateurs de la peinture du XIXe s… Et pourtant, l’exposition qui vient d’ouvrir au musée d’Orsay laisse découvrir un artiste des plus intéressants lançant des passerelles entre romantisme et symbolisme. En collaboration avec le musée des Beaux-Arts de Lyon, Janmot étant originaire de cette ville, les commissaires de l’exposition, Servane Dargnies de Vitry et Stéphane Paccoud, ont souhaité évoquer l’œuvre phare du peintre « Le Poème de l’âme » à laquelle il consacra près d’un demi-siècle.

 

 Louis Janmot (1814-1892) Le Poème de l'âme. Rayons de soleil, vers 1854
Lyon, musée des Beaux-Arts, don des héritiers de l’artiste, 1968
© Image © Lyon MBA / Photo Alain Basset

 

Cette fresque monumentale s’étire sur deux cycles de 18 peintures, 16 dessins et 34 poèmes, une véritable tapisserie picturale et poétique explorant les tréfonds de l’âme au tournant du romantisme. Janmot fut élève d’Ingres dont il héritera la sûreté du trait et admirateur de Delacroix qui nourrira également sa palette. Le parcours initiatique qu’il a patiemment constitué au fil des ans impressionna même l’exigeant Charles Baudelaire ainsi que l’historien de l’art Henri Focillon.

Le long poème de 2 814 vers tisse, en effet, un dialogue étroit avec les œuvres en un troublant voyage héritier de Dante mais aussi de la pensée catholique de son époque.

 

La modernité s’immisce, cependant, également avec les visions cauchemardesques proches de Blake et de Goya, l’âme tour à tour tentée et torturée en d’obscures pensées préfigurant l’étude de l’inconscient à venir…

 

Louis Janmot Le Supplice de Mézence, en 1865
Musée d'Orsay Achat, 2014 © Musée d’Orsay,
Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt

 

Ponctuant ce long périple, des scènes bucoliques s’invitent par intermittence, révélant la qualité picturale de Janmot quant au paysage dont il se saisit avec inspiration dans des évocations du Bugey et de montagnes. Peintures et dessins alternent en une scénographie remarquable ponctuée d’extraits de poèmes.
Un voyage spirituel et artistique rare à découvrir au musée d’Orsay avant le 7 juin 2024 !
 

 

A noter en complément de l'exposition le très complet catalogue coédité par le Musée d'Orsay et les éditions InFine sous la direction de Stéphane Paccoud et Servane Dargnies-de Vitry, 192 pages, 150 ill., 24 x 28 cm, 2023.

 

 

Fondation Louis Vuitton MARK ROTHKO

Exposition jusqu’au 02.04.2024

 

 

Le visiteur de cette importante rétrospective consacrée au peintre américain Mark Rothko (1903-1970), figure majeure de l’art du XXe siècle, aura le rare plaisir non seulement de (re)découvrir non seulement des œuvres qu’il pensait connaître – une part importante du début du parcours est réservée aux œuvres de jeunesse figuratives – mais aura également le plaisir d’apprécier son art de l’abstraction dans le cadre idéal de la Fondation Louis Vuitton. Ce vaste édifice baigné de lumière et aux salles très diversifiées forme, il faut l’avouer, l’écrin de choix pour cet accrochage savamment étudié par les commissaires de l’exposition, Suzanne Pagé et Christopher Rothko, et parfaitement en harmonie avec la pensée exigeante du peintre. L’artiste avait en effet des vues élevées quant à son art et avait confié : « Je suis devenu peintre car je voulais élever la peinture au même degré d'intensité que la musique et la poésie. » Cette ambition apparaîtra sans équivoque au fil des 115 œuvres exceptionnelles provenant des plus grands musées internationaux et collections privées, dont celle de la famille de l’artiste.

 

©Lexnews


Mark Rothko éleva effectivement son art au-delà des seuls critères formels de la couleur et de la géométrie. Contrairement aux vues réductrices limitant trop souvent sa peinture aux rectangles donnés pour répétitifs de sa deuxième partie de carrière, l’exposition fait la démonstration que toute sa vie durant Rothko n’a eu de cesse de livrer un véritable combat pour capter la lumière et la restituer au fil de ces variations géométriques. Tour à tour lumineuses ou introspectives, ces multiples créations exercent une fascination telle que le visiteur se surprend à chuchoter en leur présence, signe révélateur de la forte charge émotionnelle qui les anime, ainsi que le souligne Suzanne Pagé : « Comment introduire par les mots à une œuvre qui a porté à son incandescence la picturalité, langage irréductible à tout autre ? » Cette incandescence manifeste irradie de manière hypnotique les différentes salles tout au long des différents étages de la Fondation Louis Vuitton, reproduisant ainsi le parcours d’une vie et d’une œuvre en autant de stations méditatives. De la Galerie 1 à la Galerie 10, que de recherches parcourues, que d’essais nourris à de nombreux questionnements artistiques, philosophiques, mathématiques et autres champs de la pensée. Hanté par la déflagration provoquée par Shoah et de manière plus générale encore par la nature humaine et sa part sombre, Rothko recherche l’insaisissable et questionne l’inavouable.
Exigeante et fascinante, l’œuvre de Rothko convoque intuitivement une succession de questionnements et d’introspection, ce qui n’est pas le moindre de ses mérites ainsi que l’atteste cette remarquable exposition, évènement de cette rentrée à la Fondation Louis Vuitton.

« Mark Rothko » sous la direction de Suzanne Pagé et Christopher Rothko, catalogue de l'exposition « Mark Rothko » présentée à la Fondation Louis Vuitton du 18 octobre 2023 au 2 avril 2024, 29 x 31 cm, 303 p. Fondation Louis Vuitton / Citadelles & Mazenod éditions, 2023.
 


À l’événement de la rentrée, la rétrospective Mark Rothko à la Fondation Louis Vuitton, il fallait assurément un catalogue d’envergure, ce qu’ont réalisé les éditions Citadelles & Mazenod sous la direction de Suzanne Pagé, directrice de la Fondation Louis Vuitton, et Christopher Rothko, fils de l’artiste. Nourri d’importantes contributions signées par de nombreux spécialistes de Rothko, cette somme fait non seulement office de catalogue, mais également et surtout de monographie de référence en français. La première impression avant même de découvrir les articles consacrés au peintre tient à la qualité de l’iconographie avec 115 œuvres reproduites la plupart en pleine page, voire triple page, et respectant le chromatisme toujours délicat de l’artiste. En feuilletant ces pages une à une, un étourdissement saisira sans aucun doute le lecteur étonné de tant de variations à la lumière et à la couleur… C’est ce saisissement qu’introduit également Suzanne Pagé, co-commissaire de l’exposition, à ce fort volume : « Comment introduire par les mots à une œuvre qui a porté à son incandescence la picturalité, langage irréductible à tout autre ? Que cherche le visiteur captif de ce qui parle si fort à ses yeux, à son cœur, à tout son être ? ».

Au-delà du seul ressenti intuitif – important et néanmoins insuffisant – l’œuvre de Rothko convoque l’âme de toute personne en quête de son humanité, en en suggérant les contours mais aussi les tréfonds. Cette géographie des émotions humaines fondamentales selon l’artiste, sans être un programme contraignant, accompagne la découverte de ses œuvres au fil des pages. À partir d’un questionnement métaphysique parfois exigeant, la création se déploie en ses miroitements lumineux comme dans ses profondeurs ténébreuses. Il suffit pour s’en convaincre de contempler de longs instants chaque œuvre – surtout celles de l’abstraction au tournant des années 1940-1950 qui immortaliseront Rothko - pour entrer en un état hypnotique semblable à celui de l’écoute d’un prélude de Messiaen, des Vexations de Satie ou encore des Metamorphosis de Philip Glass.

 

©Lexnews

 

Christopher Rothko, fils de l’artiste et psychologue, avertit le lecteur découvrant un tableau de son père : « si vous n’y voyez qu’un vide, il faut le regarder à nouveau » ! Minimalistes et réductionnistes en seront pour leur frais ainsi qu’en témoignent les riches études réunies pour ce volumineux catalogue qui pour chacune propose un cheminement dans ce foisonnement créatif, des clés pour appréhender le nouveau langage pictural introduit par Rothko. Chacune de ces études permettra ainsi de mieux percevoir ces vibrations qui animèrent l’artiste jusqu’à son suicide en 1970.

« Mark Rothko – L’intériorité à l’œuvre » par Christopher Rothko, Éditions Hazan, 2023.
 


Parmi les ouvrages accompagnant idéalement l’exposition Mark Rothko à la Fondation Louis Vuitton, il faut assurément retenir ce livre dense, d’une rare sensibilité et plus qu’informé, signé de la main même de son fils, Christopher Rothko. Et, qui mieux que son fils, qui plus est psychologue, pouvait, en effet, nous traduire en mots l’évolution et l’œuvre de l’une des plus grandes figures de l’abstraction ?

C’est effectivement toute la puissance émotionnelle de ce grand artiste du XXe siècle que le lecteur retrouvera au travers de ces quelque trois cents pages d’intimité réunissant une vingtaine d’écrits de Christopher Rothko. Véritable exploration et compréhension de l’œuvre de son père, ces pages livrent aux admirateurs de Rothko non seulement des clefs de compréhension intellectuelle, explicitant les différentes techniques, couleurs et périodes du peintre, mais également une connaissance intime et sensible tant de l’œuvre que du peintre. Ainsi, le lecteur pourra-t-il s’arrêter notamment sur cet essai consacré à « Mark Rothko et la musique » ou même y découvrir un essai sur « L’humour des Rothko » ! Mais, surtout, l’auteur a souhaité plus particulièrement par cet ouvrage transmettre pourquoi et en quoi l’œuvre de Rothko, toute tendue vers « l’expérience intime de la condition humaine », concerne le spectateur, vient à sa rencontre, l’interroge et lui révèle sa psychologie… « Des invitations non à sortir, mais à entrer en nous-mêmes. En un sens, ce sont des fenêtres qui s’ouvrent sur l’âme, Des endroits où mieux qu’ailleurs nous pouvons voir au-dedans », écrit-il. Au-delà, Christopher Rothko a également eu à cœur en ces pages de revenir sur les malentendus et interprétations erronées ayant pu être donnés, de faux aiguillages ne permettant pas une pleine et parfaite compréhension de la cohérence de l’œuvre immense de Mark Rothko ; de « ces perspectives ouvertes vers l’intangible, intimidantes parce qu’elles semblent contenir si peu »… C’est par ces mots que s’ouvre le prologue de l’auteur à cet ouvrage incontournable.
 

 

Van Gogh à Auvers-sur-Oise
Les derniers mois
Du 03 octobre 2023 au 04 février 2024

 

Derrière la profusion des couleurs et formes mouvementées qui happent d’emblée le visiteur de l’incontournable exposition de la rentrée, « Van Gogh à Auvers-sur-Oise », se masque une impression diffuse d’apothéose et de témoin laissé à la postérité du peintre. Sans parvenir à saisir dans sa totalité cette prodigieuse créativité - comment cela serait-il possible ? – nous prenons acte de ce phénomène à la manière de celles et ceux qui découvrent l’énergie à peine canalisée d’un Raphaël ou d’un Mozart disparus trop prématurément. Tel un phalène porté par l’éphémère durée du temps, Van Gogh expérimente dans les deux derniers mois de sa vie une tension telle que son art s’en trouvera métamorphosé en une apothéose que laisse découvrir le très beau parcours conçu par les commissaires Emmanuel Coquery, conservateur général, directeur du développement culturel et du musée de la Bibliothèque nationale de France, et Nienke Bakker, responsable de collection et conservatrice au musée Van Gogh en collaboration avec Louis van Tilborgh et Teio Meedendorp, directeurs de recherche au musée Van Gogh.

 

Vincent Van Gogh
Champ de blé aux corbeaux, juillet 1890
Van Gogh Museum, Amsterdam
© Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation)


C’est à Auvers-sur-Oise près de Paris que le peintre se rend, en effet, le 20 mai 1890, deux mois plus tard, le 29 juillet, son suicide « manqué » provoquera sa mort. Entre ces deux dates, Van Gogh se jette sur sa palette comme un naufragé sur un radeau. Après les graves crises vécues à Arles, son séjour dans l’asile de Saint-Rémy, le peintre en pleine tension psychique se tourne vers son frère Théo et trouvera refuge à Auvers où le Dr Gachet spécialiste des affections mentales et amoureux de la peinture impressionnante accueillera avec bienveillance cette âme tourmentée. C’est alors à l’auberge Ravoux où Van Gogh s’installe qu’un atelier original conduira l’artiste à repousser les limites de son art avec 74 tableaux et 33 dessins.
Spontanément, en découvrant cet éblouissant parcours, le regard s’arrêtera tout spécialement sur les œuvres iconiques, « Le Docteur Paul Gachet », « L’église d’Auvers-sur-Oise » sans oublier le « Champ de blé aux corbeaux ». Au côté de ces chefs-d’œuvre indéniables, d’autres tableaux ne pourront laisser indifférent tel ce « Champ de blé sous des nuages d’orage » dont le bleu nuit intense laisse présager la fin ultime, la peinture ayant été réalisée le 9 juillet quelques jours avant sa mort… Tout n’est pas que funestes pressentiments dans ces œuvres réalisées en un élan virtuose où le pittoresque retient encore l’artiste dans ces « Bords de l’Oise à Auvers-sur-Oise » ou encore ces vases dont le « Vase aux fleurs » distillant le vert et le mauve en autant d’espérances bucoliques. Au-delà, ses traits « explosifs », les vibrations exacerbées des lignes trahissent parfois déjà les ruptures inquiétantes et annonciatrices de la modernité à venir du siècle suivant. Quelles que soient les raisons de sa visite, le visiteur ne ressortira pas de cette remarquable exposition, évènement de la rentrée, indemne d’une telle profusion d’affects et d’art conjugués.

Cette exposition est organisée par l’Établissement public des musées d’Orsay et de l’Orangerie de Paris et le musée Van Gogh d’Amsterdam qui la présentera du 12 mai au 3 septembre 2023, pour marquer son 50e anniversaire.

« Van Gogh à Auvers-sur-Oise - Les derniers mois » ; Catalogue officiel de l'exposition, Collectif, coédition Musée d’Orsay / Éditions Hazan, 2023.
 

 


C’est un fort beau catalogue publié aux éditions Hazan, à la vaste iconographie et aux riches contributions, qui accompagne l’exposition « Van Gogh à Auvers-sur-Oise – Les derniers mois » ayant lieu au musée d’Orsay à Paris. Réalisé grâce à une étroite collaboration entre le Van Goh Museum et le Musée d’Orsay, l’ouvrage de plus de 250 pages revient sur les derniers mois du peintre, un peu plus de deux mois de vie psychiquement difficile, mais d’une extrême et incroyable productivité artistique. Après Arles et Saint Rémy de Provence, Van Gogh arrive, en effet, à Auvers-sur-Oise, précisément le 20 mai 1890, accueilli par le Dr Gachet. Là, dans le Vexin français, il découvre une campagne apaisée, oubliée quelque peu de cette modernité galopante marquant le XIXe siècle ; des paysages qui inspireront jusqu’à ses derniers jours nombre de ses œuvres. Woutter Van Der Veen s’arrête avec précision dans son écrit sur ce village et cette « Campagne d’Auvers-sur-Oise, lieux et rencontres », alors que Teio Meedendorp revient, pour sa part, sur les « multiples visages » de ce village ayant tant marqué la créativité du peintre.


Mais, la présence et prévenance du Dr Gachet, le calme apparent des champs de blé et de coquelicots ou encore « Le charme des fleurs » sur lequel s’arrête dans sa contribution Nienke Bakker, ne suffiront malheureusement pas à apaiser ses maux et Van Gogh tentera de mettre fin à ses jours le 27 juillet 1890.

 

Vincent Van Gogh
L'église d'Auvers-sur-Oise, vue du chevet, 1890
Musée d'Orsay
Achat avec le concours de Paul Gachet, fils du docteur Paul Gachet, et la participation d'une donation anonyme canadienne, 1952
© Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt
 

Entre ces deux dates, il ne réalisera pas moins de 74 toiles et plus de 50 dessins, objet de ce superbe catalogue. Des toiles représentant outre la campagne et le village d’Auvers-sur-Oise avec son église, mais aussi de nombreux portraits ou encore des natures mortes, des tableaux où éclatent ces traits plus extravagants que ronds et ces verts côtoyant ou se diluant dans les bleus du ciel ou d’orages si caractéristiques de Van Gogh. Une « signature » propre au peintre que le lecteur retrouvera comme condensée dans ces derniers tableaux au format double carré, des tableaux réalisés quelques jours seulement avant sa tragique fin et annonciateurs d’une « nouvelle peinture » ainsi que le développe Emmanuel Coquery dans sa riche contribution.


Deux mois d’une intense activité artistique qui révèlent quasiment à eux seuls la rapide et incroyable évolution de l’œuvre de Van Gogh, un « art plein de promesses », ainsi que le souligne en son introduction Louis van Tilborg, avant de conclure en ces termes : « La fin qu’il s’est donnée, hélas, n’a pas permis qu’il s’accomplisse ». En ce 29 juillet 1890, Van Gogh avait 37 ans.

 

 

Exposition « Noël Coypel, peintre de grands décors » -

Grand Trianon et Château de Versailles

du 26 septembre 2023 au 28 janvier 2024.

 

 

 

C’est à une belle exposition en deux temps consacrée au peintre Noël Coypel à laquelle nous convie jusqu’au 28 janvier 2024 le Château de Versailles en cette année marquant son 400e anniversaire. Noël Coypel (1628-1707), peintre trop souvent et injustement négligé, est d’abord connu pour ses grands formats, des ensembles qui ornèrent, outre le Parlement de Bretagne à Rennes, les grandes demeures royales dont Versailles, bien sûr, mais aussi le Louvre, le Palais Royal ou encore Fontainebleau et les Invalides au soir de sa vie, d’où le titre de cette splendide exposition : « Noël Coypel, peintre de grands décors ». Soulignons également que ce grand peintre du Roi, à la nombreuse descendance d’artistes de père en fils et de fils en petits-fils, eut plus d’une couleur sur sa palette ! C’est ainsi, que seront signés de son nom non seulement de magnifiques plafonds, mais également des tableaux d’autel, des peintures de chevalet, des dessins ou encore des cartons de tapisserie…


Ce ne sont pas moins de 90 de ses œuvres réunies par les soins de Béatrice Sarrazin, conservateur général du patrimoine au musée national des châteaux de Versailles, qui sont ainsi aujourd’hui présentées au grand public à Versailles : D’abord (ou ensuite, selon chacun) au Grand Trianon où l’artiste fait l’objet d’une très belle mise en perspective aux deux sens du terme avec une scénographie signée Véronique Dollfus en parfait accord avec le blanc du Grand Trianon.

En ces lieux, en une multitude et succession de pièces et thèmes, le visiteur aura le loisir de découvrir tout le talent, la carrière et l’étonnante palette de couleurs de cet artiste, remarqué par Charles Errard avant qu’il ne se rapproche de Charles Le Brun et de Colbert.

Nombreuses seront alors les commandes royales faites à celui qui fut reçu, puis devint professeur de l’Académie royale de peinture et de sculpture, avant d’être nommé en 1672 directeur de l’Académie de France à Rome.
Mais, au-delà de l’académisme de ce peintre majeur du XVIIe siècle, le visiteur sera surtout conquis par la liberté de tons que nous offrent encore aujourd’hui ses chefs-d’œuvre ; on songe aux peintures qui ornaient le petit appartement du roi aux Tuileries et aujourd’hui réunies à l’occasion de cette exposition, mais aussi aux tableaux de Trianon que Coypel se vit confiés par Louis XIV.

 

Apollon vainqueur du serpent Python, 1700-1704
© RMN-GP (Château de Versailles) / © Christophe Fouin
 

Les couleurs, la gestuelle, les compositions, tout semble retenir le regard… Suivra une audacieuse vidéo consacrée au Dôme royal des Invalides ; Dôme si souvent vu et dont on oublie qu’il fut réalisé par ce grand artiste alors qu’il avait déjà plus de 70 ans. Cette première partie de l’exposition au Grand Trianon se conclura, enfin, par une dernière une salle non dénuée d’intérêts dédiée aux cartons de tapisserie exécutés par Coypel.
Mais, cette belle découverte d’un artiste trop peu connu ne s’arrêtera pas là ! Le visiteur pourra, en effet, également, après avoir éventuellement traversé les jardins du Château sous les couleurs d’automne, se rendre au Château même, dans la salle des gardes de la Reine plus précisément, pour y admirer plafond et tableaux réalisés par l’artiste ; des œuvres ayant fait l’objet d’une exceptionnelle restauration en 2015 et 2017.
Pour une découverte complète de ce grand peintre, enfin mis à l’honneur, le visiteur pourra aussi se rendre au musée des Beaux-arts de Rennes où une exposition lui sera également consacrée au printemps prochain.

 

 

Exposition Séduction et pouvoir

l’art de paraître à la cour aux XVIIe et XVIIIe siècles

Musée du Domaine royal de Marly jusqu’au 27/08/23

 

C’est dans le cadre enchanteur et intimiste du musée récemment rénové du Domaine royal de Marly que se tient actuellement, et jusqu’au 27 août, une exposition consacrée à l’art de s’apprêter à la cour aux XVII et XVIIIe s. Contrairement à ce qui pourrait paraître, ce thème, loin d’être futile, fut l’objet dès cette époque d’une véritable codification avec ses us et coutumes au risque d’être définitivement écarté de la cour… Séduction et pouvoir font en cette époque, en effet, bon usage ainsi qu’en témoigne le parcours captivant de cette expo à la scénographie sobre et raffinée.

 

Flacons à parfums, 3e quart du XVIIIe siècle, cristal taillé et gravé,

 décor à l'or fin, Versailles, collection particulère
© Thierry Malty - Anne Camilli & Cie
 

Précédé par la collection permanente qui replace l’exposition dans le contexte plus général des domaines royaux de Versailles et de Marly, cette dernière réunit pas moins d’une centaine d’accessoires de mode et de beauté témoignant que la coquetterie en ces temps d’Ancien Régime répondait à des règles strictes que le visiteur découvrira grâce aux nombreux cartels accompagnant les vitrines. Sur le lieu même où le Roi Soleil aimait à se retirer en privé, sont ainsi réunis les accessoires essentiels à l’art de paraître, perruques à l’ordonnancement savant, souliers, parfums, bijoux, éventails et autres petits objets précieux que l’on découvrira, parfois avec étonnement, tels ces délicats pomanders protégeant des parfums solides…

Par-delà la codification stricte qui ressort de l’usage de tous ces apparats, c’est surtout le raffinement et l’art de la galanterie qui forceront l’admiration si l’on compare avec l’aridité de leur équivalent en notre époque contemporaine. Telle boucle de soulier convient pour tel usage, telle perruque correspond à une situation bien précise, ce monde évanescent pour qui le nombre de boutons sur un habit comptait tout autant que l’art de la conversation en dit long sur le niveau de raffinement atteint par cette société de cour…

 

Nécessaire à parfum 4e quart du XVIIIe siècle,

coque de noix, cristal, vermeil, laiton Versailles, collection particulière
© Thierry Malty - Anne Camilli & Cie


La visite sera agréablement complétée d’une promenade dans le parc même du Domaine Royal de Marly dont les vestiges d’une époque à jamais révolue témoignent encore du faste atteint par l’art de la cour aux XVII et XVIIIe s.
 


Le visiteur poursuivra également cette découverte par la riche et fructueuse lecture du catalogue accompagnant idéalement cette exposition paru aux éditions inFine sous la direction de Karen Chastagnol, co-commissaire de l’exposition et directrice du musée du Domaine royal de Marly. Cet ouvrage abondamment illustré familiarisera en effet le lecteur avec l’art des boucles, dentelles et bonnets, les bijoux et montres, les souliers et parures, l’art du parfum, sans oublier les vêtements au savant ordonnancement. Un émerveillement et une découverte à partager entre grands et petits.

 

 

Naples à Paris

Le Louvre invite le musée de Capodimonte

jusqu’au 8 janvier 2024

 

 

Naples s’invite au musée du Louvre en un dialogue inspiré conçu par les commissaires Sébastien Allard et Sylvain Bellenger entre collections du musée parisien et du musée de Capodimonte en restauration. Cet évènement insuffle littéralement un nouveau dynamisme à la Grande Galerie qui, pendant six mois, profitera de l’accrochage de 33 chefs d’œuvres de la peinture italienne du XVe au XVIIe s. côtoyant ceux du Louvre. Quel bonheur que de contempler cette Crucifixion de Masaccio d’une rare intensité avec Madeleine épleurée de dos dont le manteau rouge flamboyant irradie la scène. Splendide Bellini, également, avec cette Transfiguration qui révèle la perfection de l’artiste dans cet équilibre absolu des couleurs et des perspectives avec ce ciel inoubliable ourlé de nuages. Caravage, Carrache, Guido Reni, Lorenzo Lotto, Sebastiano del Piombo, Rosso Fiorentino sans oublier Titien et sa délicate Danaé combleront les amateurs de chefs d’œuvre. Le regard se surprend à de nouvelles associations, des comparaisons jusqu’alors mentales et désormais physiquement possibles entre les tableaux du Louvre et ceux de Capodimonte. L’expérience notamment fertile qui consistera à comparer La Flagellation du Caravage de Capodimonte réalisée en 1607 aux trois oeuvres de l’artiste que le Louvre possède La Diseuse de bonne aventure, oeuvre de jeunesse, le portrait d’Alof de Wignancourt, et la célèbre Mort de la Vierge datant de 1605. La maîtrise du clair-obscur atteinte avec La Flagellation n’a d’égal que l’intensité dramatique des bourreaux tordant littéralement le corps du Christ. Autre dialogue inspirant que celui de la célèbre Antéa de Parmigianino avec les Corège du Louvre. Ce parcours se poursuivra avec bonheur dans les deux autres espaces consacrés à la collection de Capodimonte. La Salle de La Chapelle de l’aile Sully tout d’abord rappellera la richesse de l’histoire de ce lieu qui sut profiter des apports et contributions déterminants des Farnèse, Bourbons et Bonaparte-Murat. Chacune de ces dynasties apporta en effet sa pierre à l’édifice ainsi qu’en témoignent le remarquable Titien (portrait du pape Paul III Farnèse avec ses neveux) tout autant que l’exceptionnelle et raffinée Cassette Farnèse en argent doré réalisée par Manno di Bastiano Sbarri et Giovanni Bernardi.

 

Jusepe de Ribera. Apollon et Marsyas. Museo e Real Bosco di Capodimonte © Luciano Romano

 

Point d’orgue intimiste à l’écart de la foule, la Salle de l’Horloge réservera de précieux instants de contemplation avec ce véritable laboratoire de la conception des chefs-d’œuvre. La richesse du cabinet des Dessins et des Estampes de Capodimonte n’est plus à rappeler et le petit aperçu qu’en livre l’actuel accrochage de cartons exceptionnels de Michel-Ange (Groupe de soldats) et de Raphaël (L’Annonciation) pourrait à lui seul valoir la visite ! Délicatesse du trait, perfection des drapés rivalisant de dextérité avec le tracé des architectures, sans oublier l’intensité des émotions telle cette impétueuse Tête de jeune homme de Raphaël. Nombreuses seront les découvertes lors de cette exposition qui fort heureusement se prolongera jusqu’au 8 janvier 2024 (à l’exception de la Salle de l’Horloge jusqu’au 25 septembre 2023 en raison de la fragilité des dessins).

 

Naples à Paris. Le Louvre invite le musée de Capodimonte Édition publiée sous la direction de Sébastien Allard, Sylvain Bellenger et Charlotte Chastel-Rousseau, Musée du Louvre/Gallimard, 2023

 

A cet évènement exceptionnel, il fallait un catalogue inspiré, chose faite avec « Naples à Paris » des éditions Gallimard qui permet en quelques 320 pages de retracer la richesse de cette collection dialoguant avec celle du musée du Louvre. Erri De Luca a parfaitement saisi l’enjeu d’une telle mise en rapport en évoquant ses propres réminiscences de sa ville natale et de sa jeunesse difficile.

 

Sa sensibilité sociale fait écho à cette vitalité qui se dégage de nombre des tableaux réunis pour l’exposition. Sylvain Beranger, quant à lui, parvient à rendre l’âme de Capodimonte et de ce XVIIIe siècle des Bourbon à Naples, indissociable des enjeux politiques de cette période cruciale.

 

Giovanni Bellini, "La Transfiguration" (Per gentile concessione del MIC -Ministero della Cultura, Museo e Real Bosco di Capodimonte)

 

L’essai n’occulte pas, enfin, ni les temps présents ni même futurs en évoquant le grand Capodimonte 2025 plus en phase avec son prestigieux passé royal.

 

Avec 200 illustrations et 320 pages, cette somme réunissant spécialistes, écrivains et conservateurs des deux musées permettra au lecteur non seulement de mieux saisir la richesse et la diversité de cet ensemble unique mais également d’apprécier les nouveaux rapports proposés entre les deux musées.

 

Masaccio. La Crucifixion. Museo e Real Bosco di Capodimonte

© Luciano Romano

 

 

Exposition Manet - Degas

musée d'Orsay

jusqu'au 23 juillet 2023

« Manet – Degas » sous la direction de Laurence Des Cars, Stéphane Guégan et Isolde Pludermacher et catalogue de l’exposition éponyme du Musée d’Orsay ; Relié, 24 x 28.8 cm, 288 p., 200 illus., Musée d’Orsay / Gallimard, 2023.
 

 

 


C’est un captivant ouvrage collectif sous la direction de Laurence Des Cars, Stéphane Guégan et Isolde Pludermacher qui accompagne au titre de catalogue officiel l’exposition « Degas/Manet » du Musée d’Orsay. L’ouvrage a fait choix de revenir sur les multiples liens qui ont pu réunir ces deux géants de la peinture française, figures majeures de la nouvelle peinture des années 1860-1880. « L’énigme d’une relation » que souligne d’entrée de jeu Isolde Pludermacher, conservatrice générale peinture au musée d’Orsay.

 

Relevant points communs, mais également oppositions, l’ouvrage nous livre une belle mise en perspective tant de leur univers, de leur époque et cercles respectifs… Car, et ainsi que le souligne en sa préface, l’historien de l’art Christophe Leribault, « Ce qui lia les deux peintres, amis distants, souvent brouillés, n’épuise pas leurs génies propres ». Aussi, au-delà de leurs « sensibilités politiques », de leurs « réseaux croisés », des cercles et salons, des cafés et champs de courses, c’est à un perpétuel dialogue de leur art auquel nous convie ce riche catalogue. L’art du portrait, bien sûr, et de l’autoportrait sous la plume de nouveau d’I. Pludermacher ou encore « Du nu » sous celle de S. Guégan, conseiller scientifique pour les musées d’Orsay et de l’Orangerie, mais aussi marines et paysages avec à l’arrière-fond ce point de jonction toujours délicat des liens qu’entretenaient les deux peintres avec le mouvement impressionniste…


Soulignons, enfin, que ce ne sont pas moins de quatre passionnants essais qui viennent clore ce déjà riche ouvrage – dont « Degas, Manet, Valéry » de S. Guégan ou encore « Manet, Degas et le demi-monde d’Alexandre Dumas fils » de Denise Murrell avant que le catalogue ne se referme sur une chronologie largement illustrée.

 

« Œil pour œil – Manet / Degas » de Stéphane Guégan et Isolde Pludermacher, Musée d’Orsay / Editions Gallimard, 2023.
 


Sur ces photos, l’un est robuste, les deux mains dans les poches avec un regard droit et une barbe bien fournie, le second de deux ans son cadet est, en revanche, à peine assis sur le bord d’un bureau, maigre presque chétif avec une barbe bien taillée… Ces deux clichés, ce sont Manet et Degas, et ils ouvrent l’ouvrage « Œil pour œil ; Manet – Degas » signé Stéphane Guégan, conseiller scientifique pour les musées d’Orsay et de l’Orangerie, et Isolde Pludermacher, conservatrice générale peinture au musée d’Orsay. Pour aborder cette « Nouvelle peinture » des années 1860-1880 dont nos deux comparses seront les figures majeures, les auteurs n’ont pas hésité à teinter leur texte de tous ces mots : œil, vision, regard, yeux, percevoir, voir… Il est vrai, souligne S. Guégan que « Manet et Degas nous rappellent que le monde ne saurait être indépendant de la façon dont il est perçu et que leurs tableaux sont le produit d’une vision qui leur est propre. » Ainsi que nous l’annonçait déjà le titre de l’ouvrage, le ton est donné et c’est bien de regards croisés – ceux de Manet, de Degas, ceux également de l’auteur mais aussi ceux du spectateur – dont il s’agit en ces pages. Plus encore même, car « si la peinture parvient désormais à rendre compte d’une perception rafraîchie du réel, elle modifie aussi sa relation au spectateur; et, troisième nouveauté, il lui arrive de faire du regard, ou des regards échangés, le sujet même du tableau » souligne encore S. Guégan.
« Regards croisés », donc, mais aussi « Droit de regard » auquel est convié le lecteur de cette riche et des plus agréables analyses, mais également, le spectateur privilégié de ces quarante œuvres. Un texte dynamique et rafraîchissant appuyé par une vaste iconographie et de judicieux vis à vis pour cet « Œil pour œil » : Regards perdus avec la célèbre « Absinthe » de Degas de 1875-1876 ou la non moins célèbre « La prune » de 1877 de Manet, regards en mouvements également, mais aussi regards intimistes, indiscrets, voire clandestins ; on songe, bien sûr, à « L’Olympia » de Manet ou à la fameuse toile « Intérieur » de Degas…
Avec cet « œil pour œil de Manet – Degas » publié à l’occasion de l’exposition « Manet/Degas » au Musée d’Orsay et accompagnant idéalement le catalogue, Stéphane Gégan et Isolde Pludermacher nous offrent un plaisir certain et renouvelé.

 

 

Exposition Chefs d’oeuvre de la du Roi

L’écho du Caravage à Versailles

Château de Versailles

jusqu’au 16 juillet 2023

 

LEXNEWS | 05.05.23

par Philippe-Emmanuel Krautter

 

 

Pour les 400 ans du château de Versailles (1623-2023), une exposition aussi exceptionnelle qu’unique permet d’admirer les tableaux du Roi Soleil ! La Chambre de Louis XIV est en effet actuellement en restauration et les tableaux des plus grands maîtres de la peinture qui ornaient ses cimaises à plusieurs mètres de hauteur ont été décrochés, restaurés et sont aujourd’hui exposés pour la première fois à portée d’œil du visiteur…
À l’abri du tumulte des visiteurs, cette exposition permet en un court mais néanmoins riche parcours d’entrer littéralement dans l’intimité du monarque inspirateur de Versailles. Son goût pour les arts était sûr et la sélection des plus belles œuvres pour orner le lieu à la fois de son repos et de sa représentation publique en témoigne. C’est justement ce qu’explique avec pédagogie la première salle du parcours soulignant le rôle de la Chambre du Roi comme épicentre du pouvoir absolu appuyée par une très belle maquette de Charles Arquinet réalisée en 1958 donnant un aperçu instructif de l’ensemble des accrochages.

 

maquette Vue de la chambre du Roi © château de Versailles, T. Garnier


Puis vient la séduction suscitée par d’admirables portraits réunis en une salle intimiste. Quatre dessus-de-porte dont l’ovalité renforce encore l’éclat de leur beauté et qui furent naguère donnés pour être de Van Dyck, Le Dominiquin ou encore Caravage, même si depuis leurs auteurs ont été quelque peu réévalués (atelier de Van Dyck, Caracciolo…). Allant crescendo, la troisième salle met en valeur trois autres œuvres éblouissantes, un admirable Valentin de Boulogne – cet artiste intempestif à la manière de Caravage dont il fut l’un des plus brillants continuateurs - un Giovanni Lanfranco et un tableau attribué à Nicolas Tournier.

Ces œuvres témoignent des goûts de l’époque selon l’influence italienne Caravage, Raphaël, le ténébrisme et autres peintures naturalistes. L’ensemble pictural laisse l’impression d’être découvert pour la première fois alors que l’on pensait pourtant connaître ces peintures, il est vrai, trop haut placées et difficilement observables habituellement…

 

La Diseuse de bonne aventure Valentin de Boulogne (1591-1632), 1626-1628,
huile sur toile, Paris, musée du Louvre, département des Peintures.
© Musée du Louvre, Dist. RMN-Grand Palais / A. Dequier


C’est ainsi une véritable découverte qu’offre cette exposition qui se prolongera encore en une dernière salle réunissant des œuvres de Valentin de Boulogne habituellement accrochées à l’attique, ce peintre d’origine française ayant passé la plus grande partie de sa carrière en Italie, mort tragiquement d’un excès de boisson…

 

Agar secourue par l’ange Giovanni Lanfranco (1582-1647), vers 1616, huile sur toile,
château de Versailles, dépôt du musée du Louvre, 1949 © château de Versailles, Dist. RMN © C. Fouin

 

Dans cet espace, le visiteur pourra admirer à loisir, et dans la tranquillité, les quatre magnifiques Évangélistes qui entrèrent dans la collection de Louis XIV en 1670. Ces peintures d’une délicatesse extrême dans le rendu des traits des disciples du Christ ne pourront qu’émerveiller le visiteur, justifiant ainsi pleinement la visite de cette exposition à découvrir jusqu’au 16 juillet 2023 pouvant être complétée par son passionnant catalogue paru aux éditions In Fine sous la direction de Béatrice Sarrazin.

 


 

 

 

« Giovanni Bellini, Influences croisées »

Exposition jusqu'au 17 juillet 2023, Musée Jacquemart-André, Paris

 

 

En entrant dans le cadre toujours intimiste du Musée Jacquemart-André, le visiteur ne sera pas dépaysé en découvrant dans les salles d’exposition tant de splendeurs vénitiennes autour et sur le peintre Giovanni Bellini. Bellini, mais aussi Mantegna, son beau-frère, sont des habitués des cimaises de l’auguste demeure qui fera prochainement l’objet d’importants travaux… Véritable évènement de ce début de printemps 2023, « Giovanni Bellini, Influences croisées », nous transporte instantanément au cœur de la Sérénissime en ces XVe et XVIe s., époque déterminante pour Venise, mais également pour l’orient avec la prise de Constantinople en 1453 qui profitera aux Vénitiens dotés d’une importante flotte.
La première salle a fait le choix de présenter les modèles padouans du jeune peintre, l’atelier de Jacopo Bellini son père, bien sûr, mais aussi la présence de son frère aîné Gentile, sans oublier bientôt, l’influence d’Andrea Mantegna, son beau-frère… Ces premières « influences croisées » allaient très tôt imprégner l’art du jeune Giovanni, sans pour autant étouffer son originalité qui ne cessera paradoxalement de croître au fil de ces inspirations rencontrées. Le peintre témoignera en effet rapidement de sa propre créativité en une rencontre habile de l’ancien et du moderne, du legs byzantin qu’il parvient à merveille à restituer, sans l’enfermer, tout en faisant éclater la lumière de ses couleurs au fil des tableaux qu’il composera avec patience et rigueur.

Neville Rowley, co-commissaire de l’exposition avec Pierre Curie, insiste sur cet art bien particulier que Giovanni développera à partir des influences flamandes venues du Nord, de la dimension sculpturale apportée également par Donatello notamment à Padoue, sans omettre l’art byzantin précédemment évoqué, Mantegna, Cima da Coneglio avant celles de ses plus prestigieux élèves, Titien et Giorgione…
 

 

L’exposition parvient à restituer l’élégance de cet art ciselé qui donna naissance à ces inoubliables Vierges à l’enfant dont certaines des plus émouvantes ont été réunies pour l’évènement en une scénographie sobre et raffinée d’Hubert Le Gall. Qu’il s’agisse de la Vierge sublimée par la sensibilité spirituelle vénitienne ou des évocations plus tendues du « Christ mort soutenu par deux anges » témoignant de la force dramatique de Mantegna, Bellini émeut, Bellini séduit avec ses drapés éclatants, Bellini étonne avec sa propension à magnifier la lumière. Une exposition qui parvient à transmettre ce mystère de la plus belle des manières.


-Catalogue "Giovanni Bellini. Influences croisées" sous la direction de Neville Rowley, Pierre Curie, Michel Hochmann, Sara Menato, Gennaro Toscano, 192 p., 28 x 24 cm, Fonds Mercator, 2023.


-Giovanni Bellini e i pittori belliniani. Ediz. illustrata di Anchise Tempestini, Nicomp Laboratorio Editoriale, 2021.


-Peter Humfrey « Giovanni Bellini, an introduction » Marsilio Editori, 2021.

 

 

Musée de l’Homme - « Art et préhistoire »

exposition jusqu’au 22 mai 2023

 

LEXNEWS | 31.01.23

par Philippe-Emmanuel Krautter



Lorsque l’art rencontre la préhistoire, cela donne naissance à une exposition au Musée de l’Homme de Paris didactique pour les plus grands et ludique pour les plus petits. Le Museum national d’Histoire naturelle a, en effet, choisi pour cette exposition un thème à la fois porteur et toujours délicat tant les sources dont nous disposons ne nous permettent pas encore de connaître la véritable intention des auteurs de ces premiers artefacts que l’on range sous le vocable d’art.

 

Plaquette de La Marche - © MNHN - J.-C. Domenech

 

Qu’il s’agisse de ces admirables statuettes qualifiées de Vénus par les premiers préhistoriens aux formes souvent généreuses et explicites ou encore ces bois gravés de toute sorte d’animaux formant l’environnement de ces femmes et hommes du paléolithique, sans oublier les multiples représentations sur parois (art parétial) ou rocher (art rupestre), tout fait signe sans que nous soyons les premiers destinataires de ces messages.

C’est justement l’intérêt et la richesse d’un tel questionnement que de nous forcer à imaginer les raisons pour lesquelles ces premiers artistes ont souhaité léguer ces témoignages du passé. S’agit-il de fonctions sacrées ? Des premières émotions face à une conscience de la beauté ? Ou encore de procédés pour communiquer entre individus et nature ? Si des réponses certaines ne pourront, certes, être apportées par cette exposition, la mise en confrontation de ces œuvres permettra de mieux se familiariser avec elles et d’enrichir ainsi notre propre questionnement.

 

Squame du mammouth de la Madeleine © MNHN - J.-C. Domenech


Pour ce faire la première partie de l’exposition a été consacrée à l’art mobilier en réunissant ce que l’homo sapiens a su façonner de plus beau depuis 40 000 ans avec notamment l’emblématique Vénus de Lespugue rarement exposée. La deuxième partie quant à elle s’attache à exposer les fondamentaux de l’art pariétal et rupestre avec ces admirables œuvres peintes ou sculptées en parfaite osmose avec leur environnement et que les multiples dispositifs multimédias parviennent à restituer le temps d’une projection, éphémère quant à elle…

 

Enfin, le parcours se conclut par un hommage à la fameuse Vénus qui a su inspirer au fil des décennies nos contemporains sous la forme de réinterprétations d’artistes stimulés par cette icône préhistorique.


À noter qu’à partir du 8 février, une quatrième partie sera ouverte avec l’exposition d’œuvres de Pablo Picasso associées à la préhistoire dans le cadre de la « Célébration Picasso 1973-2023 » pour le cinquantenaire de sa disparition.

 

 

Guido Reni, « Le Divin » exposition au Städel Museum

Francfort sur le Main

jusqu’au 5 mars 2023

 

LEXNEWS | 19.01.23

par Philippe-Emmanuel Krautter



Une ambitieuse exposition monographique consacrée au grand peintre du baroque italien Guido Reni (1575-1642) vient d’ouvrir au Städel Museum de Francfort, un peintre quelque peu injustement relégué à l’arrière-scène au profit d’un certain…

 

Caravage, son contemporain. Pourtant, la fin du XVIe et la première moitié du XVIe siècle italien allaient consacrer cet artiste célèbre dans l’Europe entière ainsi qu’en témoigne cette belle exposition réalisée sous le commissariat du Dr Bastian Eclercy (Head Italian, French, and Spanish Paintings before 1800, Städel Museum) et d’Aleksandra Rentzsch (Assistant Curator of Italian, French and Spanish paintings before 1800).

 

Guido Reni (1575–1642) Hippomenes and Atalanta, ca. 1615–18 Oil on canvas, 193 × 272 cm (later extended state 206 × 279 cm) Madrid, Museo Nacional del Prado
Photo: Archivo Fotográfico Museo Nacional del Prado (José Baztán y Alberto Otero)


Les plus grands mécènes tels le pape Paul V ou encore le duc de Mantoue se sont, en effet, empressés de solliciter des commandes auprès de Guido Reni avant qu’il ne tombe les siècles suivants quelque peu dans l’oubli. Pour réparer cette infortune, le parcours de l’exposition a retenu pas moins de 130 œuvres du maître italien né et mort à Bologne.

La part réservée à ses œuvres d’inspiration religieuse retient particulièrement l’attention avec notamment son émouvant Christ à la colonne dont le clair-obscur souligne avec une rare intériorité le contraste entre le corps physique supplicié et la dimension divine endurant l’épreuve ultime pour le rachat de l’humanité.

 

Guido Reni (1575–1642)
Assumption of the Virgin, ca. 1598/99
Oil on copper, 58 x 44,4 cm
Frankfurt, Städel Museum
Photo: Städel Museum


Guido Reni émeut et fascine par sa manière de rendre la dimension divine dans chacun de ses traits, influençant ainsi de manière déterminante les arts sacrés de son époque ainsi que l’exprime encore ce visage du Christ couronné d’épines tournant son regard douloureux vers son Père… Mais, Guido Reni se veut également peintre de la mythologie, ce qu’il réussit à merveille comme le démontre également les somptueuses représentations de Bacchus et d’Ariane en une déclinaison de couleurs audacieuses, saumon, vert d’eau, jaune or sur fond bleu.
L’exposition du Städel Museum, à seulement quelques heures de Paris, offrira au visiteur encore bien d’autres et belles découvertes !
 


Catalogue (en allemand ou en anglais) Guido Reni The Divine Ed. Bastian Eclercy, text(s) by Maria Aresin, Babette Bohn, Aoife Brady, Sybille Ebert-Schifferer, Bastian Eclercy 2022. 320 pp., 285 ills. Hardcover, 23.00 x 28.00 cm, Hatje Cantz éditions.

 

 

KIMONO
Exposition Musée du quai Branly-Jacques Chirac
jusqu'au 28 mai 2023

 

LEXNEWS | 13.11.22
par Sylvie Génot Molinaro

 

 

Le kimono est le vêtement japonais le plus connu sur la planète et certainement le plus décliné dans le monde de la mode. Il traverse les cultures en s’adaptant à chaque fois sous les doigts des plus grands créateurs depuis l’ère Edo (apogée de ces déclinaisons) jusqu’à aujourd’hui. Ce vêtement traditionnel et raffiné de la culture japonaise se laisse contempler avec une approche esthétique et historique nouvelle, au musée du quai Branly Jacques Chirac. Découvrir l’histoire fascinante de ce vêtement iconique, c’est se laisser happer par le froissement des tissus, des soies de qualité, des broderies sublimes, des accessoires qui lui sont attribués, des codes sociaux dont il est le reflet du plus simple (paysans, pêcheurs) au plus somptueux (militaires, geishas, prostituées, courtisanes, acteurs de Kabuki, riches marchands jusqu’aux plus hautes marches du pouvoir). Les yeux sont ravis par tant de beauté, de détails, de délicatesse, du mystère de son assemblage (animation 3D du montage d’un kimono) aux mystères cachés sous les différentes couches des sur-kimonos. Apparu pour la première fois au XIIIe siècle, le mot kimono le terme d’origine « kosode » qui désignait dans l’ancien Japon un vêtement aux manches tubulaires et aux emmanchures étroites, par opposition au « osode » un vêtement aux manches larges.

 

C’est sa forme épurée et géométrique en T qui sied tant aux femmes qu’aux hommes ne soulignant rien de l’anatomie des genres comme en Occident où le vêtement doit souligner les formes des corps, qui séduit les esprits. C’est certainement à l’ère Edo que la créativité autour du kimono a été la plus remarquable, grâce au développement extraordinaire de l’art du textile qui a permis la création de motifs remarquables et complexes sous l’influence d’acteurs et courtisanes célèbres, créateurs de tendances.

Émerge alors une classe de marchands de plus en plus aisés qui réclament des modèles symboles de leur richesse et de celle de leur clientèle et du raffinement pour cette haute classe sociale avide de briller aux yeux de tous. Couleurs, motifs, nombre de kimono et sur-kimono portés évoluent à travers les siècles constituant ainsi un code visuel très fort sur son propriétaire, la saison (différentes déclinaisons de motifs de végétaux ou fleurs) et autres scènes d’épopées guerrières ou de la vie quotidienne, de rituels et festivités ( mariage, deuil, premier kimono…)

À l’ère Meiji, la tendance privilégie une élégance plus discrète, alors qu’après la Seconde guerre mondiale, le port du kimono laisse la place au costume plus occidental et codifié jusqu’à ce que de jeunes créateurs contemporains se réapproprient ce vêtement et redonnent, comme à l’ère Edo, l’influence cette fois-ci planétaire, du kimono. L’ouverture du Japon à l’Occident sous l’époque Meiji (1868/1912) va favoriser l’éclosion d’un courant artistique dans toute l’Europe. À cette époque de nombreux collectionneurs font l’acquisition d’estampes d’Hokusai et d’Hiroshige, à l’image de Monet, et l’on notera alors leur influence sur le mouvement impressionniste.

 

©Outer-kimono for a woman (uchikake), probably Kyoto, 1860-80 (© Victoria and Albert Museum, London)

 

Si dans son histoire le kimono incarne toujours aux yeux de tous une certaine forme de tradition immuable, et une forme d’érotisme à peine dévoilé, le kimono, explique Bérénice Geoffroy-Schneider, historienne d’art, n’a jamais cessé de refléter les mutations sociologiques et économiques de son pays d’origine. Au point de devenir, dès l’aube du XXe siècle, un habit résolument moderne. On en veut pour preuve la dernière partie de l’exposition consacrée aux créateurs et couturiers contemporains qui déclinent et actualisent ce vêtement et ses codes en créant des passerelles entre les différentes cultures tout autour de la planète et inscrivant ainsi le kimono dans l’histoire depuis le XIIIe siècle jusqu’à aujourd’hui.

 

 

« Dessins bolonais du XVIe siècle dans les collections du Louvre »

jusqu’au 16 janvier 2023

Musée du Louvre

 

LEXNEWS | 12.01.23

par Philippe-Emmanuel Krautter



Exposition intimiste que celle consacrée aux « dessins bolonais du XVIe siècle dans les collections du Louvre » conçue par Roberta Serra, commissaire et ingénieur d’études au département des Arts graphiques du musée du Louvre ; une collection riche et de qualité dont une belle sélection se trouve ainsi accrochée le temps d’une exposition, ces œuvres fragiles et délicates ne pouvant être exposées en permanence. Aussi faudra-t-il profiter de cet exceptionnel accrochage pour apprécier et admirer leur beauté et de leurs infimes détails témoignant de l’art et dextérité de ces artistes du XVIe siècle à Bologne.

 

Orazio Samacchini, La Présentation au Temple
©Musée du Louvre dist. RMN Grand Palais_Laurent Chastel

 

En une présentation concentrée mais néanmoins complète de quarante-quatre feuilles, l’exposition parvient en effet à retracer l’évolution de l’art du dessin bolonais au XVIe siècle, une période riche en artistes et en œuvres de qualité.

 

Parallèlement à la parution du tome XII de l’Inventaire général des dessins italiens consacré à ce siècle, le parcours distingue trois périodes caractérisant les œuvres présentées. Des dessins qui raviront non seulement les spécialistes et autres amateurs de cette période cruciale pour le dessin, mais de manière générale pour les amoureux des beaux-arts qui devraient goûter au bonheur de ces feuilles esquissées sous les doigts d’artistes prestigieux du Cinquecento tels Francesco Francia, Peregrino, da Cesena, Marcantonio Raimondi ou Amico Aspertini.

 

Miniatures enchantées, ombres et lumières saisies à l’envol, chaque œuvre constitue un univers en soi qu’il appartiendra à chaque visiteur de s’approprier le temps de la visite. Raffinements et élégance conduiront certains artistes à de véritables décors que l’on retrouvera parallèlement dans des chefs-d’œuvre d’orfèvrerie, les deux arts entretenant quelques proches affinités.

 

 

Amico Aspertini, Hommes et chevaux embarqués sur le Danube, copie d'après la colonne Trajane ©RMN Grand Palais Musée du Louvre_Thierry Le Mage

 

 

D’autres artistes moins connus, Innocenzo da Imola, Bagnacavallo, Biagio Pupini ou encore Girolamo da Treviso, jettent les fondements d’un style nouveau empreint de culture classique et largement influencé par le grand Raphaël.
Le parcours réservera encore de belles découvertes avec ces feuilles remarquables de Pellegrino Tibaldi, Prospero Fontana, Lorenzo Sabatini ou encore Orazio Sammachini, des artistes qui chacun à leur manière contribueront à la force et au prestige du dessin bolonais au XVIe siècle ainsi qu’en témoigne cette très belle et intimiste exposition.

 

 

Ca'd'Oro, chefs-d'oeuvre de la Renaissance à Venise

Hôtel de la Marine, Paris

jusqu’au 26 mars 2023

 

LEXNEWS | 08.01.23

par Philippe-Emmanuel Krautter

 

 

La lagune vénitienne scintille au cœur de l’Hôtel de la Marine, place de la Concorde, avec l’exposition Ca d’Oro organisée par la Collection Al Thani. Les ors de la Sérénissime se sont en effet invités le temps d’une exposition dans la capitale parisienne alors que le magnifique Palazzo doit faire l’objet d’une restauration. En un écho commun de l’élément marin, une sélection des plus beaux trésors de la Renaissance a ainsi fait tout spécialement le voyage dans cet écrin unique qu’offre aujourd’hui l’Hôtel de la Marine récemment restauré. Il n’est en effet un secret pour personne que Venise a bâti sa notoriété et sa richesse grâce à sa position stratégique et sa maîtrise des voies commerciales. Cette prééminence lui a ainsi permis d’avoir très tôt accès aux routes majeures maritimes et devenir un carrefour commercial incontournable dès le XIVe siècle. Cette mainmise s’accompagnera de richesses innombrables dont la cité regorgera dans ses palais rivalisant tous de splendeur.

 


L’exemple du Palazzo Ca d’Oro illustre parfaitement cette hégémonie marchande, et la présente exposition accueillie par la Collection Al Thaini à l’Hôtel de la Marine en témoigne de la plus belle manière. Grâce à un prêt exceptionnel de la Galleria Giorgio Franchetti alla Ca’ D’Oro en cours de restauration, le public parisien peut aujourd’hui découvrir une sélection représentative de ces splendeurs. On doit en effet au baron Giorgio Franchetti (1865-1922), généreux mécène, d’avoir sauvé de la perdition la Maison d’Or (Ca’ signifiant en vénitien Maison)… L’un des plus prestigieux palais était en effet au XIXe siècle en ruines et menaçait de disparaître à jamais sans l’intervention du collectionneur.
Éclatants témoins de la richesse de sa collection, les pièces rassemblées pour l’exposition rivalisent de virtuosité au cœur même d’une scénographie des plus réussies. Les chefs d’œuvre retenus offrent en effet un éventail représentatif déployant l’étendue des arts de la Renaissance italienne – et plus spécifiquement vénitienne. Gentile Bellini, Paris Bordon, Andrea Mantegna, Andrea Riccio sont quelques un des artistes prestigieux dont les œuvres éclairent le parcours de cette exposition invitant fort à propos les arts de la sculpture, de la monnaie, sans oublier d’admirables peintures du Tintoret, Titien et Paris Bordon…

« Ca' d'Oro - Chefs-d'œuvre de la Renaissance à Venise » de Claudia Cremonini, Philippe Malgouyres ; Catalogue d'exposition, Éditions du Patrimoine, 2022.
 


A l’occasion de l’exposition Ca d’Oro à l’Hôtel de la Marine à Paris, les éditions du Patrimoine ont eu l’heureuse initiative de faire paraître un catalogue remarquable servant d’écrin à l’une des plus prestigieuses collections de Venise. Nous faisant entrer de plain-pied au cœur du Palazzo et de ses richesses innombrables, ce livre d’art accompagne non seulement l’exposition installée jusqu’en mars 2023 au cœur de Paris, mais en prolonge idéalement la visite en proposant au lecteur des analyses et regards croisés sur cette Renaissance italienne centrée sur la Sérénissime.

 


Décoré en page de garde d’une inspirante reproduction dorée de l’Apollon du Belvédère du sculpteur Pier Jacopo Alari dit l’Antico, cet ouvrage à la riche iconographie rend témoignage de cette beauté omniprésente de cette collection unique livrée dans un cadre qui ne l’est pas moins…

 


Ces reflets d’une grandeur passée qui dura près d’une dizaine de siècles avant de sombrer dans la crise économique au XIXe siècle et la dispersion de ses précieux trésors éclairent chacune des pages de l’ouvrage dont la première partie retrace l’histoire du Palazzo Ca d’Oro depuis le XVe siècle. La seconde partie présente quant à elle les œuvres des plus grands artistes vénitiens. Avec ce catalogue et ouvrage d’art, Claudia Cremonini et Philippe Malgouyres parviennent à entretenir la magie et la splendeur de Venise, ce qui n’est pas le moindre de ses mérites.


Commissaire de l'exposition Philippe Malgouyres, conservateur en chef du patrimoine du département des Arts décoratifs du musée du Louvre.

 

 

« Femme(s) ! » exposition Maurice Denis

jusqu’au 2 juil. 2023.
 

LEXNEWS | 04.12.22

par Philippe-Emmanuel Krautter

 

 

En découvrant la dernière exposition organisée par le musée Maurice Denis à Saint-Germain-en-Laye, le visiteur découvrira un univers feutré où la dimension féminine s’avère omniprésente, non seulement dans le quotidien de l’artiste mais y compris au cœur de sa création artistique dont son épouse Marthe sera l’épicentre.

 

Fort de ce constat, le musée a conçu un accrochage à la fois intimiste et ouvert aux muses du peintre, que ces dernières appartiennent au cercle direct de sa famille ou de son atelier.  considéraient la présence des femmes et la manière de rendre leur beauté, leurs émotions et traits de caractère.

 

À partir d’œuvres appartenant aux collections du musée, pour certaines bien connues comme le fameux portrait de « Madame Ranson au chat » réalisé vers 1882 par Maurice Denis associant étroitement influences japonaises et symbolisme, ou d’autres rarement exposées, le musée Maurice Denis convie le visiteur à découvrir la manière dont l’artiste et ses contemporains

 

La foi n’est jamais éloignée d’une certaine part d’hédonisme chez le « Nabi aux belles icônes » ainsi que l’avaient surnommé ses compagnons, faisant tour à tour alterner influences extrêmes orientales, renaissances ou encore mythologiques.

 

 

Artistes femmes élèves de Maurice Denis telles Madeleine Dines ou Raymonde Heudebert et modèles alternent ainsi dans les œuvres retenues pour ce parcours intimiste qui dévoile une partie de l’univers de Maurice Denis dans le cadre toujours aussi inspirant du Prieuré récemment restauré et qui a vu naître une grande part de sa création.

 

 

Monet – Mitchell

Fondation Louis Vuitton Paris

jusqu’au 27.02.23

 

LEXNEWS | 04.12.22

par Philippe-Emmanuel Krautter



C’est à un véritable et splendide dialogue auquel nous convie l’incontournable exposition de la Fondation Louis Vuitton - Paris cet automne-hiver en proposant une mise en rapport des œuvres de Claude Monet et de l’artiste américaine Joan Mitchell. Si Monet n’est plus à présenter, l’œuvre de Mitchell, bien connue des spécialistes, commence à être mieux appréciée ces dernières années et l’exposition à la Fondation Louis Vuitton réalisée sous le commissariat de Suzanne Pagé, Marianne Mathieu, et Angeline Scherf devrait asseoir définitivement une réputation justifiée.
Loin des parcours souvent artificiels confrontant des oeuvres en une même exposition, le choix opéré ici relève d’un véritable entrelacs de significations entre deux artistes mus par une même émotion à la lumière et à la matière dans leur laboratoire respectif de l’ouest de l’Ile de France. Si les regards divergent et se distinguent, Monet se fondant littéralement avec le végétal et l’aquatique sublimés par des compositions monumentales dont ses célèbres nymphéas, Mitchell entretient quant à elle un lien plus combatif et émotionnel correspondant à sa personnalité en quête de sens et d’introspection. Cette femme, artiste, ayant à combattre pour faire reconnaître la place authentique de son art, n’eut en effet pas un parcours toujours facile et les nombreuses blessures qu’elle eut à connaître se laissent percevoir dans ses monumentales toiles réunies pour l’exposition. Mais les deux artistes se rejoignent sur cette attraction fatale de la lumière diffractée au gré des œuvres, cette irréparable perte du réalisme conventionnel au profit d’une autre perception – certes subjective – mais non moins présente du rapport à la nature et aux choses par les multiples filtres de la couleur et de la lumière.

 

Joan Mitchell. South, 1989
© The Estate of Joan Mitchell


Le dialogue se trouve plus fertile encore entre les deux artistes grâce à la très heureuse scénographie pensée et épurée réalisée par l’agence Bodin & Associés, notamment cette deuxième salle du parcours avec ce jeu de paravent à deux tableaux de Monet ouvrant par une trouée sur une œuvre en miroir de Mitchell en contre-fond. Mémoires des sentiments pour Mitchell projetés au sens propre et psychanalytique du terme, hypnotisme extatique des éléments pour Monet repensés sur la toile, telles sont les émotions à fleur de toiles qui sont proposées aux bienheureux visiteurs de cette incontournable exposition Monet Mitchell de la Fondation Louis Vuitton marquant cet automne – hiver 2022…

« Monet Mitchell », Catalogue de l’exposition Fondation Louis Vuitton – Paris ; 27 x 30 mm, 240 pages, Editions Hazan, 2022.
 


À l’évènement exceptionnel que représente l’exposition Monet Mitchell à la fondation Louis Vuitton, il fallait assurément un catalogue à la hauteur des deux artistes réunis ; Aussi, les éditions Hazan ont-ils décidé d’inonder le lecteur de lumières et de matières avec cette publication incontournable. Son format généreux (27 x 30 cm) parvient en effet dès les premières pages – sans oublier sa couverture inspirée – à immerger le lecteur dans cet univers unique restitué le temps d’une exposition et donné à voir dans ces quelques 240 pages.
Ce sont deux expériences de la vie et de la nature qui se dessinent en effet immédiatement avec ces photographies inspirantes de Monet à Giverny, et de Mitchell à Vétheuil à quelques vols d’oiseaux de là. À la frontière des Yvelines et de la Normandie, les cieux se reflètent sur les ondes irisées des reflets des plantes aquatiques plantées par le maître et dont les nymphéas sont les plus célèbres ambassadeurs. Joan Mitchell quant à elle est en quête de ses racines en ces terres européennes.

 

 

Le catalogue réalisé sous la direction de Suzanne Pagé, Marianne Mathieu et Angeline Scherf, convie le lecteur à cette expérience unique du prisme de la lumière par la couleur en deux expériences à la fois distinctes et se rejoignant dans leur traitement sublimé de l’abstraction.


Les différents essais réunis approfondissent avec justesse ces multiples rapports évoluant au fil de la chronologie des deux artistes entre ces matières, lumière et couleurs, jetant au gré des œuvres de nouveaux paradigmes acquis de ce XXe siècle décidément fondateur. Servi par une iconographie remarquable faisant entrer littéralement le lecteur dans l’atelier de ces deux peintres et appuyé par des textes de qualité permettant de mieux saisir l’originalité de leur démarche respective, ce catalogue accompagnera idéalement le visiteur avant ou après la visite de cette exposition qui se tient jusqu’en février 2023 à la Fondation Louis Vuitton.

 

 

BLACK INDIANS de la Nouvelle-Orléans
Musée du quai Branly Jacques Chirac

Exposition jusqu’au 15 janvier 2023

 

LEXNEWS | 13.11.22
par Sylvie Génot Molinaro

 


C’est dans une ambiance de fête et de musiques de fanfares que défilent les groupes des Black Indians de la Nouvelle-Orléans, dans leur incroyable costume tout de plumes et de perles mais d’autres aussi forment les cortèges, les institutions caritatives appelées Social Aid and Pleasure Clubs et les fanfares des Second Lines comme les Baby Doll et les Skull and Bone Gang…
Attention, ne pas se tromper car cette exposition haute en couleur relate toute l’histoire moins joyeuse et festive qu’ont subie les Africains et les communautés amérindiennes autochtones de La Nouvelle-Orléans et de la Louisiane, réduites elles aussi à l’esclavage, vivant dans les plantations et sous le joug de la même servitude que leurs frères de souffrances venus d’Afrique. Ce pan de l’histoire esclavagiste et ségrégationniste de cette région a duré des siècles depuis l’arrivée des colons en 1642 (René-Robert Cavelier de La Salle sous couvert et pour le compte de Louis XIV), des Français, des Espagnols, des Canadiens…
Cette histoire commune a laissé des traces pour ces deux peuples ayant partagé le même sort. Le parcours de l’exposition évoque ainsi à travers les différentes sections ce qui s’est joué sur ces terres de Louisiane et de la Nouvelle-Orléans depuis l’arrivée des premiers colons jusqu’à aujourd’hui (l’ouragan Katrina et après son passage.) Les visiteurs sont témoins de cette histoire violente illustrée par différents objets, maquettes de bateaux négriers, cartes, livres de commerce, archives, costumes traditionnels amérindiens, armes, coiffes, graphiques de dates et d’expéditions de colonisation des territoires et de déportations des populations et autres documents audio qui ne laissent pas insensibles quant aux conditions de vie et de travaux forcés des esclaves africains et amérindiens jusqu’au « Code noir » (recueil de lois et de règles auxquelles étaient soumis les esclaves noirs des colonies françaises ainsi que leurs maîtres par ordonnance royale de 1685 mis en place en Louisiane en 1724) dont un exemplaire est exposé.


Triste capacité du genre humain à détruire son semblable… Mais tous ne se laisseront pas faire comme les indiens Natchez qui lutteront jusqu’en 1731 avant la déportation vers Saint-Domingue des derniers représentants. Les siècles suivants entraîneront les Noirs à subir tous les revers et les terribles dérives du destin de la Louisiane (de l’esclavagisme aux lois ségrégationnistes, la fin de l’esclavage, la guerre de Sécession en 1865, la création du KKK et encore aujourd’hui les crises économiques et sociales). Puis viendront les temps de la lutte pour les droits civiques et l’organisation des communautés noires et amérindiennes dans de nombreux quartiers de groupes d’entraide, leurs rassemblements étant l’occasion d’évènements festifs autour de la musique et de la danse jusqu’aux « funérailles jazz » accompagnant les défunts en musique jusqu’au cimetière. La solidarité devient une façon de vivre en Louisiane. C’est en 1916 que le premier groupe Africain-Américain « le Zulu » défilera en fanfare au sein du carnaval dont les migrants européens avaient en 1872 codifié le Mardi gras de La Nouvelle-Orléans.

 


Entre défi et mélanges culturels et, par-delà, la résilience de ces peuples, les symboles historiques vont révéler à travers ces éblouissants costumes un hommage aux Amérindiens et aux esclaves africains. Le Mardi gras Indians est une explosion de couleurs ! Chaque tenue correspond à une place dans la hiérarchie des tribus de Black Maskins Indians (celle des Chiefs). Plumes aux couleurs éclatantes, véritables œuvres d’art réalisées avec les milliers de perles de verre, de rubans, sequins qui composent ces costumes renouvelés chaque année et donnant lieu parfois à des compétitions. Ceux exposés dans la dernière partie de l’exposition datent de 2006 car la plupart ont été détruits lors du passage de l’ouragan Katrina. Il faut alors se pencher sur toutes les scènes historiques emperlées sur les plastrons recto et verso des costumes et ressentir à quel point les destins africains et amérindiens sont mêlés dans l’histoire de la Louisiane. Symboles des couleurs, des thèmes, des formes, des attitudes, des pas de danse et des mélodies jazzy inventées en 1900 par un cornettiste Buddy Bolden, figure légendaire et mal connue, disparu en 1907 qui révolutionnera les rythmes en mêlant ceux de l’Afrique et de la Caraïbe, musique devenue universelle dans toutes ses déclinaisons.
Une exposition didactique sur une région longtemps convoitée et partagée.

 

 

Exposition Louis XV, Passions d’un roi

Château de Versailles

jusqu'au 19 février 2023

 

LEXNEWS | 13.11.22

par Philippe-Emmanuel Krautter

 

 

Il fallait le tricentenaire d’un sacre pour rendre cet hommage mérité à l’une des grandes figures royales emblématiques du château de Versailles. C’est chose faite avec cette exposition didactique consacrée aux passions du monarque Louis XV dévoilant les multiples facettes d’un homme souvent méconnu derrière des clichés convenus. C’est en effet autour de la personne même du roi que se concentre le riche parcours conçu par les commissaires de cette exposition explorant les différents visages de ces « deux corps du roi » théorisé par l’historien Ernst Kantorowicz. Sa dimension humaine, tout d’abord, transparaît de manière éclatante, lui qui tout jeune enfant vit sa jeunesse entourée de deuils et funérailles de sa royale famille. L’arrière-petit-fils de Louis XIV souhaitait, en effet, oublier le violet qui obsédait son quotidien marqué par ces trop nombreuses disparitions, d’où son goût pour la lumière, la profusion des couleurs éclatantes et de l’art rocaille.

 

 

L’homme est réservé, préférant la compagnie d’un nombre restreint de personnes retenues pour leur bonne compagnie et discrétion. Louis XV a la réputation de compter parmi les plus beaux hommes du royaume et les courtisanes ne manqueront pas dans son entourage. Mais au-delà des clichés trop souvent réducteurs laissés par la Révolution et les siècles suivants, Louis XV ne compte pas parmi ces libertins frivoles mus uniquement par le jeu et les plaisirs, même si le monarque goûtait plus que quiconque les divertissements de la chasse. Il fait preuve d’un goût immodéré pour les sciences, les lettres et les arts ainsi qu’en témoignent également les nombreuses pièces exceptionnelles réunies pour cette exposition telle l’exceptionnelle pendule astronomique Passemant tout spécialement restaurée pour l’évènement, une complication unique prévoyant le calendrier jusqu’en 9999…

 


Le corps mystique du monarque – parallèlement à son corps physique – est également évoqué au cours de cette exposition avec la dimension sacrée de Louis XV qui à l’image de son auguste aïeul vouait un profond respect pour les questions religieuses.
Au terme de cette riche déambulation dans l’intimité de ce monarque du XVIIIe siècle, avant dernier roi de l’Ancien Régime, le visiteur aura le sentiment de mieux connaître cette personnalité complexe, à la fois mélancolique et rayonnante, réservée et dont les arts flamboyants inonderont d’éclats un siècle de lumières…

« Louis XV – Passions d’un roi » sous la direction de Yves Carlier et Hélène Delalex, Editions inFine, 2022.

 

 


Véritable somme accompagnant l’exposition éponyme se déroulant actuellement au château de Versailles, le catalogue « Louis XV – Passions d’un roi » paru aux éditions InFine ouvre littéralement les portes de l’intimité de ce monarque appelé « Le bien aimé » et petit fils de Louis XIV. Près de 500 pages et 458 illustrations parviennent en effet pour la première fois à rendre cet univers longtemps resté secret et que cet ouvrage partage sous la direction de Yves Carlier, Conservateur général du patrimoine, musée national des Châteaux de Versailles et de Trianon, et Hélène Delalex, également Conservatrice du patrimoine, musée national des Châteaux de Versailles et de Trianon.

 

 

 


À l’image de l’exposition qu’il accompagne, ce fort volume embrasse – ainsi que le suggère son titre, les multiples passions d’un roi né et mort à Versailles qui fut souvent présenté de manière superficielle, se rangeant derrière des généralités et idées préconçues que ces pages écartent définitivement.
Louis XV apparaît certes comme un personnage mélancolique, préférant la compagnie restreinte de fidèles aux fastes de la Cour. Épris des arts comme de la chasse, Louis XV est cependant curieux de tout ainsi qu’en témoignent les magnifiques pièces d’horlogeries présentées et autres objets scientifiques précieux.

 

 

 

 

L’homme « privé » dans toutes ses dimensions fait ainsi l’objet, dans la première partie, d’études détaillées qui permettront au lecteur attentif de mieux connaître non seulement l’entourage du roi mais également son intériorité notamment en matière religieuse. Les deux chapitres suivants consacrés aux goûts et passions du roi ainsi qu’aux arts offrent certainement les développements les plus fastueux puisque ces pages abondamment illustrées ouvrent au lecteur les portes des bibliothèques royales, des cabinets, mais aussi les créations de style rocaille commandées tout spécialement pour lui, Louis XV.
Au terme de catalogue, la personnalité de ce grand monarque que fut Louis XV semblera moins hiératique et distante, ce qui ne sera pas le moindre mérite de cet ouvrage passionnant !

 

 

La Flottille

Château de Versailles

 

 

C’est un air d’été indien qui règne sur Versailles en cette journée d’automne, un été qui tarde agréablement à s’estomper et dont les nombreux visiteurs du domaine royal goûtent les bienfaits tout au long du Grand Canal. Ce dernier, majestueux, mène en effet à l’une des institutions des lieux, le restaurant La Flottille, véritable étendard de la générosité et du bon goût versaillais. Entre maison tout droit héritée de l’époque de Marcel Proust qui aimait à arpenter les jardins avoisinants et brasserie aux multiples facettes, La Flottille enchante depuis des générations Versaillais et touristes internationaux.

 

 

 


Que l’on goûte aux plaisirs des jeux de miroirs sur l’onde à partir de l’agréable terrasse bordant le canal, que l’on s’abrite à l’ombre des tilleuls servant d’écrin à l’ancienne bâtisse ou encore que l’on leur préfère les salles éclatantes de lumière filtrée par les vastes verrières des salons intérieurs, chaque expérience passée à La Flottille sera synonyme d’heures gourmandes et précieuses. Précieuses car toujours sous le signe de cette générosité qui préside à l’accueil dès le seuil franchi avec Frédéric, son aimable directeur, et toute son équipe qui n’aura qu’un seul objectif : faire de chaque instant passé en ce lieu idyllique une invitation au rêve et à l’évasion.

Chaque détail soigné des assiettes de La Flottille convie l’hôte du restaurant au plaisir d’une cuisine franche et généreuse, telle cette sélection de saumon fumé avec sa crème et toasts grillés accompagnée d’un fin Chablis Dampt-Frères vieilles vignes 2020. Service prévenant, assiettes copieuses, La Flottille cultive l’art de la gastronomie traditionnelle française avec des plats du jour choisis comme ces brochettes de rougets et Saint-Jacques, riz sauvage et crème. Le fish & chips affiche des pommes frites maison redoutablement croustillantes et un poisson parfaitement pané pour une dégustation informelle, mais également très gourmande. Sans oublier, les généreux Burgers maison, végétarien ou non, très demandés et appréciés !

 

 

 

Alors que le soleil invite à déambuler dans les multiples labyrinthes du jardin royal, nous resterons encore quelques instants à la Flottille pour y déguster l’une de ses spécialités, la fameuse tarte Tatin et sa crème fraîche, une recette fondante et parfaite, couronnant ces instants plaisirs passés à l’une des belles et agréables adresses de la ville royale !

 

Parc du Château de Versailles, 78000 Versailles, France
Tel : + 33 (0)1 39 51 41 58
https://laflottille.fr

 

« L’arc et le sabre. Imaginaire guerrier du Japon »

Musée Guimet jusqu’au 29 août 2022.

 

LEXNEWS | 01.07.22

par Philippe-Emmanuel Krautter


 


L’image archétypale du samouraï en occident se réduit très souvent à des approximations réductrices du guerrier sans peur, souvent associé à tort aux non moins fameux kamikazes, se faisant « hara-kiri » au lieu et place du terme approprié « seppuku »… L’actuelle exposition qui se tient au musée Guimet fait la démonstration que l’imaginaire du guerrier médiéval japonais s’avère beaucoup plus complexe et structuré qu’il n’y paraît.

 

 

En effet, à l’image de nombreux arts japonais, la guerre est considérée comme un art martial et fait l’objet d’un code, le fameux Bushido pour lequel ces guerriers redoutables que l’on nommait samouraï étaient prêts à laisser leur vie.
C’est cet univers complexe et toujours difficile à saisir pour l’occidental que les commissaires Sophie Makariou, présidente du MNAAG, et Vincent Lefèvre, directeur de la conservation et des collections du MNAAG, ont exploré en une exposition à la fois accessible et bénéficiant d’un nombre important d’estampes remarquables dont le fameux cycle des 47 rônins.

Armes antiques présentées avec le fameux katana, ou sabre japonais, composé de tsubas, ces derniers éléments constituant la garde de la poignée du sabre faisant l’objet des décorations les plus raffinées, sans oublier les poignards courts ou tanto…

 

 

Avec cette exposition, « L’arc et le sabre », le musée Guimet parvient à exposer cet « Imaginaire guerrier » de la société japonaise souvent mal connu et pourtant présent jusqu’à l’ouverture Meiji.

 


Clin d’œil en guise de conclusion humoristique, le parcours réserve en effet quelques vitrines au legs de la culture samouraï avec le manga et le cinéma s’emparant de ce phénomène et ayant donné lieu à des films passés à la postérité ainsi qu’à des personnages tel Goldorak, très lointain parent de l’austère samouraï…


L’arc et le sabre. Imaginaire guerrier du Japon, coédition MNAAG / RMN-GP 120 pages, 65 illustrations.

 

 

  Musée de Cluny

Musée national du Moyen Âge - Paris

 

LEXNEWS | 08.06.22

par Philippe-Emmanuel Krautter

 

Après onze année de travaux et rénovations, le musée de Cluny a enfin ré-ouvert ses portes le 12 mai dernier. Outre le nettoyage de la chapelle, le musée offre aujourd’hui à ses visiteurs une nouvelle muséographie entièrement revue et repensée.

 

 

Plus accessible aux personnes à mobilité réduite avec une mise à niveau unifiée, le parcours se veut également bien plus lisible avec une présentation avant tout chronologique de près de 1 600 œuvres sélectionnées et présentées selon une rotation inévitable pour les plus fragiles.

 

 

Surtout, ce chantier d’envergure a été l’occasion de nombreuses restaurations (près de 500 œuvres) accompagnées de passionnantes découvertes révélant tout l’attrait et le formidable savoir-faire du Moyen Âge.

 

Abandonnant un cheminement conçu il y a plus d’un demi-siècle à partir des techniques et métiers du Moyen Âge au profit d’une évolution chronologique au fil des siècles qui ont marqué la riche histoire du royaume, le musée de Cluny offre ainsi un autre regard sur ses collections médiévales, plus « parlantes » et surtout plus enchantées que naguère.

 

 

L’esthète comme le féru d’art, sans oublier l’amoureux des arts sacrés trouveront leur bonheur dans ce musée répondant à l’esprit contemporain avec une plus grande visibilité et lisibilité des œuvres. Qu’il s’agisse des fameuses statues des Apôtres commandées par saint Louis pour les croisades ou de la non moins célèbre tenture de chœur de la cathédrale Notre-Dame d’Auxerre, aujourd’hui entièrement déployée dans une même salle, les plus beaux trésors du musée de Cluny ont désormais trouvé un écrin de choix pour un voyage passionnant dans le temps aux origines de notre société.

 

 

 Giorgio Vasari - Le Livre des dessins.

Destinées d’une collection mythique

Exposition musée du Louvre jusqu’au 18 juillet 2022

 

LEXNEWS | 21.05.22

par Philippe-Emmanuel Krautter

 

 

Dans le cadre intimiste de la Rotonde Sully, les commissaires Louis Frank, musée du Louvre, et Carina Fryklund, Nationalmuseum de Stockholm, ont conçu une exposition captivante consacrée à la fabuleuse collection de dessins réunis par le célèbre et incontournable artiste et écrivain italien Giorgio Vasari au XVIe siècle dans le non moins célèbre Livre des dessins. Véritable icône de ce que l’art de la Renaissance pouvait réunir de mieux en terme de dessin, ce Libro de’ disegni est paradoxalement devenu légendaire au fil de son dispersement. Aussi est-ce à rebours que les commissaires de cette exposition ont fait choix de partir sur cette « piste » Vasari, une enquête bien plus complexe qu’il n’y paraît et qui témoigne s’il en était besoin de la richesse de cette époque.
 

Marco del Moro, Diane et Endymion

 

Si nous avons gardé trace de l’ouvrage jusqu’au 29 juin 1574, soit deux jours après la mort de Vasari, lorsqu’il fut remis par ses héritiers au grand-duc de Toscane, le Libro disparaît cependant par la suite… Dès lors, chaque siècle suivant connaîtra ces collectionneurs devenus plus ou moins célèbres persuadés d’avoir retrouvé ces dessins légendaires, et la manière dont ils avaient pu être montés, créant ainsi un archétype Vasari, plus trompeur qu’il n’y paraît.

Par-delà ces subtilités qui occupent les historiens de l’art, la présente exposition offre une enquête détaillée sur le fondateur de l’histoire de l’art moderne et artiste lui-même.

 

La recherche actuelle semble ainsi se diriger vers une position beaucoup plus nuancée quant à ces encadrements somptueux et recherchés faits à la plume et à l’encre brune où ornements, allégories et architectures entourent le dessin ainsi mis en valeur. Longtemps considérés comme une signature pour ou par Vasari, l’enquête démontre que ces certitudes ne sont pas aussi assurées qu’il n’y paraît. Le visiteur pourra ainsi passer d’un dessin à l’autre en opérant cette double lecture passionnante entre dessins signés par les plus grands artistes de l’époque et ces profusions architecturées où volutes et coquilles se disputent la prééminence, véritable basse continue pour chaque œuvre.

 

Attribué à Léonard de Vinci,

Sept études de têtes saint Jean Baptiste enfant


Cette collection mythique convoquée le temps d’une exposition permettra ainsi de s’immerger avec un rare plaisir dans ces miniatures extraordinaires signées Léonard de Vinci, Uccello, Lippi, Mantegna, Raphaël, Parmigianino et bien d’autres maîtres de la Renaissance que l’on pourra retrouver et admirer tout à loisir dans le très complet catalogue accompagnant l’exposition :
« Giorgio Vasari - le Livre des dessins » sous la direction de L. Frank et de C. Fryklund, 240 p., 130 ill. coédition musée du Louvre éditions / Lienart, 2022.

 

 

 

« Boldini, les plaisirs et les jours »

jusqu’au 24 juillet 2022. Petit Palais, Paris.

 

LEXNEWS | 15.04.22

par Philippe-Emmanuel Krautter

 

 

Le Petit Palais rend hommage au peintre italien Giovanni Boldini (1842-1931) avec cette rétrospective complète consacrée à l’un des plus fins observateurs de la société au tournant des XIXe s. et XXe s. Souvent réduit à ses portraits mondains, Boldini démontre avec ce parcours des plus esthétiques conçu par Servane Dargnies de Vitry et Barbara Guidi qu’il sut imprimer à son art plus qu’une simple évocation des « Plaisirs et des jours », titre de cette exposition.
Artiste à part entière, son destin aurait pu être tout autre s’il avait suivi le mouvement des Macchiaioli, ces « tachistes » qui avaient jeté leur dévolu sur les peintures d’extérieur et de paysage. Mais Boldini leur préfère les intérieurs feutrés où sa palette peut à loisir saisir cette fluidité des mouvements et ce bruissement des soieries qui lui vaudront rapidement une notoriété incontestée dans la capitale parisienne où il s’installe en 1871. Dans cette ville qui se pare de lumières, il saura en effet rapidement s’inspirer de l’esprit qui anime la vie moderne avec ses omnibus, ses multiples terrasses de café, sans oublier les concerts que ce mélomane averti se plait à évoquer également sur ses toiles.

 

Boldini, Scène de fête au Moulin-Rouge, vers 1889, huile sur toile, Paris, musée d’Orsay, accepté par l’État à titre de dation, 2010 © Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt


Ses portraits intimes et officiels constitueront l’apothéose de son style, à la fois réussite éclatante et peut-être également limite de son art. Boldini n’hésitera pas en effet à reproduire à l’envi une recette qui lui réussit manifestement, cet homme sachant comme aucun autre exalter ses modèles à la mode. Qu’il s’agisse de l’incontournable Comtesse de Greffulhe ayant inspiré à Marcel Proust la non moins célèbre duchesse de Germantes dans la Recherche, ou encore du truculent comte Robert de Montesquiou, personnage phare de la société parisienne de son temps, sans oublier la sulfureuse marquise Luisa Casati, exquise dans ses tenues les plus extravagantes, Boldini magnifie tout cet univers tendu vers l’élégance et le raffinement.

 

La marchesa Luisa Casati con penne di pavone

 

La mondanité de ce tournant de siècle a ainsi trouvé son peintre et Boldini, ambassadeur du bon goût de son temps, déclinera avec une frénésie surprenante toutes les facettes de cette société feutrée qui s’abîme de fête en fête jusqu’à en perdre le sens. C’est cette nostalgie, un brin désillusionnée, qui transparaît parfois au terme de ce riche parcours, l’art de Boldini pouvant laisser poindre en ses tableaux intimes la vanité de cet univers. Modernité et lucidité peuvent alors surgir de sa toile en d’étonnants élans qui pourront faire regretter que Boldini n’ait pas consacré plus de temps à en explorer les pans suggérés…
Une exposition soyeuse et raffinée à découvrir absolument dans le cadre plus qu’approprié du Petit Palais !

« Boldini. Les plaisirs et les jours » - Catalogue d'exposition, 256 pages / 240 illustrations, Éditions Paris Musées, 2022.
 


Il fallait à l’exposition du Petit Palais consacrée au peintre Giovanni Boldini un catalogue à la hauteur et aux couleurs de l’artiste italien. C’est chose faite avec la présente publication dirigée par Barbara Guidi et Servane Dargnies de Vitry. Dès les premières pages, de superbes illustrations des œuvres emblématiques du peintre de la mondanité de la Belle Époque égayent cette monographie sur ce peintre à la fois célèbre et méconnu.

 

Giovanni Boldini, Conversation au café, 1879, huile sur bois © Francesca Dini Archive, Florence

 

Et justement, tout l’intérêt de cette publication – et de l’exposition qui l’accompagne – est de nous faire entrer dans l’intimité de cet artiste plus secret qu’il n’y paraît et cultivant un monde intérieur complexe que ne le livrent ses toiles les plus radieuses.

 

Giovanni Boldini, Feu d'artifice, 1892-1895

© Ferrare, Museo Giovanni Boldini


Francesca Dini rappelle que c’est à la source de la peinture italienne et du courant des macchiaioli que ce jeune artiste a forgé ses pinceaux, une voie importante dont il se démarquera cependant en découvrant Paris, la Ville lumière. Philippe Thiébaut et Robert Jensen évoquent dans leur contribution ses débuts puis sa consécration dans la capitale française où tout ce qui compte de notoriétés cherchera à être portraituré par cet artiste des élégances. Mais nous découvrons également dans cet ouvrage, l’homme privé, plus secret et qui n’hésitera pas à livrer des vues d’intérieur moins connues de l’artiste et qu’analyse Maria Luisa Pacelli. Benedetta Craveri et Marion Lagrange explorent enfin dans le détail ce que Boldini a pu laisser comme témoignage de ces temps de l’élégance et de la mondanité, à la manière d’un autre génie, son contemporain, Marcel Proust, avec sa plume.

 

 

À LA RENCONTRE DU PETIT PRINCE
Exposition au MAD (Musée des Arts Décoratifs)

jusqu’au 26 juin 2022

 

LEXNEWS | 10.04.22

par Sylvie Génot Molinaro
 


« Le Petit Prince »…, presque toute la planète a lu à un moment ou un autre ce livre écrit par Antoine de Saint-Exupéry. Presque tous les adultes ont offert ce livre si délicatement illustré à un enfant, croyant à un conte écrit pour eux. Traduit dans plus de 500 langues ou dialectes, ce phénomène mondial de l’édition se vend à cinq millions d’exemplaires chaque année, quel auteur ne rêverait pas d’un tel succès…

Le petit prince dans la roseraie (© Editions Gallimard)

 

Et pourtant du haut de sa planète, le Petit Prince est-il vraiment une histoire pour enfant ? Cette interrogation ne sera sans doute jamais tranchée, enfants comme adultes se retrouveront dans la force de son propos, sa beauté poétique et les dessins ou images qu’il incarne réveillant en chacun la part d’éternité des premières années de l’enfance comme l’illustre Antoine de Saint-Exupéry en dessinant la frontière entre l’enfance et l’âge adulte via le dialogue entre le Petit Prince et le pilote. Ce texte, commandé par les éditeurs américains d’Antoine de Saint-Exupéry est écrit entre 1941 et 1943 à New York, en plein conflit mondial, n’est pas un conte de fées. C’est pourquoi le MAD propose aux visiteurs nostalgiques de leur lecture d’enfant de se plonger dans la genèse de l’écriture du texte même, montrant à quel point il est imprégné de la vie de son auteur.

Au fil d’un parcours de huit séquences, le fil de l’histoire d’Antoine de Saint-Exupéry laisse voir tout ce qui a pu nourrir son dernier texte, comme-ci ce Petit Prince annonçait le testament littéraire de son auteur. « Il ne faut pas écrire de conte de fées, j’écrirai un conte sur l’avion. » Après le succès de son premier roman « Courrier Sud » et des suivants, « Vol de nuit », « Terre des Hommes », « Pilote de Guerre », ou « Citadelle », Antoine de Saint-Exupéry, en exil et en mauvaise santé, ne se sent plus assez actif et il est à noter comme cet homme sans cesse en mouvement contraste avec le calme apparent du Petit Prince. Il n’y a pas que le manuscrit du Petit Prince que donne à voir la scénographie de ce parcours, mais également les multiples lettres écrites par Antoine à sa mère, sa femme, ses amis, elles sont toutes accompagnées de dessins incroyables où on perçoit une recherche graphique pour inventer des personnages et créer un mode plus fantasque, plus imaginaire.

 

Antoine de Saint-Exupéry chez Silvia Hamilton, 1942.

(© Coll. Succession Saint-Exupéry-d’Agay )

 

C’est, intrigués par tous ces dessins, que les éditeurs demandant à Antoine de Saint-Exupéry de réfléchir à l’écriture de ce « conte ». Les feuillets du manuscrit du Petit Prince, qui sont conservés à la Morgan Library & Museum de New York, sont présentés pour la première fois en France, enrichis d’esquisses inédites, de dessins préparatoires et d’aquarelles originales, comme de nombreux indices qui mènent à une autre lecture de notre livre d’enfance qui depuis la mort d’Antoine de Saint-Exupéry, quelques semaines après la parution de son livre aux États-Unis en 1943, laisse ce Petit Prince orphelin et unique ambassadeur de ce dernier message humaniste qu’Antoine de Saint-Exupéry laisse à l’humanité.

 

 

Exposition Les trois Pietà de Michel-Ange

Florence - Museo dell' Opera del Duomo

jusqu'au 1er août 2022

 

 

 

Interview Mgr Timothy Verdon 08/03/22

 


Le Museo dell’ Opera del Duomo de Florence confronte pour la première fois l’original de la Pietà Bandini récemment restaurée aux deux moulages de la Pietà Vaticana de Saint-Pierre et de la Pietà Rondanini dont les originaux sont restés respectivement à Rome et à Milan. Ces œuvres ont-elles été déjà réunies du vivant de Michel-Ange ? Et de quand datent ces moulages ?

Mgr Timothy Verdon : "Les trois Pietà de Michel-Ange n’ont jamais été vues ensemble du vivant de l’artiste. Celle de Saint-Pierre, la Pietà Vaticana, était déjà à sa place avant la fin du XVe siècle, alors que Michel-Ange n’avait encore que vingt-cinq ans. Les deux autres Pietà - la Pietà Bandini de Florence et la Pietà Rondanini de Milan, appartiennent à la vieillesse du maître, c’est à dire aux années 1550-60.
Mais, les moulages que le Vatican nous a prêtés datent, quant à eux, des XIXe et XXe siècles ; celui de la Pietà Rondanini de Milan remonte aux alentours de 1875 et celui de la Pietà Vaticana, a été réalisé un siècle plus tard, en 1975, après l’acte de vandalisme perpétué en 1972. Le moulage de 1975 a été, par ailleurs, fait non à partir de l’oeuvre originale, mais d’un précédent moulage remontant à la Seconde Guerre mondiale".

Une évolution caractérise ces Pietà dans l’œuvre du célèbre sculpteur florentin, quels traits essentiels ressortent de l’art du maître pour ces sculptures ? Et quelles évolutions quant à la spiritualité de l’artiste peuvent être perçues dans ces trois œuvres au regard de la spiritualité de son temps ?


Mgr Timothy Verdon : "L’évolution stylistique que l’on perçoit en confrontant les trois versions du thème de la Pietà débute par l’art du jeune artiste encore marqué par l’esprit du XVe siècle - avec cette attention portée aux détails de Ghirlandaio, la douceur botticellienne, la complexité dans les drapés de Verrocchio.

 

Moulage de la Pietà Vaticana

 

Avec les années, une tendance à l’épuration et à la simplification se manifeste, alors même que le maniérisme s’imposait en cette moitié du XVIe s. Il est possible de noter toutes ces différences entre une surface parfaitement polie de la sculpture et l’infini quasi impressionniste du dernier Michel-Ange, ce que l’on note d’ailleurs également chez Le Titien âgé.

 

L’évolution interprétative quant à elle est également importante. D’une lecture sentimentale mais conventionnelle du thème de la Pietà dans sa jeunesse, l’artiste est passé à une recherche profondément personnelle avec les dernières versions - la Pietà Bandini de Florence et la Pietà Rondanini de Milan, qui s’inscrivent presque dans l’esprit ignatien de la Contre Réforme romaine".

Comment expliquer les différents personnages tenant le corps du Christ ?

 

Mgr Timothy Verdon : "Le sujet de la Pietà est classiquement composé de deux personnages: Marie et Jésus, la mère et son fils. C’est une sorte de revisitation de la Vierge à l’Enfant, mais au moment de la mort, et non de la Nativité, de la douleur et non de la joie. C’est pleinement le sens de la Pietà Vaticana de Saint-Pierre.

 

Pietà Bandini - Florence


Pour la Pietà de Florence, la Pietà Bandini, la première des deux versions de ce thème réalisées par un Michel-Ange déjà âgé, l’artiste se substitue à la Vierge avec le personnage de Nicodème supportant le corps du Crucifié. En fait, le visage même de Nicodème se trouve être l’autoportrait de Michel-Ange… Marie est à notre droite, Marie Madeleine à gauche, mais les deux principaux personnages sont représentés par le Seigneur et l’artiste. Michel-Ange, croyant et déjà âgé, fait « naitre » de son corps de vieillard le corps jeune mais mort de ce Jésus auquel il s’adressait dans ses sonnets composés durant les mêmes années. Cette Pietà de Florence est vraiment une Déposition, dans laquelle le drame de l’événement est concentré à partir de Michel-Ange.

 

Moulage Pietà Rondanini - Milan


Avec, enfin, la Pietà Rondanini de Milan - dernière oeuvre de sa vie, à laquelle il a continué à travailler quasiment jusqu’à son dernier jour – Michel-Ange opère un retour au schéma traditionnel de la mère avec son fils, mais en une composition renouvelée. Marie n’est plus assise avec Jésus sur ses genoux, mais tous deux sont debout, la mère soutenant le corps sans vie de son fils devant son ventre, comme si elle lui donnait vie une dernière fois".

 

 

La notion de non finito semble importante dans le travail des sculptures de Michel-Ange. Loin d’être un arrêt ou un inachèvement involontaire, cette interruption voulue de la réalisation de l’œuvre ne conduit-elle pas à la notion d’infini, ainsi que vous le soulignez pour l’art de la renaissance ?

Mgr Timothy Verdon : "Dans ses dernières Pietà, la Pietà Bandini de Florence et la Pietà Rondanini de Milan, Michel-Ange abandonne la conception conventionnelle de la Pietà Vaticana de Saint-Pierre au profit d’une recherche d’un sens tout aussi bien personnel qu’universel du sujet. C’est cette recherche intérieure, il me semble, qui le fait abandonner aussi ce goût renaissance pour la perfection de la surface et de la définition des formes au profit d’un langage plus libre, « en devenir », ouvert à plusieurs solutions possibles. Le « non finito », ici, devient en effet « infinito », infini dans ses multiples implications. Michel-Ange délaisse cette prétention à tenter de « définir » le rapport central de l’histoire du monde, entre Dieu qui s’est fait homme et l’être humain qui, par la mort du Christ, connaît l’Amour divin".

 

 

Guido Reni a Roma - Il Sacro e la Natura
Galleria Borghese
jusqu’au 22 mai 2022

 

La Galleria Borghese réserve au grand maître italien du XVIIe siècle, Guido Reni, une exposition à l’occasion de la redécouverte d’un tableau Danza campestre (daté vers 1605) entré dans les collections du musée depuis un an. Ce tableau qui appartenait naguère au grand collectionneur, le cardinal Scipione Borghese, avait été dispersé avec d’autres œuvres au XIXe siècle, pour finalement réapparaître en 2008 comme un tableau d’un Bolognais anonyme. Racheté en 2020, cette toile représente avec un charme bucolique certain une danse champêtre sur un ciel nuageux d’une rare délicatesse. Cette actualité a ainsi inspiré aux commissaires de l’exposition un parcours évoquant la place du peintre à Rome au XVIIe siècle à partir de plus de 30 œuvres réunies et retraçant notamment sa relation au sujet champêtre et à la peinture de paysage, une dimension jusqu’alors négligée.

 


Les premières années de Guido Reni à Rome seront pour lui l’occasion d’affermir son art auprès des antiques et des maîtres incontournables de la Renaissance.

 Son profond respect et admiration pour Le Caravage qu’il connut marquera également de manière sensible l’art de Guido Reni. Mais avant de souligner cette dimension plus méconnue de l’artiste, le parcours s’ouvre dans le grand hall d’entrée sur 4 retables majestueux de Guido Reni, des œuvres témoignant de la force expressive de l’artiste dans ces représentations de thèmes classiques tels cette Crucifixion de saint Pierre, le Martyre de Sainte Catherine, une Trinité avec la Madone de Loreto ou encore le Martyre de Sainte Cécile.

 

 

Les salles suivantes retracent la place occupée par les peintures romaines de Reni avec des œuvres d’une rare intensité telle cette évocation du Massacre des Innocents dont certains traits ne seront pas sans évoquer l’influence du Caravage. La présence de couleurs contrastant avec la pénombre, les mouvements suggérés et à peine stoppés par le pinceau saisissent le spectateur pour leur force narrative.
C’est à l’étage, enfin, que le paysage s’immisce progressivement dans les toiles de Guido Reni et révèle la place occupée par la nature à Rome avec cette première décennie du XVIIe siècle. Ce sera l’occasion d’admirer la toute dernière acquisition du maître, mais aussi des œuvres de Niccolò dell'Abate, Agostino Carraci, Paul Bril, Carlo Saraceni, sans oublier des peintres bolonais tel Francesco Albani et ces paysages peints pour Scipione Borghese dans lesquels abondent avec luxuriance déesses et nymphes en un décor où la nature se fait complice des passions…


Cette remarquable exposition se trouve complétée par un catalogue publié aux éditions Marsilio avec des études passionnantes de Daniele Benati, Raffaella Morselli et Maria Cristina Terzaghi sur l’œuvre de Guido Reni et la réinterprétation de son travail notamment quant au paysage et à la nature.

 

 

« Louis Chéron - L'ambition du dessin parfait »

Musée des Beaux-Arts de Caen du 4 décembre 2021 au 6 mars 2022.

 

 

Le musée des Beaux-Arts de Caen lève enfin le voile sur un artiste méconnu Louis Chéron (1655-1725), un peintre et surtout un dessinateur hors pair dont la destinée biographique a quelque peu occulté l’aura. C’est la première fois qu’une rétrospective entière lui est consacrée, à ce titre nous devons saluer cette initiative que nous devons à l’historien de l’art François Marandet, Commissariat scientifique et à Emmanuelle Delapierre, directrice du musée. Cette redécouverte sous la forme d’une belle exposition retrace selon un parcours chronologique le destin bouleversé de l’artiste entre la France, l’Italie et l’Angleterre où il passera le reste de sa vie, exilé.
À partir d’une sélection d’une soixantaine (à vérifier) d’œuvres faisant alterner dessins et rares peintures conservées de lui, le parcours souligne, dès les premières œuvres, la qualité exceptionnelle du dessin de Louis Chéron qui quitta la France en 1683 étant inquiété pour ses convictions religieuses protestantes à l’époque même de la Révocation de l’Édit de Nantes.

 

 

Les premiers espaces de l’exposition font ainsi la démonstration de la sûreté du trait de Louis Chéron dans le plus pur style classique français. Celui que l’on avait qualifié de « suiveur de Charles Le Brun » ne put malheureusement voir son talent reconnu par le Royaume.

Et c’est en Angleterre qu’il développera, pendant le reste de sa vie, toutes les facettes de son art sous la forme d’études académiques, dessins d’invention et vastes projets de décors peints pour lesquels il offrira des études d’une rare précision. Son goût pour le trait, la finesse de ses détails forcent l’admiration et l’on se prête à rêver d’un tel talent au service de la cour de Versailles… Toujours est-il que c’est à Londres qu’il occupera une place essentielle dans la scène artistique, ce qui explique notamment sa méconnaissance, l’artiste ayant réalisé très peu de tableaux de chevet au profit de décors peints de grande ampleur. Ainsi que le soulignent les commissaires de l’exposition, à la fois prolifique et précurseur Chéron vécut entre deux pays et deux siècles, raisons probables de son relatif oubli. Nous réalisons cependant en déambulant dans l’agréable parcours combien cet artiste annonce les décennies à venir, ayant notamment créé dans son pays d’adoption, à Londres, une école d’art introduisant notamment le nu féminin d’après modèle vivant qui influencera des artistes majeurs tel William Hogarth.

 


À noter à l’occasion de l’exposition la publication du remarquable catalogue réalisé par François Marandet consacré à Louis Chéron et dont le titre « L’ambition du dessin parfait » souligne le trait majeur qui caractérisera tout le parcours haut en couleur de l’artiste. Le catalogue rappelle l’importance de sa formation en Italie, une formation éclairée par l’exemple de Raphaël et le contact avec les plus grands maîtres lors de ses séjours à Rome et à Venise. Après un retour à Paris, ce sera l’exil définitif pour Londres et le temps des grands décors peints, dont beaucoup ont malheureusement disparu mais rendant les rares témoignages restant de ses grands décors précieux. L’ouvrage met surtout en évidence le legs laissé par Chéron quant à cette quête éternelle du trait qui l’anima toute sa vie, une énergie et une force qui étonnèrent ses contemporains et raviront à n’en pas douter nos contemporains.

 

 

Exposition Inferno - Jean Clair

Scuderie del Quirinale Roma

jusqu'au 23 janvier 2022

 

2021 a célébré le 700e anniversaire de la mort du poète Dante, une date anniversaire marquée par une exposition exceptionnelle prolongée jusqu’au 23 janvier 2022 et installée dans les anciennes écuries du palais du Quirinal à Rome sous la direction de l’académicien et historien de l’art Jean Clair (lire notre interview) et de son épouse Laura Bossi, historienne et neurologue.
C’est sous l’angle de l’enfer et de notre fascination pour le mal qu’a été conçue cette exposition fleuve réunissant des chefs-d’œuvre des plus grands musées du monde ainsi que de collections privées. Mais, comment représenter ? Pas moins de 235 œuvres et documents se chargent de répondre à cette question essentielle en plein cœur de la Ville Éternelle et à quelques pas seulement de la cité du Vatican…

 

Pieter Huys Inferno, 1570, olio su tavola
Madrid, Museo Nacional del Prado, Inv. P002095
© Photographic Archive. Museo Nacional del Prado. Madrid


La fascination pour le mal s’est exercée depuis l’aube des temps, association paradoxale de répulsion et d’attraction, plus ou moins accentuée selon les époques et les individus. Cet effroi/attirance absente d’autres notions voisines tel le paradis ou le purgatoire trouve son acmé bien entendu avec l’enfer, ainsi que l’a démontré avec virtuosité le poète Dante. Les artistes de manière générale ont eux aussi largement exploré cette thématique comme en témoigne cette exposition bénéficiant d’une scénographie sous la forme d’un itinéraire en dix sections.

 

Sandro Botticelli (Firenze, 1444/45-1510)
La Divina Commedia: la voragine infernale 1481-1488
Punta d'argento e inchiostro su pergamena
Città del Vaticano, Biblioteca
Apostolica Vaticana, inv. Reginense
Lat. 1896, pt. A, f. 101r
© Biblioteca Apostolica Vaticana, Città del Vaticano

 


À la manière du poète dans sa Divine Comédie, ces dix cercles se chargent d’accompagner le visiteur dans les tréfonds du mal et de notre rapport à lui.

 

Jean Clair fort de sa riche expérience en tant qu’ancien directeur du musée Picasso à Paris et cofondateur du Centre Pompidou sans oublier les nombreuses expositions qu’il a créées sur le thème de la mélancolie et du mal déploie ainsi un éventail impressionnant de l'Inferno.

A travers les multiples représentations des enfers livrées par le Moyen Âge jusqu’aux récentes œuvres d’art décrivant nos enfers plus contemporains, ce sombre parcours offrira cependant un brin d’espoir à l’issue dont on réservera la surprise aux visiteurs !

 


Cette histoire des représentations du mal par des peintres illustres tels Bosch et Brueghel, se poursuit chez les romantiques ou encore les peintres pompiers du XIXe siècle. L’exposition s’écarte souvent du plan établi par le poète toscan pour explorer nos enfers terrestres, posant ainsi la question des frontières entre l’enfer considéré sous l’angle de la foi et de la transcendance et nos enfers quotidiens.

 

William Adolphe Bouguereau
Dante e Virgilio 1850 olio su tela
Parigi, Musée d'Orsay, acuis par
dation en 2010, Inv. 153692
© 2021.RMN-Grand Palais

 

L’exposition romaine ose ainsi reparler de notions souvent oubliées du diable et de ses manifestations sous la forme des multiples holocaustes, guerres et autres dévastations sur les deux niveaux de la Scuderie. Le visiteur pourra déambuler dans ces multiples cercles allant du plâtre complet des Portes de l’Enfer de Rodin tout spécialement dépêché à Rome pour l’exposition aux œuvres d’Anselm Kieffer en passant par Gustave Doré, William Bougereau, Goya, Otto Dix, Paul Richer… Ce riche parcours accompagnera longtemps le visiteur après avoir franchi le seuil de l’exposition en un contraste saisissant entre profondeurs de la noirceur et beautés de la Ville Éternelle l’attendant à la sortie !

 


À l’occasion de l’exposition, les éditions Electa publient un impressionnant catalogue à la mesure de la thématique retenue avec ses 480 pages reprenant le thème de l’Inferno et le développant par de nombreuses contributions passionnantes sous la direction de Jean Clair et de Laura Bossi. Suivant le fil directeur suggéré par le chant le plus connu du grand poète Dante, ce catalogue richement illustré d’une iconographie soignée relate le destin fécond de ces œuvres d’art du Moyen Âge à nos jours. Métaphore de la souffrance humaine, l’enfer est ainsi entendu en un sens plus large s’étendant à tous les maux connus sur terre. Terreurs, effrois, beauté sinistre, tourments et déraisons se laissent ainsi observés dans ce catalogue remarquable, faisant écho à l’exposition qu’il complètera de manière idéale.
 

Emanuele Gozzi

 

 

LES ANIMAUX DU ROI
Château de Versailles jusqu’au 13 février 2022

 


« Peut-on imaginer aujourd’hui le château de Versailles et ses jardins regorgeant de vie animale ? Et pourtant les animaux de compagnie se comptaient par dizaines dans le château où chiens, chats, oiseaux… vivaient dans les appartements et les antichambres. La Ménagerie, aujourd’hui disparue, abritait les animaux les plus rares, du coati au couagga, du casoar à la grue couronnée. Dans le parc, le gibier était abondant, 2000 chevaux étaient rattachés aux écuries royales et 300 chiens de chasse logeaient dans le grand chenil. Les animaux apparaissaient aussi partout dans les décors du château et des jardins, où ils sont représentés pour leur symbolique mythologique ou politique. »

 


Difficile effectivement d’imaginer de nos jours un tel Versailles avec toute cette faune en quasi liberté ! Et pourtant cette exposition révèle la place importante occupée par les animaux à la cour du Roi Soleil. Peintures, sculptures, fontaines, tapisseries, objets d’orfèvrerie, meubles, porcelaines, vélins, près de 300 œuvres scénographiées par Guicciardini & Magni Architetti. Un défilé d’ambiances et de thèmes variés conçus par les deux commissaires de cet événement, Alexandre Maral, conservateur général au château en charge notamment des sculptures, et Nicolas Milovanovic, conservateur en chef du musée du Louvre département des peintures françaises du XVIIe siècle. Tout commence par un jeu, un labyrinthe, l’un des bosquets le plus fascinant du parc, avec ses 39 fontaines de plomb polychromes illustrant les Fables d’Ésope.

Sur les 35 animaux actuellement conservés, une vingtaine apparait entre treillages et recoins reconstitués, le tout dédié aux belles lettres et à l’esprit. On regrette presque que ce bosquet ait disparu sous Louis XVI. À la ménagerie édifiée entre 1662 et 1664 sur le domaine du château, au milieu d’une grande réserve de chasse, le Roi accueillait des animaux rares et pacifiques venus de pays lointains et favorisa un nouveau rapport au monde animal s’opposant à la théorie cartésienne des animaux-machines. C’est à cette époque, grâce aux observations et publications de Claude Perrault, de la princesse Palatine ou encore de Claude-Adrien Helvétius et Charles Georges Leroy, garde des chasses de Versailles, et auteur des Lettres sur les animaux, que les précurseurs de l’éthologie développèrent, en effet, un autre rapport à l’animal.

 

 

S’ils surprenaient les visiteurs tout en marquant le prestige du Roi lui-même comme le lion animal devenu animal royal à cette époque, détrônant l’ours, tous ces animaux ont été sujets d’études et de peintures pour les artistes de la cour tels Pieter Boel ou Jean-Baptiste Oudry, des artistes ayant favorisé l’émergence d’une école française de peinture animalière au XVIIe siècle. Outre les animaux de prestige comme ces deux éléphants qui ont vécu quelques années à Versailles (l’un deux originaire du Congo fut offert par le futur roi du Portugal en 1668 et fut disséqué à sa mort en présence du Roi, une large place était accordée aux animaux de compagnie, chats, chiens et oiseaux de toutes sortes. Le chien fidèle compagnon des rois et indispensable à la pratique de la chasse comme les centaines de chevaux présents à Versailles ou à Marly, apparaissent, bien sûr, prédominants dans les peintures et tapisseries présentées. Mais au-dessus de tous, le cheval demeure l’animal qui symbolisa toute la grandeur et la puissance du roi, et toutes ses représentations mettent en scène cette magnificence.
C’est tout un pan de l’histoire du château et de ses habitants que l’on découvre ainsi dans les salles pour le plus grand plaisir des visiteurs, petits et grands, en déambulant dans les espaces consacrés aux joies d’être entourés d’animaux.
Animations, conférences, visites guidées, catalogue en coédition Château de Versailles/Liénart et livres permettront d’approfondir les connaissances sur cette exposition.

 

Sylvie Génot Molinaro

 

 

ALGUES MARINES
Palais de la Porte Doré

exposition jusqu’au 4 septembre 2022

 

Méconnues ou mal perçues, les algues marines sont pourtant déjà très présentes dans notre vie quotidienne. C’est ce que confirme l’introduction de l’espace consacré à cette nouvelle exposition du Palais de la Porte Dorée, mettant en avant , dans une cuisine type, tous les produits que nous pouvons consommer dans lesquels des algues font partie des ingrédients de fabrication. Agar-agar, pâtes alimentaires, algues pour maki, compléments alimentaires riches en iode en gélules, produits biologiques, thé ou bière parfumée aux algues… dans nos produits cosmétiques et de soins et jusque dans les mangeoires de notre bétail. Les algues sont donc partout.
Au 6e siècle av. J.-C. les hommes utilisaient déjà les algues en Asie. Au cours de l’histoire, les usages de ces végétaux ont été très différents selon les lieux. Les algues comme aliment quasi divin au Japon, dernier recours en cas de disette en Europe du Nord ou encore ingrédient essentiel pour la fabrication du verre dès le 16e siècle. Mais connait-on vraiment ces grandes algues marines ? Les vertes, les brunes et les rouges ? Quel rôle jouent-elles dans la chaîne biologique ?
Comme les plantes terrestres, elles participent par la photosynthèse à la production d’oxygène, elles sont un indicateur fiable de l’état écologique de nos milieux et bien que cachées, elles protègent nos côtes des tempêtes en formant de véritables forêts et nurseries sous-marines où peuvent se développer faune et flore locales. Il est donc important de découvrir et de comprendre le rôle essentiel que les algues jouent, depuis des millions d’années, pour l’équilibre de la vie sur notre planète, à commencer par le maintien de la biodiversité dans les mers et océans en captant le gaz carbonique de l’atmosphère.

Mais, comme de nombreux écosystèmes, elles sont aujourd’hui menacées par l’activité humaine. Leur poids économique est grand puisque les algues se retrouvent dans de nombreux produits de notre quotidien. Aussi, les chercheurs étudient-ils toutes les possibilités d’utiliser ces végétaux qui regorgent de possibilités infinies tant sur le plan alimentaire que médical ou en alguoculture raisonnée. Pour cela, il faut inventorier partout sur la planète toutes les espèces d’algues et leur rôle de protection géographique des côtes ; les algues bretonnes, par exemple, ne vont pas se développer autour de l’île de la Réunion. Elles ont un rôle de stabilisateur dans les écosystèmes locaux comme sur l’équilibre du climat.

 

 

Il est donc urgent de les protéger car même si depuis 1683 des scientifiques ou botanistes de renom tels René Antoine Ferchault de Réaumur,Jean Vincent Félix Lamouroux, Anna Atkins ou encore Kathleen Mary Drew-Baker y ont consacré leurs études, les moyens technologiques actuels performants permettent de mieux mettre en valeur les qualités et bénéfices de ces plantes et de les utiliser dans la pharmacopée, l’agriculture, l’élevage ou en médecine préventive.
L’industrie s’intéresse aujourd’hui fortement au pouvoir des algues jusqu’aux dernières expérimentations de biocarburants à partir des laisses de mer, détritus naturels rejetés par les marées. Il faut une réelle volonté politique environnementale, estiment les chercheurs pour que soit exploitée cette ressource naturelle sans la surexploiter. Alors les algues sauveront-elles l’humanité ? Elles suscitent en tous cas bien des espoirs.
Tout en apprenant, tout en s’amusant, cette exposition aussi didactique que plaisante est à voir en famille jusqu’au 4 septembre 2022.


Sylvie Génot Molinaro

 

 

Maurice Denis - Bonheur rêvé

jusqu'au 29 mai 2022

Musée Départemental Maurice Denis

 

L’œuvre du peintre Maurice Denis (1870-1943) ne saurait pleinement s’apprécier sans la découverte du cadre de vie dans lequel l’artiste déploya son art une grande partie de sa vie. C’est désormais possible depuis la réouverture du musée Maurice Denis au Prieuré de Saint-Germain-en-Laye où Maurice Denis vécut de 1914 jusqu’à sa mort.
C’est en 1980 que cet ancien Hôpital général royal érigé sous Louis XIV devint le musée Maurice Denis grâce au Département des Yvelines, un havre de paix et de beauté qui vient de faire l’objet d’importants travaux de restauration. « Le Nabi aux belles icônes », ainsi qu’il fut surnommé, sut en ces murs pousser jusqu’aux limites son art d’associer couleurs et formes en une sublimation initiée par les Impressionnistes. L’amour de la vie irradie ses œuvres, des œuvres qui viennent de faire l’objet d’un nouvel accrochage et qui bénéficie pour l’occasion de prêts remarquables de tableaux rarement exposés.

 

 

Des œuvres qui traduisent une contemplation toujours renouvelée de la vie prenant chez Maurice Denis une dimension spirituelle qui trouve son apothéose dans la fameuse chapelle éclairée par ses fresques et vitraux. Le visiteur pourra découvrir cette belle exposition rappelant les deux dimensions croisées de la vie de l’artiste, entre ascèse créatrice et vie bucolique avec sa famille au Prieuré, vie que l’on peut sans peine encore imaginer en se promenant dans ces murs vibrants de cette atmosphère inspirée, ainsi que dans les jardins attenants.

 

Maurice Denis, amoureux de la vie, sait être un théoricien rigoureux revisitant tous les codes traditionnels de la peinture sans pour autant les renier.


Mais au classicisme, Maurice Denis ajoute cette modernité séduisante sertie de couleurs éclatantes dont l’amour et la religion sont les fils directeurs. L’harmonie des formes et des couleurs est dès lors rapidement au cœur de la création de l’artiste à un point tel que le symbolisme perce comme pour ce petit tableau « L’Autel jaune » habité d’une force sacrée rayonnante.

 

Le Mystère se trouve ainsi explicitement visité par l’artiste dans ses peintures aux lectures multiples. Amour profane et amour sacré n’ont plus guère de sens pour le peintre qui les conjugue avec un rare bonheur notamment dans les représentations de son épouse Marthe, omniprésente, et des enfants qu’elle lui donna.

 

 

Ce sont toutes ces différentes facettes de la création artistique qui sont ainsi rappelées dans ce beau parcours, de la période Nabi et des œuvres symbolistes jusqu’à un retour à un certain classicisme dans les dernières années.

 

 

Maurice Denis sut, en effet, aussi être un homme de son temps lorsque des commandes lui font s’inscrire dans la mouvance de l’Art nouveau et des arts décoratifs, notamment avec cet impressionnant ensemble décoratif « L’Éternel Printemps » pour la salle à manger de Gabriel Thomas.

 

Décidément, le musée départemental Maurice Denis réserve bien des surprises à seulement quelques kilomètres de la capitale, un lieu où se trouve chaque jour entretenu avec inspiration et délicatesse l’esprit d’un artiste majeur du XXe siècle.



Catalogue « Maurice Denis, Bonheur rêvé » sous la direction de Fabienne Stahl, RMN, 2021.

 

 

Botticelli Artiste et designer

Musée Jacquemart-André

jusqu’au 24 janvier 2022

LEXNEWS | 11.09.21

Philippe-Emmanuel Krautter

 

 

Alessandro di Mariano Filipepi, plus connu sous le nom de Sandro Botticelli (1444/1445-1510), nous est familier par ces fameuses évocations primesautières où de jeunes filles aux sourires mutins entament quelques pas de danse, à moins que leur nudité n’émerge d’une coquille… Mais derrière ces icônes passées à la postérité se cache le génie d’un artiste au diapason de son temps, celui du fertile Quattrocento à Florence. Le musée Jacquemart-André honore ce génie et ouvre les portes de son atelier au public parisien en une rétrospective réunissant une quarantaine d’œuvres de l’artiste sous le commissariat de Ana Debenedetti, directrice expositions et culture, Culturespaces et Pierre Curie, conservateur en chef du patrimoine.

 

Alessandro Filipepi dit Botticelli (vers 1445 – 1510), Portrait de Julien de Médicis, vers 1478–1480, tempera et huile sur bois, 59,5 × 39,3 cm, Bergame, Accademia Carrara © Fondazione Accademia Carrara, Bergamo


Sous l’influence politique de la famille des Médicis, Botticelli, à l’image des autres artistes de son temps, profite de conditions exceptionnelles afin de déployer son art. Si sa vie reste quelque peu mystérieuse, l’exposition a fait choix de mieux nous faire connaître son atelier, le peintre, à l’image de ses contemporains, travaillant à l’aide d’un grand nombre d’assistants. Contrairement à l’idée reçue, une œuvre de cette époque masque souvent un grand nombre de « petites mains » qui, parfois, à leur tour deviendront de futurs maîtres, tel Botticelli lui-même qui fut formé par Filippo Lippi avant de devenir l’un des grands maîtres du XVe siècle.

 

Alessandro Filipepi dit Botticelli (vers 1445 – 1510), Vierge à l’Enfant dite Madone Campana, vers 1467-1470, 72 x 51 cm, Avignon, Musée du Petit Palais, dépôt du Musée du Louvre, 1976 Photo © RMN-Grand Palais / René-Gabriel Ojéda

Mais, avant d’acquérir son style personnel, le jeune artiste se doit d’imiter les anciens, répéter à l’envie des chefs-d’œuvre reconnus du maître d’atelier pour peut-être un jour mieux s’en détacher…

L’exposition suit alors le jeune homme au cœur de la mutation humaniste qui gagne son siècle et les arts. Formé très jeune à l’art de l’orfèvrerie, Sandro y acquiert cette attention de tous les instants qui restera gravée au cœur de ses œuvres et de ses dessins. Le trait assuré gagné à cette pratique cisèlera ses peintures avec cette poésie et cette légèreté si sensibles qui le caractériseront.
Après les années d’apprentissage évoquées dans les deux premières sections où les sujets religieux abondent ("Vierge à l’Enfant dite Madone Campana" ou encore "Vierge à l’Enfant dite Madone au livre"), viendra le temps de son propre atelier et des assistants se pressant autour du jeune maître. Il faut imaginer cette Florence en pleine effervescence où les ateliers des plus grands maîtres se jouxtent parfois de quelques dizaines de mètres et où les échanges étaient incessants. Cette profusion d’idées et d’initiatives donnera naissance aux plus grandes œuvres, et pour Botticelli, ce sera bien sûr la fameuse « Naissance de Vénus » ou encore « Le Printemps » quelques années auparavant.

 

Alessandro Filipepi dit Botticelli (vers 1445 – 1510), Venus pudica, vers 1485-1490, huile sur toile, 158,1 x 68,5 cm, Berlin, Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie, Photo © BPK, Berlin, Dist. RMN-Grand Palais / Jörg P. Anders

 

L’artiste sait faire évoluer son art au gré des commandes des puissants de son temps, sans pour autant renier son propre style qui fera souvent écho à la beauté sous les traits de sa « Figure allégorique dite La Belle Simonetta » tout comme le thème récurrent de Vénus héritée de l’Antiquité, sans oublier de superbes évocations religieuses tel le remarquable « Couronnement de la Vierge ».

 

 

Botticelli et atelier, Le Couronnement de la Vierge avec saint Juste de Volterra, le bienheureux Jacopo Guidi de Certaldo, saint Romuald, saint Clément et un moine camaldule, vers 1492, Miami Beach, Collection of The Bass © Photo by Zaire ArtLab

 

 

Ce subtil équilibre rythme ses œuvres où la part de l’atelier deviendra après la maturité sans cesse croissante.
Après ces riches années qui firent sa célébrité, viendra cependant le temps de l’oubli pendant quatre siècles avant que des esthètes eurent au XIXe siècle l’heureuse initiative de redécouvrir ce grand maître florentin.

 

 

Interview Denis Raisin Dadre

Paris, le 30/05/19.

Lexnews a eu le plaisir de rencontrer Denis Raisin Dadre à l'occasion de la sortie de son splendide livre-disque consacré à Léonard de Vinci et la musique. Fondateur de l'ensemble Doulce Mémoire et grand spécialiste de la musique Renaissance qu'il honore par ses concerts et enregistrements internationalement renommés, Denis Raisin Dadre nous a livré ses confidences sur ce grand maître de la renaissance qui était également un musicien talentueux !

 

 

 

 

uelle a été votre première rencontre avec Léonard de Vinci et quel souvenir avez-vous gardé de ses œuvres ?

Denis Raisin Dadre : "Curieusement, ce n’est pas la Joconde qui a retenu en premier mon attention ! Mon caractère me portait plutôt vers des choses moins connues. C’est à Florence que date cette première rencontre, à une époque où je me rendais très souvent en Italie. C’est son Annonciation qui, la première, m’a frappé. Je découvrais alors un Vinci encore très marqué par la peinture flamande de son époque ainsi que par l’atelier du Verrocchio où il a travaillé dès son plus jeune âge. Si je connaissais déjà ce style de peinture, surtout celui de ses contemporains de la fin du XVe siècle avec ce côté extraordinairement minutieux des arrière-plans, cette première rencontre demeure pour moi associée aux Offices de Florence, et cette Annonciation m’est apparue mystérieuse, comme un grand nombre de ses œuvres d’ailleurs".

Quels sont les motifs qui vous ont poussé à réaliser ce livre-disque sur Léonard alors même que vous avouez qu’il ne nous reste aucun témoignage direct des musiques qu’il pouvait jouer en tant que musicien talentueux ?

Denis Raisin Dadre : "Nous n’avons en effet pas de musique de Léonard lui-même si ce n’est un petit canon, mais c’est également le cas de tous les autres musiciens de lira da braccio de cette fin du XVe siècle, car il s’agissait d’un instrument sur lequel on improvisait. Cette lacune n’est donc pas liée à Léonard, mais à son instrument, cette lyre sur laquelle les musiciens n’ont pas laissé de traces écrites. Ce qui est intéressant et surtout frappant chez Vinci, c’est que beaucoup de ses contemporains parlent de lui et de cette musique qu’il jouait, Vasari bien entendu mais également d’autres sources. Ce n’était pas du tout un amateur et il devait avoir une très haute maîtrise pour avoir été invité à Milan non seulement comme peintre mais également comme joueur de lyre. À Milan, lorsqu’il organise les fêtes du duc, il jouait lui-même de la lyre et improvisait des vers en chantant. Cette période concerne essentiellement ses années de jeunesse jusqu’à sa trentaine. Aussi, me suis-je demandé avec Vincent Delieuvin, Conservateur en chef - chargé de la peinture italienne du XVIe siècle chez Musée du Louvre, s’il n’y avait pas justement une relation dans cette pratique de l’improvisation et cette façon de peindre très spécifique à Vinci".
 

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il existait aux XVe et XVIe siècles des musiques dites expressément « secrètes » qui étaient réservées à des élites, et qui ne sortaient pas des lieux où elles étaient jouées

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Pouvez-vous revenir sur cette belle expression « musique secrète » des peintures de Léonard ?

Denis Raisin Dadre : "Deux références doivent être soulignées quant à cette expression de « musique secrète ». Tout d’abord, une référence musicale très précise, puisqu’il existait aux XVe et XVIe siècles des musiques dites expressément « secrètes » qui étaient réservées à des élites, et qui ne sortaient pas des lieux où elles étaient jouées. La plus connue, même si cela est plus tardif, est celle recopiée par Mozart à la Chapelle Sixtine. Cette pratique de musique secrète a lieu également à la cour de Ferrare où les fameuses dames qui chantaient pour le duc tous les soirs avaient interdiction de les divulguer, ce qui explique qu’elles n’ont pas été éditées. L’autre grand exemple sont les Prophéties des Sibylles de Lassus qui ont été composées dans sa jeunesse et qui n’ont pas été éditées pendant longtemps parce que son commanditaire ne souhaitait pas qu’elle soit divulguée tellement cette musique était exceptionnelle. La seconde référence à cette « musique secrète » vient d’une citation expresse du critique d’art Marcel Biron. Ce dernier avouait ne pas regretter la présence des anges musiciens qui devaient encadrer en un retable de chaque côté la Vierge aux rochers (qui se trouve actuellement à Londres) parce que la peinture de Vinci était une peinture dans laquelle on entendait une musique… «Une musique secrète » ! Cela m’a beaucoup marqué et a constitué le point de départ de cette idée d’enregistrement".

La musique franco-flamande prédomine en ce dernier tiers du XVe s. en Italie, peut-on dire que c’est ce répertoire qu’a pu essentiellement entendre et jouer Léonard ?

Denis Raisin Dadre : "Entendre, c’est certain ! Car, après une longue période de recherche sur les manuscrits, j’ai pu avoir une idée assez précise des musiques de son époque lorsqu’il était dans l’atelier de Verrocchio à Florence. Il est même assez étonnant de constater cette omniprésence de la musique franco-flamande sans trouver une seule référence italienne ! Il suffisait que Vinci entre dans une des églises de Florence pour qu’il entende ce répertoire franco-flamand. Par contre, lorsque Léonard jouait de la lira da braccio, il s’inscrivait dans ce grand mouvement d’indépendance de la musique italienne contre cette mainmise de la culture bourguignonne. Ses improvisations sur la lyre n’avaient rien à voir avec ces classiques établis par les grands maîtres franco-flamands".


Le début du XVIe s. voit la naissance en Italie du premier livre de frottole et l’apparition de musiciens italiens, prélude à la grande période du madrigal. En quoi ces nouveautés seront-elles importantes pour la musique italienne ? Comment un peintre tel que Léonard pouvait-il juger ces nouveautés ?


Denis Raisin Dadre : "J’ai puisé quelques pièces dans ces livres de frottole (brève chanson profane italienne, à l’honneur de la fin du XVe siècle jusqu’au milieu du XVIe s. ndlr) qui constituent des témoignages de l’art de la lira de Vinci. Il s’agit de morceaux où il est indiqué « Personetti », c'est-à-dire servant à l’improvisation, des sources absolument rarissimes du début du XVIe siècle concernant cette pratique née à la fin du XVe siècle avec une dizaine de grilles dont on se servait pour réciter -« recitare » - à la lyra, véritable témoignage de l’art de Léonard. D’autre part, nous savons que Léonard a été très sollicité par Isabelle d’Este qui était la sœur de Béatrice, elle-même « grande patronne » de la frottole résidant à Milan".

Trois femmes puissantes sont ainsi à l’origine de l’émergence d’un art proprement italien dans les cours : Isabelle, donc, et sa sœur Béatrice d’Este sans oublier la duchesse d’Urbain. En encourageant les musiciens et cette pratique de l’art de la frottole au début du XVIe siècle, nous assistons dans les manuscrits à cette évolution vers des « proto madrigaux » avant le fleurissement à part entière de l’art du madrigal dans les années 1530. Léonard de Vinci a vu l’émergence de cet art protégé par ces femmes exceptionnelles. Il est certain que cet esprit novateur a puissamment inspiré et correspondu avec l’art de Léonard non seulement dans la peinture, mais également vis-à-vis de la musique qu’il pratiquait. La lira est un instrument d’expérimentation par excellence puisqu’on ne joue pas de musique écrite. De nombreuses recherches musicologiques ont d’ailleurs lieu actuellement sur cet art et je pense que cela va permettre d’expliquer comment nous sommes passés de la première mise en musique de l’Orfeo de Poliziano au XVe siècle à l’Orfeo de Monteverdi, en 1607. La lira, instrument d’Orphée et de l’aède grec qui récitait un texte, est sans aucun doute un des très grands moteurs de l’émergence de l’opéra. Avec la lyra, seul le chant est accompagné de l’instrument, alors que dans toute la musique du XVIe s., la polyphonie prédomine avec la superposition de plusieurs voix répondant à des règles complexes. On a longtemps sous-estimé l’importance de la lyra et il ne faut pas oublier que, naguère, le public pleurait littéralement sur les places de Florence où étaient jouées et récitées ces épopées".


La technique du peintre, notamment son fameux sfumato, rejoint-elle certains effets et ornementations posés par la musique notamment avec la lira ?

Denis Raisin Dadre : "Je me suis permis de faire cette comparaison – et cela n’a évidemment aucun caractère scientifique – car c’est un ressenti qui m’a beaucoup frappé. Il est très troublant de constater que la lyre autour de la voix crée un halo sonore qui n’a rien à voir avec la façon dont on écoute la musique habituellement, d’autant plus que cet instrument n’a pas de basse. Ordinairement, lorsque vous écoutez de la musique, vous trouvez toujours une basse et des accords. Or avec la lyre, il n’en est rien. De plus, cet instrument se place au-dessus de la voix de l’homme ; en terme d’octave, la lyre est, en effet, plus aiguë que la voix d’un homme. Ce système qui est à l’inverse de notre écoute habituelle avec un accompagnement au-dessus et sans basse crée une sorte de « sfumato sonore » qui estompe les lignes ainsi que notre écoute…"
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C’est une époque d’une extraordinaire complexité notamment en terme musical avec des citations permanentes, des thèmes entrecroisés, des jeux contrapuntiques absolument fous

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Une très grande liberté présidait dans la composition et ses déclinaisons en « jeux intellectuels », est-ce là encore un parallèle avec les nombreuses variations, corrections et évolutions apportées par le peintre à ses œuvres toute sa vie durant ?

Denis Raisin Dadre : "C’est une époque d’une extraordinaire complexité notamment en terme musical avec des citations permanentes, des thèmes entrecroisés, des jeux contrapuntiques absolument fous. Ce rapport intellectuel à la musique n’a pu que séduire Léonard de Vinci qui lui-même était un esprit complexe, érudit et scientifique. À son époque, on parle véritablement d’une science de la musique, et nous savons combien ce génie a fréquenté de nombreux mathématiciens qui étaient eux-mêmes des musiciens. Lorsque vous lisez les traités de musique de cette période, vous avez souvent l’impression de lire un traité de mathématique…"


Quel regard portez-vous sur la dimension religieuse de certaines des œuvres de Léonard de Vinci ?


Denis Raisin Dadre : "Je crois que c’est quelque chose de très original chez Léonard de Vinci, ne serait-ce que par les thèmes traités comme celui de sainte Anne avec la Vierge, thème assez rare dans la peinture. La première chose qui me frappe chez Léonard, c’est que nous sommes vraiment aux antipodes d’une peinture qui exalterait la puissance de l’Église, à la différence d’un Tintoret ou d’un Véronèse au XVIe siècle qui se dirigeront, eux, plus vers des choses « baroques » exaltant cette puissance institutionnelle. L’intimité des tableaux de Léonard semble à mon avis l’élément marquant de son art sur le plan religieux. Un dialogue est en quelque sorte instauré entre celui qui regarde et le tableau. Ce genre relève d’ailleurs plus de la dévotion privée que de l’art officiel. Il est d’ailleurs troublant de constater cette ambiguïté entre profane et religieux, sainte Anne et sa fille laissent l’impression d’avoir le même âge, son saint Jean-Baptiste apparaît sous les traits d’un joli jeune homme… Léonard de Vinci fait preuve d’une liberté absolue dans la manière dont il évoque ces personnages sacrés. Je fais d’ailleurs un parallèle quant à cette liberté avec le Caravage dont les peintures religieuses apparaîtront souvent scandaleuses car n’obéissant pas aux normes de son époque. Cette approche religieuse est poussée à son paroxysme avec la Cène et cette agitation extrême des disciples que personne n’avait osé représenter ainsi auparavant. Dans la musique de la même époque, cette intrication sacrée profane est usuelle, et même permanente, avec des musiques sacrées écrites sur des chansons profanes. Un grand nombre de musiques sacrées existait avec un double texte : un soprano ayant recours au latin d’un Requiem pendant que le ténor récitait une chanson. Cette distinction entre sacrée et profane n’existait pas à cette époque. Ce qui me frappe surtout pour Léonard de Vinci, c’est cette liberté quant à l’institution. C’est quelqu’un qui toute sa vie a fait ce qu’il voulait. Le meilleur exemple étant peut-être Isabelle d’Este qui n’a jamais réussi à obtenir son tableau alors même qu’elle n’a eu de cesse de relancer Léonard à ce sujet !"

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Je crois que nous avons retrouvé cette immense tendresse et douceur dans la musique, à l’image de celle omniprésente dans les œuvres de Léonard de Vinci.

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Qu’avez-vous ressenti dans la pénombre de l’abbaye de Noirlac lors de l’interprétation de ce programme composant votre dernier enregistrement ?

Denis Raisin Dadre : "Je dois avouer que ce programme a été certainement l’un des problèmes les plus compliqués de toute mon existence ! Tout d’abord, ces tableaux sont très intimidants, et ce d’autant plus que je ne souhaitais pas présenter une version purement intuitive, mais aussi une proposition scientifique à partir de recherches sur les musiques de cette époque. Et je dois avouer, comme souvent dans ces situations les plus compliquées, qu’il peut y avoir des miracles ! Soudainement la musique « apparaît » avec un lien très fort avec ces tableaux dont les reproductions étaient devant nous. Je crois que nous avons retrouvé cette immense tendresse et douceur dans la musique, à l’image de celle omniprésente dans les œuvres de Léonard de Vinci. Cela a été rendu possible par certaines couleurs musicales qui ont surgi et qui correspondent bien à cette idée de tendresse, d’intimité et complexité du peintre".

 

 

Propos recueillis par Philippe-Emmanuel Krautter

© Interview exclusive Lexnews

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Présence de la peinture en France, 1974 - 2016
du 28 septembre au 30 octobre 2017

Mairie du Ve - Paris

 

Interview Marc Fumaroli

Lexnews : "Comment est née l’idée de cette exposition ?"

Marc Fumaroli : "La peinture, un des arts les plus importants, a connu une crise grave à la fin du XIXe siècle au moment où la photographie s’est répandue largement. De nos jours, elle traverse une autre crise grave avec cette obsession et conquête des esprits par les images technologiques. Or, la peinture ne se sert pas de machine, mais de la main, de belles matières, de toiles, et elle nous apprend en quelque sorte - et pour cela elle devrait tous les jours être enseignée dans les écoles - à avoir un rapport délicat, sensible, avec les autres, mais aussi avec la nature et le monde. C’est pour cela qu’il m’a semblé que le moment était favorable pour monter une telle exposition, il y a une sorte de prise de conscience de l’exagération de notre confiance à l’égard des technologies. À la lecture de certains livres, films et attitudes, les choses évoluent et le progrès a beau nous donner des merveilles, il semble urgent de ne pas perdre ce que nos ancêtres nous ont légué. Notre action a été à contre-courant, tout d’abord en nous dirigeant vers les arts traditionnels, la peinture, la gravure, la sculpture, loin de la puissance destructrice de l’industrie gigantesque des images de série".

 

 

Marc Fumaroli :Nous avons travaillé pour l’honneur, pour l’amour de la cause, et ce d’une manière totalement désintéressée financièrement. Par ailleurs, nous sommes également à contre-courant en ne recherchant pas des plasticiens qui font souvent du bruit pour quelque chose qui redouble le malheur des temps. Malgré tout, bien que cela soit dans l’ombre et dans une certaine marginalité, il y a une peinture qui n’est pas une avant-garde, qui ne croit pas à la religion du progrès, tout en n’étant pas hostile à la science. Le rôle de l’artiste n’est pas d’exagérer ces valeurs, de les représenter d’une façon désespérante et désolante, mais de donner le sentiment dans ce monde que tout n’est certes pas fête, mais qu’il y a cependant des dispositions de la fête, ce que j’appellerai sans entrer dans des considérations esthétiques : la beauté. Tel est l’axe de cette exposition, avec l’espérance qu’elle aura un modeste, mais vrai succès".
 

 Lexnews : "La beauté a-t-elle justement encore une place dans notre monde et l’art ?"

Marc Fumaroli : "Un des arguments en faveur de l’art contemporain, et qui est d’ailleurs un argument assez hypocrite, est qu’il dispense le plasticien contemporain de véritables compétences, de véritables secrets de fabrication. Dans ces conditions, si j’ose m’exprimer ainsi, la justification que l’on donne à ces choses qui ne nous intéressent pas et qui ne nous attirent pas, est qu’elles sont à l’image du monde dans lequel nous sommes. Nous assistons ainsi à une compétition de la laideur et de la brutalité qui déstabilise le public.
Nous devrions plutôt rechercher ce qui pourrait nous rassurer, nous reconstruire et nous permettre de mieux traverser ce monde difficile et terrifiant, comme toutes les générations l’ont fait avant nous. J’estime qu’il ne revient pas à l’art de prendre comme maître unique un artiste, par ailleurs talentueux contrairement à un grand nombre de plasticiens, comme Francis Bacon, fasciné par la laideur. Les peintres ou graveurs présentés dans cette exposition n’ont pas pour obsession cette laideur.
Boileau disait que le grand art est capable de rendre l’horreur supportable. Avec l’art contemporain, on veut nous faire croire que l’on a affaire à des gens qui pensent et qui ont des concepts de la situation dans laquelle le monde se trouve… C’est peut-être beaucoup demander aux plasticiens, et ce n’est certainement pas une raison pour abandonner les artistes à leur sort ! J’ai eu l’occasion pour préparer cette exposition de rencontrer un grand nombre d’artistes dans leur atelier, ce sont des artistes pour qui l’art n’est pas une question de spéculation boursière, ni publicitaire ou de bureaucratie culturelle, mais bien un véritable art de vivre dirigé vers la beauté et un apprentissage de notre capacité au bonheur. La quête de la beauté guérit, elle est salvatrice et salutaire ; ce n’est qu’à ce titre que l’art mérite son nom".

 

 


J’ai bien conscience que nous ne sommes pas une puissance et qu’il n’est pas en notre pouvoir de modifier le spectacle de notre monde, mais nous sommes peut-être capables à plusieurs de faire comprendre que ces arts, qui sont aussi des artisanats transmis par des traditions remontant aux origines, aux grottes préhistoriques, font de nous des êtres de la nature, et non pas de la technologie. J’espère, tout en ne me faisant pas trop d’illusions, que ce mouvement pourra peut-être un peu modifier les choses ! Espérons…".

 

* * *

 

A l'initiative de Marc Fumaroli, avec le parrainage de Jean Clair, Florence Berthout, Maire du 5e arrondissement, est heureuse d’accueillir, du 28 septembre au 30 octobre, l’exposition avec pour commissaire Vincent Pietryka présente dix artistes mettant à l’honneur la peinture, la gravure, le dessin et la sculpture : André Boubounelle, Érik Desmazières, Gérard Diaz, Philippe Garel, Denis Prieur, Gilles Seguela, Sam Szafran, Ivan Theimer, Jean-Pierre Velly, Pascal Vinardel.

L’exposition « Présence de la peinture en France, 1974 - 2016 » est née d’un amour vrai pour l’art et de la joie que l’on trouve à fréquenter les œuvres d’artistes féconds. La France en a vu apparaître dans les dernières décennies, mais dans une relative discrétion. Si quelques galeristes parisiens au regard aiguisé, des critiques et des collectionneurs attentifs ne les ont pas ignorés, le grand public n’a pas eu cette chance. Le souhait de Marc Fumaroli a été de réunir quelques-unes des plus belles de leurs œuvres en un lieu unique, afin de les rendre enfin accessibles au public, invité à cette occasion à les contempler, à entendre leurs commentateurs et à rencontrer les artistes eux-mêmes. C’est dans ce cadre que plusieurs entretiens se dérouleront lors de l’exposition, entre un peintre et un écrivain, un musicien ou encore un critique d’art…

La sélection des 30 œuvres présentées a été constituée avec le désir de montrer des pièces majeures qui rayonnent par leur beauté. Elles prennent place dans l’histoire de l’art, dans la suite des meilleures œuvres du passé et dans l’attente de celles du futur. Elles sauront toucher les yeux amateurs comme ceux des avertis, inviter le spectateur à s’arrêter et à entrer dans l’univers de la Colline à Volterra de Boubounelle, de Luigi de Velly, des Portes du fleuve de Vinardel, des Deux coings de Seguela, de la Tête de Méduse de Theimer…

Exposition du lundi au samedi de 10h à 18h

 

(catalogue disponible sur le lieu de l'exposition

avec des textes de Marc Fumaroli, Jean Claire et Lydia Harembourg)

 

 

 

Un chef-d’œuvre déstructuré
  

© Musée Unterlinden  © Th. Verdon

par Mgr. Timothy Verdon*

"Je n’écris pas au titre de prêtre, mais en tant qu’historien d’art et directeur d’un musée, celui de l’Œuvre de la Cathédrale de Florence, récemment renouvelé sous ma responsabilité. Et j’écris avec un certain embarras, puisque inévitablement ce que je vais dire ressemblera à un « J’accuse ! ».

 

© Musée Unterlinden


Dans un récent voyage à Strasbourg, j’ai fait un pèlerinage à Colmar au Musée Unterlinden, pour revoir un des grands chefs-d’œuvre de la Renaissance au nord des Alpes, le retable peint par Mathis Gothart Nithart - connu comme de Grünewald – pour le couvent des Antonins à Issenheim entre 1412-1516, avec les sculptures en bois polychrome de Nikolaus Hagenauer. Il s’agit d’une énorme construction ouvrable qui permettait aux fidèles de voir trois différentes séquences d’images : à l’extérieur, quand les deux volets du retable étaient fermés, La Crucifixion ; puis, après une première ouverture, quatre scènes : L’Annonciation, Le Concert des Anges, Marie avec l’Enfant Jésus, et La Résurrection ; puis, après une seconde ouverture, au niveau intermédiaire (au centre) : trois statues parmi lesquelles celle de Saint Antoine d’Alexandrie, patron céleste du couvent, qui était aussi un hôpital pour des malades du « feu de Saint Antoine ».

 

Le Retable d’Issenheim fermé - La Crucifixion
© Musée Unterlinden

 

La nouvelle installation du retable, achevée en 2015, a complètement déstructuré ce système visuel complexe, séparant les images du mécanisme originel pour les présenter individuellement. Par conséquent, le visiteur est privé de l’émotion de trouver, derrière la célèbre Crucifixion avec son corps de Christ sombre et torturé (à l’extérieur au premier plan, volets fermés), le corps lumineux et sain du Sauveur retourné à la vie. De même, il sera privé de cette émotion de trouver derrière la Vierge effondrée au pied de la croix de son fils (volets fermés), la jeune femme de L’Annonciation. Les deux scènes du second niveau – L’Annonciation et La Résurrection – étaient les revers des deux volets de La Crucifixion ; ouvertes, elles encadraient et étaient visibles à gauche et à droite de la composition du niveau intermédiaire Le Concert des Anges et Marie avec L’Enfant.

Maintenant complètement séparées d’elle, la composition de l’artiste est rendue indéchiffrable : L’Annonciation et La Résurrection, que Grünewald a pensées à gauche et à droite de la double scène du Concert des Anges et de Marie avec l’Enfant, se trouvent aujourd’hui l’une à côté de l’autre, et qui plus est en ordre inversé. On retrouve la même option pour la seconde ouverture, où les scènes de la vie de Saint Antoine se trouvent jointes et interverties, tandis qu’elles étaient initialement séparées par les statues de Hagenauer.

 

Le Retable d’Issenheim 1ère ouverture -

L’accomplissement de la nouvelle Loi © Musée Unterlinden

 


Le musée a prévu de petites reconstructions du retable originel qui permettent d’ouvrir, l’une après l’autre, les différentes strates, mais presque personne ne le fait, à défaut d’explications. Je comprends bien qu’il s’agisse d’impératifs de temps et d’espace : alors que le vieux système - le retable qui s’ouvrait - imposait à chacun d’attendre les ouvertures successives de chaque niveau, dorénavant tout le monde est libre de se promener en se plaçant ad libidem devant l’une ou l’autre scène. Mais on perd ainsi la logique de l’ensemble, et le musée n’offre aucune assistance pour en saisir le sens. Qui plus est, en inversant le rapport droite/gauche de certaines images, il transmet des impressions fausses. Il conviendrait au minimum d’installer une vidéo qui reconstruirait l’ordre et la succession des images.

 

Le Retable d’Issenheim 2e ouverture

- le cœur du retable consacré à saint Antoine © Musée Unterlinden

 

Il est également dommageable que l’on n’explique nulle part la fonction plus essentielle attribuée à un retable d’autel, qui consiste à accompagner visuellement la messe. Le sang qui coule des pieds du Crucifié et son corps étendu dans la prédelle devaient être vus en étant placés juste au-dessus de l’autel, quand les religieux et les malades participaient à l’Eucharistie, dont le pain et le vin rendent « présents » le corps et le sang du Christ. Ne pas communiquer ces informations au grand public revient à cacher une clé de lecture fondamentale ; il n’est pas question de catéchiser mais de communiquer ! À vrai dire, dans l’espace du musée, on aurait pu monter le retable sur une base en forme d’autel, rendant immédiatement intelligible le rapport entre image et rite, fondement même son histoire."


* Chanoine, Cathédrale de Florence et Directeur, Museo dell’Opera del Duomo.

 

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