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Littérature - Poésie - Romans

Robert Walser : « Seeland. » ; Préfacé et traduit de l’allemand par Marion Graf ; Poche, Éditions Zoé, 2020.
Robert Walser : « Petite Prose. » ; Postface de Peter Utz ; Poche, Éditions Zoé, 2020.
Robert Walser : « Le Territoire du crayon. » ; Traduit de l’allemand par Marion Graf ; Choix des textes et postface de Peter Utz ; Poche, Éditions Zoé, 2020.
 

À noter la réédition aux éditions Zoé en version Poche de trois nouveaux recueils du talentueux écrivain et poète suisse Robert Walser (1878-1956), traduits par Marion Graf.
« Seeland », tout d’abord, réunit six longues proses merveilleusement écrites que Walser entreprit lors de son retour dans sa ville natale de Bienne en 1913. Il y restera sept années, des années de solitude partagées entre écriture et longues promenades idylliques sur les routes et sentiers biennois. En ces années 1913- 1920, l’écrivain traverse, en effet, une période dépressive et avoue avoir besoin de calme après ses succès dans les avant-gardes Berlinoises. Ce qui explique que l’on retrouve en ces pages à l’écriture élégante, fine et minutieuse, à la fois, la douceur et la spécificité de cette région de Seeland au pied du Jura alliée aux rêveries, mais aussi aux songes ou cauchemars de l’auteur. Toute la sensibilité et finesse d’écriture de Walser se glisse, ici, dans des scènes anodines de la vie ou de cette terrasse de café ombragée. Des pages enchantées par l’étrange beauté du monde, mais aussi habitées de cet incessant questionnement comme pour mieux capturer un ineffable mystère. « Seeland » n’est cependant pas qu’une « Promenade » mais une longue réflexion, à la fois nostalgique et mélancolique, dans laquelle se révèle l’écrivain lui-même, ses liens intimes avec les mots et l’écriture, mais aussi ses relations professionnelles et sociales ou son statut d’écrivain. Ce recueil à l’écriture délicate et sensible, à la fois léger, mélancolique et profond, sera le dernier de cette période biennoise et paraîtra en 1921.

Paru en 1917, le recueil « Petite Prose » livre toutes les facettes et l’immense talent de Robert Walser. Écrit au début des années biennoises de l’écrivain, le lecteur découvrira au travers de proses brèves, vingt et un textes précisément, une galerie de savoureux portraits alliant tout à la fois fiction et réalité, imaginaire et éléments autobiographiques, réflexions méditatives et cette ironie ou dérision qu’aimait tant également manier l’écrivain suisse. S’enchainent alors une virtuose et vivante variation de surprises, d’étonnements et d’éblouissements. L’écriture de Walser y danse selon une chorégraphie littéraire personnelle sans limites. « Petite Prose » révèle, en effet, tout le talent littéraire de Walser alternant les rythmes et les styles, de la phrase courte aux accélérations intempestives. Rappelons que l’écrivain et poète suisse fut largement salué par F. Kafka, R. Musil, E. Jelinek ou encore Susan Sonntag. À ces courts textes viennent s’ajouter et clore le recueil, deux écrits quelque peu plus longs dont « Tobold », une réminiscence par l’auteur d’un temps passé en tant que laquais dans un château de Silésie.
Robert Walser mourut un soir de Noël en 1956 après avoir marché jusqu’à épuisement dans la neige.

« Territoire du crayon » paru à titre posthume renferme de multiples proses inédites qui ont été lors de leur publication rangées par thèmes, écriture, la Suisse, promenades, les écrivains au travail, etc. Le lecteur y retrouvera, outre les thèmes de prédilection de l’auteur, toute la virtuosité littéraire de l’écrivain, que ce soit dans les plus menus détails que dans ses profondes réflexions. Surtout, « Le Territoire du crayon », ainsi qu’il l’avait - semble-t-il - surnommé lui-même, relève d’une très jolie histoire que l’on se doit, ici, de souligner.
Si de 1920 à 1933 à Berne, Walser écrit de nombreuses proses et poèmes pour des revues et grands journaux germanophones, parallèlement, l’écrivain suisse prit aussi l’habitude d’écrire plus librement des notes ou nouvelles d’une écriture extrêmement fine, microscopique, au crayon à papier, sur de vulgaires bouts ou morceaux de papier, enveloppes, feuilles d’agenda… Véritable « Territoire du crayon » secret, il ne recopiait ses écrits à l’encre que lorsque ces derniers étaient prêts, selon lui, à être publiés. Après sa disparition et pendant des années, ces notes, soigneusement dissimulées, à l’écriture minuscule demeurèrent telles quelles sans que personne n’y touchât. Il fallut de longues années avant que quelqu’un ne réalise que ces fameux bouts de papier au crayon, que l’on nomma microgrammes, constituaient en réalité de véritables nouvelles et écrits à part entière. Ainsi furent rassemblées les proses qui constituent aujourd’hui « Le Territoire du crayon » publié aux éditions Zoé pour la première fois en langue française en 2013.

Trois merveilleux recueils de Robert Walser venant idéalement compléter la réédition de « Histoires d’images » également en poche par les éditions Zoé.
 

L.B.K.

Florence Fix : « Henrik Ibsen », Coll. “Le théâtre de…”, Editions Ides et calendes, 2020.

Reconnu et salué de son vivant, le célèbre écrivain norvégien Henrik Ibsen (1828-1906) demeure encore de nos jours l’un des auteurs scandinaves les plus lus et joués, ses œuvres faisant aujourd’hui encore une large place aux débats, interprétations et créativité des mises de scène ou réalisations. Mais, connaît-on pour autant l’auteur d’« Une maison de poupée » ou des « Revenants » ?
Florence Fix, professeur de littérature comparée à l’Université de Rouen-Normandie, nous dresse dans cet opuscule de la collection « Le Théâtre de… » aux éditions Ides et Calendes, un portrait, tant de l’écrivain que de l’homme qu’il fut, vivant, saisissant et complexe.
Sous la plume de l’auteur, c’est en effet un homme aux multiples facettes et paradoxes qui se révèle. Patriote convaincu, ayant quitté la Norvège pendant plus de vingt-sept ans, il fut cependant extrêmement sévère et critique envers sa terre natale et a laissé des portraits au vitriol de ses compatriotes. Conservateur, mais prêt à défendre l’émancipation féminine ; Autodidacte, bourgeois, mais défendant également la condition ouvrière… la complexité de la personnalité du dramaturge déroute.
Si les œuvres d’Ibsen ont, en effet, suscité de leur temps réactions et échos, faisant souvent scandale à son époque, l’écrivain ne cesse encore de nos jours de nous surprendre. Donné pour maître du drame moderne, traduit notamment par le célèbre et regretté Régis Boyer, son œuvre demeure « éminemment hors frontière », souligne Florence Fix. Là, réside assurément la profondeur et la force de ses œuvres.
Celui que l’on surnomma souvent le « Zola du Nord » a, en effet, laissé une œuvre offrant un imaginaire marqué par les sagas scandinaves et la dureté du climat nordique portant à la solitude. « Le seul auteur norvégien du XIXe siècle célèbre dans le monde entier transporte avec lui les brumes du nord et un imaginaire voué aux paysages âpres, aux âmes fortes et solitaires qu’une terre inhospitalière porte à la bravoure autant qu’au mysticisme. », écrit l’auteur en son introduction.
Une riche et complexe personnalité ayant suscité tout autant la plus vive admiration que la critique la plus acerbe de ses contemporains au même titre que Zola ou Victor Hugo, et que Florence Fix cerne en ces pages avec beaucoup de subtilité.

L.B.K.

« Cahier Paul Celan » Dirigé par Bertrand Badiou, Clément Fradin et Werner Wögerbauer, 256 pp.
Cahier de l’Herne, 2020.
 

En cette année 2020, le poète allemand Paul Celan aurait eu cent ans… Mais le destin tragique de cet homme allait en décider autrement. Si ce grand poète est aujourd’hui largement reconnu et salué, reste que son écriture demeure jugée souvent hermétique appelant une porte d’entrée. Ce dernier Cahier de l’Herne qui lui est entièrement consacré est donc particulièrement bien venu pour aborder une œuvre à la fois exigeante et d’une acuité implacable.
Le destin du peuple juif au XXe siècle gravera inexorablement non seulement le style mais aussi l’âme de son écriture. Cette cicatrice portée par le réel avec la Shoah accompagnera, en effet, Paul Celan tout le reste de sa vie jusqu’à sa mort volontaire en 1970. Et pourtant rien ne destinait le jeune Paul à cette destinée. Plein d’espoirs et très tôt porté vers la poésie, Paul Celan a nourri un souvenir ému pour sa ville natale de Tchernowitz où il mena une vie d’adolescent plein de vie. Mais, très tôt le poids de l’antisémitisme pointe et gagne sa poésie dès les années 30. Cette menace nazie n’est cependant pas encore blessure dans la chair, tout juste une sourde inquiétude. La mère tant aimée de Paul est abattue d’une balle dans un camp de concentration alors que son père y décédera du typhus. La malédiction est définitive et ne quittera dès lors plus les poèmes de Paul Celan.
Viendront après les années d’exil à Bucarest et Vienne, qui ne parviendront pas à apaiser cette âme blessée à jamais, même si nait durant ces années un amour indéfectible pour Ingeborg Bachmann. Paris sera, cependant, la ville du refuge après le désastre et l’horreur, mais le poète continuera de chercher dans la langue le moyen de traduire l’indicible, juguler le mensonge.
Le choix des mots, leur sonorité et allitération, sont autant de vecteurs que Paul Celan ne cessera d’explorer ainsi qu’il ressort des études rassemblées dans ce Cahier. Ces années parisiennes enfin seront celles aussi des caves de jazz, des logements de fortune dans de petits hôtels jusqu’à sa rencontre avec Gisèle de Lestrange qu’il épousera en 1952.
Le Cahier de l’Herne Paul Celan dirigé par Bertrand Badiou, Clément Fradin et Werner Wögerbauer dresse un portrait transversal et riche de cette personnalité si complexe à partir de nombreux documents inédits (lettres, traductions et notes privées). La fascination pour de grands poètes comme Hölderlin, ses nombreuses correspondances, les crises récurrentes qu’il connaîtra tout le reste de sa vie, et avant tout sa poésie, sont en ces pages analysées par les meilleurs spécialistes du poète.
Une approche aux facettes multiples qui parvient à rendre plus « familière » et accessible l’écriture de Paul Celan, un défi réussi.

Philippe-Emmanuel Krautter

Frédéric Jacques Temple : « La Chasse infinie et autres poèmes. », Édition de Claude Leroy, Coll. Poésie/Gallimard, NRF, Éditions Gallimard, 2020.
 

« La Chasse infinie et autres poèmes » de l’écrivain et poète Frédéric Jacques Temple, dans cette édition établie par Claude Leroy, est un moment inouï et rare de poésie. Frédéric Jacques Temple a traversé le siècle passé à la manière de sa poésie parcourant les lieux et les espaces sans jamais de frontières. Le monde, du nord au sud, d'est en ouest, sera pour lui le plus bel espace de liberté et de poésie, « Faire voyage de tout », retiendra pour titre de sa préface Claude Leroy. L’ouvrage s’ouvre par « Foghorn », tels des messages venus de loin, des cartes postales, balises, bouées, « le plus souvent corne de brume », dira le poète.
Proche de Cendrars, de Joseph Delteil, d’Henry Miller, de Lawrence Durrell, Richard Aldington (Les Cinq) ou encore d’Edmond Charlot, le poète aime les rencontres, les liens cosmopolites que sa poésie a su si bien traduire. Des conversations au-delà des conventions et des mots, pour des poèmes toujours dédiés à un ami. Claude Leroy souligne combien Temple « se présente comme une longue invitation au voyage. Sous le patronage de Jules Verne qui lui a ouvert le monde des livres, et de l’Oncle Blaise, qui l’a initié au livre du monde, et désormais porté par la confiance du groupe des cinq. » Liens et partage indissociablement reliés, partage des rencontres, des souvenirs et de la mémoire sur les ailes du temps. Pour le poète, « Le monde se feuillette comme un livre ouvert qu’une vie, aussi gorgée de lectures, de voyages et d’aventures qu’elle puisse être, ne suffira pas à déchiffrer. », écrit encore Claude Leroy.
Convoquant les sens, les harmonies et les correspondances, la poésie de Frédéric Jacques Temple est habitée d’affinités, de liens avec ses amis, mais aussi avec les plantes qu’il collectionne, les pierres, les livres, les voyages et les Mondes. « La Chasse infinie », recueil qui donne son titre à cette édition. Des espaces ouverts qu’il parcourt, arpente et sillonne, des mondes qu’il découvre, déchiffre, des présences qu’il cherche, convoque et retrouve ; voyage dans le temps fait d’amis, d’ombres et de mots. Secret alliage de passion, de magie et de la présence des esprits. Le poète occitan n’a-t-il pas été nommé « Celui qui vient avec le soleil » par les Indiens du Nouveau-Mexique ?! Le Midi et le Sud, ensorcelant, désolé, désolant, mais emplis de cette lumière des réminiscences impriment la poésie de Temple, la guerre aussi, et en contrepoint, les insectes, les oiseaux, les fleurs et les arbres, tel ce poème « Beija-Flores » extrait du recueil « A bord du Mélusine » :

« Abeille
Oiseau
Vibrion de lumière
Immobile désir
Frémissant
Sur les lèvres
Des fleurs »

Envers et contre tous courants, tendances ou modes, Temple a su toujours regarder son phare, son étoile, celle de mer, de sable ou du berger, et avancé en voyageur ou pèlerin sur le long chemin de la vie…

« J’ai marché très longtemps
Dans les poèmes de Longfellow. »
(Ombres)

Ouvrant cette édition, qui fête presque le centenaire du poète né en 1921 à Montpellier, iI ne faut pas dissocier l’homme, l’ami, le voyageur et le poète ; Sa poésie est sa respiration et le « Kaléidoscope » son existence même. « Le plus étonnant des voyageurs, le seul qui mérite pleinement ce nom, est celui qui sait faire voyage de tout », rappelle Claude Leroy. Et Temple, c’est cela.

L.B.K.

« Paul Valéry – La renaissance de la liberté ; Souvenirs et réflexions » ; Édition établie par Michel Jarrety, 208 p., Coll. Omnia Poche, Editions Bartillat, 2019.
 

C’est toujours avec curiosité et un plaisir certain que le lecteur entreprend la lecture de textes inédits ou rares de Paul Valéry (1871-1945). Et, tel est bien le cas avec cette réédition dans la collection Omnia Poche de « Paul Valéry ; La renaissance de la liberté ; Souvenirs et réflexions » proposée par les éditions Bartillat. L’opuscule livre en effet à la lecture et connaissance pas moins de vingt-cinq écrits de l’écrivain s’échelonnant des années 20 à la fin des années 30. Des lettres, discours ou textes destinés pour beaucoup à des revues ou quotidiens, mais qui pour certains et pour diverses raisons ont été écartés ou non repris ultérieurement. À cette époque de l’entre-deux-guerres, l’écrivain a acquis une renommée certaine qui ne devait jamais plus se démentir ; Il entrera à l’Académie française en 1927, et à cette occasion sera créée à sa demande une chaire de « poëtique ».
Présentés et accompagnés d’un appareil critique concis et rigoureux par Michel Jarrety, professeur à la Sorbonne et spécialiste de l’œuvre de Paul Valéry auquel il a déjà consacré une belle biographie, l’ouvrage se révèle sur nombre de points abordés par l’écrivain et poète d’une acuité, modernité ou actualité troublante. Littérature, poésie, Europe, mais aussi théâtre ou encore cinéma, peu de domaines échappent à son grand angle de réflexion et d’analyse.
L’ouvrage s’ouvre par une série de lettres ou d’hommages que rédigea Paul Valéry pour des amis proches ou que le temps a éloignés ; Des écrits conjuguant à la fois souvenirs du poète et les liens que ce dernier a pu entretenir avec de grandes figures de la littérature française ou du monde diplomatique ou politique, notamment sa rencontre avec Pierre Louÿs, Gide, puis Mallarmé… Occasion pour le lecteur de retrouver les années de jeunesse de celui qui deviendra Paul Valéry, telle cette première lettre de 1923 dans laquelle il revient sur « Le Montpellier de 1890 », ce Montpellier de la fin du XIXe siècle qui fut le sien.
Le lecteur pourra également apprécier une analyse de la poésie du XIXe siècle et l’incomparable influence de Baudelaire. Un texte qui ouvre une série d’écrits à forte valeur littéraire notamment « Mon œuvre et moi » dans lequel Paul Valéry y révèle son propre rapport à l’écriture, à l’œuvre, son développement et parcours poétique. Le lecteur y découvrira également un texte sur « L’avenir de la littérature », l’avenir du livre papier, de la langue, publié dans le New York Herald Tribune de 1928 et d’une saisissante modernité… Avec un siècle d’avance, Paul Valéry y expose pour le livre et la littérature les plus « sinistres prophéties » appuyées sur une longue série de faits et d’arguments. Relisant ces pages d’un sombre avenir littéraire, ne peut-on être tenté – ou rêver – de penser que la survie du livre, soumis à plus d’un siècle de doutes et questionnements, révèle peut-être à elle seule, en fin de compte, toute la spécificité, la force et valeur de ce « non-objet » nommé livre donné depuis si longtemps pour mort ?
Dans « Préambule », écrit en 1928 pour l’ouvrage « Poësie », mais qui sera édité sans, l’écrivain se penche sur la question délicate de « Comment expliquer la poésie elle-même ? » Comment définir le poète, la vertu ou « le tempérament poétique » ? On ne peut que mesurer la difficulté de la tâche ardue que Paul Valéry s’était alors assigné…
Enfin de nombreux textes de ces années d’entre-deux-guerres sont consacrés à l’Europe, ou plus précisément, ainsi que le soulignait Paul Valéry lui-même, à « La question de l’Europe » ; Un « esprit européen » qui lui tenait particulièrement à cœur (lui, qui était entré dès 1922 à la SDN - au Comité National Français de Coopération Intellectuelle), et sur lequel il revient, en ces textes, à maintes reprises.
L’angle de réflexion de Paul Valéry est assurément un grand angle, tourné tant vers le passé que l’avenir, et ouvert sur l’Europe et le monde. Tel un « L’homme d’Univers », cette notion que lui inspira Goethe, et que l’écrivain développera dans un texte de 1932 donné, ici, à lire (Goethe, dont Paul Valéry n’avait pu lire, à cette époque, que les rares traductions existantes en langue française, dont « Le Faust » de Nerval).
Que de réflexions et « Vie de l’esprit » en ces pages ! Mais la boutade préférée de Paul Valéry n’était-elle pas : «C’est intéressant, il faudrait y réfléchir… »

L.B.K.

Paul Valet : « La parole qui me porte », Préface de Sophie Nauleau, Coll. Poésie/Gallimard, 224 p., n°549, 2020.

Lire Paul Valet (1905-1987), c’est sombrer dans un vertigineux gouffre poétique, un abîme hanté d’insoumission et de refus dont on ne saurait ressortir indemne. La poésie de Paul Valet offre cette concentration rare et intense de mots, des vers puisant à l’impensable humain et livrant une poésie de l’inconcevable où la puissance de vie du poète souffle, en dépit de tout, l’extrême force du désespoir ; En témoigne ce court poème « Pour survivre » ouvrant « Le Refus » du recueil « Table rase » :

« Dans ce monde clos de morts
Où l’espoir enterre l’espoir
Il me reste le Refus
Pour survivre »

Ces vers disent à eux seuls le parcours libre et singulier du poète, de son vrai nom Georges Schwartz ou Grzegorz Szarc, marqué du fer de l’insoumission et de révolte contre toutes les formes d’oppression. Fuyant la Russie de 1917 à l’adolescence pour la Pologne, puis la France en 1924, il verra tous les siens disparaître à Auschwitz ; Grand résistant sous l’Occupation, il deviendra médecin des pauvres après-guerre à Vitry. La biographie établie par son fils pour Jacques Lacarrière en 2001 - « Soleil d’insoumission » - le dit mieux que tout autre et par son seul titre le grave à jamais. Les vers du poète sont forgés au fer rouge, des mots écorchés, des aphorismes aux plaies béantes, stigmates de cette poésie singulière et puissante. Écoutons encore ces vers venant refermer le dernier recueil «Paroles d’assaut » :

« La pensée qui se pense
Dévore ses entrailles

Quand tout croule
L’Écroulement se fige

Infaillible est le regard
De l’Oubli qui survit »

Paul valet arrache sa force au désastre, au chaos et au néant, des antinomies implacables, des mots incisifs, pour résister et survivre dans une ultime et désespérée communion, tel un chemin de croix. Une poésie née sur les cendres des moribonds et des morts-vivants. Ce sont les ultimes cris du désespoir des rescapés et survivants qui s’y lisent. Musicien, peintre, repéré par Henri Michaud, le poète se liera avec Eluard, Prévert, mais aussi Char ou encore Cioran. Nul nihilisme ni dépit chez Paul Valet, mais une force de vie aux racines nues, telle une épiphyte, cette orchidée aux racines suspendues au-dessus du néant, un « courage d’exister » que Sophie Nauleau souligne dans sa préface et qui aurait dû être le thème du printemps des Poètes en cette année 2020. Qui mieux que Paul Valet pourrait par ses vers nous dire cette force de poésie qu’il a fait sienne en dépit de tout ?

« J’épelle dans le chaos
Ma liberté première

Ma poésie
Riposte à l’existence

Dernier rempart vivant
De l’insécurité

Puissant contrepoison
De toute prédication

Virus insupportable
Pour le néant souriant »
(Extrait de « Ma part » du recueil « La parole qui me porte »).

La poésie de Paul Valet est un gouffre abyssal où se crie dans le chaos un élan vertigineux. Un chaos - « l’Élu du chaos», ainsi que le surnommera son ami Guy Benoît - ou cet incommensurable « Vertige », titre qu’il donnera au dernier recueil publié de son vivant, qu’il verra publié - presque déjà de trop loin - la veille de sa mort ; Paul Valet s’éteindra le 8 février 1987.
Cette dernière parution aux éditions Poésie/Gallimard consacrée à Paul Valet, qui suit la parution en début d’année de « Que pourrais-je vous donner de plus que mon gouffre ? » aux éditions du Dilettante, n’offre pas moins de quatre recueils majeurs du poète, « Lacunes », « Table rase » et « Paroles d’assaut » précédé de « La parole qui me porte », recueil qui donne son titre à l’ensemble de l’ouvrage.
 

L.B.K.

Guy Goffette « Pain perdu », Nrf, Gallimard, 2020.
 

L’homme ne cesse de questionner la valeur symbolique du pain dans notre culture depuis qu’un premier paysan de l’orient lointain eut l’idée de recueillir la farine de cette graminée sauvage afin de « réjouir le cœur » comme le scande la Bible, un « panem nostrum » qui rime avec vie dans notre mémoire. Quelle quête poursuit dès lors l’un des plus fameux poètes contemporains lorsque son dernier recueil prend pour titre « Pain perdu » ? Une recette de vie, de l’enfance ? Poésie, assurément…
C’est en gare d’Épernay et de la Champagne crayeuse, que le poète aperçoit sur le quai un pêcheur hissant avec peine sa barque, scène ouvrant vers des horizons lointains sur les ondes, tout en demeurant dans son compartiment, évasion quotidienne que les vers accompagnent comme un voyage au long cours. Le temps précieux, un temps doré inaltérable, court en filigrane dans la poésie de Guy Goffette. « Tempus fugit » aurait pu dire « Ulysse à jamais ébloui », si Virgile ne l’avait fait pour lui quelque temps, et vers, plus tard. Il s’agit alors d’« ouvrir la porte de l’aube et suivre l’ivresse de son chien vers les collines qui délacent les vertèbres d’un ciel trop longtemps pris aux grilles des forêts ». « Un temps manœuvre dans le temps à quoi rien ne résiste » pour un printemps précoce ; « Le temps nous use » confie encore le poète. Il peut être compagnon de route, souriant ou ombrageux, mais poursuit toujours sa course.
Lorsqu’il neige au dehors et que « l’aube piétine et regarde sa montre », quelques vers plus loin, « le temps manœuvre dans l’espace de l’hiver » ; Comment rester lucide lorsque « nous avançons à tâtons dans le labyrinthe des jours » ? Tout en ne voulant rien perdre et en ne gagnant rien ?

Souvenirs éperdus perdus comme un rubis
jeté dans l’herbe haute au fond des corridors
voilà bien la mémoire elle renverse tout…

(Les Cercles)

« Ite missa est », allez, la messe est dite, lorsque le destin frappe par trois coups et que la scène de nos vies s’avère bien vide. Alors, il faut faire le premier pas, celui qui fait mal, « dans le feu du matin ». Guy Goffette, loin de se complaire dans la nostalgie dessille nos yeux sur ce qui est précieux, trésors des enfants trop vite devenus adultes, « tous nous reviendrons un jour dans la cuisine d’enfance »…
Redécouvrons alors cet « Art de peu », ces mots qui claquent et qui brillent, « de bric et de broc », tout ce que la vie laisse à notre portée – comme un « Pain perdu » – et que nous pourrons retrouver et goûter grâce à la poésie de Guy Goffette !

Philippe-Emmanuel Krautter

"A la merci du désir" de Frederick Exley, Éditions Monsieur Toussaint Louverture, 2020.

C'est une écriture cash ! Avec « À la merci du désir », Frederick Exley ne laisse pas le lecteur bien tranquille dans ses pantoufles, il dépote et parle de cette Amérique puritaine qui à littéralement explosé après la guerre du Vietnam, mais aussi avant, dans la jeunesse de Exley (1929-1992). « Je ne cesserai jamais de hurler à que point le monde des années quarante et cinquante pouvait être étouffant, pétrifiant, à quel point on sentait peser sur la moindre de nos paroles, le moindre de nos actes, la moindre de nos pensées mêmes, une effrayante chape de plomb qui nous menaçait des pires rétorsions pour tout acte ou toute pensée atypique, à quel point nous finissions tous, d'une manière ou d'une autre, par vendre nos âmes à cette rigide image puritaine que la société avait d'elle-même... » Alors est-ce pour cela que Frederick Exley, auteur d'un chef-d’œuvre qu'il déteste « Le dernier stade de la soif », pourtant couronné en 1969 du prix Rosenthal - « Si l'on est pas écrivain, il est difficile de comprendre avec quelle passion profonde on en arrive à haïr sa propre création... Ce bouquin, cela faisait des années que je n'en avais pas gardé un seul exemplaire dans un rayon de deux kilomètres autour de moi... » - décide de nous raconter sa propre expérience, sa vie, par le biais de la vie de son frère, « le Général », militaire qui souffre d'un cancer en phase terminale et va mourir. Il est paranoïaque, alcoolique, refusant rarement une dose de drogue, il a fait quelque séjours en hôpital psychiatrique, il mène une drôle de vie où pratiquement rien de ce qu'il pourrait prévoir ou vouloir dans ses moments de lucidité ne se passe en réalité. Il fait des rencontres hallucinantes, se laisse embarquer dans des amours impossibles, se fait manipuler par un Irlandais à moitié dément, réclame son dû de sexe et d'amour, tombe amoureux frénétiquement de nymphomanes, il est à un stade ou réalité et fantasmes se mélangent joyeusement ou dangereusement, et le secours de sa psychiatre ne lui sauve pas toujours la mise, voire jamais. Bref, il n'a pas de limites et vit dans une sorte de colocation avec lui-même à la merci de ses désirs et des dangers attenants... seul le sport, le football américain, lorsqu'il était jeune, semble lui avoir apporté une illusion d'équilibre « Mon gourou, c'était mon entraîneur de football au lycée... »
La famille, les relations avec la fratrie, la folie qui cogne à la porte, les copains, les filles, les pulsions de tous ordres, incontrôlables, la violence sociale de cette Amérique en déclin et sa jeunesse qui veut se libérer, voilà cette vie couchée sur le papier ; Une vie donnée comme une confession ou un testament…

Sylvie Génot Molinaro

Federigo Tozzi : « Les choses, Les gens », Traduction de l'italien et postface de Philippe Di Meo, Éditions La Baconnière, 2019.

Federigo Tozzi traverse le paysage littéraire italien comme un astre éphémère, concluant le XIXe siècle et ouvrant le XXe, mort prématurément à l’âge de 37 ans. Cette fugacité explique peut-être sa relative méconnaissance hors des frontières de son pays, méconnaissance à laquelle vient remédier une belle édition réalisée par Philippe Di Meo aux éditions La Baconnière à Genève. 2020 marque le centenaire de la disparition de l’écrivain, ses œuvres complètes en italien viendront également célébrer cet anniversaire. Federigo Tozzi naît à Sienne en 1883 dans un milieu de la petite bourgeoisie mais la disparition de sa mère et ses rapports conflictuels avec son père marqueront à jamais son adolescence. Cette fragilité cisèlera la plume de l’écrivain-poète en d’inoubliables efflorescences dont le présent volume réunit quelques beaux fragments, l’auteur ayant conçu une trilogie dont « Les Bêtes » paru de son vivant constituait le premier volet, suivi de « Les choses » et « Les gens » réunis dans cette présente édition. Auteur salué par le grand Italo Svevo, la valeur de Federigo Tozzi commença à être soulignée à partir des années 60 en Italie, et nul doute qu’aujourd’hui en France, un grand nombre de lecteurs trouveront dans ces pages le plaisir d’une écriture singulière et d’une âme à la sensibilité bouleversée.
Le présent recueil débute par « Les choses », une réunion de fragments épars qu’une surprenante lucidité éclaire dans les affres les plus profondes pour celui qui avouait : « Nous avons en nous une existence faite de musiques silencieuses qui donnent à nos mots la sonorité de notre humanité individuelle… ». Cette sensibilité exacerbée permet au poète ces fulgurances : « On entend naître les roses, derrière le mur ». Il y a une beauté certaine chez Tozzi avec cette « Tristesse des choses que j’aime ! », une pénombre qui pourrait, à tort, être perçue comme une noirceur irréversible. Car, ces nuages ne parviennent pas pour autant à dissimuler cette couleur bleu turquin récurrente en ces pages, une espérance azuréenne qui tient lieu de respiration à l’auteur. La nature est omniprésente pour celui qui a grandi dans la campagne siennoise, une nature qui s’immisce dans l’intimité de sa poésie à un point tel que cette porosité laisse croire parfois à une disparition du sujet qui chancelle et tremble jusqu’en ses plus intimes perceptions. Mais ce discours intérieur réserve toujours des surgissements inattendus : « Là-bas, au loin, il y a une écharpe de mer qui semble être une chose sèche ». Le rapport au sacré est tendu, récurrent, fait d’attractions et de répulsions, une scansion indicible et incontournable dont le poète ne saurait se départir. La fragilité invite aux réunions des contraires, « Je sens en moi une ferveur de réalité… », confie-t-il comme un testament dans ce questionnement incessant du monde. Une écriture, un style et une profondeur dont Philippe Di Meo a rendu toute la délicatesse avec ce beau volume d’aphorismes poétiques et ciselés.

Philippe-Emmanuel Krautter

Oê Kenzaburô : « Notes d’Okinawa », Traduit du japonais par Corinne Quentin, Édition Picquier, 2019.
 

En éditant « Notes d’Okinawa » du grand écrivain japonais Ôe Kenzaburô, les éditions Picquier ont fait choix d’un ouvrage fort, profond et qui ne saurait laisser son lecteur indemne.
Des notes écrites dans les années 1960 (mais cela pourrait être un autre siècle, le suivant…), lorsque l’écrivain se rend dans l’archipel d’Okinawa (mais cela pourrait également être un autre archipel ou un continent ou autre pays…) et se trouve pris dans les mailles serrées de sa japonité, du passé, la gentillesse et ce rejet, comme un implacable écho, des habitants d’Okinawa. C’est alors un abîme de questions qui l’assaillent… « Qu’est-ce d’être un Japonais et n’est-il pas possible de se transformer en un Japonais qui ne serait pas de ce genre ? », questionne inlassablement la voix intérieure de l’écrivain se rendant et retournant encore et encore à Okinawa...
Cet étrange archipel, à cette époque encore sous administration et domination américaine, et à la face duquel le Japon entend afficher son indépendance tout en lui demeurant « furtivement » dépendant, souligne Ôe Kenzaburô. Hontô, île principale d’Okinawa, Ishigaki, l’île du poète journaliste, Yaeyama, Iriomote, l’île des montagnes et des chants populaires, l’écrivain observe, écoute et s’interroge, un voyage introspectif dans un archipel incarnant le rejet et distillant dans ses veines à chaque silence toujours plus fort et tendu, l’amer et inexorable poison de l’impuissance face à une vérité écrasante… « Conscience japonaise d’être soi » ou conscience du monde humain. Oser aller au cœur des questionnements avec cette écriture sans faille, exigeante et sans concessions qu’est celle d’Ôe Kenzaburô.
Bien sûr, l’ombre brûlante du nucléaire hante ces pages. Rappelons que la force d’écriture d’Ôe Kensaburô, prix Nobel de littérature en 1994, puise sa force dans l’histoire du Japon, d’Hiroshima, de ses victimes. Irradiées. Nagasaki. Irradiés. Mais aussi Okinawa avec ses bases américaines, ses bases sous-terraines, ses déchets nucléaires et gaz toxiques. Suspicion, silence. « Allez au bout de la question et savoir, vous sert à quoi ? », interroge encore la voix intérieure.
Ce sont des témoignages forts qui, tels des points d’ancrage, scandent les pages de ce livre. Témoignages d’irradiés de Nagasaki, d’Okinawa… Paysage et vies dévastés, hantés dans lesquels se glisse pourtant le poète…
Des pages d’une acuité déchirante, d’une lucidité écrasante. Tension, indignation, révolte, le rejet comme point de départ, plus encore pour le poète impassible, immuable dans son sourire et la ténacité persistante de ses silences. Les questions s’embourbent, les hommes tels des ombres avancent ou oscillent, la souffrance, la douleur, des plaies profondes, intérieures, dont la cicatrice ne guérit pas…
« Comment… ? », martèle en son for intérieur l’écrivain prendre conscience, nommer, lorsque « sur le mur qui clôt l’impasse on ne trouve qu’une tête fracassée et sanglante. » Alliage tranchant de colère froide et de désespoir du poète, et le goût amer du dégout de soi. Les questions soulevées par Ôe Kenzaburô dans cette quête d’honnêteté tant intellectuelle qu’humaine sont nombreuses ; par-delà le mur de la question du nucléaire, la folie, la démocratie, la loyauté, l’intégration… s’y trouvent réfléchies par un effet boomerang. Il faut les appréhender dans toute leur réalité et contemporanéité, histoire et présent. Un livre exigeant, profond, de cette force existentielle qui bouscule, ébranle et poursuit.

Depuis ce jour
Le pays natal dans la mer du sud
Est devenu un serpent.
Ce serpent que la douleur lancinante de l’arme atomique
Engourdit
Quand, agonisant, il se tortille et s’entortille

Bien que publié initialement en 1970, l’auteur a souhaité pour cette édition française, traduite en langue française par Corinne Quentin, y ajouter des textes très récents de 2015 notamment sur la question du nucléaire. Un très bel ouvrage marquant, en cette année 2020, le 85ème anniversaire de ce grand écrivain japonais.
 

L.B.K.

Victor Hugo : « Les Contemplations », Préface de Charles Baudelaire, Édition présentée par Pierre Albouy, Bac 2020 Folio, n ° 6679, 2019.

Réédition en Folio des « Contemplations » de Victor Hugo incluant la préface de Charles Baudelaire et présentée pour cette édition par Pierre Albouy. Un classique saisissant, n’ayant pris aucune ride. Confession d’une conscience, d’une mémoire, celle d’un géant de la littérature ; Souvenirs, réminiscences, impressions, hantés de fantômes dans la brume des années et de l’âge. Énigme et destinée de la condition humaine ; Âme cheminant « de lueur en lueur en laissant derrière lui la jeunesse, l’amour, l’illusion, le combat, le désespoir, et qui s’arrête « au bord de l’infini » » écrit Victor Hugo. Un abîme offrant un chef-d'œuvre qu’il convient de lire, ainsi que le souligne Pierre Albouy dans sa préface, « comme on lirait le livre d’un mort. ». Deux temps, deux chapitres - « Autrefois » et « Aujourd’hui » - avec pour fatale césure la mort, « Un abîme les sépare, le tombeau », écrit encore Pierre Albouy. Une édition complète intégrant chronologie, notices et notes.

Delphine Rey-Galtier : « Le théâtre de Michel Vinaver », Éditions Ides et Calandes, 2019.
 

C’est un bel essai sur Michel Vinaver que nous propose Delphine Rey-Galtier, enseignante de Lettres et de théâtre, avec cet opuscule nommé « Le théâtre de Michel Vinaver » aux éditions Ides et Calandes. Vinaver ne s’est pas seulement imposé, dès les années 50, dans le monde du théâtre, il a également su imposer à la grande scène du Théâtre même une vision, sa vision, élargie et singulière. Venu au théâtre un peu par hasard, dira-t-il, Vinaver, dramaturge et écrivain, a en effet écrit de nombreuses pièces, plus d’une vingtaine à ce jour à son actif, pour la plupart mises en scène, et pour lesquelles le dramaturge a reçu prix et honneurs. Une vision tant du théâtre que du monde que Vinaver a également développée dans ses ouvrages, essais ou critiques sur le théâtre (sans oublier ses romans et traductions). Une vision personnelle et tranchée que Delphine Rey-Galtier a entendu en ces pages non seulement exposer, mais surtout explorer mettant parfaitement sous la lumière des projecteurs, au fil des chapitres, ce qui caractérise probablement le plus Vinaver : son rapport au vivant et à l’immédiat. Ce sont les « Paysages Vinaveriens » qu’a souhaité retracer l’auteur de cet essai. Des paysages tissés des fils du réel, de l’histoire et de la mythologie, avec pour prédilection, entre autre, Georges Dumézil ou encore Jean-Pierre Vernant ; Un entrecroisement soumis au vent de la poésie, celle notamment de T.S. Eliot. « Un à un les fils se relient » dit-il encore.
En une distance toujours maîtrisée, Vinaver interpelle, en effet, le spectateur et plus encore celui qui se cache dans son for intérieur, l’homme et le monde, « des voix et des corps »… mais, aussi les ombres et la mort, donnant « la parole aux morts ». Un dialogue direct, sans supercherie ni détours, et empreint de cette poésie qu’il sut insuffler à l’ensemble de son œuvre. Delphine Rey-Galtier souligne combien les positions de Vinaver sont affirmées, se traduisant dans son style par une écriture vive et hachée, souvent fragmentaire. Il y a dans son œuvre non une résistance, mais bien des résistances, un réenchantement du monde…
Avec son propre style, l’auteur de cet essai dresse bien plus qu’un portrait figé de Michel Vinaver, mais tel un metteur en scène, nous révèle en ces pages étayées tant l’œuvre théâtrale, le dramaturge, que l’homme. Une œuvre grande ouverte sur le réel, alternant entre ironie, dérision et tendre compréhension. Une œuvre pointant du doigt failles et gouffres pour mieux susciter inlassablement les doutes et questionnements, en un dialogue ininterrompu avec le spectateur. « Y a-t-il un service après-vente du capitalisme ? » Vinaver bouscule, c’est certain, mais avec cette poésie de langage et de la scène qui lui sont propres et que vient traduire, en ces pages, Delphine Rey-Galtier.

Jun’ichirô Tanizaki : « Dans l’œil du démon. », traduit du japonais par Patrick Honnoré et Ryoko Sekiguchi, Éditions Picquier, 2019.

Un captivant et envoûtant roman ! Tel est le roman, publié aux éditions Picquier, « Dans l’œil du démon » du célèbre romancier japonais Tanizaki. Un roman noir, sensuel et démoniaque, dans un jeu pervers et démentiel d’illusions, traduit ici par Patrick Honnoré et Ryoko Sekiguchi. Un roman palpitant confirmant, une fois de plus s’il en était besoin, l’exceptionnel talent de l’un des plus grands écrivains japonais du XXe siècle.
Le narrateur, écrivain, reçoit un appel des plus farfelus et étrange de son ami Sonomura, un oisif, fortuné, un brin cinglé, lui proposant de l’accompagner assister à un meurtre. Abasourdi et inquiet sur la santé mentale de son ami, l’écrivain tentera de le dissuader et de le raisonner, mais en vain…
Au même titre que le narrateur, le lecteur est déjà pris par d’étranges « démangeaisons de curiosité ».
Tanizaki avec ce roman mené comme un polar a pris soin de tisser finement la trame de cette étrange et captivante histoire. Énigmatique message codé inspiré du célèbre « Scarabée d’or » de Poe, ambiance de cinéma, de nuit et de pleine lune qui disparaît … Le rythme s’accélère, l’ambiance se noircit, sordide, plongeant le lecteur dans les bas-fonds de Tokyo et d’inextricables mystères qui tels des filtres ensorcelés le prennent à la gorge... Qui est cet homme ? Et surtout cette énigmatique femme ? C’est par un splendide, sensuel et irrésistible portrait que l’auteur, à moins que ne soit Sonomura lui-même, déploiera son filet… « Quelle sensualité, quelle fluidité dans l’attitude ! Dans la souplesse de son immobilité parfaite, alors même que pas un tremblement n’agitait son léger vêtement, toutes les courbes de son corps exprimaient, avec quelle aisance, la sensualité et la flexibilité d’un serpent qui ondule, d’une vague qui rampe. », s’exclamera le narrateur.
Quiconque tombe amoureux de cette sublime image féminine semble condamné par sa passion ; Sonomura pourra-t-il échapper à ce fatal destin et à sa propre mise à mort ? C’est une incroyable machination, entre désir, voyeurisme et obsession – les thèmes de prédilection de Tanizaki, qui se referme subtilement…
Un roman palpitant, empoignant et entraînant autant le narrateur que le lecteur dans un fantastique labyrinthe fait de sombres ruelles aux étranges miroirs et reflets d’illusions et d’apparences. Un jeu pervers qui fonctionne à la perfection jusqu’à… Ce déroutant matin où le narrateur éberlué retrouve son ami chez lui, bien vivant, l’attendant…
 

L.B.K.
 

ZÉBU BOY d'Aurélie Champagne - roman, Éditions Monsieur Toussaint Louverture - 2019.
 

Après la débâcle de 1940, l'Allemagne emprisonna presque deux millions de combattants de l'armée française. Soixante-dix mille indigènes furent parqués dans des Frontstalags sur le sol métropolitain... classés « sans race »... L'hiver 1941 fut rude. Vingt-cinq mille hommes succombèrent et tous les contingents furent décimés. Tous, à l'exception des Malgaches. Au recensement suivant, les allemands s'aperçurent même qu'ils étaient plus nombreux qu'à l'arrivée. On suspecta les soldats des registres d'avoir bâclé le travail. Mais dans le secret des cabanons nègres courait une toute autre rumeur. On disait qu’une poignée de tirailleurs malgaches avait acquis le pouvoir de se multiplier.
Ainsi commence « Zébu Boy » le roman d'Aurélie Champagne. C’est sur fond d’Histoire et de son histoire que l’auteur a décidé de partir à 20 ans sur l'île à la recherche de ses racines, elle y découvre le pays, mais décide surtout d'en rapporter les événements, ceux de cette tragique année 1947 et de ces hommes Malgaches aux étranges pouvoirs…
Le récit prend alors des accents, non seulement d’analyses historiques et ethnologiques, mais aussi de fables et de légendes ; Celles ayant entouré d’un mystérieux halo ces peuples envoyés au front, ayant combattu pour la métropole dans des conditions épouvantables en Allemagne, et miraculeusement revenus au pays. Mais, lorsque certains d'entre eux, rares survivants, sont rentrés au pays, le goût était bien aigre et la vengeance contre le pouvoir français en place sourdait. Comme les autres, il avait attendu des mois avant qu'un officier blanc n'évoque son retour au pays. Embarqué à Cherbourg, avec des milliers d'autres Malgaches, sur le bateau qui le ramenait chez lui sans indemnité, ni prime ni la moindre reconnaissance pour son action de résistance, ses souliers lui paraissaient être la seule preuve tangible de sa vie militaire.
Ce personnage en particulier, qui traverse toute l'histoire tant bien que mal, les autres l’appellent « Zébu Boy ». Qui est-il ? Et qu’attend-t-il vraiment maintenant qu’il est rentré ? Comment réussir à se reconstruire lorsqu’on est pris entre un passé fracassé par la guerre et un avenir qui ne peut être fait que de combats pour gagner la liberté ? Comment redonner leur honneur à tous ces hommes qui furent les vrais perdants de cette guerre ? C’est à ces impitoyables questions auxquelles Zébu Boy devra se confronter pour avancer…
Zébu Boy se lance alors dans le commerce d'aody, ces amulettes qui rendent invisibles les insurgés... Mais, que croit vraiment Zebu Boy depuis son retour des camps ? Son nouveau dieu ne serait-il pas devenu l'argent ? Tous seront-ils prêts à tuer ou mourir pour libérer leur terre, celle de leurs ancêtres, Madagascar ? Que fera celui qui pourrait gagner sur la crédulité de ses frères en jouant sur le contexte politique de l'île alors même qu'un chant révolutionnaire, qui rallie villes et campagnes depuis des mois, crie  : « Debout, jeunesse – Debout, soyez sans crainte – Le jour et l'heure sont venus ».

C’est ce chant qui résonne aux oreilles du lecteur de ce roman poignant tissé de réalité tragique, de croyances et légendes.

Sylvie Génot
 

"Trieste" de Roberto Bazlen, traduit de l'italien par Monique Baccelli. Édition illustrée de dessins inédits de Vittorio Bolaffio, Allia, 2019.
 

L’éditeur et intellectuel italien Roberto Bazlen a laissé un très court témoignage sur sa ville natale, Trieste. Cette personnalité hors du commun, écrivain sans œuvre, mais critique acerbe des lettres dont il sut repérer les pépites avec une rare acuité, était un adepte d’un livre unique (lire l’interview de Roberto Calasso). À la lecture de ce bref témoignage sur Trieste, le lecteur comprendra cette curiosité cosmopolite qui l’habitat sa vie durant. En quelques phrases incisives, Bazlen trace et dessine les lignes de sa ville natale, marquée d’une présence autrichienne à l’administration scrupuleuse et tatillonne. C’est – jusqu’en 1914 – une période d’opulence et de sécurité. La rigueur germanique donne lieu à des anecdotes croustillantes rappelées par l’auteur entre Italiens et Autrichiens, contribuant plus encore à accentuer cet aspect mosaïque de la ville, intrications de références littéraires, d’affaires et de commerce… La concision de l’auteur n’empêche pas un luxe de détails, quelques pages, parvenant à dresser ce fin état des lieux triestins à quelques années du premier conflit mondial. Si la culture allemande domine, Bazlen réfute l’idée d’un creuset, lui opposant l’esprit d’indépendance italienne qui se manifeste de plus en plus, les luttes de classes confondues à celles de nationalités interdisent toute fusion dans le fourmillement de cette ville portuaire. Bazlen évoque également ce cosmopolitisme culturel avec Rilke, bien sûr, mais aussi Joyce, sans oublier le grand Italo Svevo. Trieste s'avère être une formidable « caisse de résonance » de la culture européenne de l’époque selon l’auteur qui évoque  par ce témoignage sensible l'esprit des lieux. Ce petit ouvrage aussi agréable à lire qu’à feuilleter grâce à ses illustrations de dessins inédits de Vittorio Bolaffio est une porte entrouverte toute de pensées et de finesse sur cette singulière ville frontalière que fut et demeure encore Trieste, au lecteur d’en franchir le seuil…

Philippe-Emmanuel Krautter

Les Morts de Bear Creek – Keith McCafferty- roman, Éditions Gallmeister, 2019.

N'allons surtout pas croire que tout coule logiquement dans le sens de cette belle rivière du Montana... Sean Stranahan, peintre, guide pour pêcheurs à la mouche inexpérimentés ou pour ceux qui recherchent les bons spots, est aussi détective privé quand les circonstances le demandent. Martha Ettinger, le shérif du coin, aime bien enquêter avec Sean quand les circonstances le demandent, bien entendu... Alors, lorsque le même jour, une femelle grizzly affamée et accompagnée de ces petits, exhume deux cadavres sur les hauteurs de la montagne et que Sean est engagé par un club de pêcheurs quelque peu hors normes pour résoudre le vol d'une mouche des plus précieuses, les jours à venir semblent déjà bien remplis... Aux côtés de Martha, le flaire de Sean va être mis à rude l'épreuve, çà c'est sûr ! Chercher le plus vite possible qui sont ces deux hommes morts et les circonstances qui les ont menés à cette dernière étape de leur voyage, là dans cette nature à l'état brut, belle et puissante qui pourrait à elle seule tuer n'importe quel promeneur inconscient. Et quel « dingo » ou collectionneur averti a eu une soudaine envie de cette mouche en particulier ? Une double enquête qui, pas besoin de le préciser, ne sera pas de tout repos... Sans être familier du langage des pêcheurs à la mouche, on se rend vite compte que celle-ci, une Gray Ghost, a toute son importance dans cette affaire, comme le fait que les morts retrouvés semblent également avoir eu des choses à cacher… Pour résoudre le vol et élucider la mort de ces hommes, il fallait bien ce binôme, Martha et Sean, pour en venir à bout. Avec un humour bien tranchant, le franc parlé des personnages, et quelques questions existentielles quant à la manière de pêcher ou de mourir dignement, Keith McCafferty captive le lecteur dès le début de ce roman, et ce, jusqu'à ses propres notes où il nous confie le contexte de l'écriture de ce roman. Intrigues, questionnements, témoignages, ragots, vengeances, règlements de compte, amours, tromperies, tendresse, truculence des personnages aux caractères plutôt bien trempés et nature sauvage, tous ces ingrédients sont si bien mêlés qu'ils donnent envie d'aller jeter un œil du côté du Montana... une fois les affaires résolues, cela va sans dire, car tant que Martha et Sean enquêtent, il est plus prudent de rester chez soi...

Sylvie Génot Molinaro

Giorgio Pressburger : « Nouvelles triestines », traduit de l’italien par Margueritte Pozzoli, Editions Actes Sud, 2019.
 

C’est un voyage singulier dans l’univers de Trieste que nous offre Giorgio Pressburger avec cet ouvrage publié par les éditions Actes Sud et intitulé « Nouvelles triestines » (les Éditions Actes Sud ont publié la quasi-totalité de son œuvre littéraire). Romancier et dramaturge, Giorgio Pressburger (1937-1917), Hongrois d’origine, a vécu de longues années, plus de 60 ans jusqu’à sa mort, à Trieste, cette ville frontalière italienne. Loin des guides touristiques et autres clichés rebattus, l’auteur a choisi, dans la lignée de ces grands écrivains ayant tant marqué Trieste, de nous transmettre l’atmosphère si particulière et étrange de cette ville, non pas en nous livrant ses monuments ou rues, mais en nous contant des récits glanés, ici ou là, des récits tous plus singuliers et étranges les uns que les autres. Cela donne une suite de « Nouvelles triestines » déroutantes, curieuses et insolites, livrant chacune à sa manière un angle autre et différent. Sept récits traduits, ici, de l’italien par Margueritte Pozzoli , et que Giorgio Pressburger a, lui-même, entendus dans cette ville à nulle autre pareille ; des récits dans la tradition de Trieste, un bel et lourd héritage colorant ou nappant la ville de cette étrange atmosphère si propre à elle. L’ouvrage commence, comme pour mieux souligner ce legs singulier triestin, par une singulière histoire d’héritage, suivie par un tout aussi étonnant récit, celui d’une vieille professeur de piano dont les accords et gammes rencontrent de bien curieux échos… des cris, des hurlements, du vacarme où se mêlent en arrière-fond des battements de vie et de mort plus forts encore, des destins fragiles qui cognent ou martèlent et pour lesquels Dieu ou chacun se débat en un récit aux sonorités triestines. Des récits offrant ce style d’une étrange légèreté, une légèreté puisant toute sa force au plus profond de l’âme humaine ; l’âme même de Trieste où la vie côtoie, en d’étranges affinités électives, l’obscur et le nocturne. Cette ville éternellement littéraire dans laquelle, par la plume de Giorgio Pressburger, le lecteur déambule, erre ou divague avec pour chaque récit une curiosité et fascination tenaces qui ne le lâcheront plus.

 
L.B.K.

Oscar Wilde : « Rien n’est vrai que le beau ; Œuvres choisies, Lettres. », préface de Pascal Aquien, Quarto Gallimard, 2019.

S’il y a bien un auteur qu’il faut relire en ces temps pesants et à l’avenir incertain, c’est bien Oscar Wilde. Cet écrivain irlandais au désarmant humour british, épris de cette esthétique cultivée si malmenée de nos jours, et partant en lambeaux sans que personne ne les remplace... Oscar Wilde, c’est la vie pour l’art, l’art pour vie et un art de vivre certain, ainsi que l’annonce le titre de ce Quarto Gallimard consacré à l’écrivain - « Rien n’est vrai que le beau ». Avec une vive et riche préface, Pascal Aquien, auteur d’une biographie « Oscar Wilde, Les mots et les songes » (2006) ayant participé à l’édition de ses œuvres dans la « Bibliothèque de la Pléiade », donne assurément le « la » sous le titre « Lire Oscar Wilde, pour mieux vivre ».
Quel plaisir effectivement toujours renouvelé que de relire « Le portrait de Dorian Gray », œuvre majeure de l’écrivain, ce roman inspiré du « Faust » à la magie ensorcelante où le thème du double et du temps, sont abordés de manière si singulière. Rien n’importait plus à Oscar Wilde que d’aborder le sérieux de la vie avec la légèreté qu’il convient de lui imposer, et la légèreté avec tout le sérieux qu’elle mérite. L’écrivain ne se plaisait-il pas à dire : « J’ai mis tout mon génie dans ma vie ; je n’ai mis que mon talent dans mon œuvre. » Dans cette entreprise de faire de la vie, de sa vie, une véritable œuvre d’art, tant l’écrivain que l’homme, ne sont pas sans sincérité ni profondeur. Une profondeur que l’époque, les mœurs et les évènements de sa vie passionnément tumultueuse se chargeront largement de teinter de sombre et de noir. C’est cette autre facette de l’écrivain, profondément sombre, que l’on retrouve également dans ses œuvres ou lettres, dont celles écrites après le scandale de la révélation de son homosexualité, son procès, sa condamnation et incarcération à la prison de Reading. Un encrier d’encre noire renversé, comme des taches d’encre sur une page, mais qu’Oscar Wilde plia et déplia jusqu’à sa mort…
Outre, « Le Portrait de Dorian Gray », le présent volume réunit également les contes, histoires et nouvelles de l’écrivain. On y retrouve ainsi « Le Fantôme des Canterville » ou encore « Le portrait de Mr. W.H. ». Des contes souvent moins connus et dans lesquels l’imagination d’Oscar Wilde danse et se déploie, tel « Le Prince heureux » dont les yeux de saphirs versent des larmes devant la misère du monde et le conduiront à devenir ce mendiant aveugle dont le cœur ne cessera de battre… À ces contes, histoires et nouvelles vient s’ajouter en Appendice « Le chant du Cygne », « contes parlés » tels que l’auteur a pu les conter. Tissés de magie, de mondes merveilleux, Oscar Wilde s’y révèle un fabuleux conteur. Ces petits contes donnés de mémoire, dont Wilde aimait à varier les versions selon ses interlocuteurs, sont, ici, introduits par de nombreuses et savoureuses anecdotes.
L’ouvrage comprend également les lettres de l’écrivain écrites entre 1875 et 1900, année de sa mort, dont la fameuse lettre adressée peu de temps après sa libération au directeur de la prison de Reading et dans laquelle Oscar Wilde prend position pour améliorer le sort des détenus notamment celui des enfants. L’ouvrage se referme enfin sur deux forts dossiers - « Oscar Wilde et l’art » et « Oscar Wilde à Paris, Échos dans la presse, correspondances, les souvenirs. » ; deux annexes, tout comme la préface et biographie, largement illustrées.
Oscar Wilde n’est jamais tout à fait, là, où on l’attend, et relire ces « Œuvres choisies », c’est toujours y retrouver cette pensée, y puiser une réflexion, un aphorisme qu’on avait un temps laissé passer ou oublier, et qui donnent cette saveur toute particulière tant à l’œuvre qu’à la vie de l’écrivain.
À ce titre, il faut retrouver le goût d’Oscar Wilde.
 

L.B.K.
 

Jean-Luc Giribone : « La Nef immobile ; Sept contes sans fées », Coll. Les Cosmopolites, éditions La Bibliothèque, 2019.

Il faut entrer dans « La Nef immobile » de Jean-Luc Giribone comme on pousserait les lourdes portes d’un palais englouti, celles du « Palais du Récit », le premier des sept contes que donne à lire l’ouvrage. Dans cet étrange Palais, après avoir franchi les énigmatiques salles annonciatrices, s’impriment alors comme sur une bande vierge les événements, péripéties et étranges bruissements de ces « sept contes sans fées ». Il faut les laisser surgir comme lors d’un assoupissement, les laisser s’animer pour en percevoir toute la profondeur. L’auteur aime à se jouer de l’espace-temps, l’étirant, le rétractant en une étrange alchimie. Et, entre fiction et réalité, la poésie des pages exerce en une savante magie un ensorcellement d’optique et chromatique qui n’aurait probablement pas déplu à Goethe. La lumière se diffracte, le temps se condense, et les couleurs, bruits et mots s’entremêlent ou s’entrechoquent laissant transparaître les frontières floues d’un autre monde sans fous ni fées (ou presque). Un monde labyrinthique dans lequel l’auteur erre avec naturel et que Mircea Eliade n’aurait pas renié. Des univers à trois ciels dont le ciel social, invisible, bien moins bleu, et pourtant omniprésent. En ces lieux s’effectue le jugement de la « persona » ; là, les dieux pèsent telle la plume de Maât la réussite sociale condamnant ou non aux enfers de l’invisible et de l’anorexie sociale… Dans les méandres de ces contes, la réalité prend des airs fantasmagoriques et les rêves se prennent aux pièges d’une fatale réalité ; Et le joyau intérieur « devenu réel et il n’était pas vraiment fait pour, ça se voyait. Flétri, il s’affaissait sur lui-même comme une plante desséchée ; terni, il devenait une désertification pâle. » Les palais se métamorphosent en temples ou sanctuaires où les étoilent brillent de leurs larmes amères. Des mondes intérieurs et extérieurs laissent d’étranges liens se tisser entre conscience et psyché, une dialectique menant au « Soi » ou aux « Catacombes rouges », tel un mandala flamboyant aux allures toutes jungiennes. Aux confins des mondes de la réalité et de l’irréel, se vivent, il est vrai, d’étranges contes ; Chateaubriand n’écrivait-il pas : « Après ce cap avancé, il n’y avait plus rien qu’un océan sans bornes et des mondes inconnus ; ma jeune imagination se jouait dans ces espaces immenses ». Celle de Jean-Luc Giribone y plonge avec poésie et dérision. Un certain tournis prend le lecteur. C’est un vent virevoltant, celui d’ « une vision fantastiquement réelle », une respiration hypnotique étrangement maîtrisée, qui souffle dans ces « contes sans fées », mais non sans charme, jusqu’à cette « Nef immobile » entre mer et terre.
 

L.B.K.

Alec Scoufi : « Au Poiss’d’or », préfacé par Cédric Meletta, Coll. L’IndéFINIE, Éditions Séguier, 2019.
 

Plaisir que de plonger avec ce roman au titre sulfureusement évocateur, « Au Poiss’d’or », – non dans « un », mais dans « Ce » vrai Paname des années 20, ce Paris entre Clichy et Sébasto aussi sombre que haut en couleur sous la plume vive et enlevée d’Alec Scoufi.
Un Paris dont P’tit Pierre, un sale gamin de Saint Germain en Laye, rêve et pour lequel, comme pour un long tour du monde, il volera ses parents et fuguera avec « Cette amère certitude qu’un soir ou l’autre sonnerait l’heure de la fatalité » ; Ce sera alors pour P’tit Pierre les rencontres initiatiques entre mauvais ou chiches potes, flics et putains, et la découverte du monde trouble de l’homosexualité ; une homosexualité vécue, cachée à l’abri des péquenauds, redoutant les barbeaux et autres marlous de la zone… Auteur de plusieurs romans, poète et chanteur lyrique, Alec Scoufi a lui-même vécu les fonds troubles de ces années folles ; né en 1886 à Alexandrie, arrivé à Paris dans les années 20, il sera retrouvé assassiné, probablement par un de ses amants, rue de Rome en 1932. Sa vie demeure encore aujourd’hui entourée d’une étrange aura sulfureuse et mystérieuse, et plusieurs romans de Patrick Modiano y feront référence.
Avec ce roman écrit en 1929 à la verve infatigablement pigmentée, ce Parigot à l’accent rauque que l’on n’entend plus guère, l’auteur entraîne P’tit Pierre de Rochechouart à Barbès, de Pigalle à Sébasto ; Il y découvre les bars aux arrières salles enfumées, les étroits et sordides hôtels sans étoile, mais promettant « neige blanche » et « paradis perdus »… Lors des descentes, les gueules se font patibulaires ou marmoréennes, c’est alors pour P’tit Pierre « la poisse », surtout ne pas se faire serrer, « se faire poissé ». On sourit ou rit de cette gouaille toute parisienne, de ces dialogues enlevés, verts et croustillants entrecoupés de descriptions infaillibles et cocasses. Mais dans ce Paris bigarré, l’auteur sait aussi y glisser ce charme si singulier et désuet d’un Paname aujourd’hui disparu ; cette poésie d’un Paris fantasmagorique à nul autre pareil. Et, entre « Le Poiss’d’or », petit hôtel meublé où trouvera refuge P’tit Pierre, les lupanars de fortune, le pèze et le flouze, les boulevards rient aussi certains soirs de manèges et de fêtes, masquant de leurs nocturnes lumières leurs sombres rues perpendiculaires faites de tournis et d’oubli… Ce Paname dont P’tit Pierre avait tant rêvé de la terrasse de Saint Germain Laye lorsqu’ « il faisait bon regarder longtemps, longtemps, la grande ville au loin, toute fourmillante bientôt de petites lumières qui se multipliaient sans cesse. De là-haut, quand vient le soir, les métros ne sont plus que chenilles luisantes. Et soudain, près des nues, le squelette de la Tour allumait ses vertèbres. » P’tit Pierre, loin de sa mère trop aimante et de ce beau-père boulanger bourru pour qui « les gosses, ça se pétrit », deviendra alors Chouchou et découvrira les corps, la sensualité de son propre corps et son homosexualité. La sensibilité de l’auteur s’y dévoile, pudique et audacieuse, mélange d’amours clandestines ou poisseuses, de misère où la petite mort côtoie la grande.
Servi par une excellente préface signée Cédric Meletta, ce roman se lit ou plutôt défile comme ces irremplaçables films en noir et blanc empruntant leurs inoubliables couleurs à ce Paname à jamais chamarré.

L.B.K.
 

Ogawa Ito : « La papeterie de Tsubaki », traduit du japonais par Myriam dartois-Ako, Editions Philippe Picquier, 2018.
 

Ogawa Ito, auteur remarquée par son roman « Le restaurant de l’amour retrouvé » signe avec « La papeterie de Tsubaki » traduit du japonais par Myriam Dartois-Ako, un bien joli roman plein de délicatesse et de tendresse ; Un troisième roman donnant une place privilégiée, comme une offrande, à toute la beauté de cet art ancestral qu’est l’art de la calligraphie japonaise. C’est, en effet, tout le raffinement de cet art, des traditions et de la culture japonaise en générale qui s’y dévoile. Non une tradition figée, historique tirée des siècles passés, mais bien cette tradition japonaise telle qu’elle peut encore survivre aujourd’hui et pouvant être plus que retrouvée tout simplement vécue…
Amemiya Hatoko, jeune fille de vingt-cinq ans, après la disparition de sa grand-mère, reprend la papeterie, « La papeterie de Tsubaki » et devient tout comme son aïeule écrivain public. Écrivain public au Japon n’a rien du simple scribe, au contraire, l’écrivain public rédige des lettres plus intimes, délicates, des lettres de deuil, de séparation…de la plus banale mais délicate à la plus incongrue des lettres, celles que leur auteur n’a su ou pu écrire… L’écrivain public entre dans la vie et l’intimité de ceux et celles qui viennent le voir, lui demander conseil et plus souvent aide. Amemiya Hatoko a été initiée très jeune à cet art sous l’autorité de sa grand-mère et entourée par sa grand-tante, elle se rappelle ces longues heures d’écriture et d’exercices, ce pinceau fait d’une mèche de ses cheveux ; C’est sa main, son corps, tout son être qui vont alors se souvenir… Hatoko, bien ancrée dans ce XXIe siècle avec ses élans rebelles et son langage d’aujourd’hui, va seule face à son écritoire, ces trésors et secrets légués par son aînée, découvrir comme une seconde initiation tout le raffinement et l’esthétique de cet art qu’elle a à l’adolescence rejeté et fuit : choisir l’instrument d’écriture, le pinceau, la plume de verre, le stylo… ; la couleur de l’encre, le papier, l’enveloppe, le timbre… Mais aussi les idéogrammes, l’écriture dont le lecteur retrouvera, çà et là, au gré des pages, de bien jolies illustrations. Des calligraphies dansantes et jouant avec le regard … Chaque missive, chaque mission confiée exige d’elle une nouvelle sensibilité, des rituels autres, l’encre ne sera pas broyée de la même manière pour des condoléances… Mais, il lui faudra aussi rédiger et signer du nom de l’auteur de ces messages laissés à ses soins et sensibilité avec tout le raffinement de cette politesse extrême-orientale, loin des banales et stéréotypées formules ; Nous sommes bien loin de nos mails et texto !
Hatoko va au fil des quatre saisons qui scandent les chapitres du roman, se prendre au jeu, redécouvrir toute la profondeur de cet art et des traditions de ce Japon fait de rituels et de fêtes dont son enfance a été bercée, la fête de « L’Adieu aux lettres »… S’ouvrant petit à petit aux autres, elle va redécouvrir aussi celle qui fut avant elle l’écrivain public de « La papeterie de Tsubaki » à Kamakura, celle qui fut sa grand-mère et au-delà bien sûr elle-même. Un roman écrit comme un hommage, Hatoko est devenue fière de cet héritage légué par son aînée, elle en exprime par la plume de l’auteur en ces pages pleines de tendresse, sa gratitude, et ce « merci » qu’elle n’a su ou pu dire…

L.B.K.
 

Pascal Janovjak « Le Zoo de Rome » roman, Actes Sud, 2019.
 

Pour celles et ceux qui ont pu un jour traverser le Boparco, ce jardin zoologique de Rome au cœur du parc de la villa Borghèse, il ne fait pas de doute que ces pages sembleront bien étrangères à leur visite, à moins que... Et c’est toute la magie du roman de Pascal Janovjak avec « Le zoo de Rome » paru aux éditions Actes Sud que de plonger son lecteur en une fascinante aventure, celle de l’homme, et de celle de la nature appréhendée en des limites fixées par lui mais qui le dépassent, assurément. Un univers hypnotique dans lequel nous entrons progressivement au fil des pages, sans réaliser cette attraction fatale, nous avons le sentiment étrange de faire partie de ses murs, d’en devenir un de ses pensionnaires, oui mais lequel ?
L’auteur évoque en un récit chronologique parallèle l’histoire du zoo de Rome, crée en 1911, et qui évoluera en fonction de la société et de ses états d’âme. Le zoo reflète en effet l’inanité de ces lieux incongrus, mélangeant des espèces de contrées différentes en de semblants espaces géographiques distincts, métaphore de nos sociétés en perte de repères. Ce lieu étrange reflètera ainsi un siècle d’Italie, de modernité faite d’aléas et de fausses certitudes, et minant ainsi plus les protagonistes humains que les animaux cherchant à survivre, plus sûrement, dans ce non-sens. Les temporalités progressent parallèlement sans que l’on sache si elles s’entrecroisent ou se permutent. Le zoo s’avère être dans ces pages sourdes le pouls de la société dans lequel il s’inscrit. La phrase de Hobbes revient spontanément à l’esprit en dévorant ces pages indépendamment des préférences de chacun pour ces lieux : « l’homme est un loup pour l’homme ». Zoo figure de proue du fascisme où l’eugénisme bat son plein pour des races animales pures et glorieuses, ou zoo fantomatique à l’heure du libéralisme qui n’a que faire de ces lieux de divertissement révolus, sauf à être à la recherche d’un scoop ou d’un happening lorsque le dernier représentant d’une espèce vient à être menacé d’extinction… La société du spectacle est loin d’être en voie de disparition avec Pascal Janovjak, Guy Debord a encore de beaux lendemains. Décrié ou arche des temps modernes, le zoo de Rome avale le temps qui passe et pose la question ultime : Ne sommes-nous pas condamnés plus rapidement que nos congénères animaux à une fermeture anticipée ? L’auteur laisse avec ce roman singulier le soin au lecteur, si ce n’est d’y répondre, du moins d’y réfléchir…
 

Philippe-Emmanuel Krautter

Julien Gracq : « Nœuds de vie », Domaine français, 176 p., Éditions Corti, 2021.
 

Bernhild Boie souligne dans son avant-propos à cet incroyable inédit de Julien Gracq intitulé « Nœuds de vie » aux éditions Corti combien le fonds Julien Gracq déposé à Bibliothèque nationale de France après la mort de l’écrivain survenue en 2007 recèle encore quelques trésors. Parallèlement aux 29 cahiers intitulés « Notules », et pour lesquels il faudra encore patienter jusqu’en 2027 pour leur publication selon la volonté de l’écrivain, les fragments de prose « Nœuds de vie » n’ont pas fait, pour leur part, l’objet des mêmes restrictions.
Avec un réel bonheur, les passionnés de Louis Poirier, plus connu sous son pseudonyme Julien Gracq, pourront retrouver dans ces pages recopiées de ses carnets tout l’univers poétique intimement lié au paysage qu’il ne cessa d’arpenter sa vie durant. « Une écriture qui donne à voir » souligne encore Bernhild Boie, mais aussi à sentir et à penser pour cette prose poétique qui s’immisce et éclaire ces descriptions inoubliables de la ville d’Angers : « La vie, la circulation générale, raréfiées, engourdies, descendaient jusqu’à un étiage jamais atteint – au-dessus de cet étiage, des pans de nature brute, ensevelis, recouverts jusque-là par le mouvement et le vacarme, émergeaient plus nus que ces platures qui ne se découvrent qu’aux marées du siècle ; des silences opaques, stupéfiés, des nuits d’encre, des ruisseaux redevenus jaseurs, des routes désaffectées qui semblaient se recoucher dans un bâillement, et rêver d’aller plus nulle part »… La matière la plus organique s’anime sous la plume de l’écrivain en autant de rayonnements solaires ou lunaires selon les pages. Cette intrication du vivant et de l’inerte peut, en effet, adopter des tonalités sombres et inattendues notamment lorsque l’écrivain découvre Beaucaire dans le Gard lors d’un voyage vers Toulon, et durant lequel la Provence se voile de cieux proches des corons et des soutes. Cette lucidité parfois incisive portée sur les paysages peut également se déporter sur les êtres eux-mêmes –critiques littéraires entre autres – qui lorsqu’un écrivain « ne se situe pas » sera irrévocablement relégué aux oubliettes…
Julien Gracq peut ainsi faire preuve d’acrimonie envers ses contemporains et constater qu’« en littérature, je n’ai plus de confrères ». Celui qui ne reconnaissait ni l’ordinateur ni la machine à écrire et boudait le livre de poche confesse prendre rang parmi les survivances folkloriques « auprès du pain Poilâne, et des jambons fumés chez l’habitant ».
Mais il ne faut point voir dans ces traits acides la seule humeur désabusée d’un écrivain au terme de sa vie, mais bien plutôt la conviction que l’univers littéraire – comme bien d’autres domaines d’ailleurs – se trouve « en voie d’éclatement », sans plus, ni moins… Car, au-delà surtout, rayonne toute la beauté de la langue de Julien Gracq, cette précision d’orfèvre dont l’écrivain fit preuve toute sa vie, l’évasion dans une prose d’une fluidité cristalline et musicale.

Philippe-Emmanuel Krautter

Stéphane Lambert : « Être moi toujours plus », édition Arléa, 2020.

Stéphane Lambert nous ravit une fois de plus avec ce nouvel opuscule « Être moi toujours plus fort » paru aux éditions Arléa. En ces pages, l’auteur s’est attaché à la personnalité singulière du peintre flamand Léon Spilliaert (1881-1946). Proche du symbolisme belge, influencé par Eduard Munch et Fernand Khnopff, ses œuvres aux couleurs sombres sont empreintes d’une mélancolie indéfinissable. De cette sommaire approche, les inconditionnels de Stéphane Lambert reconnaîtront, là, assurément ses choix ou sujets de prédilection… Il est vrai que de par son extrême sensibilité, l’auteur sait mieux que quiconque ressentir cet étrange état d’âme aux si multiples facettes. On se souvient notamment de son remarquable ouvrage consacré au peintre Nicolas de Staël ou encore de celui sur Samuel Beckett.
Le peintre Léon Spilliaert a toujours pensé qu’il devait, pour sa part, sa mélancolie à la géographie même de sa ville natale, Ostende.

« Au bout du monde, face à la mer – dans cette frontière poreuse entre le solide et le trouble », écrira-t-il. Obscurité, nuit, vertige et la mer qui engloutit… Un sentiment qu’il ne le quittera quasiment pas et que Stéphane Lambert, avec beaucoup de finesse, fait, ici, plus que sienne.
C’est, en effet, par un audacieux mais très réussi exercice, que l’auteur capte non seulement la singularité du peintre, mais allant au-delà se fond dans son esprit, sa mélancolie, pour mieux les confronter à ses propres pensées. Pour cela, Stéphane Lambert est parti sur les traces de l’artiste, des lieux, Bruxelles, Ostende, et la mer si chère au peintre… L’Univers de Léon Spilliaert, tel un fluide, passe ainsi avec subtilité dans les veines et battements de l’écriture de l’auteur. Stéphane Lambert entre alors dans cette fascinante et mystérieuse puissance des œuvres du peintre, des toiles omniprésentes à chaque page de cet ouvrage, telle celle de la célèbre toile « Vertige ».
Ce sont alors deux univers, reliés par le fils de cette mystérieuse mélancolie, qui se rejoignent par la force de l’art et de l’écriture. « La vie ne se fixe pas rétroactivement, sa mémoire continue de vibrer à travers nos vibrations. », écrit l’auteur.
« Être toujours plus fort » de Stéphane Lambert, la promesse assurément d’une subtile et délicate lecture.

L.B.K.

Camilla Grudova : « La Reine des souris », Coll. La Nonpareille, Éditions La Table Ronde, 2020.
 

« La Reine des souris » est une nouvelle de 49 pages, délicieusement menée de l'écriture agile de Camilla Grudova. Une fable singulière et fantastique, écrite à la première personne du singulier. Ce « Je », est celui d’une jeune femme vivant avec Peter, rencontré au cours de latin à l'université, dans appartement plein de bibelots et autres objets dignes d'un cabinet de curiosités « qui avait toujours des airs de Noël ». Tous deux semblent parfois vivre dans un autre monde entre livres de philosophie, de mythologie, de latin, et pouvant passer allègrement de la réalité à de drôles de visions et autres événements curieux, comme lorsque Peter rentra un matin du cimetière où il travaillait avec le cadavre d'une naine qu'il cacha derrière le comptoir de l'épicerie abandonnée au-dessus de laquelle se trouve leur logement...
« Je » tombe enceinte et attend des jumeaux ; « Quand nous apprîmes que c'était des jumeaux, Peter dit que l'échographie ressemblait à une frise antique endommagée... Aucun d'entre nous n'avait de jumeaux dans sa famille. C'était le latin qui faisait çà, décréta Peter, des cygnes ou des dieux barbus me rendaient-ils visite dans mes rêves ? Il se comporta comme si je l'avais trahi de manière mythologique.»
Peter quitte alors cette vie conjugale faisant bouillir leur certificat de mariage et s'envole. Il faut donc se débrouiller seule, mettre au monde les enfants, Énée et Arthur, et les élever avec l'aide de leur grand-mère maternelle. « Je me languissais du sombre et cruel Peter ». Jusqu'à quel point « Je » reste obsédée par l'absence du père des jumeaux ? « Je pensais à Peter tout le temps. J'emmenai les jumeaux en promenade au cimetière où il avait travaillé... Je tâchai de me rappeler toutes les fois où Peter s'était comporté atrocement... »
Se souvenant d’un soir de fête costumée ou d’un jour où elle fut humiliée par Peter, elle décida de se déguiser en souris, en « Reine des souris ». « Les jumeaux ressemblaient de plus en plus à Peter, ce qui me faisait hurler et m'arracher les cheveux... » ; Un jour, elle fit un photomaton d'elle et de ses enfants pour l'envoyer - mais comment ? - à Peter qui lui avait écrit sans lui laisser d'adresse, demandant des nouvelles des garçons. Mais, sur la photo, à sa place une louve aux grands crocs, velue, féroce, ce qui fit pleurer les jumeaux. Quelle étrange transformation se produisait là ? Que signifiait cette métamorphose ? Réelle ou symbolique ? Vraie ou rêvée ? Dans quel niveau d'inconscient Camilla Grudova veut-elle nous emporter... Seule la lecture jusqu'à la dernière phrase pourra nous éclairer.

Sylvie Génot Molinaro

« Les Lettres grecques - Anthologie de la littérature grecque d'Homère à Justinien » ; Sous la direction de Luigi-Alberto Sanchi avec la contribution d’Emmanuèle Blanc, Odile Mortier-Waldschmidt ; Préface de Monique Trédé-Boulmer ; Editions Les Belles Lettres, 2020.
 

Les Grecs ont très tôt cherché à exprimer leurs idéaux en termes universels et accessibles au plus grand nombre, ainsi que le soulignait l’académicienne et helléniste Jacqueline de Romilly dans son interview accordée à notre revue (lire ici). La culture grecque va dès lors, de génération en génération, transmettre ces valeurs, notamment à partir du Ve s. à Athènes, avec la naissance de la philosophie, la tragédie, l’histoire, la comédie… Mais cette curiosité trouve bien avant cette date ses sources premières dans la poésie homérique, celle qui ouvre justement cette monumentale Anthologie de la littérature grecque parue aux éditions Les Belles Lettres.
Ce sont les textes fondateurs de l’Iliade et l’Odyssée qu’ont légitimement retenus en ouverture les auteurs de ce remarquable travail collectif réunissant pas moins de treize siècles de littérature grecque en 1632 pages… Ainsi que le souligne l’introduction, il s’agit là de l’aurore de l’histoire grecque, des textes en lesquels l’esprit grec trouve toute sa genèse. Les plans et de nombreux extraits de ces deux œuvres fondatrices permettent de mieux comprendre leur importance, notamment à l’aide des notes éclairant ces sources incontournables.
Cette anthologie a fait le pari, certes risqué, de ne pas proposer de traductions, l’objectif étant d’encourager l’accès aux sources mêmes de cette langue ancienne et la foi des auteurs en l’avenir du grec. Aussi, ce fort volume fait-il défiler page après page non seulement les sources les plus connues, mais aussi certaines plus confidentielles, égrenant ainsi les textes d’Hérodote et les guerres médiques, d’Eschyle et de la tragédie, Thucydide et cet âge classique du Ve siècle, avant d’aborder les grands orateurs politiques, Socrate, Platon, Aristote… Ces grands noms ne seront cependant pas les derniers de cette riche anthologie qui se poursuit avec l’époque hellénistique, puis la domination romaine. Ce seront alors à des auteurs comme Plutarque, Lucien de Samosate, Strabon, qu’il incombera de perpétuer cette longue tradition des Lettres grecques jusqu’au VIe s. de notre ère avec l’historien Procope de Césarée qui accompagnera, pour sa part, le destin de l’empereur Justinien en des récits à la fois panégyriques et curieusement satyriques avec sa fameuse Histoire secrète…
C’est une lecture passionnante qui attend le lecteur curieux de découvrir cette anthologie, la lecture de ces textes, pour un grand nombre d’entre eux passés à la postérité, permettant de renouer avec cette belle et longue tradition des humanités classiques tant mises à mal depuis un demi-siècle.

« Max Jacob – Lettres à un jeune homme – 1941-1944. » ; Préface de Jean-Jacques Mezure ; Édition établie par Patricia Sustrac, Coll. Omnia Poche, Editions Bartillat, 2019.
 

C’est un précieux et touchant opuscule livrant au public des lettres inédites de Max Jacob que rééditent aujourd’hui les éditions Bartillat dans leur collection Omnia Poche. Une correspondance, que le poète, écrivain et peintre, échangea avec à un jeune homme de 1941 à 1944. « Lettres destinées en leur temps à un seul, gardées secrètes comme un trésor (…) ; elles sont devenues aujourd’hui lettres de toujours, ouvertes à tous » souligne Patricia Sustrac en introduction à cette édition établie par ses soins.
Écrites durant les quatre dernières années de sa vie – l’échange épistolaire ayant malheureusement été interrompu par l’arrestation et la tragique mort du poète survenue à Drancy le 5 mars 1944 – le lecteur retrouvera dans ces lettres toutes les facettes du poète ; Des facettes, ô combien multiples…
En 1941, lorsque débute cette correspondance, Max Jacob est revenu, après un bref séjour à Paris, à Saint-Benoît-sur-Loire. À cette époque, le poète a décidé de ne plus écrire, du moins a renoncé à publier, il écrit encore quelques poèmes, peint à la gouache, et surtout rédige une abondante correspondance !
Grand épistolier, on lui connaît ce soin et attention extrêmes qu’il manifestera sa vie durant à répondre à tous ceux qui lui écrivaient. De nombreuses échanges ont déjà été publiés, mais ceux livrés, ici, adressés par le poète à Jean-Jacques Mezure (1921-2016) étaient demeurés privés jusqu’à cette édition. Commencée au printemps 1941– le poète à 65 ans et le jeune homme 19 ans, c’est une correspondance intense qui lia alors les deux hommes. Malheureusement une grande partie de cet abondant échange épistolier fut détruit lors d’un bombardement ; Les cinquante et une lettres de Max Jacob qui purent être par chance sauvegardées accompagnèrent toute sa vie Jean-Jacques Mezure. Ce dernier les déposera à la médiathèque d’Orléans, sauf une qu’il gardera précieusement avec lui jusqu’à cette publication. C’est Jean-Jacques Mezure lui-même qui a préfacé avec pudeur et émotion l’ouvrage ; « Il est toujours là près de moi, vivant, présent, à la fois pédagogue et malicieux, sensible et mystique, ami et conseiller. Plus je le pénètre, plus je le découvre et plus il me paraît immense, multiple », écrira-t-il.
Ainsi qu’il aimait à le faire, Max Jacob n’hésita pas, en effet, à prodiguer avec une extrême bienveillance à son jeune ami poète nombres de conseils, d’avertissements et lectures. Poésie, littérature, art, vie et spiritualité s’y mélangent au gré des réponses et de l’humeur du poète. Éloigné maintenant de toute mondanité, Max Jacob se révèle tendre, affectueux, malicieux même, tout en se voulant de la plus honnête sincérité envers son correspondant. Merveilleux, direct aussi, souvent prescriptif, il oscille entre une tendre retenue et des élans généreux ou mythiques. Le poète revient à la demande de son ami sur son passé, sa vie, ses rencontres - Pablo Picasso, bien sûr, sur ses ouvrages aussi avec distance, s’éclipsant pour mieux réapparaître, déclinant, mais non oublieux… C’est toute la complexité du poète qui se trouve ainsi comme condensée en ces pages.
Généreux, pressant ses interlocuteurs à venir lui rendre visite dans sa retraite – Jean-Jacques Mezure ne rencontrera malheureusement jamais Max Jacob – le poète se plaint cependant de manquer de temps et des trop nombreux visiteurs qui s’imposent… Mais, cela presse ! Venez au plus vite, on s’arrangera bien en ces temps difficiles ! C’est tout Max.
Une correspondance placée surtout sous le regard et la présence de Dieu pour le poète converti au catholicisme. Si les méditations qui ont pu être adressées en leur temps à Jean-Jacques Mezure avec ces lettres n’ont malheureusement pas été jointes à cette publication, c’est une vie intérieure spirituelle des plus intenses qui habite néanmoins ces dernières même lorsqu’elles se font par manque de temps plus brèves. Max Jacob revient sur l’importance et le sens existentiel des méditations se référant à saint François de Sales, prodiguant à son jeune ami, parfois avec humour mais aussi avec une exigeante impétuosité, conseils et lectures. Ainsi, lui conseille-t-il tour à tour : « …tâche d’avoir une vie des saints » ; Puis, « Cependant, il faut te méfier des vies des saints » ; Et d’ajouter enfin : « Donc, vie des saints, soit ! Mais appel au sang-froid ! En quoi puis-je me comparer à tel ou tel ? Qu’ai-je fait ? Les vies des saints sont faites non pour nous enivrer mais pour nous rappeler à l’humilité. »
Ce n’est pas pour rien que ses amis parisiens l’avaient surnommé « saint Max » !

L.B.K.

Henry James : « La Princesse Casamassima », Traduction de René Daillie ; Edition revue par Annick Duperray ; 928 p., Folio Classique, n° 6748, 2020.

Un ouvrage fin et poignant comme il se doit avec Henry James, traduit par René Daillie dans une édition revue par Annick Duperray, et dans lequel le lecteur se retrouve pris littéralement. Un roman, plus politique que ceux quelques peu plus connus de l’écrivain américain venant s’intercaler entre « Les Bostoniennes » et « La Muse ». Paru en 1886, sous l’influence des naturalistes français qu’il fréquenta à Paris, Henry James y explore avec une âpre dextérité et une acuité sans concessions ce qui se cache tant sous les guenilles de la pauvreté que sous les mousselines de l’aristocratie, tant sous les faux habits des bohèmes, sous les slogans placardés des anarchistes que « ce qui se trame de façon irréconciliable et subversive, sous la vaste surface de la suffisance bourgeoise », ainsi que l’exposa l’écrivain lui-même dans son introduction à ce fort volume et que le lecteur retrouvera dans cette édition. Présenté comme Le grand roman politique de l’écrivain, rien n’échappe au regard et à la finesse d’analyse et d’écriture d’Henry James.
Ce dernier retrace la destinée de Hyacinth Robinson élevé dans l’un des quartiers pauvres de Londres par Miss Pynsent, couturière de son métier ; Une vieille fille au cœur aussi tendre envers son petit protégé que ses principes et l’étroitesse de ses vues sont exigeants. Des décors se succèdent sur « la scène humaine », avançant ainsi à grands pas dans le cours de la vie du jeune homme, explorant les conditions et aspirations, les songes intimes et les mesquineries, les espoirs, hontes, envies et frustrations de chacun. Des analyses sociales et psychologiques multipliant et entrecroisant les angles de vue.
Que restera-t-il de gravé dans le cœur et l’esprit du jeune Hyacinth, ignorant sa naissance, après cette tragique visite dans la prison de Londres, de cette meurtrière condamnée à la perpétuité qui se meurt et qui n’est autre que sa mère ? Henry James dresse des tableaux saisissants et vivants des milieux sociaux et des vies de cette fin du XIXe siècle, des vies lancées sur le long fleuve du destin comme des coquilles de noix. Mêlant tragique et personnages secondaires hauts en couleur, la vie romanesque de Hyacinth, l’un des personnages les plus attachants de l’œuvre de James souligne Annick Duperray, défile à une vive et captivante allure.
Élevé par Miss Pynsent comme un fils de Duc – qu’il pourrait bien être aussi – celle-ci lui inculque les meilleures manières de l’aristocratie que sa pauvre condition puisse lui permettre, celui de l’espoir du désespoir habité d’une implacable fatalité et dont elle ne saurait se défaire. Le jeune Hyacinth en a, certes, la chevelure et les jolies boucles, les traits fins, la finesse des attaches, la sensibilité et l’esprit raffinés, mais que peut tout cela lorsque les origines ont écrit un autre incipit ?
L’auteur confie qu’il souhaita pour son héros un être sensible, tourmenté, mais à la conscience aiguë et responsable : « Cette conscience aiguë, c’est ce qui donne son intensité absolue à leur aventure, le maximum de sens à ce qui leur arrive » écrit Henry James en sa riche introduction tout en se hâtant d’ajouter que le personnage ne saurait cependant en perdre son naturel.
L’auteur américain avec cette extraordinaire subtilité et finesse d’écriture qu’on lui connait, faite de menus détails et de grandes vues, tout aussi délicate qu’implacable fait briller autant les dorures de l’espoir que les larmes du désespoir, et fait résonner toute l’histoire tel un glas du haut du clocher du destin, impitoyablement.
Que deviendra, en effet, Hyacinth Robinson, devenu au fil des pages, relieur, engagé et anarchiste, éperdument amoureux de la belle Princesse Casamassima qui offre son joli nom au roman ?
Un fort volume dans lequel on plonge avec un plaisir de lecture infini.

L.B.K.

« Malaparte », Cahier de l’Herne dirigé par Maria Pia De Paulis, L’Herne éditions.

Alors qu’il rentrait à Paris après quatorze ans d’exil en Italie, une longue arrestation dans la prison romaine de Regina Caeli suivie de cinq ans de déportation dans l’île de Lipari, Curzio Malaparte soulignait combien « … la France est gentille, quand elle est noble. Que les Français sont aimables et fidèles, quand ils aiment quelqu’un »… Il faut dire que Malaparte, l’un des plus grands écrivains italiens du XXe siècle, nourrissait une francophilie certaine, lui qui avait rejoint dès l’âge de seize ans l’armée française et fut blessé sur le champ de bataille en Champagne, ce qui lui valut la croix de guerre avec palme. C’est ce même esprit combatif et sans concession qui lui inspirera ses écrits engagés et critiques envers le régime fasciste et nazi (« Technique du coup d’État », « Le soleil est aveugle », « Kaputt ») et qui provoquera l’ire du pouvoir en place peu ouvert sur cette liberté d’esprit.
Ce Cahier de l’Herne offre plus que jamais une richesse d’angles et de témoignages sur un écrivain délicat à saisir, aussi intempestif qu’acerbe, épris de liberté et attaché à ses racines. Aussi, les auteurs de ce Cahier ont-ils fait choix de saisir ce polémiste électron libre dans une somme collective aussi passionnante que fourmillante d’informations souvent inédites sur l’homme et l’écrivain. C’est véritablement un « esprit mosaïque » qui anime cette réflexion collective et féconde, ainsi que le souligne dans son avant-propos Maria Pia De Paulis face à un « portrait composite de lui-même en artiste et en homme de son temps ». Une incessante confrontation entre l’homme et l’écrivain surprend et parallèlement séduit dans le contexte historique troublé par deux conflits mondiaux de la première moitié du XXe siècle. À la fois critique, apporteur d’idées, fasciné puis opposé à Mussolini et au fascisme, Malaparte présente une personnalité plurielle et aux multiples facettes.
Ce Cahier Malaparte fait entrer le lecteur dans l’intimité d’un caractère à la fois public et secret, souvent dévoilé de manière inattendue notamment par des témoignages de Benjamin Crémieux, Giuseppe Ungaretti, Gabriele D’Annunzio, Frédéric Vitoux… Cet esprit polémiste séduit, fascine, mais peut aussi décontenancer et conduire à des réductions trop rapides. Son regard sur le « Napoléon » de son époque ne cesse d’interroger le lecteur, et la section « Malaparte et le fascisme » apportera assurément au lecteur un certain nombre d’éclaircissements précieux après le rappel de l’implication personnelle de l’écrivain dans la Grande Guerre. Les multiples réflexions quant aux dimensions apparemment paradoxales de l’écrivain, sur son enracinement toscan aspirant à une ouverture internationale, permettent de dépasser bien des contradictions apparentes.
Au final, cette somme indispensable pour mieux comprendre un homme singulier dans son siècle invite à redécouvrir son œuvre qui a encore beaucoup à nous apprendre dans notre siècle également tendu et tiraillé.

Philippe-Emmanuel Krautter

Yvan Amar : "Chroniques des mots de l'actualité", Larousse, 2020.

Sherpa, zadiste, hackeur, létal… Combien de mots jalonnent notre quotidien par le truchement des médias et façonnent ainsi d’une certaine manière notre vision des choses, car les mots et autres expressions ne sont jamais innocents. C’est cette fascination pour les mots façonnés par l’actualité qui a toujours habité Yvan Amar, journaliste que les auditeurs de RFI connaissent bien pour ses chroniques quotidiennes sur la chaîne. Une passion qui lui a inspiré inlassablement de rechercher ce qui pouvait bien se cacher derrière les mots, ressassés parfois à l’envi par ses confrères journalistes…
Ce sont ainsi les mots de l’actualité qui s’invitent dans ce livre captivant car, pour une fois, ils ne sont pas utilisés comme supports d’une pensée, mais sont l’objet même de l’étude. A-t-on en effet réfléchi quelques secondes à toutes les implications d’une expression comme « Un couteau suisse au gouvernement » et aux nombreuses images rhétoriques qu’elle suscite souvent à notre insu ? Ce sont ces petits détails, qui n’en sont pas, qui fascinent l’auteur, recherchant ce qui fait sens, surtout lorsque cela ne va pas de soi. Cette fonction persuasive d’une expression lancée comme une ritournelle à longueur d’ondes structure parfois les pensées, les façonne à un point tel qu’il suffit pour s’en convaincre ces derniers temps d’écouter quelques minutes un débat télévisé ou un journal pour entendre une multitude de fois le mot « impact » et son malencontreux verbe « impacter » envahir les propos, ce qui en dit long sur l’état de notre société… Yvan Amar, linguiste et journaliste, fait ses « choux gras » de la « traçabilité », de « l’identité », des « people » ou du « pantouflage », sans oublier les anglicismes me too, pussy riot ou encore hackeur. L’analyse du mot « déchet » est également révélatrice sous la plume d’Yvan Amar, montrant combien ce mot péjoratif pendant longtemps peut trouver une nouvelle jeunesse en respectabilité lorsqu’il s’agit de le replacer dans un contexte écologique de recyclage. Nous apprenons dans cet ouvrage, décidément foisonnant, comment les fake news trouvent leur traduction dans un mot nouveau dans la langue de Molière, infox, une information fausse, mais aussi trompeuse afin de traduire au mieux l’expression anglaise.
Cette somme captivante d’Yvan Amar pourra dès lors bien figurer en bonne place dans sa bibliothèque au côté de l’inévitable dictionnaire qu’il complétera allègrement !

"Une saison avec Claudel" Emmanuel Godo, 71 p. Salvator, 2019.
 

Il y a urgence pour Emmanuel Godo, en ces temps incertains et futiles, d’une pensée puissante résistant aux tempêtes de l’Histoire. Relisant pour nous l’œuvre de Paul Claudel, l’auteur puise à cette source fertile une eau fraîche, parole puissante qui dépasse l’inanité d’un grand nombre de discours inondant notre quotidien. Mais pour cela, il faut des âmes fortes tirant parti de l’adversité, « une force sans limites » allant à l’encontre du cocooning, du bien-être et autres cool-attitudes… Si « croire c’est avoir confiance », rappelle l’auteur, c’est aussi être en lutte, tout d’abord avec soi-même. Claudel entend « jeter une brique à l’encontre de mes bulles de savon », vaste entreprise ! Il y aura donc « des pleurs et des grincements de dents », si nous savons lire l’Évangile de Luc et écouter le Christ, ce à quoi s’est exercé Claudel toute sa vie, en réapprenant à voir la nature, une impermanence des choses, mais qui sous le regard du Créateur conduit à la conscience que « l’impérissable existe », l’essentiel, la source éternelle. La joie de Claudel qui rayonne en se tournant vers le Créateur peut ainsi également être source d’espérance pour son lecteur. Sur ce cheminement, les passions et péchés peuvent conduire à accoucher de son être spirituel selon saint Augustin, idée que l’on retrouve chez Claudel. Les témoignages des premiers disciples désertant ou reniant le Christ ne sont-ils pas édifiants lorsque l’on sait ce qu’il adviendra quelque temps après de ces mêmes hommes ? L’amour comme le mal peuvent être des aiguillons pour aller dans le sens du vrai, saint Paul ne reconnaissait-il pas faire le mal qu’il ne voulait pas, et ne pas réaliser le bien qu’il souhaitait ? Mais il n’y a et n’y aura aucun consentement au mal chez Claudel qui reconnaît : « Dieu a fait l’homme et le péché l’a contrefait ». Pour sortir de l’ornière et échapper aux vents de l’éphémère, Claudel s’accroche au roc de la Parole éternelle et sera un lecteur insatiable de la Bible, particulièrement pendant les vingt-cinq dernières années de sa vie, rappelle Emmanuel Godo. La vie est une forme de prière et selon Claudel : « Même pour le simple envol d’un papillon le ciel tout entier est nécessaire »… Redécouvrons alors ce « grand poème de l’homme soustrait au hasard », une invitation si délicatement lancée par Emmanuel Godo aux lecteurs de ce petit ouvrage rayonnant.

Philippe-Emmanuel Krautter
 

John Dos Passos : « U.S.A », T.1 « Le 42ème parallèle », T.2 « 1919 », T.3 « La Grosse Galette », traduit par Yves Malaric et révisé par C. Jase, Folio, n° 6715, n° 6716, n° 6717, 2019.

À souligner la parution en Folio de la trilogie de l’écrivain américain John Dos Passos (1896-1970), comprenant « Le 42e parallèle », « 1919 » et « La Grosse galette ». Intitulée lors de sa parution complète, en 1938, sous le simple titre « U.S.A », cette célèbre trilogie dresse un tableau critique et sans concession de la civilisation américaine en ce début du XXe siècle, des années 1910 à 1930. L’auteur, sur le long cours de ces trois œuvres, donne vie à des personnages de tous horizons et classes sociales, des vies désœuvrées, dramatiques ou pathétiques pour mieux dresser en miroir le monde américain pris entre turbulences et désespoir de ce début de siècle. Intégrant des procès célèbres dont celui de Sacco et Venzetti, extraits d’articles de journaux, collages de mots ou encore des chants populaires… Cette immense œuvre romanesque au style nouveau décalé, connut, dès sa parution, un succès retentissant, et constitue encore aujourd’hui un des romans incontournables de la littérature américaine du XXe siècle. Grand voyageur, John Dos Passos, écrivain, essayiste, poète et même peintre, a laissé une importante œuvre. Proche du milieu intellectuel communiste, il s’en écartera cependant après 1932, tout en conservant ses convictions premières.
Cette « Comédie inhumaine » en trois actes commence à l’aube du XXe siècle. Le 1er volume, « Le 42e parallèle »paru en 1930, met en scène des personnages embourbés de cette épouvantable tempête sous le 42e parallèle. S’y débattent et s’affrontent notamment Charley, le si crédule mécanicien, Ward un entrepreneur sans foi ni loi et, Mac, imprimeur et révolutionnaire… Des figures devenues depuis célèbres.
Le deuxième tome publié en 1932, « 1919 », met sous la lumière de ses projecteurs la figure de Joe William, un pauvre type engagé et ballotté dans la marine marchande, alors qu’en cette année 1919 s’ouvrent les règlements du premier conflit mondial. Entre paix, guerre finissante, profiteurs et combines, les États-Unis affirment leur prédominance laissant derrière elle le monde et les laissés-pour-compte.
Enfin, « La Grosse Galette », publié en 1936 et dernier volume venant refermer cette immense « Comédie inhumaine », retient pour toile de fond le monde de l’argent et des spéculations boursières de ce pays en plein essor économique que sont devenus les États-Unis. Vie des affaires et histoires d’amour s’y mêlent en des mondes différents, celui du cinéma, d’Hollywood, celui de l’industrie et Ford, des mondes que relie par la valeur du dollar et avançant inexorablement vers la grande crise de 1929.
Œuvre incontournable formant un tout, même si les trois volets peuvent, certes, être lus séparément.

Henri de Régnier : « L’Altana ou la vie vénitienne. » ; Édition établie, présentée et annotée par Patrick Besnier, Coll. Omnia Poche, Edition Bartillat, 2019.

Les lignes qu’a su écrire Henri de Régnier sur Venise sont toujours, presque un siècle plus tard, un délice. C’est cette richesse d’écriture, empreinte de poésie et de délicatesse, que nous donnent à redécouvrir les éditions Bartillat avec la publication de « L’Altana ou la vie vénitienne, 1899-1924 » en format poche ; Une édition établie, présentée et annotée par Patrick Besnier, auteur également d’une remarquable biographie consacrée à l’écrivain Henri de Régnier en 2015.
Ami de Mallarmé, de Gide, Louÿs, Debussy…, le poète Henri de Régnier est déjà, au tournant du dernier siècle, connu et reconnu. Mais le décès de Mallarmé en 1898 va l’ébranler. Un an plus tard, alors âgé de 35 ans, en pleine crise de milieu de vie, il entreprend de découvrir la célèbre cité des Doges. Il y fut invité par son amie la comtesse de la Baume dans un des plus beaux palais vénitiens, la Cà Dario. Entre cette année 1899 et 1923, il y fit ainsi plusieurs longs voyages, onze précisément dont deux chez son amie, durant lesquels il découvrit et contempla Venise notamment du haut de ses terrasses typiques des palais vénitiens, appelées Altana, et sur lesquelles les femmes vénitiennes faisaient, en des temps plus anciens et selon une belle légende, sécher leurs longs cheveux blonds... « Un lieu de contemplation et de rêverie », souligne Patrick Besnier en sa préface.
« L’Altana » se sont des pages d’une poésie rare, sans effet lyrique à outrance, qui glissent entre recherches et souvenirs, telle une gondole au soir tombant, sur les canaux et sous les célèbres ponts de Venise. « Une vie vénitienne » pour laquelle l’écrivain afin de s’en approcher au plus près varie les effets de style, carnets, notes, rêves…, préférant de subtils camaïeux à un monochrome, fut-il poétique.
C’est plus en esthète que véritablement solitaire que l’écrivain découvre, arpente et se perd dans Venise entre ses places, églises et ruelles. L’art et la peinture y tiennent une place privilégiée, bien sûr, dont celle de Longhi, et pour lesquelles il se fait ouvrir les palais ou visite les antiquaires. C’est une « Venise retrouvée », celle du XVIIIe siècle qui hante ces pages, celle de Goldoni et de Gozzi ; Autour de lui, des amis plus jeunes, lettrés et élégants dont Edmond Jaloux, Émile Henriot, notamment. Les pages consacrées au fameux « Chinois » du célèbre Caffè Florian demeurent bien sûr, savoureuses et inoubliables ; « Nous venons souvent nous asseoir dans le coin qu’il occupe et qu’il semble nous réserver », « À cinq heures sous le chinois »… Inoubliables également sa rencontre avec Mariano Fortuny dans son palais Orfei. Mais, lorsque son amie la comtesse de Baume meurt en 1911, l’écrivain retrouvera alors le palais Ca’Dorio habité de souvenirs et de fantômes toujours plus vénitiens… Henri de Régnier ne reviendra, après de longues hésitations, à Venise que dix ans après la Première Guerre mondiale en 1924, un ultime séjour...
Il sut durant ces visites nouer avec la Sérénissime un dialogue intime et poétique où viennent se refléter les mille facettes d’une Venise à nulle autre pareille, celle de sa poésie, de ses rêves, de ses pas. De là naîtra dans cette écriture remarquable, sans lyrisme, son chef d’œuvre « Altana ». Auparavant, il avait déjà écrit sous inspiration vénitienne une nouvelle, des poèmes et plusieurs romans, mais l’aboutissement fut sans conteste les « Esquisses Vénitiennes » illustrées des eaux-fortes de Maxime Dethomas publiées en 1906, et enfin, « Altana » écrit en 1926-27 et qui sera publié en 1928.

L.B.K.

Florent Oiseau : "Les Magnolias", Allary Éditions, 2020.
 

« Parfois, la vie ne vous donne rien pendant des années, des décennies. Pas un trèfle à quatre feuilles, pas un Noël sous la neige, pas un billet de banque retrouvé dans une vieille veste. Aucune satisfaction, pas la moindre victoire, rien à manger pour l'égo. Elle ne nous donne tellement rien que vous pensez qu'elle vous a oublié... ». Et pour Alain, ce gentil paumé, qui fait des listes de noms de poneys en attendant le rôle de sa vie, qui va voir tous les dimanches sa grand-mère aux Magnolias, même si elle ne s’en souvient pas… Alain héberge aussi Rico son copain qui galère... Et, pour lui, qu'est-ce que cette vie lui réserve ? Lumière pleins phares ou raies diffuses. Alors que sa grand-mère lui demande un jour dans un moment de lucidité de l'aider à mourir, « Alors aide-moi à mourir. » dira-t-elle. Lui, Alain, son petit-fils, jour après jour, se questionne sur ce que cela signifie et sur ce qu'il doit faire ou ne pas faire. Plus que chamboulé, il contacte alors de nouveau son oncle Michel pour lui parler, dire, surtout, ce souhait qu'il ne peut, seul, assumer. Mais, de son côté, Michel est en conflit avec sa mère, et a écrit ses souffrances noir sur blanc dans un cahier, pourquoi ? « Soit tu fais du thé et on échange des banalités, soit tu vas au sous-sol chercher de la prune, et je te dis ce que tu veux savoir. Ce que tu as trouvé au sujet de ta grand-mère. Dans mon cahier. Il a insisté sur « mon cahier », lui dira Michel. Alain s’est senti obligé de lui demander de nouveau… Dans ces pages, plus colorées que noircies de vie, c’est tout un pan méconnu de la vie de sa grand-mère qu’Alain va alors lire et découvrir de ses yeux écarquillés, emboués. Une forme d'initiation vers sa vie d'adulte, ses non choix, ses envies, ses ratés, ses illusions et désillusions.
Florent Oiseau écrit « cash », des phrases simples, rapides, percutantes, efficaces et pleines d'humour, et la vie de son héros ordinaire est cocasse, jamais ridicule ; Malgré tout, il nous fait rire et le lecteur aurait bien envie de lui ouvrir les yeux et de l'aider, mais chacun doit faire son chemin, n’est-ce pas ?...

Sylvie Génot Molinaro

Gérard Durozoi : « Histoires insolites du patrimoine littéraire », Editions Hazan, 2019.

Un réjouissant ouvrage écrit par un amoureux des livres pour les amoureux des livres ! L’auteur Gérard Durozoi aime les livres et les Bibliothèques, c’est indéniable. Et c’est cette passion qu’il a souhaité en ces pages partager en nous contant mille et une histoires de livres, des histoires étonnantes et inattendues. Une belle invitation à entrer dans l’univers du livre, ce monde singulier et unique construit telle la Tour de Babel de Jérôme Bosch, et montant bien plus haut que les étagères d’une bibliothèque. Un ouvrage quelque peu loufoque, mais érudit et des plus sérieux, nous racontant des « Histoires insolites du patrimoine littéraire ». Un inventaire en quelque sorte, surprenant, à la fois ordonné et foutraque, offrant au lecteur bien des trouvailles. Le lecteur, amoureux des livres, bibliophile, bibliomane ou bibliopathe, y retrouvera, parfois, certes quelques connaissances , compagnons de routes déjà croisés ou ouvrages de prédilection, mais aussi et surtout de belles pépites. Des chapitres et thèmes offrant à l’auteur l’occasion de digressions proposées comme des pistes… Non dénué d’humour, habité d’une curiosité insatiable et suscitant celle du lecteur, l’auteur parcourt le monde et les siècles, rien ne l’arrête dans cette quête foisonnante. Une plaisante cartographie, toute à la fois fiable et drôle, de l’univers fascinant des livres et des bibliothèques, des bibliothèques fantastiques parfois disparues, légendaires ou mythiques interpellant de célèbres collectionneurs ou bibliopathes. Des légendes ou énigmes que l’auteur questionne, interroge et sous-pèse ; la Bibliothèque de Babylone a-t-elle existée ? Ou encore, l’énigme du manuscrit Yoynich… Supercheries, interprétations suspectes, y sont passées au crible. Des pages hantées d’ouvrages rares et précieux, « Des trésors perdus, parfois retrouvés », suscitant la jalousie et l’envie des bibliomanes impénitents ou réveillant la possessive manie des bibliotaphes. Écriture, langue, traductions et auteurs livrent également leur lot d’érudition et d’anecdotes, sans oublier la longue histoire des livres brulés ou censurés. L’édition et les éditeurs, la diffusion et les bestsellers n’échappent pas non plus à l’acuité de l’auteur. Savez-vous, par exemple, qui a inventé les bestsellers ? Reliures, découpages des pages ou conservation des ouvrages offrent, eux aussi, leurs trésors d’« Histoires insolites »… Insolites ou baroques, tant il est vrai, que les livres ont parfois de bien étranges liens et songes… Une mine passionnante que saint Jérôme n’aurait pas reniée, lui, le patron des bibliothécaires et libraires, auteur de la Vulgate, aimant tout autant commenter que débattre à coup de livres, et amoureux, à son grand dam, de littérature antique.
Un ouvrage offrant à son lecteur, en fin de compte, l’une des plus belles invitations qu’il soit, celle de poursuivre cet inventaire singulier de ces « objets » si fabuleux que sont les livres. Qui donc peut, en effet, mieux et plus qu’eux, nous conter de si belles histoires ? On ne peut qu’espérer que cet ouvrage suscitera quelques vocations ou passions, au moins celle des livres et de la lecture.

L.B.K.

Edgar Allan Poe – Nouvelles intégrales – tome 3. 1844-1849 », Traduction de Christian Garcin et Thierry Gillyboeuf, Éditions Phébus, 2019.
 

L’intégrale des nouvelles d’Edgar Allan Poe dans leur nouvelle traduction s’achève avec ce troisième et dernier volume venant clore l’entreprise de Christian Garcin et Thierry Gillyboeuf, fruit de longues années, et aboutissant aujourd’hui à cette nouvelle édition érudite, déjà largement saluée. L’œuvre immense de l’écrivain américain, dont Baudelaire et Mallarmé surent les premiers reconnaître l’extrême valeur, influencera, jusqu’à nos jours encore, non seulement le monde de la littérature, mais aussi celui du cinéma ou plus près de nous de la BD. C’est donc un bel hommage que lui rend cette nouvelle traduction en 2019 marquant ainsi le 200e anniversaire de sa mort.
Ce troisième volume rassemble les Nouvelles que l’écrivain a écrites durant les cinq dernières années de sa vie, de 1844 à 1849. En cette année 1844, alors qu’Edgar Poe s’installe à New York, ce sont des années sombres qui s’annoncent pour l’écrivain. Après la disparition de sa femme en 45, Poe sombrera, en effet, dans l’alcool, la drogue et présentera un état de santé des plus inquiétants… Pourtant, il ne cessera d’écrire, et nombre des derniers textes que le novelliste livrera à la fin de sa courte vie sont considérés comme de véritables chefs-d'œuvre. Ces dernières nouvelles sont plus fantastiques, plus sombres aussi, et souvent quelques plus complexes que celles données à lire dans les deux volumes précédents. Écrites dans cette langue de Poe alliant spontanéité et finesse, elles offrent une incontestable modernité rendue parfaitement vivante en ces pages par cette nouvelle traduction. C’est en quelque sorte la patine de plus d’un siècle que les auteurs ont souhaité atténuer.
Ce sont donc ces Nouvelles, comportant nombre de joyaux, dont « Un récit aux monts Crénelés » ou encore « La lettre dérobée », que livre ce troisième volume. Présentées chronologiquement, ce ne sont pas moins de vingt-cinq nouvelles que le lecteur pourra découvrir dans cette nouvelle traduction, comprenant également « Les faits concernent le cas Valdermar », « Saute-Grenouille » ; l’ouvrage s’ouvrant avec « Les Besicles », et se refermant sur « Le Phare », une nouvelle demeurée inachevée… Poe éteindra, à 40 ans, le 7 octobre 1949.
Un riche et passionnant volume, venant compléter le premier tome consacré aux Nouvelles écrites durant les années 1831-1939, suivi des années 1840-1844, pour le deuxième tome.
Ainsi, s’achèvent les « Nouvelles intégrales » d’Edgar Allan Poe, dans cette nouvelle traduction de Christian Garcin et Thierry Gillyboeuf, de l’un des plus grands auteurs de la littérature américaine du XIXe siècle, et dont l’influence n’a jamais cessé de rayonner.

« Les Fables de La Fontaine illustrées par Marc Chagall. », avec un livret d’Ambre Gauthier, Editions Hazan, 2019.
 

C’est toujours un plaisir renouvelé que de lire ou relire Les Fables de Jean de La Fontaine, mais lorsque celles-ci sont illustrées par Mac Chagall, le plaisir devient alors fabuleux et infini…
C’est en 1935, sur demande du célèbre marchand d’art, Ambroise Vollard, que Marc Chagall réalise ce projet fou d’illustrer les Fables de l’un des plus grands poètes français du XVIIe siècle. Pour cette entreprise, le peintre ne réalisera pas moins d’une centaine de gouaches en couleurs afin de préparer son travail de gravure. Les Fables entrent en résonnance avec son âme russe, son amour de la France et son imaginaire. Elles seront pour lui une source inépuisable d’inspiration.
Cette fabuleuse édition qui dépassait toutes les espérances d’Ambroise Vollard, fut cependant interrompue par la disparition de ce dernier. Elle ne sera présentée au public sur l’initiative de Tériade qu’en 1952, soit presque vingt ans après…
Et c’est cette extraordinaire réalisation des « Fables de la Fontaine illustrées par Marc Chagall », ce dialogue éblouissant que nous donnent aujourd’hui à redécouvrir les éditions Hazan en collaboration avec le Comité Marc Chagall. Plus d’une soixantaine de gouache du peintre d’origine russe y sont ainsi dévoilées de nouveau, accompagnées en ces pages pour la première fois de leurs gravures, et dont certaines inédites. Des fables, des aquarelles et gravures livrées dans un coffret qu’accompagne un livret signé Ambre Gauthier, docteur en Histoire de l’art et chargée de recherches au Comité Mac Chagall. « Respirant un parfum de tranquille sérénité, parfois contrariée par l’explosion de la gouache, les compositions entraînent dans leur sillage les images d’une nature vibrante, permettant la communion de l’homme, de l’animal et du végétal si chère à La Fontaine. », souligne en ce livret Ambre Gauthier.
Et c’est bien cette unique et fabuleuse communion que nous livre cette belle et heureuse initiative éditoriale, rendant ainsi un bel hommage à cette précieuse rencontre entre le peintre et le poète, entre Chagall et La Fontaine, ces deux géants de la culture française.

« Est-il quelque Oiseau sous les cieux
Plus capable que (toi) de plaire ? »,
demande Junon à un Paon… (Livre deuxième, Fable XVII)

Geneviève Haroche-Bouzinac : « Louise de Vilmorin ; Une vie de bohème. », Flammarion, 2019.
 

Après Voltaire, Vigée Le Brun et Henriette Campan, Geneviève Haroche-Bouzinac nous livre avec cette dernière parution aux éditions Flammarion une riche biographie de Louise de Vilmorin. Un fort volume, exhaustif et d’une rigueur implacable, informé aux sources les plus récentes, notamment les correspondances inédites de Jean Hugo ou celles récemment ouvertes du poète et éditeur Pierre Seghers. Et il fallait bien une telle main de maître, celle de Geneviève Haroche-Bouzinac, pour démêler la vie bouillonnante de Louise de Vilmorin. Une vie faite de mille facettes, jeune fille rangée ou presque, femme de mariages, mère et plus encore sœur, femme de lettres, épistolière impénitente, femme mondaine, et plus que tout peut-être femme de cœur, amoureuse tout aussi incorrigible qu’amendable… Une vie électrisée qui laissera toujours dans son sillage cet envoûtant parfum de passion, un parfum qui perdure encore malgré les années qui s’égrènent depuis sa disparition, le 29 décembre 1969, tel  « Le sable du sablier » éternel, titre d’un de ses recueils de poésie (1944).
C’est en de multiples chapitres, aussi nombreux que les événements qui émaillèrent la vie de celle que ses proches appelaient « Loulou » que l’auteur déroule ces tourbillons incessants d’amitiés, d’amours, de poésie et de littérature qui ont nourri la vie de Louise de Vilmorin. Louise est née en 1902 dans cette famille reconnue et fortunée de botanistes et grainetiers « Les Vilmorin », un nom qu’elle saura faire perdurer et imposer. Très vite à la figure d’un père adoré, s’ajoutera l’amour de ses frères, le clan Vilmorin ou quatuor, ainsi que l’écrit Geneviève Haroche-Bouzinac, un univers masculin qui s’élargira et dont s’entourera toujours Louise. Elle connut le tout Paris, le capitaine Jean de Lattre de Tassigny, Honoré d’Estienne, Raoul de Roussy de Sales, Antoine de Saint-Exupéry (avec qui elle sera fiancée), Henry Leigh-Hunt (son premier mari), Gaston Gallimard, Paul Pálffy (son second mari) et tant d’autres… sans oublier, bien sûr, André Malraux qu’elle connut jeune et qu’elle retrouvera à la toute fin de sa vie à Verrière.
Mais Louise avait surtout dans ses yeux pour flamme la poésie et la littérature. Soutenue par des amitiés indéfectibles, celles de Jean Cocteau ou encore Poulenc, elle écrira toute sa vie poèmes et recueils ; Ce sera sous l’influence d’André Malraux qu’elle mènera à bien son désir d’écriture et son premier roman « Sainte-Unefois » sera publié en 1934 par Gallimard. « Le lit à colonnes » en 1941 sera un bestseller. Romans, théâtre, cinéma, rien n’arrêtera Louise, elle qui ne sut jamais tout à fait ajuster ses désirs à la réalité, celle qui eut toute sa vie la saveur de l’enfance et le goût du merveilleux…
Élégante, séduisante, Louise boitera cependant dès son jeune âge toute sa vie. S’ajoutant à l’amour d’un père disparu trop jeune et à une mère trop belle et distante, c’est une boiterie existentielle qui marquera plus encore sa sensibilité et son cœur. Une sensibilité blessée et à fleur de peau qu’elle tenta de dissimuler, du moins de dompter du mieux qu’elle put. Louise mènera une vie intense d’amours et de ruptures, enchaînant soirées mondaines, bals masqués, voyages et rencontres, mais souvent si loin de ses trois filles ou de ceux qu’elle chérit ; « Des tournants entre deux périodes de vie affective(…), note l’auteur, « un perpétuel entre-deux » qui laissera Louise à jamais inguérissable. On dit que certains êtres naissent avec la cicatrice d’un cœur brisé, était-ce le cas pour Louise ? Ses désirs de poésie, d’écriture, de séduction seront « une ivresse qui la protègera de la mélancolie », souligne encore Geneviève Haroche-Bouzinac, un appel crié dans un murmure que peu entendront vraiment, mais dont l’écho nous parvient, par ces pages, encore…
À n'en pas douter, cette biographie plus qu’exhaustive ne pourra que s’imposer en ouvrage de référence, une biographie non d’une vie de bonheur, mais bien ainsi que l’annonce son sous-titre, d’« Une vie de bohème », celle de Louise de Vilmorin.

L.B.K.

Hippolyte Taine : « Voyage en Italie », édition établie par Michel Brix, Bartillat, 2018.
 

Si le Voyage en Italie de Goethe avait déjà lors de sa parution marqué les esprits, le récit de voyage que composa Hippolyte Taine dans le même pays de 1864 à 1866 a rapidement fait figure, pour sa part, de guide incontournable, constituant un véritable bréviaire pour tout voyageur se rendant dans la péninsule. Quelles sont les raisons d’un tel succès ? Le style adopté par l’auteur et le soin qu’il mit à mettre à la disposition de ses lecteurs une mine d’informations accessibles sur les caractères des lieux, les idées qui s’y échangeaient, les opinions comme les anecdotes, eurent tôt fait de donner à ce volumineux guide une aura incontestée jusqu’au début du siècle dernier. Naples, Rome, Pérouse, Assise, Sienne, Pise, Florence, Bologne, Padoue, Venise et enfin la Lombardie deviennent presque familières sous la plume du philosophe et historien, auteur bien connu de la France contemporaine. Car Taine a le génie de capter l’esprit des lieux, s’arrêtant tout aussi bien sur la grandeur d’un retable d’église que sur une ornière encore visible laissée par le passage des chars antiques… Évitant le style encyclopédique avant l’heure, c’est sa propre expérience de voyageur qui nourrit ces lignes sensibles sous la forme d’un journal. Aussi le lecteur s’étonnera-t-il de la fraicheur des témoignages recueillis par l’auteur, n’hésitant pas à rapporter une conversation qu’il eut avec un prêtre consterné par les outrages laissés par des soldats acquis à la cause laïque qui sévissait alors, un véritable micro-trottoir réaliste avant l’heure. Si notre guide a lui-même été conseillé sur les lieux à visiter, sa profondeur de jugement lui permet de replacer cette multitude de faits et d’observations dans une vision plus globale et synthétique. Grâce à un style concis et précis, Taine sait aller à l’essentiel, tout en aimant à perdre parfois son lecteur dans les ruelles sans issue qui constituent le charme de tout voyage. Si les préjugés ne manquent pas, ils sont souvent ceux de son temps et n’enlèvent rien au charme de l’ouvrage. Un journal écrit à la première personne, une heureuse conjugaison pourtant inhabituelle à l’auteur, qui accompagnera délicieusement tout amoureux de l’Italie.

Philippe-Emmanuel Krautter

Correspondance George Sand et Eugène Delacroix ; « Je serais folle de vous si je ne l’étais d’un autre », Coll. Poche, Édition Le Passeur, 2019.

Quel régal que de lire cette correspondance entre George Sand et Eugène Delacroix ; lorsque l’écrivain rencontre le peintre, nous sommes en 1834, George Sand vient de rompre avec Alfred de Musset, une passion tumultueuse qui vient de la briser ; de son côté, Delacroix connaît également une déception amoureuse. Est-ce ce point de dérive commune qui, de prime abord, les rapprochera l’un de l’autre ? Le peintre vient d’accepter de faire le portrait de l’écrivain, de la femme déjà célèbre maintenant aux yeux tristes et aux cheveux coupés courts pour en avoir – comme son héroïne, fait offrande à Musset… La première lettre qu’écrira Georges Sand à Delacroix sera seulement pour le décommander, et remettre ce premier rendez-vous de pose, parce que s’estimant trop affligée par cette rupture. Lettre courte, certes, et pourtant de cette première missive datée exactement du 20 novembre 1834 débutera entre eux une belle et longue activité épistolaire, reflet de leur amitié, qui durera jusqu’à la mort du peintre en 1863. Devenant très proches, les lettres tant de George Sand que celles d’Eugène Delacroix sont tissées d’intentions, de tendres mots et d’une belle retenue tout amoureuse. À ce titre, le titre retenu pour cette correspondance traduit à merveille cette sensibilité particulière qui les unira. « Restons bohémiens cher œil noir, afin de rester artistes ou amoureux, les deux choses qu’il y ait au monde », lui écrira-t-elle en septembre 1938. L’écrivain s’est éprise de Chopin, mais forte de cette nouvelle passion, elle redoublera d’intention à l’égard du peintre, d’humeur trop souvent mélancolique. Elle n’hésite pas à l’appeler « Mon petit vieux » ou simplement « Lacroix ». Faite d’une compréhension mutuelle, leur amitié reposera avant tout sur l’art, la musique – dont celle de Chopin mais aussi Franz Liszt, la peinture, les lettres, etc. Delacroix sera, bien sûr, comme tous les proches de George Sand invité avec Chopin à de multiples reprises à Nohant, il y viendra deux fois. Au fil des années, cette amitié connaîtra, certes, quelques distances et divergences de vues, notamment pour des raisons politiques, mais jamais ne sera négligée ou rompue, ainsi qu’en témoigne cet échange épistolaire s’échelonnant sur presque quarante années, reflet d’une longue et sincère amitié, mais aussi de cette époque foisonnante qui fut celle du milieu du XIXe siècle.
La présente correspondance a fait l’objet, pour cette édition, d’une riche et agréable préface signée Danielle Bahiaoui, professeur de lettres et secrétaire général des Amis de Georges Sand. À celle-ci viennent s’ajouter des annexes tout aussi intéressantes : l’une consacrée au peintre sous la plume même de George Sand et issu de « Histoire de ma vie » ; une étude « A propos de Michel-Ange » signée, elle, du peintre ; enfin, l’ouvrage se referme sur une passionnante étude signée de nouveau Danielle Behiaoui et ayant pour sujet le fameux portrait qu’exécutera Eugène Delacroix de George Sand, un portrait chargé d’émotion au même titre que l’ensemble de cette correspondance.

L.B.K.
 

Patrick Mauriès : « Quelques Cafés italiens », Éditions Arléa, 2019.
 

Un bien plaisant opuscule consacré en ces heures estivales à « Quelques Cafés italiens » signé Patrick Mauriès aux éditions Arléa. C’est sous les signes de ces fragrances toutes italiennes que l’auteur a en effet choisi d’emmener son lecteur de café en terrasse à la recherche de ce parfum si prégnant : « celui, mêlé, d’expresso, de bitter, d’amande et de marsala qu’exaltent les cafés en Italie – bien distincts des nôtres… ». Patrick Mauriès a écrit ces pages sur plusieurs années lors de ses pérégrinations de caffè en caffè, sans hâte ni calcul, juste le plaisir de ce partage qu’offrent encore aujourd’hui ces lieux singuliers que sont les cafés italiens. Des lieux ni intimistes ni tout à fait extérieurs où présent et histoire s’offrent volontiers aux mots et à l’élégance de l’écriture. Le Caffe Florian, bien sûr, à Venise, Petruccio à Naples… Flânerie, frivolité, passions, bavardages, commérages dans lesquels s’invitent quelques photographies, mais aussi et surtout, poésie, théâtre, peinture, écrivains et belles se mirant dans les jeux flous des miroirs de l’histoire. « Les cafés sont des théâtres d’ombres ; chacun d’eux draine une étrange Lituanie d’images, des fragments flous de décors, des détails figés… », écrit l’auteur ; s’immisce aussi une joyeuse typologie des cafés italiens et de leurs clients, café de résidence, de passage, « boite à politique », etc. ; plus qu’une aride définition, c’est de chatoyantes personnalisations qui s’y déploient au gré des cafés et époques… Des lieux fatigués de leur longue histoire, plus lointaine que celle des cafés parisiens, et leur donnant cet air de vieil aristocrate ou de fiers flibustiers, mais toujours, là, bruissants des feux de leur mémoire. Réminiscences, anecdotes, c’est à une heureuse nostalgie que nous convie en ces pages Patrick Mauriès, picorant çà et là au filtre de la poésie, remontant jusqu’à l’histoire même du café telle quelle nous le fut rapportée par Antoine Galland (« De l’origine et du progrès du café », éditions La Bibliothèque, 2017). Dans cet élégant style qui leur sied si bien, les cafés italiens de leurs fastes et lustres d’antan y prennent alors corps et vie, avant que l’auteur ne les laisse flotter ou voguer… L’auteur a glissé pour cette réédition dans sa préface quelques lignes actualisées, notant une certaine résurgence des cafés mais sans pour autant renier son amoureuse attirance pour ces illustres caffè italiens, passant de l’ombre des longues arcades italiennes où s’alignent presque à l’infini tables et chaises à ces terrasses surannées, mais aujourd’hui encore toutes ensoleillées et sachant si bien prolonger le soir venu le plaisir de s’y retrouver ou d’y lire.

L.B.K.
 

Dante Alighieri « L'Enfer » traduction nouvelle de Michel Orcel, éditions La Dogana, 2019.
 

Tout amoureux de Dante Alighieri (1265–1321) chérit ces vers fameux ouvrant l’œuvre maîtresse la Divine Comédie, chef-d'oeuvre de la littérature mondiale :

Nel mezzo del cammin di nostra vita
mi ritrovai per una selva oscura
ché la diritta via era smarrita.

Ce sont ces mêmes vers qui ont poussé le poète, romancier et traducteur Michel Orcel à proposer une nouvelle version de « L’Enfer » en réaction à certaines traductions récentes dont il ne goûte guère le style ! Réaction atrabilaire, certes, mais qui donne naissance à un somptueux travail sur la première partie de l’œuvre, L’Enfer, paru aux éditions La Dogana, cet extraordinaire poème évoquant le périple du narrateur successivement à travers l’enfer, le purgatoire et le paradis. L’éditeur Florian Rodari ne cache pas son plaisir d’avoir enfin pu proposer une traduction nouvelle de la première partie de cette œuvre unique en son genre qui repose sur cette alchimie toujours fragile entre rythme, scansion et musique, passée à la postérité depuis des siècles. Quels poètes ou artistes n’ont en effet su louer la beauté de son récit, celle de sa versification ? Botticelli vient bien entendu immédiatement à l’esprit, lui qui sut si bien saisir toute la nouveauté proposée par le texte du poète avec les illustrations mémorables qu’il réalisa à la pointe d’argent et à l’encre ou encore William Blake et sa centaine de dessins tout autant tourmentés que voluptueux, sans oublier Delacroix, Gustave Doré, Auguste Rodin... Michel Orcel a su empoigner cette poésie conçue en tercets enchaînés d'hendécasyllabes en langue florentine pour proposer une traduction par le décasyllabe français, le plus proche de l’original et autorisant une musicalité certaine, fidèle à l’esprit et à la lettre de Dante.
Formé à l’école de Thomas d’Aquin, sans omettre les leçons d’Aristote, ainsi que la rappela le pape Benoît XV dans sa lettre Encyclique In Praeclara Summorum en 1921, c’est en effet la foi catholique qui inspire cette œuvre puissante qui ne ménage pas ses effets, comme ses coups de poignards effilés. Le traducteur a su, lui aussi, être guidé par cette force puissante afin d’en restituer la beauté et les splendeurs qui font de la Divine Comédie une œuvre au cheminement singulier, cheminement qui n’a rien d’une promenade de santé comme le relève dans sa préface Florian Rodari, saluant cette tempétueuse audace dont fait preuve Michel Orcel pour des choix de traduction qui n’ont rien de convenu : « Corde jamais ne projeta fléchette qui si vite vola dans l’air, légère, comme cette nacelle que je vis » « Pousse donc ta tête plus avant jusqu’à pouvoir bien distinguer de tes yeux le visage de la pute souillonne, échevelée, qui, de ses ongles merdeux, se griffonne tantôt à croupetons tantôt dressée »… des réalités bien triviales – âmes sensibles, attention - non occultées par cette traduction et qui n’en rendent pas moins saisissants ces contrastes à l’occasion de "L’excursion cosmique à laquelle Dante veut convier le lecteur dans sa « Divine Comédie » » et qui « … s’achève devant la Lumière éternelle qui est Dieu lui-même, devant cette Lumière qui est dans le même temps « l’Amour qui meut le soleil et les autres étoiles », selon un autre pape amoureux des arts, Benoît XVI. C’est justement tout le génie de l’œuvre de Dante que de rendre, grâce à la poésie, ces cheminements de l’âme des tréfonds de la vie à la lumière ultime. La puissance du style du poète fait mouche avec la traduction de Michel Orcel, jubilations multiples qui valent plus d’un film aux effets spéciaux. Le lecteur serpente sur ce chemin sinueux fait de nos turpitudes et de celles de nos aînés, la pestilence guette chaque pas alors que le rayonnement de cette œuvre éclaire ces pénombres de la plus belle des manières. Vivement le Purgatoire !

Philippe-Emmanuel Krautter
 

"Sept petites douceurs" Shaun Levin, Éditions Philippe L''Antilope, 2019.

Shéhérazade devait inventer une histoire chaque nuit et jouait sa vie en tenant en haleine la curiosité du sultan pendant 1000 et une nuits... « Je », le narrateur de ce texte érotico-gourmand, lui non plus, ne veut pas perdre son amant, alors il lui confectionne des douceurs, des gâteaux pour le garder près de lui bien que ce dernier vive une double vie avec une femme ou parfois un autre homme, il trouve ainsi une consolation à chaque séparation. « Hier soir, après le retour de mon amant chez sa maîtresse, pour oublier cet amour que je lui donne encore, je me suis consolé en me préparant un gâteau au chocolat et à la noix de coco, glacé au rhum...» Féru de philosophie, Le Banquet de Platon et autres textes antiques accompagnent ses pensées les plus intimes, spirituelles ou communes entre ses rendez-vous amoureux ou dans sa vie quotidienne ; « Depuis un certain temps, je ne vais nulle part sans Le Banquet, tirant du réconfort dans l'opulence des autres. C'est là que je prends des leçons d'amour. » Mais avant toute chose, trouver des recettes de gâteaux de toutes sortes, simples à faire et qui pourraient bien rendre addicte... Alors le texte est ponctué de recettes, ses recettes, celles qu'il prépare et que l'on aurait également bien envie de manger… Qui que nous soyons, l’auteur nous fait partager les saveurs de la vie de ce « Je » que l'on perçoit un peu mieux à chaque chapitre. Ce roman n'a rien d'aussi léger ni d'aussi sucré que l'on pourrait de prime abord le penser, c'est une histoire d'amour, un amour profond et intense « Un mot de lui me sort du chaos ou m'y replonge. Chaque mot de lui transforme ma personne, me jette d'un mur à l'autre ; je passe en un rien de temps de quatre à quatorze ou vingt-quatre ans. Il est ma mère, mon père ; l'un, l'autre ou même les deux, je ne sais jamais. Il est ma voix, mon chant ; chaque mot, chaque silence avec lui est un souvenir transformé. » Mais dans la rue, pas question de se prendre par la main, trop de gens les connaissent... Et alors, pas facile de s'affranchir, d'être à l'extérieur, hors de l'appartement ou de ces lieux de rencontres laissant parfois les amours prendre d'autres directions que quelques douceurs sucrées, gâteaux ou autres scones ne peuvent stopper. « Où trouve-t-on le courage d'agir toujours comme on l'entend ? - Dans la solitude... » Shaun Levin raconte certes l'amour et ses affres, mais aussi son rapport à la littérature, et autres nourritures de l'esprit, tout passe par les sens, la vue des corps des amants, le toucher des caresses érotiques, le goût des douceurs, l'ouïe dans l'attente des bruits qui annoncent la promesse d'une nuit où l'odorat y sera tout en éveil, des parfums de l'amour et celui des gâteaux fraîchement cuits... Quelles délices alors de se retrouver après des semaines d'absence et de séparation qu’aucune confidente ne saurait combler et apaiser le doute. « J'aimerai qu'il m'aime – Il t'aime – J'en doute – Tu es inquiet qu'il puisse ne plus t'aimer ? - Je suis plein comme un œuf. Il faut que je m'allonge. » Cet amour entre Martin et « Je » pourra-t-il durer ? Y a- t-il une recette pour cela ? C'est bien là le vrai sujet dont parle ce livre, au-delà du genre, des conventions, des cultures et au-delà du temps.

Sylvie Génot Molinaro
 

Vénus Khoury-Ghata : « Marina Tsvétaïéva  mourir à Elabouga », Éditions Mercure de France, 2018.

Un roman fort pour un destin tragique celui de la poète russe Marina Tsvétaïéva. L’auteur, Vénus Khoury-Ghata, romancière et poète, procédant par cercles concentriques, a retenu les dernières années de Marina Tsvétaïéva, des années de misère, de douleurs et de souffrance. Sans nouvelles de son mari, seule avec sa fille aînée Alias, désormais unique, Marina Tsvétaïéva se bat dans cette période trouble contre la faim, le froid et la misère. Elle ne doit sa survie qu’à l’écriture, à la poésie et à ses amants ou amantes. Dans un style presque coupé, tranché, dur parfois jusqu’aux mots cinglants et brûlants, l’auteur dépeint cette solitude qui habite la poétesse plus qu’elle ne l’entoure. Une solitude qui la ronge, empreinte de douleurs, de ruptures et de cris étouffés. C’est une Marina Tsvétaïéva meurtrie au cœur à vif, mais bouillonnante, volcanique, une braise dans la neige que nous donne à lire Vénus Khoury-Ghata.

Son cœur est une prison et Marina Tsvétaïéva ira jusqu’au bout du désespoir… Écrire et accumuler les amants, les réels et ceux épistolaires, mais avant tout écrire. Écrire et aimer, écrire pour oublier, écrire pour avancer dans et jusqu’au bout de l’enfer. « Mettre le feu à ton cœur » écrit l’auteur. Le poète Lvovitch, le peintre Lann,  le prince Volkonsky  , Andréi Biely, Ilya Ehrenbourg,  Mandelstam, et bien sûr Pasternak avec lequel Marina Tsvétaïéva  entretiendra une correspondance de plus de 25 ans jusqu’à sa mort. Rilke, également, mais qu’elle ne rencontrera pas. « Tu aimais et détestais avec la même fougue, l’âme chauffée à blanc. En toi, il y avait un volcan » écrit encore Vénus Khoury-Ghata. Que de lettres écrites au sang de la poésie et de l’amour, souvent restées sans réponses ou lendemain…  

« Au-delà de quelles mers et de quelles villes

Dois-je te chercher, toi l’aveugle, l’invisible ?

Je m’en remets pour les adieux aux fils télégraphiques

Et, appuyée sur le poteau qui les supporte, je pleure… »

Moscou, Prague, Berlin, Paris avec son jeune fils Mour, puis de nouveau Moscou et enfin Elabouga… Marina Tsvétaïéva, dans ce destin tragique, a su « aimer jusqu’à la dernière minute » jusqu’au bout de l’impasse, et demeurera toujours cette femme sans concessions, provocante, habitée du seul souffle qui ait eu pour elle un sens, celui de la poésie et de l’amour, celui qui a fait d’elle l’une des plus grandes poètes russes du XXe siècle. 

L.B.K.

Lance Hawvermale : « A l’aveugle », 363 p., Éditions Chambon NOIR/Actes Sud, 2020.
 

« Prosopagnosie : Psychopathologie - Trouble affectant la reconnaissance des visages. » C’est Gabriel Traylin, dit Gabe, qui est atteint de ce trouble neurologique l’empêchant de reconnaître le visage de celui ou celle qui se trouve face à lui. Tel un aveugle, il a développé d’autres sens comme celui de l’ouïe, de l’odorat… Dans la vie, il est astronome dans un observatoire au nord du Chili, dans le désert d’Atacam. Là, loin des humains, il peut vivre sans être confronté à son handicap. Ce ne seront pas les étoiles qui lui poseront des questions embarrassantes… « Gabe avait choisi le métier d’astronome pour deux raisons. La première tenait à la possibilité d’être seul ; il n’avait jamais été quelqu’un de très sociable, mais c’était dû à sa condition. La seconde, parce qu’il y avait des choses tout là-haut et que cette idée lui plaisait beaucoup. Des choses qu’on ne trouvait pas sur Terre. Des choses qui avaient participé à la création de l’univers. Ou, pareillement, des choses qui erraient dans la nuit en plein désert. » Et, c’est bien une chose qui erre dans ce lieu perdu où il n’y a âme qui vive que Gabe pense avoir aperçue. Alors qu’est-ce ? Une illusion d’optique ? Ce pourrait être n’importe quoi ou n’importe qui … Cette silhouette… « La silhouette se déplaça d’est en ouest, facilement, avec la souplesse d’un félin ou d’un gymnaste…Tout ce que Gabe savait c’était que, à part les fantômes, esprits desséchés des morts, que les indigènes prétendaient apercevoir quelques fois, il n’y avait âme qui vive dans le coin. »
Sur un vol venant des États-Unis, les jumeaux Westbrook, Mira et Luke dit ce qu’il voit comme il le voit, sans aucun filtre, car « Le léger handicap mental de Luke était marqué par des exemples extrêmes de curiosité, comme de minuscules points de soudure qui faisaient de lui un sujet un peu hors norme. Son syndrome de Down était une mosaïque à mille et une facettes, mais plus remarquable encore, cela signifiait que son QI était dans la moyenne supérieure à celui d’autres individus touchés par le même handicap. Cependant, il n’aurait pu vivre de manière autonome, et ce pour diverses raisons, notamment à cause des fluctuations de sa mémoire. » C’est pour résoudre un mystère lié à Luke et à un livre de l’auteur Benjamin Cable, dit Ben, qu’ils sont venus à Santiago pour le rencontrer, car alors que Lucke est incapable de déchiffrer un texte, il peut lire sans aucun problème le livre écrit par Ben…
Tous ces protagonistes vont se retrouver embarqués dans une terrible affaire criminelle, historique, politique qui va faire remonter à la surface une période de l’histoire du Chili, celle de la dictature de Pinochet et les disparitions suspectes de milliers de personnes. Mais, ils naviguent également dans un décor qui ressemble à celui de la planète Mars, et une sorte de brouillard de science-fiction les entoure. Surtout rester vigilants, ne pas s’endormir pour survivre, prendre des risques, aller au-delà de soi et trouver qui tire les ficelles de cette affaire. Jusqu’où les différents acteurs de cette fiction seront-ils prêts à aller pour découvrir la véracité de leurs intuitions ? Comment expliquer sans être suspect qu’un corps à peine trouvé ait pu disparaître ? Mener une enquête n’est pas donné à tout le monde mais ça vaut certainement le coup d’essayer… Puis les choses basculent dans une autre dimension… Combien de temps peut-on rester de l’autre côté du miroir pour y voir le reflet de la vérité, celle qui peut-être vous sauvera… Dans ce thriller (premier traduit en français par Denis Beneich) Lance Hawvermale souffle sur les braises d’un passé enfoui et réveille les vieux démons de la vengeance, mais également les espoirs de justice.

 Sylvie Génot Molinaro

« Anthologie bilingue de la poésie latine » ; Sous la direction de Philippe Heuzé, Bibliothèque de la Pléiade, n° 652, 1920 pages, rel. Peau, 105 x 170 mm, Gallimard, 2020.

C’est l’amour de la poésie qui se trouve indéniablement célébré dans cette anthologie bilingue de la poésie latine embrassant deux mille ans d’histoire et de civilisation et qui vient de paraître dans la célèbre collection de la Pléiade. Dépassant le statut de langue officielle d’un empire auquel il survivra, le latin a su offrir des trésors que les responsables de cette édition de la Pléiade ont entendu recueillir en un seul volume de 1920 pages.
Les traducteurs sous la direction de Philippe Heuzé ont souhaité moins suivre les traditionnelles divisions en période afin d’aller avant tout à la source même du vers latin et ce qu’il a à exprimer. Cette alliance du latin et de la poésie dépasse ainsi, en ces pages, les périodes auxquelles les humanités nous ont habitués pour proposer un florilège plus subjectif et inspiré.
Les premières sources n’ont guère légué que le souvenir d’une poésie très tôt honorée avec Gallus (dont ne nous est parvenu que quatre vers), fondateur de l’élégie amoureuse, et célébrée dès Ovide. Virgile, Lucrèce, Vulcain, Ovide, Juvénal, Martial sont autant de noms incontournables de la latinité poétique… Si ces bribes laissées par ces classiques laissent forcément rêveur l’amoureux de la poésie latine songeant à tout ce qui a été perdu, leur témoignage contribue indubitablement à cette impression de fraîcheur et d’actualité d’une langue encore bien vivante.
Alors que la période latine classique s’avère fragmentaire à l’image des colonnes esseulées des forums, les témoignages qui ont pu nous parvenir seront, en revanche, nettement plus nombreux au Moyen Âge et à la Renaissance où cette permanence du latin nourrit encore les plus grandes œuvres, preuve que cette langue survivra brillamment malgré les vicissitudes historiques. Si la langue demeure, ses structures évoluent cependant sensiblement avec de nouveaux systèmes rythmiques, l’apparition de la rime, tout en conservant la métrique classique. C’est cette beauté de la langue qui viendra irradier l’inspiration de tous ces poètes jouant de la souplesse et de l’imprécision qu’elle autorise dans l’ordre des mots. Ces carcans libérés, la musicalité du vers peut dès lors se déployer pleinement avec le moins de contraintes possible.
Chaque traducteur de la présente édition a entendu s’inscrire dans ce délicat exercice de respecter à la fois ce libre jeu des mots, tout en transmettant l’inspiration initiale du poète. Par-delà ces impératifs de traduction, l’âme et l’esprit de ces textes ont conduit à des choix harmonieux et inspirés, chaque siècle entretenant un rapport fait d’admiration, tout en nourrissant parfois aussi des aspirations nouvelles. Les Latins puisent, à l’origine, allégrement dans la poésie grecque, la Renaissance aura, pour sa part, cœur de revenir à la période classique du Ier siècle avant notre ère, alors que le XIXe siècle redécouvrira le Moyen Âge… Ces liens ténus ajoutent à la richesse de cette poésie sans cesse renouvelée, puisant à l’incontournable Virgile pour lequel Dante nourrira l’admiration que l’on sait, inspirant à son tour de nouveaux vers… en une autre langue vulgaire florentine. Baudelaire verra lui aussi dans le latin les moyens d’enrichir encore son inspiration, ce latin du Bas Empire naguère qualifié de décadent, et qui viendra éclairer son poème « Franciscae meae laudes ».
Enfin, lorsqu’un poème de Pascal Quignard en latin fragmentaire vient conclure cette anthologie des plus inspirées, le lecteur se prête à espérer que la langue latine poétique aura encore de beaux lendemains, moins sombres de ceux du poète, et moins apocalyptiques que ce qui a pu être prédit !
 

Philippe-Emmanuel Krautter

Rudyard KIPLING : " Puck, lutin de la colline et autres récits" ; broché, 1248 p., 132 x 198 mm, Collection Bouquins, Éditions Robert Laffont, 2020.
 

Les amateurs de Kipling - ils sont nombreux – ne pourront que se réjouir de cette dernière et volumineuse édition consacrée à Rudyard Kipling établie par Francis Lacassin dans la fameuse collection Bouquins. Ce sont plus de 1200 pages de récits que pourra découvrir ou redécouvrir le lecteur ; des récits nourris de cet émerveillement et passion encore intacte du romancier, alors même que ce dernier s’était retiré dans la campagne anglaise après avoir vécu aux Indes, aux États-Unis et au Transvaal.
La magie de Kipling opère en effet dès ce premier récit « Puck, lutin de la colline ». Nous ne sommes plus dans la jungle, et au lieu et place de la panthère Bagheera, de Mowgli et du tigre mangeur d'hommes Shere Khan, c’est un lutin surnommé Puck qui semble tout droit hérité des mythologies celtiques et saxonnes… Ainsi que le faisait justement remarquer André Maurois : « Kipling, comme Hugo, comme Swift, comme Balzac est un grand phénomène naturel qui a maintenant sa place dans l’histoire des hommes ». Le génie de l’écrivain se saisit d’un cadre, certes, moins exotique, mais qui au tout début du XXe siècle (1906) distille par le filtre de la magie et de la fantaisie des traits de l’histoire de l’Angleterre.
Rédigées dans le Sussex, ces courtes histoires se nourrissent à la même veine, celle de la légende intriquée d’une certaine véracité plausible propre à l’univers des enfants. L’elfe Puck s’avère être l’un de ces témoins de l’Histoire, et par ses yeux, bien d’autres histoires prennent naissance, comme celles des légions romaines plus vraies que nature, alors que poésie et narration s’entrecroisent avec pure délectation pour le lecteur médusé. Cette exploration dans l’archéologie de la mémoire collective laisse pantois, un élément a priori ordinaire se métamorphose en autant de digressions imaginaires, tout en renforçant merveilleux et présent.
Mais, parallèlement à cet émerveillement encore intact, sourde aussi la douleur pour celui qui reçut, le plus jeune, le Prix Nobel de littérature en 1907. Kipling devient alors le témoin implacable du destin de l’Empire britannique dont l’effritement probable ne pouvait passer inaperçu sous sa plume. « La Lumière qui s'éteint » (The Light that Failed) parvient à se saisir du thème délicat de la douleur en évoquant la vie d’un peintre gagné par une cécité progressive. Le héros Dick Heldar connaît alors les affres du désespoir, la tristesse qui s’en dégage atteignant des sommets étonnants qui ne devaient pas être étrangers à leur auteur.
Contrairement à l’idée reçue et à tort trop répandue, Kipling peut et doit se lire à tout âge, et ce dernier volume paru dans la Collection Bouquins l’atteste merveilleusement.

Ce volume contient : Puck, lutin de la colline – Retour de Puck – La Lumière qui s’éteint – Histoires comme ça – Ce chien, ton serviteur – Stalky et Cie – L’Histoire des Gadsby – Les Yeux de l’Asie – Histoires des mers violettes – Souvenirs. Un peu de moi-même pour mes amis connus et inconnus.

Philippe-Emmanuel Krautter

LOIN-CONFINS – de Marie-Sabine Roger - roman, Éditions du Rouergue, 2020.
 

« Un poète doit laisser des traces de son passage, non des preuves. Seules les traces font rêver », écrivait René Char dans « La parole de l'archipel ». C'est cette phrase à la délicate vérité qui ouvre le nouveau roman de Marie-Sabine Roger connue, elle-même, pour la prose poétique de ses livres.
Ici, à la lisière de la poésie et de la « folie », celle décrétée par les organigrammes psychiatriques, Tanah, petite fille de 9 ans et dernière-née après trois frères, entretient une relation bien particulière avec un père fantasque ou poète, doux rêveur ou possible danger, selon les moments, qui lui conte l'histoire de sa famille... Un vrai secret. Est-il vrai, imaginé, fabulé, rêvé au plus profond d'un esprit « border Line » ? Pourquoi inventer cette histoire de famille qui emporte Tanah dans un monde si séduisant qu'il pourrait aussi la détruire lorsqu'elle s'apercevra que son père, roi de pacotille, danse sur un fil d'équilibriste prêt à rompre à n'importe quel moment. Et pourtant, Tanah le suit dans tous ses récits et y croit fermement toute son enfance. « C'est cela dont elle se souvient, la voix profonde de son père, ses cheveux grisonnants, ses épaules un peu maigres drapées dans son manteau de pourpre, le teint pâle, l’œil gris, rêveur et doux, posé sur l'horizon ou perdu au hasard dans les semis d’étoiles, les mains fines, soignées, ardentes, expressives. Des mains comme pinceaux, des ciseaux de sculpteur, des mains de dentellière appliquée aux fuseaux, et toute cette majesté qui émane de lui cependant qu'il décrit la vie de l'Archipel à sa fille Tanah et qu'il tisse pour elle, pour elle seule au monde, le fil dur et soyeux des généalogies ».
Dans cette relation exclusive, le reste de la fratrie est oublié, tout comme la mère de Tanah, elle qui ne porte à sa fille aucun amour maternel révélé. Ainsi, tout en regardant la Voie lactée, Tanah, le dos collé aux genoux de son père, l'écoute lui raconter l'histoire de son royaume perdu, Loin-Confins et de tout ce qui concerne cette île, archipel dans un océan bleu appelé Frénétique. « Son père lui invente enfance sauvage, avec pour garde-fou ce simple préalable : ils vivent en exil, ils ne régneront point ».
Mais, un jour tout bascule et la « vérité vraie » comme disent les enfants surgit aussi terrible qu'une tempête, « le monde de son père est un château de cartes, si personne n'y touche, il peut tenir mille ans. Un souffle, et il s'effondre. » Comment se protéger de ces sombres années durant lesquelles son si gentil fou de père ira vivre ailleurs, dans une maison de repos pour le dire pudiquement, qui n’est qu’autre qu’un asile ? Où aller lui rendre visite et jusqu’à quand ? Adulte Tanah se posera encore et encore la question en allant le plus possible voir son grand Roi au regard vague et perdu. Seule la possibilité de se remémorer tout le récit quasi mythique de cette improbable île de Loin-Confins aidera Tanah à rendre toujours vivantes les saveurs de l’enchantement que son vieux père lui a transmises... Alors chaque événement, chaque déception, trahison, joie et douleur auront cette couleur particulière qu'elle seule pourra percevoir.
C'est une belle histoire qui touche à l'imaginaire de chacun, un côté « Alice ou de l'autre côté du miroir » ou « Big fish » ou encore « Peter Pan », comme un joli conte où l'on aimerait se réfugier, et en être le prince, la princesse... Juste pour faire « comme-ci », un « on dirait que »...

Sylvie Génot-Molinaro

« Giono » ; Cahier de l’Herne, Collectif, 288 p.,

Éditions de L’Herne, 2020.

En cette année 2020 qui marque le cinquantième anniversaire de la mort du célèbre écrivain et poète Jean Giono, les éditions de l’Herne ont eu l’heureuse initiative de consacrer à ce grand nom de la littérature française un riche, foisonnant et dynamique Cahier sous la direction d’Agnès Castiglione et de Mireille Sacotte. Les fameux et attendus Cahiers de l’Herne ont fait choix pour ce dernier titre, mené en collaboration avec notamment Michel Gramain et Jacques Le Gall, d’appréhender Giono hors des sentiers battus, loin des habituels et surannés clichés l’ayant trop souvent et longtemps accompagné : « (…) évidemment fort loin de tout « régionaliste » ou d’un quelconque « retour à la terre », annonce d’emblée Agnès Castiglione dans son avant-propos. Car jamais tout à fait la Provence, jamais tout à fait les Alpes, c’est bien d’un imaginaire, poétique et singulier, inépuisable dont il s’agit lorsqu’on aborde l’immense œuvre de Giono, cet autodidacte nourri de littérature grecque, né à Manosque en 1895, et fils d’un cordonnier anarchiste au large cœur ; Une œuvre dès plus variées marquée par une perpétuelle oscillation entre le merveilleux et le terrifiant, mêlant, tel un magicien, tant l’enchantement que le désenchantement, et livrant un « Chant du monde » à nul autre pareil.
Mais comment appréhender une telle œuvre aussi diverse et immense rassemblant romans, récits, poèmes, essais, théâtre, journal, œuvres cinématographiques, préfaces et traductions sans oublier, l’homme lui-même ? C’est en 1929, après la liquidation de la banque dans laquelle il était employé que Giono décida de se consacrer à l’écriture. À partir de cette date, il ne cessera jamais plus ; ce sera « Colline » en 28, « Regain » et « Naissance de l’Odyssée » en 30… « Que ma joie demeure » en 1935, « Pour saluer Melville » en 1941, « Un roi sans divertissement » et « Noé » en 1947… « Le Hussard sur le toit » et « Le Moulin en Pologne » en 1951 et 52… Enchaînant succès sur succès, il connaîtra cette notoriété jamais démentie. Comment saisir dès lors un tel destin d’écrivain ?
C’est ce beau et incroyable défi que relève avec justesse ce Cahier de l’Herne. Fort de nombreuses et riches contributions, c’est en effet à un autre regard sur l’écrivain auquel nous convie ce volume. Appuyé de nombreux documents inédits et de signatures choisies, notamment celle de sa fille, Sylvie Durbet- Giono, mais aussi de Jacques Mény, président de l’Association des Amis de Jean Giono ou encore d’Henri Godart, Jean-Yves Laurichesse et Alain Tissut, tous professeurs et spécialistes de jean Giono, ce sont près de 300 pages qui s’offrent ainsi à la lecture avec en couverture ce sourire pipe aux lèvres de Jean Giono… Lui, fustigeant l’argent, l’armée et la ville, aimant plus que tout la terre, les espaces et la liberté ; Lui qui fut repéré par Jean Paulhan dès 1928, qui rencontra Ramuz, deviendra membre de l’Académie Goncourt, et qui fut l’ami d’André Gide et de tant d’autres... jusqu’à sa disparition en 1970. C’est notamment à ces grandes amitiés, celle de Gide mais aussi celle de Saint-Paul-Roux, auxquelles s’attache ce Cahier, après être revenu sur l’enfance, le siècle et la famille de l’écrivain, poète, essayiste, mais aussi traducteur, lui qui traduisit le premier en langue française avec Lucien Jacques Moby Dick de Melville en 1941.
Au gré de ces nombreuses contributions et documents, pour nombres inédits - carnets, brouillons, textes, archives, correspondances, mais aussi photos - c’est toute la force continue de la création de Giono qui se révèle au lecteur. L’espace, paysages, perspectives, les sensations, les personnages… Une création qui n’a eu de cesse de se renouveler laissant une immense œuvre marquée du sceau de tout l’imaginaire poétique du fabuleux conteur qu’il fut. « Une parole constante euphorique de la parole créatrice », souligne encore Agnès Castiglione dans son avant-propos. Une œuvre livrant tout à la fois un monde teinté de bonheur, d’eudémonisme, sensible et sensuel, mais également une narration complexe et une lucidité sombre où se glisse aussi parfois l’humour.
Un cahier de l’Herne ouvrant assurément « Sur les grands chemins » de la création de Giono et réservant au lecteur de bien belles surprises et inédits.
Et, en cette période difficile de fin de confinement, alors que les citadins rêvent de s’enfuir, et que tout à chacun rêve d’espace et de nature, quelle plus merveilleuse aventure que d’aller à la rencontre de l’auteur d’ « Un roi sans divertissement », l’un des plus grands écrivains du XXe siècle, Jean Giono, lui qui sut si bien saisir ces « Fragments de paradis ».

L.B.K.

André Suarès : « Vues sur l'Antiquité – Anthologie », Édition établie, présentée et annotée par Antoine de Rosny, Éditions Honoré Champion, 2020.
 

Il n’est pas exagéré de présenter les écrits d’André Suarès (1868-1948) comme consubstantiels de l’Antiquité. Flot incessant dans lequel l’écrivain saura puiser son œuvre, sans idolâtries, mais avec cette reconnaissance lucide d’un héritage incontestable. Antoine de Rosny a consacré sa thèse à cette culture classique d’André Suarès, aussi n’est-il pas étonnant qu’il ait également réalisé cette anthologie rassemblant théâtre, poésie, mythologie, lieux, et autres essais signés par l’écrivain et partageant ce legs antique. André Suarès s’est toujours présenté comme un poète et un musicien avant tout, quels que soient ses talents d’essayiste qui ont forgé sa réputation. Et si l’histoire des lettres n’a retenu de cette plume prolixe que ses essais sur le talent des autres plutôt que les siens propres, il n’en demeure pas moins que ses aspirations et le soin apporté à son style participent de cet idéal de grandeur et de beauté forgé à l’antique, ainsi que le souligne Antoine de Rosny dans sa préface. Cette anthologie propose dès lors de découvrir ou redécouvrir aujourd’hui les vues de l’Antiquité esquissées en un style unique par André Suarès dans cette belle et nouvelle, celle des éditions Honoré Champion.
André Suarès se révèle être en effet en ces pages un peintre-portraitiste talentueux, dont l’acuité ne cesse de surprendre tel ce portrait d’Empédocle où la poésie prime : « Poète, il l’est avant tout, étant philosophe à la grande manière grecque : créateur d’un monde harmonieux ». Les traits saillants ne manquent pas pour ces portraits parfois incisifs, par exemple « cette blême araignée d’Auguste » ou encore « Rien ne coûte plus ce qui ne coûte rien » en évoquant les nombreuses dépenses occasionnées par les femmes de Salluste… Et alors que le lecteur s’attendrait à un portrait à charge pour le démoniaque empereur Caligula, une fascination certaine pointe dans cette évocation singulière où parmi les nombreuses turpitudes évoquées surgit un certain génie « sui generis » ! À l’opposé, saint Augustin ne trouve guère grâce à ses yeux : « Toutefois, Augustin analyse admirablement sa misère : à force de l’arroser et de la cultiver, il fait de sa pauvreté une espèce de richesse, et un trésor de toutes ses abdications ». Et si, selon lui, si la philosophie de saint Jérôme « est nulle », l’essentiel est qu’ « il ne pense pas, il croit, et tout est dit », à la différence d’Augustin, qui selon lui, est une « écluse à un flot d’homélies » !
La sagacité des traits d’André Suarès est incontestable même si ces jugements peuvent être discutables et discutés par le lecteur, ce qui n’est pas le moindre de leurs mérites. Car, en effet, André Suarès ne polit pas les sujets qu’il appréhende, tendance malheureusement trop fréquente de nos jours, et si cet esprit libre et critique s’implique – même jusqu’à l’excès parfois – c’est pour mieux susciter une réaction de son lecteur. Et ô combien il y parvient, à ravir !
L’Antiquité chez Suarès n’est pas une affectation et encore moins une coquetterie d’écrivain qui soignerait ses humanités, elle préside et structure à un grand nombre d’analyses et de jugements même lorsque l’actualité de son siècle se fait la plus urgente. Ces « Vues sur l’Antiquité » demeurent pour Suarès plus urgentes que jamais, et loin de tout passéisme, elles renouent avec le fil du temps ; Un fil des siècles que certains avaient pensé rompre au nom de la modernité, bévue que nous n’avons nous-mêmes peut-être pas fini de payer…

Philippe-Emmanuel Krautter

Georges Borgeaud : "Lettres à ma mère (1923-1978)", , 12 x 19,5 cm , 43 pages d'ill. en noir et blanc et 16 en couleur, 800 p., Editions Bibliothèque des Arts, 2014.

L’acuité et la sensibilité de l’écrivain suisse Georges Borgeaud trouvent certainement leurs racines dans les relations bien particulières qu’il entretint toute sa vie avec sa mère. La correspondance avec cette dernière et réunie dans ce volume sous le titre « Lettres à ma mère » publié par les éditions La Bibliothèque des Arts couvre une période allant des années de jeunesse de Georges Borgeaud, dès 1923, jusqu’à la mort de sa mère, Ida, en 1978. Cette dernière avait imposé à son jeune fils – né d’une union hors mariage – de l’appeler « Tante Ida », s’étant mariée par la suite et ayant honte de cet enfant devenu dès lors à cacher. Abandonné, placé de famille en famille, pensions et autres institutions, Georges Borgeaud a toujours souffert de cette relation contre nature, comme avant lui Paul Léautaud. Nourrissant un sentiment ambivalent mêlé de tourments et d’amour bridé, cette relation douloureuse a directement façonné et ciselé d’angles saillants, et parfois tranchants, le style de l’écrivain, sensible avant l’heure à tout ce qu’il l’entourait. Il faut dire que cette mère – très belle de l’avis général – avait de quoi dérouter. Lorsque son fils sera devenu adulte, elle répugnera alors à arpenter certains lieux publics de Lausanne de peur qu’on ne le prenne pour un « gigolo » à son bras selon ses propres termes… Son fils lui rendra d’ailleurs ses délicates attentions en avouant : « J’avais horreur de ses baisers […] ». Georges Borgeaud n’a jamais caché que sa vocation d’écrivain s’était nourrie à ce lien familial tragique qui lui a appris très tôt ce sens de l’observation, cette acuité aux détails, aux vies fragiles et blessées, une hypersensibilité omniprésente dans ses œuvres. Les lettres de Borgeaud trahissent ce malaise douloureux et sourd, qu’il s’agisse d’une orthographe incertaine, de même que cette culpabilité récurrente quant aux frais occasionnés par ses études. Nul étonnement alors à ce qu’au détour d’une lettre, nous apprenions qu’il ait cherché à entrer dans les ordres monastiques pour y trouver une nouvelle famille, ce qu’il déclinera quelque temps plus tard, comme une fatalité à ne pouvoir s’engager en des liens durables. L’écrivain avait confié en une tragique lucidité : « … je me demande si jamais franchise entre nous a existé. Toutes mes lettres à elle ont toujours été rédigées hypocritement. De son côté, sans doute aussi ? » Le drame se joue alors, lettre après lettre, sur fond de dissimulations, reproches couvés, humiliations gravées à jamais dans le cœur d’un homme qui ne parvient pas avec les années à les dépasser. Il faut avouer que la délicatesse n’est décidément pas au rendez-vous lorsque le fils demande à sa mère l’heure de sa naissance pour établir un horoscope et que celle de lui répondre cyniquement : « Je n’en sais rien. Regarde ton extrait de baptême. Je ne me souviens pas des mauvais souvenirs »… Le quotidien envahit la correspondance de celui qui n’est pas encore l’écrivain consacré, les années de vache maigre en tant que libraire chez Payot, les chambres de fortune, la nostalgie du pays, la guerre qui gronde autour de la Suisse épargnée. Des amitiés se nouent également avec des noms qui compteront pour l’écrivain : Jean Tardieu, Louis Parot, René de Solier et bien d’autres encore… La vie parisienne occupe de plus en plus de place avec la reconnaissance croissante de l’écrivain qui perce au fil de ces lettres, lettres qui restent cependant toujours embarrassées, hésitant entre confessions, reproches et conventions. Avec les années de maturité, si le ton semble plus apaisé, le volcan sourd toujours, prêt à de nouvelles éruptions. Les dernières missives seront brèves, nourries encore de bien de sous-entendus. Jamais le mot « Correspondance » n’aura été aussi équivoque quant au lien épistolier entretenu par Georges Borgeaud avec sa mère.

Philippe-Emmanuel Krautter

Gustave Roud : « Journal Carnets, cahiers et feuillets I & II (1916-1936) (1937-1971) », texte établi et annoté par Anne-Lise Delacrétaz et Claire Jaquier, Éditions Empreintes.
 

Le poète suisse Gustave Roud, né à Saint-Légier en 1897 et décédé à Carrouge en 1976, demeure injustement encore aujourd’hui relativement confidentiel, souvent limité à un cercle restreint de lecteurs. La parution de son « Journal » en deux volumes sous la direction d’Anne-Lise Delacrétaz et Claire Jaquier aux éditions Empreintes devrait cependant contribuer à mieux faire connaître cette personnalité profondément attachée à son terroir et à sa vocation de poète qui se manifesta dès la parution de son premier recueil « Adieu » en 1927.
Rapidement, la qualité de ses écrits étendra sa réputation au-delà de la Suisse romande, alors que ses nombreuses traductions et une passion précoce pour la photographie complèteront le portrait de cet homme discret et réservé, richesse contrastant avec cette poésie nourrie à ce village du Jorat qu’il ne quitta guère de toute sa vie. Ce paysage offre la matière ciselée à cette âme sensible qui apparaît dès les premières notes consignées à partir de 1916, sensibilité dont ne se départira pas l’homme et le poète jusqu’au terme de son journal au début des années 1970.
Le cadre montagnard, à la fois rude et riche de ses variations au gré des saisons, renforce encore cette introspection native du poète. L’écrivain Georges Borgeaud, ami de Gustave Roud, évoqua cette vie en apparence austère en compagnie de la sœur du poète, Madeleine, jours « sans grands accidents apparents », mais cependant propices à cet approfondissement poétique dont témoignent son œuvre et ce Journal.
Claire Jacquier souligne en introduction à ce « Journal » la difficulté de proposer une édition intégrale tant les notes de Gustave Roud présentent des frontières floues de classement ; Mais ces deux volumes offrent assurément la source la plus aboutie afin d’entrer plus encore dans l’intimité du poète, celui-ci livrant une autre image de lui-même, encore différente de ses nombreuses correspondances.
Gustave Roud était, en effet, bien conscient de l’importance de l’exercice du Journal, exercice hérité du XIXe siècle, et auquel il attachait un soin particulier, à l’image de ses cadrages photographiques si méticuleux. La poésie apparaît dès les premières notes comme étant l’élément central de sa vie, « ma seule raison d’être », consigne-t-il. Mais cette compagne de tous les jours sait aussi être exigeante et la fragilité de ce caractère sensible transparaît également au fil des pages, une « écriture sélective de soi », ainsi que le relève justement Claire Jacquier qui écarte toute glorification personnelle. Bien au contraire, c’est la lente construction de soi, et sa consignation lucide, qui scandent ces pages sans jamais faire fi néanmoins d’un jugement critique. Miroir « des rythmes réguliers de ma vie, les grands rythmes profonds que les quotidiens et superficiels mouvements d’esprit rendraient insaisissables à ma mémoire infidèle », ce Journal invite à une incessante pérégrination réservée, mais profonde, tourmentée, toujours dirigée par cette haute exigence de l’écriture, une écriture chargée de traduire cette richesse intérieure en mots que cette édition soignée sublime indéniablement.

Philippe-Emmanuel Krautter
 

Charlotte-Adélaïde Dard : « Les naufragés de la Méduse », Coll. Les Plumées, Éditions Talents Hauts, 2019.

Récit d’une vie, d’une incroyable vie…
« Les naufragés de la Méduse » n’est pas un roman, mais un récit tragiquement vrai. En effet, aussi incroyable que cela puisse paraître, c’est le récit du funeste naufrage de la Méduse, que nous donne, non seulement à lire, mais quasiment à revivre en ces pages l’une des rares survivantes Charlotte-Adélaïde Dard (1798-1862). Un témoignage effroyable dans le style propre au XIXe siècle et relatant ce tristement célèbre naufrage ayant si fortement marqué la mémoire collective et ayant inspiré tant d’écrivains et de peintres, dont, bien sûr, Géricault et sa célèbre toile du même nom.
En 1815, l’auteur, née Picard, à l’époque âgée de 17 ans et orpheline de mère, s’embarqua avec son père, sœurs et cousine sur cette fameuse frégate « La Méduse » pour le Sénégal, une expédition qui devait connaître au large des côtes de Mauritanie un des plus affreux naufrages… Survivante, ralliant avec sa famille Saint-Louis, elle sera prise en charge par le gouverneur anglais. Un récit terrifiant, effroyable, et malheureusement non issu d’une fertile imagination…
Charlotte-Adélaïde Dard avait fait à son père la promesse de relater cette expédition et naufrage. C’est cette promesse qu’elle tint en écrivant à la mort de ce dernier cet ouvrage qui nous est aujourd’hui parvenu ; Une promesse tenue et que le lecteur renouvelle en quelque sorte en lisant ces incroyables pages. Lorsqu’elle entreprit ce récit, Charlotte-Adélaïde Dard avait connaissance des récits antérieurs de M.M. Savigny et Corréard ayant déjà relaté le célèbre naufrage, à cette différence près... une différence que le lecteur ne pourra, bien sûr, que mesurer en lisant ce témoignage unique.
Mais la vie de Charlotte-Adélaïde Dard ne s’arrête pas là : Elle s’établira par la suite cinq années durant en Afrique sur l’île de Safal, et à l’instar de l’écrivain Danoise Karen Blixen (qui, un siècle plus tard, contera sa vie en Afrique dans le célèbre roman « Une ferme en Afrique ») tentera d’y cultiver une terre ingrate et d’y construire sa vie de femme ; Une vie jalonnée encore de malheurs, de défis qu’elle nous conte en ces pages avec la même véracité, mais aussi avec pudeur, celle du XIXe siècle. Son récit, écrit à son retour en France en 1820, sera publié en 1824 sous le titre original de « La Chaumière en Afrique », avant d’être traduit et publié en Angleterre en 1827. Charlotte-Adélaïde Dard retournera après la mort de son mari en Afrique, elle y mourra, âgée de 64 ans, en 1862.
Rappelons que le naufrage de « la Méduse » viendra s’ajouter au scandale de « L’Utile » ; ce navire négrier dont l’équipage, quelques années plus tôt à la fin du XVIIIe siècle, après un naufrage, et parce que le radeau de fortune construit alors ne pouvait contenir les esclaves noirs rescapés, les abandonnèrent sur l’île. Ils furent redécouverts quinze années plus tard par le chevalier Tromelin, il ne restait alors moins de dix personnes vivantes… Ce sont notamment ces deux tragiques évènements qui permirent de plaider contre l’esclavagisme, mais il faudra encore attendre 1794, puis surtout 1848 pour que l’esclavage soit en France définitivement aboli… Aussi, l’esclavagisme demeure-t-il en ces pages omniprésent.
Charlotte-Adélaïde Dard eut toute sa vie durant beaucoup de courage, courage également – il ne faut pas le sous-estimer, en tant que femme du début du XIXe siècle de braver les préjugés, conventions et railleries pour écrire « Les naufragés de la Méduse » et sa vie en Afrique. Une promesse contre les vents et marées de la destinée. À ce titre, on ne peut que comprendre que l’auteur de l’ouvrage « Cachées par la forêt » (Éd.La Table ronde, 2018), Éric Dussert, ait tenu à préfacer ce poignant récit écrit de plume de femme.
« Il me reste à demander au lecteur son indulgence pour le style : j’espère qu’il ne la refusera pas à une femme qui n’a osé prendre la plume que parce que les dernières paroles de son père lui en imposèrent l’obligation. », écrivit Charlotte-Adélaïde Dard en préambule à cet incroyable récit, son récit.

L.B.K. 

Goethe : « Écrits biographiques 1789-1815 », préface et édition établie par Jacques Le Rider, Coll. Omnia Poche, Editions Bartillat, 2019.
 

Goethe ne fut pas seulement le grand écrivain que l’on connaît, il fut aussi un témoin et un historien de son temps d’une lucidité et acuité sans failles. C’est ce que le lecteur découvrira à la lecture de ces « Écrits autobiographiques » donnés dans cette édition établie par Jacques Le Rider, et dans lesquels Goethe revient sur les nombreux évènements qui jalonnèrent sa vie d’homme et dans lesquels il s’impliqua. Ces « Écrits biographiques » commencent en 1749 (date de sa naissance) et parcourent pour cette édition les ans jusqu’en 1815 (Annales - Complément à mes autres confessions ; Campagne de France 1792, Siège de Mayence 1773 ; Entretiens avec Napoléon). Ancien Régime, Révolution Française, Bonaparte, Napoléon, donc.
Véritable mémoire vivante, cette édition en compagnie de Jacques Rider, directeur d’études à l’École Pratique des Hautes Études, auteur de nombreux ouvrages consacrés à Goethe, ne pourra que réjouir tant les amoureux d’histoire que ceux épris d’art et de littérature. Dans ces écrits, après « Poésie et vérité », ses années de jeunesse, c’est l’homme mûr qui prend place, l’homme public indissociable de l’Histoire. La guerre de 1792-93, la Campagne de France, le siège de la République de Mayence, la grande coalition antirévolutionnaire, et la bataille de Valmy, mais aussi Napoléon avec la rencontre d’Erfurt de 1808. Goethe rédigea ces « Annales » ou écrits postérieurement en 1816, alors âgé de 67 ans, et 1825, et n’eut de cesse en ces pages de rechercher une vision dépassionnée, d’une objectivité ou impartialité que le recul des ans et de l’âge lui permettaient alors de tenter de saisir. La première partie de 1789 à 1806 fut publiée pour la première fois en 1829 (volume 31 de l’édition définitive), les années de 1807 à 1822 le seront en 1830 (volume 32). « Campagne de France 1792 » écrit en 1822, fut publié dans sa version originale en 1889.
Les lecteurs découvriront en ce volume, qui s’arrête pour sa part en 1815, des pages émouvantes, celles notamment consacrées à l’année 1805, qui vit la mort de Schiller, une disparition qui allait marquer psychologiquement et physiquement l’écrivain. « L’année 1805 est le sommet des Annales », souligne Jacques Le Rider dans sa riche préface. Des pages de voyages aussi, dont celui de 1801 à Bad Pyrmont et Göttingen. On le voit, à la grande Histoire, se mêlent « Les années et les jours », titre qu’avait initialement retenu Goethe. Un entrecroisement fécond dans lequel Goethe se laisse découvrir année après année.
Pour ces pages d’une lucidité saisissante, d’une objectivité sans cesse recherchée, l’écrivain déjà âgé n’a pas hésité à faire appel à ses propres archives, notes, correspondances… « Il travaille à son autobiographie comme un biographe historien », souligne encore Jacques Le Rider. C’est un écrivain antirévolutionnaire, aussi hostile et critique du despotisme éclairé qu’envers l’Ancien Régime, un esprit hors de « l’esprit du temps », passionné de travaux scientifiques les plus divers et de couleurs, épris - aussi et bien sûr- d’art, de Weimar, et de littérature… Un « Cosmopolite des Lumière qui n’avait pas pensé l’Europe, mais l’humanité. » conclura Jacques le Rider. Un Goethe par Goethe sans fards.

L.B.K.
 

Pier Paolo Pasolini : « Une vie violente », nouvelle traduction de l’italien par Jean-Paul Manganaro, Éditions Buchet/Chastel, 2019.

Les multiples facettes de Pier Paolo Pasolini convergent toutes vers l’unicité de la poésie, celle qui irradiait d’abord ses recueils, bien sûr, ses films également comme « Accattone » ou « Mama Roma », mais aussi et surtout ses romans tels que « Les Ragazzi » ou « Une vie violente ». C’est cette « Vie violente » qui fait l’objet aujourd’hui d’une belle et nouvelle traduction par Jean-Paul Manganaro. Traduire Pasolini est loin d’être chose aisée, car il faut parvenir à rendre tout d’abord cette saveur du parler romanesco qui fascinait tant l’écrivain venu du Frioul et amoureux des singularités linguistiques. Mais la tâche, aussi ardue soit-elle, ne se limite pas à cette prouesse, le traducteur doit recréer également cet univers qui caractérise chaque espace pasolinien, fait de contradictions, séductions, fascinations entre le quotidien le plus sordide et les apothéoses les plus enlevées. C’est à ce pari ardu auquel s’est attaqué Jean-Paul Manganaro pour le plus grand plaisir du lecteur français qui se trouve spontanément projeté dans ces borgate romaines, espaces périurbains en déshérence entre reconstruction d’après-guerre et laissés-pour-compte… Dans ce roman de jeunesse, véritable plaidoyer pour une partie de la population abandonnée de la vague du consumérisme naissant, Pasolini se fait le prophète de ce qu’il allait advenir par la suite au reste de l’Occident… La violence, contrairement à ce que le lecteur pourrait croire trop rapidement, n’est pas seulement celle décrite de ces jeunes adolescents livrés à eux-mêmes, rebus sans intérêt des bas-fonds romains. Vivant d’expédients et de combines plus ou moins criminelles, ces jeunes puisent une vitalité dans cet élan irrépressible de vivre qui fascina l’écrivain. C’est cette étincelle même qui anime le jeune Tommasino, héros du livre, capable des pires méfaits et parallèlement cherchant la rédemption. Pasolini livre en ces pages puissantes des scènes très fortes comme cette apothéose d’une sérénade des temps modernes qui métamorphose les jeunes voyous en poètes inspirés contrairement à ce qu’évoquait Paul Verlaine dans les Fêtes Galantes pour les joueurs de mandoline… Nous savons ce qu’il est advenu des espoirs de l’écrivain et poète, il nous reste ses livres, notamment celui-ci, un roman qui réservera de belles découvertes.

Philippe-Emmanuel Krautter

"Les Petits Paris - Promenade littéraire dans le Paris pittoresque du XIXe siècle" de Laurent Portes, Jean-Didier Wagneur, BnF éditions, 2019.
 

Laurent Portes et Jean-Didier Wagneur viennent de publier une savoureuse promenade littéraire dans le Paris pittoresque du XIXe siècle portant le titre alléchant « Les Petits Paris » et paru aux éditions BnF. Derrière le pluriel et le qualificatif se cache une exploration des arcanes labyrinthiques de la capitale, un environnement souvent interlope en marge de ce que les grands romans du XIXe siècle nous ont légué. Cette aventure littéraire débuta dès les années 1820 jusqu’au premier conflit mondial, presque un siècle d’aventures bigarrées, univers transgressifs, et avant tout avec cette gouaille populaire constitutive de bien des arrondissements parisiens. C’est cette flânerie littéraire qu’ont recueillie nos deux auteurs en dressant une cartographie parfois canaille, tel ce tatoueur du 18e arrondissement, le « père Rémy » bien connu des souteneurs, lutteurs forains et des filles… Il faut avouer que Laurent Portes, conservateur en chef des bibliothèques à la BnF, auteur d’un « Paris du vice et du crime », et Jean-Didier Wagneur, chargé de la création de Gallica à la BnF, ont presque quitté notre époque policée pour se plonger dans cet univers qui semble si loin de nos avenues bien nettes et sans vies nocturnes alors que moins de deux siècles nous séparent d’elles ! Les Petits Paris ne s’opposaient pas alors à Paris en capitales mais le constituaient, parallèlement aux beaux quartiers, nul exotisme dans ces évocations, mais des mondes qui coexistaient, se rencontraient parfois, toujours en gardant cette distance que notre époque moderne a cru réduire… « Le vin sait revêtir le plus sordide bouge d’un luxe miraculeux, et fait surgir plus d’un portique fabuleux dans l’or de sa vapeur rouge, comme un soleil couchant dans un ciel nébuleux » confie Baudelaire dans Les Fleurs du Mal, ces horizons nés de subterfuges pour embrasser des rêves inaccessibles à la plupart de ces âmes. Gérard de Nerval, Joris-Karl Huysmans se saisiront également de ces miroirs déformés et déshérités de la capitale, pour les sublimer en réalités poétiques, magnifiques victoires. C’est un voyage dans une contrée à la fois proche et lointaine de nous que propose cet ouvrage, quelque peu abracadabrant aux multiples illustrations, reproductions de gravures ou photos ; Recueillant des perles littéraires un brin décalées, on y croise un homme à longue barbe arpentant les jardins du Palais Royal à demi nu, vagabond échoué en ces lieux ou encore dans le 4e rue Brise-Miche précisément, et qui existe encore de nos jours, faisant aujourd’hui le bonheur de ce quartier élégant du Marais qui abritait encore naguère des commerces moins avouables… Ce sont ces temps où l’absinthe régnait encore, inspirait les plus grands poètes, Verlaine n’étant pas le dernier, et avait même ses professeurs patentés comme le rapporte cette chronique au sujet de la rue de la Harpe dans le 5e . Il fut un temps où Paris ne comptait que 12 arrondissements, un treizième servit à désigner le lieu des amours illégitimes, un peu plus tard lorsque la capitale en compta 20, un 21e eut la même fonction, et qui termine cet ouvrage incontournable à qui souhaitera mieux connaître Paris par ses petits Paris !

Jean-Marie Barnaud : « Sous l’imperturbable clarté ; Choix de poèmes 1983-2014 », préface d’Alain Freixe, NRF, Coll. Poésie/Gallimard, 2019.

Cette dernière édition en Poésie/Gallimard, nommée « Sous l’imperturbable clarté », du poète Jean-Marie Barnaud, regroupant un choix de poèmes allant de 1983 à 2014, offre un véritable hymne à la beauté. Beauté éphémère qu’un rien n’ébranle et menace. Des poèmes issus des recueils majeurs de l’auteur et révélant en une forme quasi anthologique et chronologique la force et cohérence de ce grand et trop discret poète qu’est, dans le sillage d’Yves Bonnefoy, Jean-Marie Barnaud. Une puissance poétique intime, d’une sobre et fine retenue, parlant dans un murmure au cœur. Une sensibilité et un travail poétique que vient souligner et inviter à lire la belle préface d’Alain Freixe, poète et essayiste, et ami de longue date de l’auteur. Barnaud, c’est un pur souffle poétique qui appelle et emplit l’âme, des battements d’ailes qui au plus près s’envolent vers…« L’imperturbable clarté ».

« Rien ne t’accueille sur la rive
Qu’un silence humide
Mendiant
Tu ne sais plus à quoi tendre
Ces mains qui hèlent
Ta voix se noue

Parler insulte
Quand tout se tait ».

Une « Imperturbable clarté » que le poète, à la fois, affronte telle une impitoyable main, celle du temps, de l’amour, mais aussi celle qui effleure et calme telle au loin la lueur d’une bougie. A chaque poème, ici en cet ouvrage remanié, se laissent entendre et sentir cette vibration, ce frémissement, simple tremblement, léger chancellement ou vacillement ; Pureté. Pureté de l’évanescence, celle de absente que fait encore entrevoir hier ; Une voix, murmure d’une ombre comme une note tenue, un pas éphémère qui se glisse encore, une passante comme simple présence...

Alain Freixe souligne admirablement cette patience toute Barnaudienne, « quelque chose n’adviendra d’elle que dans le « laisser porter », le « laisser venir », le « laisser passer » dans « l’épreuve des saisons ». Laisser le temps, les mots et la poésie parcourir les veines du poète, les battements, ratures et vers, pour retrouver vie, instants d’une lueur, « Sous l’imperturbable clarté ».

« Et donc regarde-moi
C’est ma supplique
A la dérobée regarde-moi
Puis viens vers tous ces signes
Noircis en juste perte
Accorde-leur l’amitié
D’un long regard

Que ta noblesse les anime ».

L’ouvrage s’ouvre avec deux très beaux poèmes issus du premier recueil de l’auteur, « Sous l’écorce des pierres » publié aux éditions Cheyne en 1983 (maison dans laquelle il deviendra directeur de collection – collection « Grands fonds » jusqu’en 2016), il se referme sur des poèmes du recueil « Le don furtif », dont notamment « La paix des chênes ».

Finalement, refermant l’ouvrage, on se dit avec un rare bonheur qu’il s’agit en fait d’un véritable travail et d’une édition à part entière que nous offre avec cette publication Jean-Marie Barnaud.

L.B.K.

Michel Orcel : « Le Jeune Homme à la mule », Édition Pierre Guillaume de Roux, 2019.

« Le jeune homme à la mule » de Michel Orcel – écrivain, essayiste, traducteur dont « L’Enfer » de Dante aux éditions La Dogana, enchante par sa fine plume trempée au soleil d’Italie, au charme et goût français et aux mille senteurs. Son rythme épouse celui de la Provence, celle de la fin du XVIIIe siècle et de ce « Jeune Homme à la mule », Jouan et d’Hermine puisque tels sont leur nom respectif. Alors que du Nord soufflent des vents violents et troublés, la Révolution française gagne, c’est un temps encore calme et lent qui scande cette Provence, laissant tout loisir à Jouan de se mettre en route au pas de sa mule pour Sospel, non loin de Turin, chargé de recouvrer quelques dettes que son père lui a confiées. On observe discrètement s’éloigner ce jeune homme d’un autre temps, le lecteur se surprend déjà à le suivre, lui et Hermine avec son pas parfois mal assuré sur les sentiers rocailleux ; quelques lieues ou pages, et déjà cette histoire avance avec en contrepoint l’Histoire…
Il faut commencer la lecture de ce roman comme l’on consent à une balade dans des contrées oubliées, s’émerveiller de la splendeur retrouvée des paysages de Provence, de la Savoie et du Piémont que l’auteur dépeint dans toutes leurs nuances magnifiquement ; Sospel, Turin, Nice – Capitale du Comté de Nice appartenant non au Royaume de France mais encore à celui de Sardaigne, des horizons tout stendhaliens offrant à son lecteur cette brise subtile et littéraire pleine de lumière et de senteurs. Mœurs, coutumes et costumes de ces contrées et Comtés en cette fin du XVIIIe siècle émaillent aussi de leurs couleurs et contrastes ces pages en de véritables tableaux dignes de V.A. Cigaroli ou de A. Raspal. Ce ne sont que reflets changeants, ceux des hautes cimes ou des belles et soyeuses étoffes, qui cisèlent ce récit.
Mais, Michel Orcel sait également être un captivant conteur, rien de lancinant dans cette pérégrination initiatique de notre Jeune Homme, et entre deux portraits ou dialogues truculents de seigneurs ou chanoines, le lecteur se prend à sourire, rire ou aimer avec le héros… On chevauche maintenant, galope aussi sur de fiers et beaux chevaux, perdant haleine derrière ce héros qui caracole, espérant en ce destin qui semble lui sourire ; il vient d’être engagé au titre de secrétaire particulier par le chanoine Alberti et ce dernier le charge d’une mission secrète et délicate pour l’avenir de l’Église…
La poésie, notamment Le Tasse, Alfieri, offre ses rimes ; le théâtre - Gozzi, Arlequin, Goldoni, s’y déclame ; L’Opéra-Comique ou l’Opéra-bouffe aussi, trouvant chacun naturellement leur place dans ce récit. Une place plus particulière encore, lorsque la belle Giuditta, actrice et chanteuse d’opéra-comique gagnera le cœur de Jouan alors même qu’il poursuit son chemin et son ascension sociale entre manigances et intrigues… Mais le XVIIIe siècle avance inexorablement, la Révolution gronde ; Les émigrés affluent à Nice comme à Turin, un fait politique majeur de cette période que le Duc de Castries immortalisera dans de célèbres pages ; La mort de Louis XVI sera tambourinée ; Jouan se devra alors, ne pouvant échapper à son siècle et à l’Histoire, de sauver sa liberté, son cœur autant que son honneur…
C’est un vent enlevé et délicat à contre-rebours de celui de la Révolution qui souffle sur ce récit aux accents stendhaliens servi par l’écriture fine et sensible de son auteur, Michel Orcel.

L.B.K.

Iliona Jerger : « Marx dans le jardin de Darwin. », traduit de l’allemand par Bernard Lortholary, Éditions De Fallois, 2019.

Un roman extrêmement plaisant signé Iliona Jerger et servi par une traduction de l’allemand de Bernard Lortholary. L’auteur, journaliste, ancienne rédactrice d’une revue écologiste, a eu l’heureuse idée pour ce premier roman de réunir deux penseurs majeurs du XIXe siècle : Darwin et Karl Marx. Si nous n’ignorons, certes, pas leurs travaux et recherches, scientifiques pour l’un, économiques pour le second, reste que leur vie privée, caractère et manies demeurent, en revanche, il faut l’avouer, plus mal connus ; et si bibliographies et films ont pu leur être consacrés, bien peu d’auteurs ont osé ce fécond parallélisme et cette audacieuse rencontre entre ces deux géants dont les travaux et publications respectifs ont révolutionné les pensées et ébranlé les certitudes suscitant oppositions et scandales. Marx s’est-il appuyé sur Darwin, sur « L’Évolution des espèces », pour écrire le 1er tome du « Capital », et Charles connaissait-il cette dernière parution ? Qu’en pensait-il, lui qui aimait si peu les conflits ?
Iliona Jerger s’est depuis longtemps penchée sur la vie du célèbre scientifique anglais; outre ses publications, elle a parcouru un nombre incroyable de carnets, notes et correspondances. Rien ne lui a échappé, et surtout pas, cette possible rencontre entre Charles Darwin et Karl Marx ; les deux hommes ayant résidé un temps à quelques miles seulement l’un de l’autre. Avec une écriture à la fois tendre et vive, l’auteur tient son lecteur sous son joug, nous laissant page après page découvrir un Charles Darwin intime, à un âge déjà avancé, toujours aussi passionné et englué dans ses bocaux et expériences, si British… Marx, plus jeune, plus ombrageux aussi, est déjà lors de son exil anglais malade. L’auteur, de parallèles fidèles, vivants, parfois même cocasses, en flashbacks touchants ou surprenants, tient son lecteur en haleine jusqu’à cette fameuse rencontre ou plus précisément dîner. Un dîner des plus électriques, pensez ! Y avez-vous un jour déjà songé ? Car, plus encore que « Marx dans le jardin de Darwin », c’est à la table même de ce dernier qu’on y retrouve le colérique et rustre Marx. Un dîner où, entre affinités, filiations et inclinaisons, divergences ou oppositions, les caractères, positions et vues de chacun se révèlent par contraste merveilleusement bien. La confrontation des pensées des deux grands penseurs au fil du roman s’y révèle fructueuse et soulève de pertinentes et judicieuses interrogations. Certes, Darwin y apparaît, malgré sa célébrité, ainsi abordé à cet âge avancé, dans toute sa fragilité avec ses manies, son plaid et son fox, mais un Charles si attachant… Doux savant attaché à son épouse, à ses enfants, et en bon anglais, à son chien et cheval, à ses plantes ou vers de terre, aussi, bien sûr… Mais, le roman ira jusqu’au bout avec les soins attentifs et dévoués de ce sympathique médecin qu’ils partagent, le Docteur Beckett, présent pour les besoins de la cause du début du roman jusqu’à la fin de ces vies ayant marqué de leur sceau les deux derniers siècles passés jusqu’au notre, ce XIXe siècle.
Alors, pure invention ce si plaisant roman qui se savoure comme un sherry ? Pas vraiment, si peu même en fin de compte, et Iliona Jerger s’en explique dans sa postface avec un rare bonheur, un bonheur partagé avec son lecteur.

L.B.K.
 

Stéphane Mallarmé Correspondance (1854-1898), édition de Bertrand Marchal, publiée sous la direction de Jean-Yves Tadié, 1968 pages, 152 x 240 mm, relié toile, Collection Blanche, Gallimard, 2019.

Ce fort volume réunissant la correspondance de Stéphane Mallarmé viendra réjouir non seulement les amoureux du poète mais également toute personne éprise par l’art de la correspondance. Et si leur auteur manifeste parfois quelques réactions atrabilaires à leur encontre – il avoue haïr l’art épistolier ! - c’est une pratique qu’il ne cessera pourtant d’exercer toute sa vie durant, un exercice dans lequel il excella. Avec près de deux mille pages, et 3339 lettres, c’est une vie qui défile au gré des missives, brèves pour certaines comme ce mot adressé au peintre Whistler qui réalisa son portrait, d’autres beaucoup plus longues à son épouse, Paul Verlaine ou encore Berthe Morisot dont il fut l’ami indéfectible jusqu’à ses derniers jours. Si certains vers de Mallarmé peinent parfois à être compris, leur auteur en ces lettres ne cultive aucun hermétisme, même si de manière récurrente il n’hésite pas à évoquer le sens de sa démarche et de ses recherches. Avec ces milliers de lettres qui s’ouvrent pour le lecteur, c’est le monde littéraire et artistique de son temps qui s’affiche en réseaux inextricables sur cette deuxième moitié du XIXe siècle. Si Mallarmé traverse parfois des déserts, notamment quant à cette peine qu’il a toujours eue avec l’enseignement qui accapare une partie de sa vitalité, il reste néanmoins jusqu’au terme de sa vie au carrefour des sociabilités qui comptent avec ses fameux mardis devenus légendaires depuis…
Bertrand Marchal distingue trois périodes essentielles dans cette correspondance : celle de ses débuts et de sa longue crise après un séjour à Cannes chez son ami Eugène Lefébure en 1866, crise qui durera plusieurs années (jusqu’en 1872) et préludant à la métamorphose du poète. La deuxième de 1872 à 1884, années fertiles parisiennes où les réseaux se tissent,et enfin la troisième de 1884 à sa mort en 1898 qui marque la consécration du Mallarmé tout autant par Verlaine que par Huysmans, Debussy et tant d’autres, ce qui lui vaudra encore un nombre croissant de missives, elles-mêmes plus brèves. Chaque page livre des instants d’intimité comme des brèves de son temps, celles d’une lettre à Mirbeau pour intercéder en faveur d’un « artiste rare », selon ses termes, persécuté à Paris et qui s’apprête à partir pour Tahiti, il s’agit bien entendu de Gauguin, ou bien ce message fraternel adressé à « mon cher Verlaine » qu’il admire « infaillible, et si hautain, spirituel ». Parmi tant d’amitié, celle pour Berthe Morisot est troublante par ses accents sincères où nulle fausse séduction ne pointe mais la profonde relation qui conduira le poète à devenir le tuteur de sa fille Julie à la mort du peintre. Ce sont ces instants de vie, et de mort parfois, qui jalonnent ces antichambres de la poésie du grand Mallarmé. Une correspondance à nulle autre pareille !

Philippe-Emmanuel Krautter

"Les tribulations d'Arthur Mineur" d'Andrew Sean Greer, Chambon Éditions, 2019.
 

« Arthur, j'ai une théorie. Écoute-moi bien, maintenant. C'est que nos vies sont pour moitié de la comédie, et pour moitié de la tragédie. Et pour certaines personnes, il se trouve que la première moitié de la vie, tout entière, est une tragédie, et puis la seconde une comédie...
Oui, Arthur, la première moitié de ta vie, c'était de la comédie. Mais maintenant tu te trouves en plein dans la seconde moitié, la moitié tragique... De quoi tu parles ? Demande Mineur. Le tragique... » C'est probablement dans cette partie du roman d'Andrew Sean Greer que tout le tragique ou le comique de la situation à l'instant T de la vie d'Arthur Mineur se révèle au lecteur ; mais pour en arriver là, que d'étapes parcourues, que d'heures de vol, que de rencontres et d'aventures incongrues et de voyages improbables, et tout çà pourquoi ? Pour échapper à une réalité, le mariage de son ancien amant avec un autre homme... Insupportable ? Oui, si on y est invité... Alors fuir s'avère être la meilleure des solutions... Et en acceptant un périple pseudo littéraire autour du globe, Arthur Mineur pourra ainsi ne pas être témoin de cette trahison refoulant ainsi, aussi loin que possible, sa souffrance et son chagrin. Première étape de cet itinéraire dingo, New York, deuxième en route pour le Mexique ! Troisième en Italie, quatrième c'est parti pour l'Allemagne... et puis la France, le Maroc, l'Inde et le Japon avant de rentrer « à la maison ». Une succession de conférences, de lectures, de reportages qui malgré les rencontres cocasses, inattendues, semi professionnelles, pourquoi pas amoureuses, Arthur Mineur est bien à l'étroit dans son costume d’écrivain... de remplacement, pas franchement connu, plein de promesses littéraires à ses débuts, mais dont rien n'est « sorti » de probant. Mineur écrivain mineur, Mineur qui pourrait se perdre dans ses souvenirs, Mineur qui vieillit tout simplement... D'une écriture enjouée, fine, Andrew Sean Greer nous fait plus que partager les pérégrinations de son personnage, à la fois malheureux, maladroit, heureux, curieux, désappointé, désorienté, peut-être un peu dépressif ,et surtout qui sait pourquoi il a accepté ces sacrés voyages espérant y oublier justement ce pourquoi il est parti...
Ce roman, qui a valu à son auteur le prix Pulitzer 2018, est en lui-même un rebondissement permanent, laissant s’installer une empathie pour cet Arthur au fil des destinations et des rencontres espérant bien que la comédie de la vie, de sa vie, puisse l'emporter sur la tragédie.

Sylvie Génot Molinaro

Lord Byron : « Le Corsaire et autres poèmes orientaux » ; Présentation et traduction de Jean Pavans ; Édition bilingue, Coll. NRF / Poésie, Éditions Gallimard, 2019.
 

Heureuse initiative que de publier en poche en un seul volume et en version bilingue ces quatre œuvres de Lord Byron – Oraison vénitienne, Le Giaour, Mazeppa, et enfin, Le Corsaire. Une ode et trois poèmes narratifs n’ayant jamais été réunis jusqu’à présent dans une édition française, et ce, qui plus est, avec une riche présentation et belle traduction signées Jean Pavans. Ce dernier, essayiste, romancier, grand traducteur d’œuvres anglo-saxonnes dont notamment Henry James, a retenu ici une traduction nouvelle, réactualisant ainsi les très anciennes traductions françaises jusqu’alors disponibles. Pour cela, il a fait choix d’une approche sans artifices excessifs retenant une versification libérée se situant, selon les poèmes, entre vers libres et prose régulièrement rythmée en dodécasyllabes ou en décasyllabes non rimés. Jean Pavans commence sa présentation du présent recueil en qualifiant le poète de « Salamandrin », un emprunt à Charles Baudelaire, qui annonce avec pertinence la tonalité et l’élan qu’il a souhaité donner à cette nouvelle traduction. Et, c’est effectivement un vent oriental ardent qui souffle sur les flammes de ces œuvres du poète mort à Missolonghi en Grèce, mais en 1824 encore sous domination ottomane ; Le Giaour débute d’ailleurs par une sombre ode à cette Grèce soumise, une déploration qui viendra également émailler Le Corsaire.
Le recueil s’ouvre par « Oraison vénitienne » de 1919. Une ode dédiée à la Sérénissime, cité si chère au cœur de Lord Byron, et la plus orientale qui n’ait jamais existé ainsi qu’aimait à le rappeler André Malraux. Initialement intégrée en ouverture à Mazeppa, cette dernière est cependant si profondément sombre et mélancolique qu’il s’agit moins d’une ode que d’une véritable « oraison » ou « plutôt d’une déploration funèbre sur les gloires disparues d’une République humiliée et soumise aux tyrannies des empires », souligne dans sa préface Jean Pavans. On y retrouve toute la mélancolie du poète, cette « mélancolie toujours inséparable du sentiment du beau », écrivait Baudelaire, et qui en ces vers s’y dépose comme la brume de la lagune pour lui donner toute sa beauté, mais aussi cet étrange voile prophétique :

« Ô Venise ! Ô Venise ! Quand tes murs de marbre
Seront gagnés par les eaux, il y aura
Un cri des nations devant tes salons engloutis,
Une forte lamentation le long de la mer vorace ! »

Suivent trois poèmes ou contes orientaux, véritables récits épiques et d’aventures. Giaour, tout d’abord, contant le combat désespéré d’un cavalier chrétien aux amours funestement contrariées, inspiré d’un conte turc, et que représentera à trois reprises Georges Delacroix.

« L’esprit ruminant les chagrins coupables
Est pareil au scorpion cerclé de feu
Les flammes en s’embrasant se resserrent
Autour de leur captif, et le harcèlent »

Byron n’est pas éloigné de son personnage Giaour. « Cependant - souligne Jean Pavans, Byron ne meurt pas dans le brasier où la société le jette ; il y vit, plutôt qu’un scorpion, c’est une salamandre ; » En ces vers s’exprime ainsi toute la pertinence du qualificatif retenu de « Salamandrin ». Une salamandre qui plus encore qu’elle ne traverse le feu, s’en nourrit.
Puis suit, Mazeppa, inspiré de la fameuse légende ukrainienne avec cette célèbre chevauchée du héros enchaîné jusqu’à sa rédemption ; légende ayant inspiré bien des artistes, écrivains et poètes, toiles et poèmes symphoniques dont celui du romantique et non moins fougueux Franz Liszt.
La présente édition se referme, enfin, avec Le Corsaire. Un poème contant les aventures d’un pirate grec, Conrad, aux ardentes amours et qui inspirera Verdi pour son célèbre opéra avec un livret signé Francesco Maria Piave. Dans ce poème épique aux accents d’autoportrait ou de confessions, inspiré du même conte turc que Le Giaour, s’expriment à la fois toute la profondeur et la fougue du poète. Le Corsaire connaîtra dès sa publication un indéniablement et immense succès justifiant qu’il donne son titre à ce recueil comprenant ces quatre œuvres, alors que le poète a déjà acquis une belle renommée.
C’est ce précieux alliage, « mélange paradoxal d’exaltation et de nihilisme - souligne Jean Pavans - qui forme la « personnalité diabolique » de son auteur », mais donne aussi toute sa beauté à ce recueil.
 

L.B.K.

Sans Eux - roman de Caroline Fauchon, Éditions Actes Sud, 2019.

« Les hommes avaient quitté l'espace public et même leur habitation. Ils se terraient, ils s'effaçaient. Dans les journaux, on parlait de « retrait du monde ». Que s’était-il passé ? « À cette époque, il y avait des hommes de tous âges, dans tous les milieux et sur tous les territoires. Ils occupaient une place importante dans la plupart des sociétés mais, déjà, imperceptiblement, leur déclin s'annonçait ». Ainsi sommes-nous avertis qu'un événement d'ordre majeur est en train de se passer dans le premier roman de Caroline Fauchon. Est-ce avec un regard d'anthropologue, de journaliste, de sociologue, d'ethnologue, de photographe reporter ou de simple témoin de l'extinction d'une partie de notre espèce que les femmes de ce roman vivent ce phénomène ? Peut-on envisager une nouvelle organisation, une nouvelle économie, de nouvelles attitudes et l’avènement d’une société strictement matriarcale ? Quels seront les souvenirs de ce que furent les hommes ? Et où sont-ils cachés ? Ces hommes n’ayant plus qu'une faible et trouble place dans les souvenirs des femmes, ont-ils même existé ? Simple mythe ?
Chaque chronique de la narratrice conte et créé cette nouvelle histoire de l'humanité à travers les récits des dernières relations avec les hommes. « À l'heure où j'écris, je me rends compte que j'ai abondamment puisé dans leur vie pour mes fameuses chroniques. J'ai pillé le récit de leurs origines et les anecdotes qu'elles me confiaient. En quête d'explications, j'en ai fait des archétypes du nouveau monde qui advenait. » mais, toutes ces femmes sont-elles vraiment prêtes pour cette nouvelle vie sans hommes ? « En fin de compte, génétiquement, l'humanité était prête à un tel bouleversement. Nos réticences et nos inquiétudes sont pus d'ordre moral ponctua Eugénie avec une assurance dénuée de toute provocation qui me désarçonna... La pente naturelle était bien à la disparition progressive des catégories... Le temps était venu de nous redéfinir... Bientôt nous ne nous souviendrons que vaguement des hommes et nous les reconstruirons à partir de souvenirs ou d'images qui sont en train de vampiriser le réel et de créer le mythe du mâle, bien éloigné sans doute de sa réalité concrète... Désormais sans eux, comme nous étions naguère sans dieux, nous ferons d'eux notre légende originelle. » À la lecture de ce roman au titre annonciateur « Sans eux » impossible de savoir si on est dans une analyse froide et scientifique d’homogénéisation des genres de notre société, d'un pur effet de science- fiction, d'une réflexion philosophique sur l'avenir de notre espèce et des modifications génétiques et physiques à venir, que faire? Peut-être, se rattacher aux récits du dernier homme qui trouvera refuge chez une femme… jusqu'au retour des hommes.

Sylvie Génot Molinaro

« Partis pris - Littérature, esthétique, politique » de Marc Fumaroli, édition par Paul-Victor Desarbres, introduction Maxence Caron, Collection : Bouquins, Éditions Robert Laffont, 2019.
 

La réunion en un fort volume des « Partis pris » de l’académicien Marc Fumaroli dans la collection Bouquins des éditions Robert Laffont sera l’occasion pour nos contemporains de savourer l’un des derniers ambassadeurs de la pensée classique. Professeur au collège de France et membre de l’Académie française, Marc Fumaroli (lire notre interview) se joue des disciplines dans lesquelles sa pensée excelle avec une facilité déconcertante entre histoire et littérature, arts et questions contemporaines ainsi qu’en témoignent ces exercices d’admiration réunis par Paul-Victor Desarbres. Le grand spécialiste du XVII°siècle et de la rhétorique ne cache pas en effet son goût immodéré pour le Grand Siècle et cet art de la persuasion qui a pour nom rhétorique, héritage des Grecs et des Romains avec notamment Cicéron mais aussi Augustin sans oublier les médiévaux suivant les traces de leurs aînés. Les humanités sont toujours pour l’académicien ce réservoir sans fonds de l’expérience humaine, ne cédant en rien aux sirènes de la logique formelle à l’imitation des sciences dures. Amour de la sagesse, dialogue des arts du langage, des arts visuels et de la musique, Marc Fumaroli fait défiler pour le lecteur les trésors hérités de la pensée de Corneille, de La Fontaine, Racine, Bossuet, Pascal… que de noms gravés dans la mémoire collective culturelle et pourtant si délaissés de nos jours. Décomplexé, Marc Fumaroli se veut être un laudateur de cet héritage sans pour autant en être le thuriféraire, ce qui rend la lecture de ces pages non seulement agréable, mais offrant aussi pour notre époque de nouvelles lumières. Ce sont justement ces Lumières qui retiennent également l’intérêt de notre penseur, Voltaire, Rousseau, Tiépolo… dont l’analyste sait rendre les traits saillants. Et si notre modernité pense audacieusement avoir tout inventé, le passé le plus glorieux de l’Ancien Régime se charge avec l’académicien de remettre les pendules à l’heure ! Les plus jeunes lecteurs pourront ainsi découvrir combien cet héritage – loin de tout passéisme et pédantisme – demeure essentiel pour comprendre la plupart des chefs-d’œuvre de la culture. L’auteur ne cessant d’alerter sur les risques encourus par cette amnésie encouragée, pour ne pas dire prônée de toute part, à l’image d’une autre académicienne dont il n’hésite pas à citer intégralement les propos alarmants, Jacqueline de Romilly (lire notre interview). Pour ces penseurs, il y a urgence, si nous souhaitons préserver ce “vivre ensemble” français comme le nomme Marc Fumaroli et dont le présent volume pourrait bien être le manifeste le plus éclatant.
 

Philippe-Emmanuel Krautter

Olivier Rasimi : « Cocteau sur le rivage », Coll. La rencontre, Éditions Arléa, 2019.

« Une foule immense de grands parapluies noirs berce ses nénuphars au-dessus du brouillard », tel est l’incipit de ce délicat et sensible ouvrage « Cocteau sur le rivage » signé Olivier Rasimi. Il annonce les battements lourds et désespérés d’un cœur brisé, celui de Jean Cocteau à la mort de Radiguet, son ami, son amant… Lorsque le jeune auteur de « Le Diable au corps » meurt en cette année 1923, le 12 décembre, il a tout juste 20 ans ; Cocteau, abattu, terrassé, n’aura pas la force d’assister à l’enterrement auquel amis, poètes, écrivains, artistes, et une foule immense, se pressent. Un enterrement tout de blanc comme un linceul où même les lys pleurent...
Olivier Rasimi, poète et musicien, par admiration et respect, a décidé en ces pages de vouvoyer Cocteau, comme pour mieux se faire pardonner cette intrusion dans la douleur et l’immense chagrin de l’artiste. C’est avec cette élégante distance que l’auteur entraîne son lecteur dans l’intimité de cette période désespérée, dévastée de la vie de Cocteau. Ce sera Villefranche sur Mer près de Nice, Villefranche qui se drape maintenant de cette soie froide et sombre comme « un décor, un immense carton peint d’un opéra sans voix » écrit l’auteur ; même la chapelle du village semble se taire lorsque Cocteau se laisse glisser dans les fumées d’opium… « Je ne suis plus moi-même. Je continue à vivre en somnambule. Mes réveils sont d’une épouvante. Je ne peux même pas décrire ce qui m’arrive. J’ai cent ans et l’âme à vif comme une peau brulée. », écrira Cocteau à sa mère.
Dans un style sensible aux poétiques évocations, refusant toutes effusions ou débordements, Olivier Rasimi procède par touches fugitives, presque sans bruit, préférant laisser Jean Cocteau apparaître et se dévoiler, lui seul, face à son malheur. « L’âme des choses se déplace toujours en ligne courbe », écrit-il. Avec cette élégance d’écriture, une délicatesse qui jamais ne heurte ni n’étouffe, c’est un roman lancé comme un ténu fil tissé de soie et d’argent au fond du désespoir. La douleur de devoir regarder la mort en face, et qui prendra pour Jean Cocteau les traits de son propre visage, de sa propre main, qu’il n’aura de cesse dans sa chambre d’hôtel de dessiner et redessiner inlassablement... Trois années d’un inconsolable cœur brisé, de dessins, de pièces de théâtre et de mer ; Trois années de poésie écrite à l’encre du chagrin et de bleu infini… Conjurer, traverser et tenter de saisir l’insaisissable… C’est ce que nous propose Olivier Rasimi avec « Cocteau sur le rivage », un délicat roman de deuil, celui de Jean Cocteau à la mort de Radiguet, « un deuil comme un duel qu’on mène contre une ombre »...

L.B.K.

Dossier Huysmans

Paul Valéry confiait à Albert Dugrip : « J’en suis toujours à relire À rebours ; c’est ma Bible et mon livre de chevet. Rien n’a été écrit de plus fort ces derniers vingt ans ». Cet hommage d’un grand homme des lettres peu enclin à des éloges faciles souligne le choc qu’occasionna la parution de ce roman sur ses contemporains. Grâce à cette édition de la Pléiade des Romans et nouvelles de Joris-Karl Huysmans réalisée sous la direction d’André Guyaux et de Pierre Jourde, le lecteur du XXIe siècle pourra entrer de la manière qu’il convient dans l’univers feutré du fameux Des Esseintes, héros archétypal d’une fin de siècle troublée. La lecture d ’A rebours réservera en effet des instants d’anthologie lorsque le personnage central, esthète maladif dont il est difficile de ne pas faire le rapprochement avec le poète Robert de Montesquiou qui inspira à Huysmans probablement le personnage, se perd dans la contemplation des volumes de sa bibliothèque tout autant que dans les flacons de son orgue à bouche… Univers de décadence associé au symbolisme si prégnant en cette fin de siècle, l’écriture de Huysmans se démarque radicalement du naturalisme de Zola qu’il avait jusqu’alors soutenu jusqu’à ce que Zola ne qualifie l’œuvre de Huysmans d’œuvre de confusion. À la différence de notre époque, et à rebours a-t-on envie d’ajouter, la décadence et la névrose omniprésentes dans A rebours se manifestent par la beauté et les arts, le raffinement et la délicatesse… Mais Huysmans n’a pas toujours fait preuve d’une telle rupture sur son temps, et c’est un des attraits de ce volume que de proposer certains de ses autres écrits ; Des récits et écrits traduisant les profonds changements qui s’imposèrent au siècle, à la société et à la capitale française dans laquelle le romancier évolua dans cette deuxième moitié du XIXe siècle. Révolution industrielle, triomphe de la bourgeoisie, révolution haussmannienne, soubresauts de l’Ancien Régime vite réprimés, et partout le règne de l’argent vont marquer les premières œuvres de Huysmans avec un réalisme cruel comme le soulignent André Guyaux et Pierre Jourde dans leur préface. Nul étonnement alors à ce que ses premiers livres n’aient été dès lors dédiés à Zola qui ne lui en sera guère reconnaissant. La déliquescence ciselée par le romancier dans ses romans avant sa conversion en 1891 traduit ces transitions inéluctables que le XXe siècle viendra confirmer de manière cruelle avec notamment ses deux conflits mondiaux. À vau-l'eau s’avère être le manifeste désenchanté de ces mutations conduisant à un sentiment de solitude exacerbé dont témoignent les héros décrits sous la plume désabusée et méprisante du romancier pour le siècle dans lequel il vit. Parmi ces nuages sombres, des éclairs trouent cependant les nuées avec des enchantements pour la poésie et les récits de certains de ses contemporains : Baudelaire, Poe, Mallarmé… Autre lumière, celle de la conversion qui touchera l’écrivain dès la fin du siècle et dont En route en 1895 sera en quelque sorte le témoignage, la confession ou déclamation. Les retraites dans différents monastères constituent des alternatives plus mystiques que les enfermements dans des tours d’ivoire stériles des héros de ses romans précédents. Et si un certain dolorisme chrétien persiste avec Durtal à la recherche de l’art sacré et du plain-chant avant la retraite à La Trappe, la quête ne fait cependant que commencer, elle inspirera d’autres conversions tout aussi célèbres au XXe siècle parmi les écrivains, mais ceci est une autre histoire…

Joris-Karl Huysmans « Le Drageoir aux épices suivi de Croquis parisiens » édition de Jean-Pierre Bertrand, Nrf Poésie Gallimard, 2019.
 

A souligner cette belle porte d’entrée dans l’univers huysmansien proposée par la collection Nrf Poésie Gallimard qui vient de rendre disponible des textes essentiels pour comprendre les débuts en littérature de Joris-Karl Huysmans, des débuts par le détour de la poésie en prose. Suivant la voie tracée par ses augustes prédécesseurs Aloysius Bertrand et Charles Baudelaire, le jeune Huysmans aborde en effet la poésie en prose, un genre qui n’en est encore qu’à ses prémices. Jean-Pierre Bertrand rappelle dans son introduction combien cette forme nouvelle tient à l’essor du journal et que Baudelaire applique « à la fréquentation de villes énormes » et à la peinture de la vie moderne. Doué d’une puissance novatrice, le poème en prose par la liberté qu’il offre au poète d’entrer en rupture avec les conventions ne pouvait que séduire Huysmans qui en 1874 livre Le Drageoir aux épices puis Croquis parisiens en 1880. Une liberté tant pour le poète que pour le lecteur soulignera Baudelaire, et à sa suite Huysmans. Les frontières seront d’ailleurs souvent ténues entre poème en prose et roman chez l’auteur de Les Sœurs Vatard et En ménage. Si Huysmans relèguera par la suite Le Drageoir aux oubliettes à la différence des Croquis, la lecture de ces œuvres permet de mieux comprendre les fils sous-jacents qui tisseront progressivement une alternative singulière au naturalisme.

Cahier Huysmans, Cahier de L'Herne dirigé par Pierre Brunel et André Guyaux, 466 p., éditent de L’Herne, 2019.

Les éditions de l’Herne ont eu l’heureuse idée de rééditer le Cahier qui avait été consacré à Joris-Karl Huysmans en 1985, alors qu’une exposition au musée d’Orsay et l’entrée de l’écrivain dans la collection La Pléiade honorent cet écrivain souvent méconnu ou tout au moins « bizarre » comme certains de ses contemporains se sont plus à qualifier l’auteur du fameux roman « À rebours ». Ce Cahier Huysmans fait voler en éclats tous ces clichés en proposant une véritable exploration de l’univers huysmansien. Pierre Brunel ouvre ce fort volume d’études détaillées qui ont fait la qualité des Cahiers de l’Herne aujourd’hui dirigés par Laurence Tâcu. L’article souligne combien le héros Des Esseintes « est aussi la fleur maladive de son siècle » déjà préfigurée par Baudelaire, et porte en lui « la haine du siècle ». Le naturalisme s’étant épuisé à hauteur des dégâts engendrés par la Révolution industrielle dans le dernier tiers du XIXe siècle, quelle place pouvait encore prendre ce regard mâtiné de haine féroce et de lucidité tragique sur le non-sens de la vie ? Un certain ravissement gagne en effet l’auteur et son héros face à ces tremblements annonciateurs de désastres à venir. Divagations, dégoûts et soubresauts désespérés ne peuvent être dépassés par l’idée de progrès prévalent à l’époque où Huysmans signe ses derniers écrits. Mais avant de parvenir à ces questionnements dont l’époque moderne a hérités, le Cahier consacre deux parties essentielles pour comprendre Huysmans avant la rédaction d’A rebours, sections dans lesquelles nous découvrons le jeune homme entré en littérature par la poésie, et notamment le poème en prose Le Drageoir à épices (1874) venant d’être édité par Gallimard dans la collection Poésie/Nrf. Puis, surgit la veine naturaliste qui marquera des œuvres importantes comme Marthe, histoire d'une fille ; Les Sœurs Vatard ; En ménage ; À vau-l'eau, tout en suscitant progressivement des questionnements existentialistes. La rupture avec Zola survient avec le coup de tonnerre d’A rebours qui marquera les consciences de son temps entre ravissements et condamnations, séductions et critiques. Nul n’est prophète en son pays, surtout au tournant d’un siècle qui ne souhaite pas voir les nuages assombrir le ciel. Les sections consacrées au cycle de Durtal et De la conversion à l’oblature abordent un autre aspect souvent méconnu de Huysmans, la voie choisie face au mur devant lequel il se trouvait : la « sortie » par la transcendance, échelle qui ne cessa pas d’étonner ses contemporains et qu’allaient rejoindre une série d’écrivains fameux au siècle suivant. Le symbolique laisse place à la symbolique de la mystique chrétienne, une voie ouverte passant par les méandres de l’architecture des cathédrales et du plain-chant.

BEAUX LIVRES et CATALOGUES D'EXPOSITION

« Un palais en Sicile » de Jean-Louis Remilleux, photographies de Mattia Aquila, Albin Michel, 2020.

Qui n’a jamais un jour, une nuit, rêvé d’un palais sous le soleil de l’Italie du Sud ? C’est en Sicile que Jean-Louis Remilleux a concrétisé ce songe, un rêve devenu réalité et dont ce superbe ouvrage en livre merveilleusement l’expérience. Ce témoignage enchanteur ne sera pas un coffee book de plus, tant s'en faut… Tout d’abord, par à la sensibilité même de son auteur, Jean-Louis Remilleux, qui producteur pour la télévision et d’émissions à succès a toujours su captiver. Peut-être est-ce pour s’écarter quelque temps des projecteurs et façades toujours de l’audiovisuel que cet homme épris d’histoire a rencontré sur son chemin un palais du XVIIIe siècle en Sicile, assoupi depuis des générations et qu’il a décidé de faire revivre.
Une restauration n’est jamais une entreprise au hasard et ne s’improvise pas ; il faut apprivoiser les lieux et se faire accepter d’eux. Mais lorsque l’histoire se confond avec le présent, que le goût des vieilles pierres dorées n’a que faire des climatisations et domotiques contemporaines, les choses peuvent aller de soi… ou presque. L’Histoire du Palazzo Di Lorenzo del Castelluccuio participe de celle d’une Italie rayonnante du XVIIIe siècle, mais qui connut, cependant, un terrible désastre lors du tremblement de terre de 1693 qui détruisit l’ancien bastion de la Sicile orientale. Il fallut reconstruire et le Palazzo n’allait ressortir des ruines qu’un siècle plus tard. Ainsi que l’évoque Jean-Louis Remilleux, cette demeure était « une belle endormie qui a passé de nombreux hivers sous l’orage » lorsque le coup de foudre eut lieu. Le végétal s’était invité allégrement dans chaque fissure laissée par le temps, fresques, lambris, et parfois les murs mêmes s’étaient métamorphosés en poussière…
C’est pourtant le début d’une belle aventure évoquée avec passion, tendresse et complicité entre l’homme et la pierre, l’âme et l’esprit des lieux. Servi par une iconographie vibrante et animée, fruit du travail inspiré de Mattia Aquila qui parvient à se saisir de cette histoire laissée en héritage, cet ouvrage rend un bel hommage au lien indéfectible qui unit désormais, Jean-Louis Remilleux à ce Palazzo éveillé d’un songe, et qu’il a souhaité partager pour le plus grand plaisir du lecteur !

« Villes du Monde », Collectif Tendance Floue, Editions Louis Vuitton, 2020.
 

En ces temps troublés qu’il est bon de pouvoir voyager au fil de belles pages et de splendides photographies dans les mille et une « Villes du Monde »… Et c’est justement cet extraordinaire voyage autour du globe que nous propose cet ouvrage grand format publié par les éditions Louis Vuitton.
Réunissant des œuvres photographiques du collectif français Tendance Floue, crée en 1991, ayant permis, depuis maintenant plus de douze ans, la publication régulière des fameux City Guides de Louis Vuitton, le lecteur demeure fasciné par tant de villes, de diversités, de beauté et de curiosités. C’est véritablement à des songes infinis, non stellaires, mais bien terrestres auxquels nous invite cet ouvrage XXL. Alternant couleurs et noir et blanc, « Villes du Monde » propose de parcourir cette extraordinaire iconographie urbaine selon neuf atmosphères différentes. Un choix judicieux offrant des dépaysements multiples et instantanés, et une diversité de vues des plus fécondes, propices aux interrogations.

Car, au-delà de ces splendides découvertes visuelles, ce sont également réflexions et questionnements que nous suggèrent ces magnifiques pages. Travail de dix-sept photographes appartenant au collectif Tendance Floue, chaque ville sous leur objectif s’anime, en effet, pour devenir singulière et monde à part entière. Des mondes et atmosphères connus ou plus lointains dans lesquels le lecteur se retrouve littéralement immergé. Que ce soit pour Rome, Ville éternelle, New York, Tokyo ou encore Shanghai, chaque photographe a su par sa griffe y apporter cette esthétique et cette sensibilité propres au collectif Tendance Floue.

Une singularité que la préface « Imaginer la ville » signée David Chandler, critique d’art, appuyée par le texte de Murielle Enjalran, critique d’art et directrice du CRP, ou encore « Les voies du collectif » recueillies par Emmanuelle Kouchner en fin d’ouvrage entendent plus largement encore partager avec le lecteur.
« Il en est des villes comme des rêves… », écrivait Italo Calvino, et ce splendide ouvrage « Les villes du Monde » aux éditions Louis Vuitton en témoigne admirablement.

« Massimo Listri - Cabinets des merveilles » Giulia Carciotto et Antonio Paolucci ; Relié, 29 x 39,5 cm, 356 p., multilingue /Allemand /Anglais /Français, Editions Taschen, 2020.

Notre époque moderne, à l’heure de la digitalisation de nombre d’arts, semble avoir perdu l’idée même de « Cabinets des merveilles », peut-être plus connus sous le nom de « cabinets de curiosités ». Et pourtant, il fut une époque où tout honnête homme se devait de réunir en d’incroyables collections tout ce que la science et les arts pouvaient avoir d’insolites. C’est justement ce merveilleux monde aussi insolite qu’éblouissant que nous propose de découvrir dans cet ouvrage d’exception intitulé « Massimo Listri ; Cabinets des merveilles » paru aux éditions Taschen.

Cet attrait insatiable pour les sciences et les arts allait, en effet, donner naissance au Wunderkammer, cet espace bien particulier, entièrement dédié à cette passion dévorante où les collectionneurs allaient rivaliser d’ingéniosité afin de collecter, souvent auprès des nations les plus lointaines, tel coquillage rare, tel oiseau naturalisé ou encore un minéral jamais encore aperçu…

Les puissants de ces temps révolus ont ainsi fait connaître la magnificence de ces collections éclectiques, avant que la spécialisation des musées aux siècles suivants ne vienne mettre un peu d’ordre dans ces étonnants empilements d’objets insolites. L’objectif ambitieux, et souvent aujourd’hui devenu vain à nos yeux, était de réunir en un souhait encyclopédique toute la connaissance humaine, à l’image de nos encyclopédies en ligne… Les monarques, princes et aristocrates cédèrent rapidement à cet élan qui devint vite une mode, le grand-duc de Toscane François Ier de Médicis, l’empereur des Romains Rodolphe II ou l’archiduc Ferdinand II de Habsbourg, verront leurs cabinets présentés comme des références à imiter, à l’image des serres exotiques ou des orangeries réunissant les plus rares plantes lointaines.

Massimo Listri s’est lancé avec passion et rigueur dans ces espaces à nul autre pareil, bravant les catégories de la science et des arts. En ces pagnes règnent l’insolite et la diversité, l’exotisme et le rêve. De la Renaissance jusqu’à notre époque moderne – certaines personnes ayant perpétué fort heureusement cette bien étrange pratique – cet ouvrage splendide explore, en effet, les plus beaux cabinets de curiosité, qu’ils soient parvenus jusqu’à nous ou bien disparus et recomposés, sans oublier les plus contemporains. Le lecteur ébahi y retrouvera toute la diversité certes du vivant, mais surtout sa rare beauté insolite, ces attractions pour la couleur et les formes, sources d’un plaisir revendiqué de manière resplendissante par les magnifiques photographies illustrant merveilleusement cet ouvrage. Pierres précieuses, automates, animaux mythologiques, coquillages inconnus, vases précieux… ne feront qu’étonner et séduire le lecteur dans ces pages très inspirées et présentées en format XXL. Giulia Carciotto et Antonio Paolucci accompagneront le lecteur dans ce fabuleux voyage grâce à des commentaires et notes indispensables à la compréhension de tous ces trésors, reflets de la splendeur des civilisations qui les ont réalisés.
 

« Foulards – Du mouchoir au carré de soie » d’Isabelle de Cours ; Photographies de Sophie Tramier ; 220 x 285 cm, 248 p., Éditions de la Martinière, 2020.
 

Avis aux amateurs, femmes ou hommes, amoureux ou passionnés de carrés de soie !
Un splendide ouvrage entièrement consacré aux carrés de soie vient, en effet, de paraître aux éditions de La Martinière sous la direction d’Isabelle de Cours. De toutes les couleurs, de toutes les tailles, du foulard jusqu’au mouchoir, cet ouvrage, de format carré comme il se doit, offre au regard pas moins de 300 pièces de cet accessoire aussi indispensable qu’incontournable d’hier comme d’aujourd’hui. Idéalement illustré par la photographe Sophie Tramier, l’ouvrage est un plaisir des yeux et des sens, et ne pourra que réjouir les âmes créatrices et les passionnés.
Accessoires portés aussi bien pour leur chaleur par temps froid que l’été par élégance ou protection, les carrés n’ont eu, en effet, de cesse de débrider notre imagination. Noué autour du cou, enroulé pour les coiffures ou sur une anse de sac, l’utilisation des carrés de soie semble sans limites. Les plus grands couturiers ont signé de leur nom des carrés de soie indissociables de leur griffe et collections. Quelques célèbres marques en ont fait un accessoire incontournable, devenus pour certains de véritable pièce de collection… Masculins ou plus féminins, floraux ou animaliers, offrant leurs camaïeux ou leurs contrastes, ils volent et nous enchantent…
Rangés justement en ces splendides pages selon leurs motifs, Isabelle de Cours, elle-même collectionneuse impénitente de foulards et conservatrice en chef des bibliothèques à la BNF, nous conte également l’extraordinaire histoire de ces carrés de soie, leurs différentes utilisations et fonctions de l’antiquité à nos jours. Appelés différemment selon les époques, « fichus, « mouchoir » ou « carré », portés également selon les modes et tendances, ils offrent, il est vrai, une multitude de possibilités et d’usages. Les inconditionnels trouveront, de surcroît, en annexes un panorama pratique de leurs différents nouages. Surtout, les carrés de soie nous offrent cette variété infinie de merveilleux motifs selon nos goûts et humeur du moment. Certains sont par eux même de véritable tapisserie ou œuvre d’art dont témoignent, ici, magnifiquement les compositions et la lumière des photographies de Sophie Tramier.
Un ouvrage offrant plus qu’un plaisir des yeux, une merveilleuse source d’inspiration…

« Silences » ; Photographies de Thierry des Ouches ; 27 x 27 cm, 120 p., Éditions Hartpon, 2020.
 

Nul doute que ce splendide et très soigné ouvrage de photographies signé Thierry des Ouches paru aux éditions Harpton retiendra l’attention. Des photos singulières, presque intemporelles, comme venues de nulle part, et qui étrangement viennent vous habiter. On retrouve en ces pages cette griffe personnelle par laquelle Thierry des Ouches a su s’imposer dans le domaine de la photographie.

Rappelons que le photographe s’est fait notamment connaître en France, en 2004, par sa série de photographies grand format de vaches exposées dans la capitale, place Vendôme.
Ici, ce sont d’envoûtants clichés que l’on découvre. Des clichés suspendus hors du temps ou appartenant à un autre temps. Des objets insolites oubliés, une lampe figée suspendue, une fenêtre au vent laissée à l’appel du large… C’est un temps empreint d’une subtile nostalgie et sur les ailes duquel se glisse cette poésie propre au photographe. Une poésie habitée de brumes et de gel, de couleurs surannées et d’éphémères visions.

Les photographies de ce dernier ouvrage forment à elles seules une véritable symphonie faite de silences et de vibrations comme ce vieux poste de radio oublié dans l’humidité de l’herbe et livré au regard en couverture ou encore ces vibrations qu’emportent t ces rails dans le lointain infini…
Ce sont d’étranges silences ou souffles qui semblent s’échapper de ces pages comme pour mieux venir vous toucher.

Sous l’objectif de Thierry des Ouches, les objets, paysages semblent reprendre mystérieusement une autre vie. De vieilles carcasses d’autos ou de camions habillés de leur robe de rouille, un tuyau d’arrosage qui s’avance en serpent… « Des silences » que Thierry des Ouches a su magnifiquement capter, lui qui écrit en début de cet ouvrage : « Se plonger dans le silence, c’est conjuguer au présent, au passé comme au futur le temps qui nous accompagne ».
Un splendide ouvrage de photographies qui assurément résonne de « Silences » et d’émotions, un langage vibratoire et poétique singulier qui ne peut que toucher.
 

« AFRICA 21e Siècle – Photographie contemporaine africaine. ». Sous la direction d’Ekow Eshun, 22.5 x 28 cm, Relié, 272 p., Éditions Textuel, 2020.

Magnifique ouvrage entièrement consacré à la photographie contemporaine africaine. Intitulé « AFRICA 21e siècle », c’est le tout premier ouvrage a mettre ainsi pleinement en lumière les travaux récents d’une jeune génération de photographes venus des quatre points cardinaux du continent africain. À ce titre, il ne peut qu’être salué !
Réunis par les soins d’Ekow Eshun, commissaire d’expositions, journaliste et écrivain, auteur notamment de Africa Modern (2017) et Black Gold of Sun (2005), le lecteur y découvrira avec étonnement ou parfois fascination les œuvres de pas moins de 51 photographes africains. « Tous révélateurs d’un moment (…) Un moment où une génération de photographes africains revendique la liberté créative de regarder en soi-même pour pouvoir décrire ce que cela représente, ce que cela signifie de vivre en Afrique aujourd’hui. Ce faisant, leurs visions de l’intérieur embrassent une réalité extérieure captivante. » souligne Ekow Eshun en son introduction.

Ekow Eshun a, en effet, souhaité au travers de ce splendide ouvrage de plus de 300 photographies livrer une vision dynamique et actuelle de l'Afrique, soulignant combien chacun de ces artistes a su, chacun à sa manière, aborder son africanité. Des photos d’une modernité inouïe faisant face à des ruines, des scènes de vie quotidienne offrant une diversité de silhouettes, personnes anonymes ou portraits… Proposé selon des chapitres thématiques choisis – Villes hybrides ; Zones de liberté ; Mythe et mémoire et Paysages intérieurs - l’Afrique s’y révèle dans toute sa splendeur géographique, mais aussi et surtout dans sa perpétuelle évolution, tant à l’égard des villes tentaculaires que de l’héritage colonial et postcolonial…

 Des photographies colorées mais aussi parfois en noir et blanc, offrant une multitude de visions captivantes de l’Afrique d’aujourd’hui.
Un fascinant panorama photographique et contemporain de l’Afrique, de cette Afrique du 21e siècle perçue par une jeune génération créative de photographes africains que le lecteur n’aura de cesse de découvrir et redécouvrir avec un plaisir certain.
 

« Veduta » de Thomas Jorion, Éditions de la Martinière, 2020.

Certaines couvertures nous attirent, retiennent notre regard, plus que d’autres, on ne sait de prime abord pourquoi… Tel est le cas de cette belle et énigmatique photographie – une salle de bal ou un salon emplis de fresques d’un ancien Palais italien en ruine ouvrant sur un luxuriant jardin abandonné… Cette photographie, tel un songe, est celle invitant à ouvrir ce splendide ouvrage en grand format à l’italienne intitulé tout simplement « Veduta » qui vient de paraître aux Éditions de La Martinière.
À l’intérieur, introduit par un texte de Giovani Fanelli, professeur d’histoire de l’architecture de Florence, le lecteur y retrouvera les photographies plus magnifiques les unes que les autres du célèbre photographe Thomas Jorion. Un album en quelque sorte d’une Italie d’un autre temps, celui peut-être rêvé ou vécu que le photographe a su, défiant le temps, ces dernières années admirablement capturer.
Aimant plus que tous les Palais et autres édifices en ruine, Thomas Jorion a en effet parcouru objectif en main toute la péninsule italienne du Nord au Sud. Ce sont alors des palais et belles demeures d’hier avec leurs bas-reliefs, leurs fresques ou jardins désordonnés de Toscane, de Sicile, de Vénétie… qui s’offrent aujourd’hui au regard fasciné du lecteur. Des belles endormies, des palais du XVIIIe siècle ou plus récents où l’écho du vent entrant sans frapper laisse s’envoler encore les rires et les notes de musiques de leurs occupants. Le lecteur demeure captivé par tant de richesses, de souvenirs et secrets que le temps a, à sa manière, laissés perdurer. Fresques, escaliers, jardins envahissant les salons et pièces surannées ou encore ces quelques meubles fanés abandonnés telle une invitation…
Le photographe a pour ces splendides clichés d’un autre monde travaillé avec une chambre grand format en lumière naturelle. Sans jamais de retouches, mises en scène ou autres artifices, un beau défi offrant une esthétique singulière, celle d’un temps suspendu, celui d’une autre vie… celle peut-être d’un joli songe…

« Les Métamorphoses d’Ovide - Les plus belles histoires illustrées par la peinture baroque » 84 histoires, 160 peintures et fresques baroques », 1 volume, relié, I 26 x 19 cm, I 372 p., La petite collection, Diane de Selliers éditions, 2020.
 

A qui souhaiterait une évocation merveilleuse des divinités et héros de la culture grecque et latine, cet ouvrage lui est assurément destiné. Et quel bonheur de retrouvé si bien servi Ovide, lui qui malheureusement a trop souvent tendance aujourd’hui à sombrer dans l’oubli de la culture contemporaine, lui préférant des récits d’heroïc fantasy puisant largement à ses sources…
Prix André-Malraux du livre d’Art 2003 dans sa version grand format en deux volumes, « Les Métamorphoses d’Ovide » se trouve en cette année enfin disponible en un seul volume dans La petite collection plus accessible. Le lecteur y retrouvera bien entendu le texte à l’identique, ainsi que l’iconographie ramenée à une échelle plus réduite, mais encore très lisible. Ces 84 histoires narrées par l’un des grands poètes latins au tournant de notre ère composent un tableau saisissant des passions et sentiments humains décrits en contrepoint des frasques et hauts faits des héros et divinités tels Jupiter, Phaéton, Europe, Vénus, Mars…

Ce long poème de douze mille vers offre en effet un vertigineux tableau de métamorphoses, toutes plus spectaculaires les unes que les autres, une habile et poétique manière d’évoquer les transformations permanentes des humains. Du Déluge à César, rien n’échappe à ce flot continuel d’impermanences d’êtres ayant osé défier les dieux, ce dont rend admirablement compte la somptueuse iconographie réunie pour cet ouvrage. Quelle autre œuvre pouvait en effet rendre aussi tragiquement le destin du malheureux Phaéton du haut des cieux que celle du peintre Guido Reni ? Comment restituer le désarroi de la nymphe Callisto autrement que François Lemoyne dans cette peinture « Diane et Callisto » présentée en vis-à-vis du poème ? L’iconographie accompagne cette évocation sensible des passions en une psychologie avant l’heure d’une extrême diversité. Mais derrière ce foisonnement baroque dont la peinture se fait l’écho perce également des traits récurrents, une unité de vie qui caractérise les faits et gestes de ces femmes et hommes voués aux passions, sans pour autant conduire à la formulation d’une morale.

Le lecteur pourra goûter à la poésie d’Ovide grâce à la traduction retenue de Georges Lafaye datant de 1927 et revue en 1992 par Jean-Pierre Néraudau, une traduction saluée pour sa beauté et sa fidélité au texte latin. C’est d’ailleurs Jean-Pierre Néraudau qui offre avec ce texte un remarquable travail critique de notes qui permettra non seulement d’entrer plus librement dans cette œuvre foisonnante, mais surtout d’en apprécier toutes les subtilités relevant d’une culture classique aujourd’hui trop souvent mise de côté.
 

Philippe-Emmanuel Krautter

« Écrire la mer – de l’Antiquité à nos jours» ; Une anthologie réunie par Daniel Bergez ; Relié, semi toilé ; sous coffret illustré, 512 p., 315 ill. couleur, 29 x 35 cm, Éditions Citadelles & Mazenod, 2020.

Dès les premières évocations d’Homère, l’homme a su se saisir de cet élément omniprésent qu’est la mer pour en constituer un sujet d’écriture qui n’a cessé depuis d’inspirer les plus grands écrivains, avec pour leitmotiv le fameux vers de Baudelaire « Homme libre, toujours tu chériras la mer »…
Arts et littératures vanteront dès lors ses beautés et dangers, les fatales attractions comme les plus terribles évocations. C’est ce fécond sujet dont s’est saisi avec une réussite manifeste Daniel Bergez, universitaire talentueux et auteur de livres déjà remarqués dans notre revue. Plus d’une centaine d’auteurs ont été retenus pour cette anthologie présentée en un dialogue étroit et fructueux avec la peinture, ainsi qu’en témoignent les toutes premières pages de ce somptueux livre, véritable ode maritime. Mer crépusculaire au calme plat de Joseph Vernet, mer démontée de Ludolf Backhuysen avec ses « Navires en détresse » pouvant faire écho au psalmiste de la Bible, chaque littérature de la plus antique jusqu’à la plus contemporaine a cherché à rendre la puissance et la majesté de cet élément indomptable.
Servant ou menaçant les hommes par son caractère est imprévisible, les écrivains ont cherché très tôt à s’en attirer les bonnes grâces et à défaut d’y reconnaître une colère divine… Source de vie ou de mort, la mer nourrit les paradoxes, ce dont témoigne le Moyen Âge avec notamment la poésie de Marie de France et cette nef sur les flots décrite en termes inoubliables. Clément Marot redoute, quant à lui, ses « impétueuses vagues… où toute crainte abonde », ce que confirme cette terrible tempête de Jan I Brueghel en vis-à-vis. L’Âge classique ne pouvait pas débuter sans Shakespeare et sa fameuse « Tempête » fort à propos illustrée par le remarquable tableau de Joseph Vernet. Voyageurs et hommes de sciences livrent également leurs témoignages sur la mer à une époque où tout semble possible à l’homme avant que le Romantisme ne vienne introduire la première brèche. Ce sont alors les tourments métaphoriques des ondes qui trouvent leurs échos sous la plume des écrivains et poètes, tout comme les peintres à l’image de cette triste évocation du destin des hommes après un naufrage peint par Dahl…
Chacune des pages de cette anthologie ne laisse qu’une seule envie, celle de relire ces textes pour la plupart passés à la postérité ou de découvrir ceux plus méconnus, mais dont la qualité force parfois l’admiration, tout en savourant la riche et splendide iconographie retenue pour cet ouvrage qui à l’évidence ne pourra que faire date.
 

« reGeneration 4 ; Les enjeux de la photographie et de son musée pour demain. » ; Sous la direction de Pauline Martin et Lydia Dorner, 190 p. ; Co-édition Musée de l’Élysée Lausanne / Editions Scheidegger & Spiess, 2020.
 

La quatrième génération de « reGénération », exposition quinquennale de Lausanne indissociable du monde de la photographie contemporaine internationale, est aujourd’hui accessible et peut-être découverte dans ce dynamique et enrichissant ouvrage qui lui est entièrement dédié paru aux éditions Scheidegger et Spiess.
Cette quatrième édition marque déjà les 15 ans de cet événement donné comme l’un des plus grands laboratoires de réflexion sur les enjeux de la photographie contemporaine. Pour souligner ce cap, les organisateurs ont souhaité cette fois-ci laisser aux anciens photographes des trois précédentes éditions proposer eux-mêmes de nouveaux talents ; pas moins de 35 artistes représentants de la photographie internationale émergente ont été retenus, et dont les travaux se trouvent présentés et réunis dans cette publication.

Après une concise présentation, leurs créations y sont exposées sur plusieurs pages, souvent sur pleine page. Des travaux, tous marqués d’une identité certaine, offrent non seulement une belle fenêtre ouverte sur l’avenir, mais soulignent également les défis auxquels chaque artiste se trouve aujourd’hui confronté. Des clichés offrant une forte originalité, des vues plus « classiques » aussi, quelques photos en noir et banc… tous témoignent de la place de la photographie contemporaine et des questions majeures de notre siècle, l’art, l’écologie, la technologie…

Présenté tel un bilan des trois premières éditions, l’ouvrage préfacé par Tatyana Franck est complété par deux longs textes signés de Pauline Martin et Lydia Dorner, offrant ainsi une réelle mise en perspective de cette dernière livraison de « reGeneration4 ».
Au-delà, c’est aussi et bien sûr, le rôle du musée de la photographie de Lausanne – Musée de l’Élysée - qui s’y trouve relevé et souligné, alors même que ce dernier fête en cette année 2020 ses 35 ans et qu’il s’offrira très bientôt un nouvel habit sur le nouveau site de PLATEFORME 10.

Ainsi que le souligne Tatyana Franck : « Depuis 2005, l’exposition reGeneration rythme la vie du Musée de l’Élysée. » Or, dans un monde en pleine évolution, c’est aussi le monde muséal lui-même qui se trouve confronté et soumis à mutation. Un défi majeur.
Un fructueux ouvrage qui devrait rencontrer un vif intérêt bien au-delà des photographes professionnels ou avertis.

“ Sam Francis in Japan ; The Space of effusion.” de Richard Speer, Cartonné, 140 illustrations couleurs et 50 b&n, 24 x 30 cm, 224 p.,Version anglaise; En coopération avec la Foundation Sam Francis de Pasadena, Editions Scheidegger & Spiess, 2020.

Splendide et précieux ouvrage entièrement consacré aux liens étroits et profonds qu’entretint Sam Francis (1923-1994) avec le Japon. Publié aux éditions Scheidegger et Spiess à l’occasion de l’exposition « Sam Francis et Japan ; Emptiness Overflowing » au County Museum of Art ( LACMA) de Los Angeles qui devrait s’ouvrir prochainement à l’automne 2020, c’est Richard Speer, co-commissaire de l'exposition, qui en signe le riche texte. Rappelons que Sam Francis fut l’un des peintres majeur abstrait expressionniste américain de l’après-guerre. Globetrotter impénitent, ouvert à toutes les cultures, l’artiste nourrit cependant avec la culture et les traditions japonaises, ses arts et sa philosophie des liens ténus privilégiés. Entre abstraction et traditions, ce sont ces affinités entre l’œuvre de Sam Francis et le Japon que le lecteur découvrira avec émerveillement en ces pages. Sam Francis s’établit au japon dès après son premier voyage en 1957. Il y nouera alors des liens avec des cercles d’artistes japonais d’avant-garde, des écrivains et autres artistes, musiciens, réalisateurs ou encore architectes. C’est dans cette plongée et acculturation avec les traditions japonaises que l’œuvre de Sam Francis trouvera à cette époque ses propres racines.

Des œuvres abstraites intégrant, en effet, parfaitement à leur propre subjectivité l’art traditionnel japonais et laissant advenir cette dilatation ou approche infinie du temps et de l’espace essentielle pour l’artiste, tel un « continuum sans limites », ainsi que le souligne Richard Speer. « Un espace d’effusion » - titre de l’ouvrage - dans lequel viennent s’inscrire cette esthétique de la couleur, de la lumière et du geste propres à Sam Francis. C’est une belle approche et compréhension du langage visuel de « Sam Francis au Japon » que nous livre, ici, l’auteur de ces pages appuyées par une large et belle iconographie couleur.

L’auteur a aussi fait le choix judicieux de mettre en perspective les théories conceptuelles de Sam Francis avec de nombreux autres artistes modernes appartenant notamment aux mouvements Gutai et Mono-ha, des liens le plus souvent d’amitié réelle. A ces liens privilégiés viennent également s’ajouter interviews d’amis ou entretiens plus intimes de proches de l’artiste.
Un magnifique ouvrage riche de découvertes, donc, s’appuyant sur un remarquable travail de recherches et offrant une mise en lumière particulièrement éblouissant des liens qu’entretint l’œuvre de Sam Francis avec le Japon.

« Hölderlins Orte - Photografien von Barbara Klemm », 19 × 25 cm, 128 p., 43 illustrations, relié, langue : allemand, Kerber Editions, 2020.

C’est à la rencontre de la poésie et des lieux de Friedrich Hölderlin accompagnée des photographies de Barbara Klemm auquel cet ouvrage convie avec bonheur. À l’occasion du 250e anniversaire de sa naissance, Barbara Klemm a souhaité suivre les pas du poète sur ses lieux de vie, un pèlerinage photographique captant la poésie des fleuves, le Neckar, bien sûr, mais aussi la Garonne lors de son voyage à Bordeaux. Poésie et photographies se répondent en ces pages par de subtils rapprochements à l’image du dialogue entretenu entre Hölderlin et cette même nature il y a plus de deux siècles. L’objectif de la photographe se fait compagnon, témoin et complice des affects, tourments et ravissements du poète. La Grèce telle la verticalité de ses majestueuses colonnes joue de ses ombres en clair et obscur, la lumière est à ce prix. Le mouvement d’une sculpture antique, même fragmentée par le temps, perpétue le mouvement initié par les mots. Ce travail dépasse fort heureusement les clichés du poète romantique devenu fou pendant les quarante dernières années de sa vie passée reclus dans sa tour de Tübingen.

Même s’il ne s’agit pas de renier ce tragique consubstantiel à la vie d’Hölderlin, ainsi que le révèlent ces vers de « La mort d’Empédocle » qu’une délicate photographie de Barbara Klemm accompagne sous la forme d’un fragile arbrisseau protégé de multiples tuteurs :

« En secret au plein du jour et dans la nuée,
Et toi, ô lumière, et toi la Terre, ô ma Mère !
Me voici, serein, puisque mon heure m'attend,
L'heure nouvelle de longue date fixée »

C’est un cheminement ouvert qui est tracé par la poésie d’Hölderlin et que suggère ce remarquable travail artistique réalisé par la photographe, des prises de vues surgit le verbe poétique, réminiscences inspirées et suggérées avec délicatesse.

"Soviet Design From Constructivism to Modernism. 1920-1980" de Kristina Krasnyanskaya et Alexander Semenov ; Relié, 448 p., 24.5 x 30 cm, In cooperation with Heritage International Art Gallery, Moscow, Scheidegger & Spiess, 2020.
 

Après l’exposition en 2019 du Grand Palais à Paris, c’est au tour des éditions Scheidegger & Spiess de consacrer un bel et passionnant ouvrage à l’art soviétique, et plus particulièrement au design d’intérieur, un art longtemps occulté par sa proximité et amalgame avec le régime soviétique lui-même. Avec le recul, il apparaît que les liens entre régime politique et art « au pays des Soviets » semblent plus subtils et riches que les réductions rapides qui en avaient été faites jusqu’alors. C’est ce vaste héritage insoupçonné qu’ont souhaité étudier les auteurs de cette forte somme de plus de 400 photographies et d’une documentation souvent inédite jamais publiée jusqu’alors.

Kristina Krasnyanskaya, historienne de l'art et fondatrice de la Heritage International Art Gallery de Moscou, et Alexander Semenov, expert du design soviétique et associé de recherche à l'Académie d'État d'art et de design de Saint-Pétersbourg Stieglitz, ont ainsi exploré cet héritage méconnu en Occident à la différence de l’architecture plus diffusée. À partir d’archives inédites, nous découvrons ce que fut la décoration d’intérieur soviétique sur une période allant du constructivisme et de l’avant-garde révolutionnaire jusqu’au modernisme tardif, soit une période couvrant les années 1920 à 1980. Avec une idéologie nouvelle s’opposant à l’ancien régime tsariste et sa féodalité autoritaire, un vent nouveau souffle non seulement chez les idéologues que furent Lénine, Trotski, pour les plus connus, mais aussi chez les artistes qui comme Maïakovski placent toutes leurs espérances en ce nouveau tournant vent révolutionnaire. Débats et projets fourmillent de toute part, ce qu’illustrent ces invitations adressées aux artistes pour investir l’espace public et à se « soumettre à la commande sociale ».

Un art de la production voit alors le jour et balaie la peinture de chevalet pour une vision plus monumentale et élargie à toutes les sphères de la vie sociale : architecture, design, graphisme, cinéma… Contrairement aux idées reçues, la diversité et la créativité du design d’intérieur en Union soviétique semblent bien éloignées de cette traditionnelle « monotonie » jusqu’alors avancée. Il s’avère en découvrant cette abondante iconographie et lecture des analyses des auteurs qu’audaces et novations aient très largement inspiré ces mouvements tels que le constructivisme, le rationalisme et le suprématisme. Chaque période est en effet venue apporter son lot d’innovations dans le design et, après la mort de Staline qui avait souvent entravé cette créativité, même le modernisme prônant des meubles fonctionnels et en série pour s’adapter à de petits habitats fera preuve d’originalité dont s’inspirent encore de nos jours certains créateurs…
Mais, ce sont surtout les années 1960 qui signeront l’âge d’or du design d’intérieur soviétique sans oublier l’approche visionnaire de nombreux créateurs lors de la décennie suivante, une création qui restera, cependant, souvent dans les cartons à titre de projets.
C’est à une véritable découverte à laquelle invite cet ouvrage monumental et inspirant sur un thème méconnu et pourtant porteur.

« Lost Wheels – The Nostalgie Beauty of Abandoned Cars » de Dieter Klein; Relié, Editions teNeues, 2020.
 

C’est à un fabuleux et insolite voyage photographique au pays des veilles voitures auquel nous convie le photographe allemand Dieter Klein. Non pas ces anciennes automobiles de collection, briquées, bichonnées, mais des clichés de carcasses, de rouille, enfouies ou abandonnées dans des endroits tout aussi improbables ; Telle est la quête de ce photographe, arpentant les continents hors des sentiers battus, et plusieurs fois récompensé des meilleurs prix - Discovery Days 2017, Festival El Mundo 2018.
Pour cela, Dieter Klein n’a eu de cesse, en effet, de parcourir avec passion les Etats-Unis, mais aussi l’Europe. Et dans ces voyages, son œil et objectif ont su capter ces formes insolites, bagnoles entassées, vieilles caisses délaissées, dans des cadres quasi magiques, fantasmagoriques, offrant à ces étranges carcasses tout le génie de leurs couleurs. Vieux tacots noyés dans un débordant vert végétal, vielles teufteufs ou cadrans habillés du sépia de leur rouille ou encore ces anciennes et royales altières gardant encore quelques lambeaux de leur robe noire…

Ces sont des cadres fascinants, vieux hangars perdus, granges abandonnées, qui accueillent ces épaves et corps de tôles retrouvés et choisis avec le plus grand soin par le photographe. Des cadres offrant à ces clichés toute leur singularité et révélant le talent de leur créateur. Des forêts dévorantes, des granges noyées de poussière, des champs tels des déserts sans âmes ou ces casses d’un autre monde. Des contrées lointaines et étranges abritant des Cadillac bosselées, de vieilles Porsche délabrées ou encore ces jeeps militaires à jamais oubliées...

C’est toute la puissance de la nature alliée à la force du temps qui marque de leurs griffes les photographies de Dieter Klein. Une étrange et fascinante métamorphose de ces vibrantes automobiles livrant aujourd’hui au regard les plus insolites visions. Toute « La Beauté nostalgique des voitures abandonnées ».

« Design from the Alps, 1920-2020 ; Tyrol, South Tyrol, trentino ; », Collectif, Version Allemande, Italienne, Anglaise, 23 x 29 cm, Éditions Scheiddeger & Spiess, 2019.
 

Avec son titre laconique et sa couverture monochrome noir et blanche, « Design from Alps » cache bien son jeu et son extraordinaire richesse. L’ouvrage paru aux éditions Scheidegger & Spiess s’impose, aujourd’hui, en effet, comme l’un des meilleurs ouvrages consacrés au design du Trentino, ouvrage de référence, incontestablement, en effet, à plus d’un titre.
En premier lieu, les auteurs, notamment Claudio Larcher, Massimo Martignoni et Ursula Schnitzer, tous spécialistes d’art, de design et d’architecture, signent avec cette parution le premier et unique ouvrage entièrement consacré au design du Trentino, cette région du Tyrol au nord de l’Italie devenue un incroyable carrefour culturel. A la croisée de Munich et Venise, de Vienne et Milan, le Trentino, plus précisément le sud même du Tyrol, a su, en effet, s’imposer au titre d’une des plus dynamiques régions alpines.

Offrant une étude et analyse allant de 1920 à 2020, soit une échelle d’un siècle, l’ouvrage livre ainsi à la connaissance d’un vaste public, professionnel, passionné ou amateur, un véritable laboratoire d’innovations, de créations et techniques du design dans cette exceptionnelle région qu’est le Trentino. Outre les designers les plus célèbres, tels que Lois Welzenbacher, Clemens Holzmeister ou encore Ettore Sottsass, le lecteur y croisera également des pionniers notamment Gino Polini, sans oublier Fortunato Depero.

Enfin, avec plus 360 illustrations dont 327 couleurs et ses 460 pages, l’ouvrage offre un panorama visuel grandiose et unique du design du Trentino sur cent ans. L’ouvrage livre ainsi une des plus vastes et meilleures mises en relief de ce design qui sut toujours être à la pointe d’un modernisme envié. Mobiliers, objets hétéroclites allant de designs oubliés aux plus récents, des ustensiles du quotidien aux accessoires alpins indispensables, skis, chaussures, etc., l’ouvrage offre un fructueux foisonnement. Une explosion de formes, couleurs et d’innovations.
Le lecteur y découvrira combien cet espace sud alpin est - et a toujours été - l’une des régions les plus ouvertes au modernisme. Une exploration pleine d’inventivité, de créations innovantes au cœur même d’un design toujours en mouvement et progressif.
A tous ces titres, l’ouvrage se révèle être une extraordinaire mine inépuisable de connaissances et d’inspiration puisées à la source même de ce design propre au Trentino, ce carrefour culturel des plus dynamiques au cœur même de l’Europe.

« L’Odyssée d’Homère » ; Illustrée par Mimmo Paladino ; Texte intégral, traduction de Victor Bérard ; Notes de Silvia Milanezi ; 92 œuvres de Mimmo Paladino ; Introduction de Diane de Selliers ; 300 pages, 9×26 cm., Coll. La Petite Collection, Éditions Diane de Selliers, 2019.

Lorsque l’art du récit rencontre l’art graphique, cela peut donner lieu à de splendides redécouvertes, le texte et l’image venant dialoguer en d’intimes et infinies conversations. Or, tel a toujours été le fil directeur des éditions Diane de Selliers, et ce volume consacré à l’éternelle « Odyssée » d’Homère en est la plus parfaite illustration.
Pour ces pages uniques, l’éditrice a en effet souhaité une rencontre des plus fertiles entre l’auteur (peut-être pluriel ?) de l’Odyssée et Mimmo Paladino, ce peintre et sculpteur napolitain littéralement habité par le souffle méditerranéen, qu’il s’agisse de ses œuvres datant de la Trans-avant-garde minimaliste ou ses autres inspirations puisées aux sources byzantines ou du Quattrocento. Porté par le souffle de la belle et poétique traduction de Victor Bérard, l’aède et l’artiste dialoguent dès lors parmi les chants du vaste poème afin d’éclairer ces derniers de cette lumière lustrale incomparable et propre aux chefs-d’œuvre.

L’artiste confie d’ailleurs : « Mes images ne veulent pas raconter l’histoire, seulement des allusions. La conception de cette œuvre est musicale. » Aquarelle, gouache, encre de chine, et autres médias vont alors être convoqués comme témoins de la force du récit, à la fois géographie du conte et mythologie de l’exploration.
Un cheminement toujours complexe dans lequel s’était aventuré le traducteur Victor Bérard lors de son fameux périple « Dans le sillage d’Ulysse », un périple sur les traces même d’Ulysse récemment réitéré par Sylvain Tesson avec sa propre sensibilité.
Et, c’est bien toute la force du récit épique conjuguée à cette poésie inégalée et sensible de la langue rendue avec une rare acuité par Victor Bérard qui réunit dès lors, en ces pages, Homère, son traducteur et l’artiste invité. Une traduction qui s’est imposée depuis longtemps en référence. Les traits effilés viennent souligner les archétypes, les formes à peine ébauchées la puissance des liens entre les dieux et les hommes. À l’image de l’« Œdipe roi » de Pasolini, ce minimalisme loin des œuvres tapageuses suggère plus qu’il n’assène les articulations du texte. Le lecteur se surprend alors à vagabonder sur cette représentation d’Ulysse dans son bain, rayonnant d’une grâce divine accordée par Athéna protectrice du héros alors que le geste tendu d’Hélène présentant la coupe sous un palmier laisse l’impression d’une réminiscence de quelques peintures égyptiennes antiques.

La curiosité est, ici, partout et nourrit cette fameuse mètis d’Ulysse, soif de découvrir, de pousser toujours plus loin les frontières sensibles, y compris par la ruse, tout en se rattachant de manière récurrente à la mémoire, celle de son pays et de son foyer. Va-et-vient, tensions, scansions, tous ces mouvements de l’âme du roi d’Ithaque sont ainsi soulignés par ces remarquables illustrations. C’est un beau voyage que nous offre ce volume des éditions Diane de Selliers, un voyage dans la mémoire de l’humanité et que ce livre perpétue avec élégance.

Lire notre interview Jacqueline de Romilly

« Charlotte Perriand – Complete Works – Volume 4 . 1968-1999.”, de Jacques Barsac; Préface de Michelle Perrot, 528 p., Couleur, Version anglaise, Co-édition Archives Charlotte Perriand / Scheiddeger et Spiess Editions, 2019.
 

Véritable Bible, Jacques Barsac poursuit et clôt avec ce quatrième et dernier volume sa remarquable étude et monographie complète consacrée à l’œuvre et à la vie de la célèbre architecte et designer française Charlotte Perriand (1903-1999). L’auteur, après de nombreux travaux et réalisations de film notamment sur Le Corbusier, Cocteau, Wilson Churchill ou encore Charlotte Perriand, a consacré depuis presque vingt ans ses études et recherches à l’œuvre et vie même de l’architecte et designer. Ce dernier volume avec une préface de Michelle Perrot couvre les trois dernières décennies de la vie de l’artiste de 1966 à 1999, date à laquelle elle s’éteint à l’âge de 96 ans à Paris.
Une période de sa vie marquée notamment par l’enjeu du développement de la célèbre station de ski de haute altitude des Arcs en Savoie dans les Alpes françaises. Charlotte Perriand jouera pour cette réalisation d’envergure et à nulle autre pareille un rôle majeur et déterminant. C’est cet immense travail de l’artiste que le lecteur retrouvera notamment en ces pages, pas moins de 528 pages. Une œuvre vertigineuse à la hauteur des cimes alpines appuyée et servie, ici, par de multiples illustrations, plus de 445 tout aussi splendides que choisies. Intégration, larges baies vitrées, ouvertures et style épuré… Ses réalisations aux Arcs s’imposeront comme un tournant tant dans son œuvre propre que dans l’univers architectural en général et marqueront le design et l’architecture durablement jusqu’à nos jours, plus de 70 ans après. La célèbre architecte réalisera les plans et architecture des Arcs 1 600, mais aussi ceux des Arcs 1 800. Charlotte Perriand relèvera aux Arcs un défi pour elle majeur, une préoccupation qui l’animera toute sa vie, celui de l’harmonie avec la nature. Rappelons surtout que cette dernière fut en son époque une pionnière en ce domaine de la bioclimatique. Mais son travail dans cette station de haute altitude ne s’arrêta pas là ! Elle réalisera également le design intérieur de plus de 4 500 chalets ou appartements jusqu’aux moindres détails, modules de cuisine, et même porcelaine et couverts…
Le lecteur retrouvera, enfin, dans ce volume, les derniers travaux et projets de l’artiste. Des projets tournés notamment vers les espaces artistiques à Tokyo ou encore Paris avec l’Espace Thé de l’UNESCO ; Des liens finement entrelacés entre les arts et dont Charlotte Perriand n’eut de cesse tout au long de sa longue carrière de rechercher et de tisser.
Un quatrième volume qui vient ainsi s’ajouter aux trois précédents volumes et offrant une vision complète de l’œuvre et de la vie de la célèbre architecte et designer française (T1 : 1903-1940 ; T2 : 1940-1955 ; T.3 : 1956-1968 ; T 4 : 1968-1999). Une œuvre majeure internationalement reconnue et saluée, empreinte d’une force créative jamais démentie, tournée vers une modernité intégrée en harmonie avec la nature et aux limites toujours repoussées, mais, aussi et surtout, la vie d’une femme incroyablement libre et fascinante.
Nul doute que cette remarquable somme consacrée à Charlotte Perriand entreprise et menée avec maestria par Jacques Barsac s’imposera à titre d’ouvrage de référence incontournable tant pour les professionnels que pour tous les passionnés d’architecture et de design, mais aussi pour ceux et celles qui connaissent son immense œuvre ou qui viennent de la découvrir notamment lors de l’exposition qui lui a été consacrée en cet hiver 2020 à la Fondation Louis Vuitton de Paris .

« Décoration ; Les plus beaux intérieurs du siècle », Introduction de William Norwich avec des textes de Graeme Brooker, David Netto et Carolina Ivring ; Relié, 250 x 290 mm, 448 p., Editions Phaidon, 2019.

Envie de changer de couleur, de décor ? Avec son grand format, plus de 400 pages et autant d’illustrations, les éditions Phaidon proposent un ouvrage exceptionnel dans lequel tout à chacun pourra à ravir puiser ses inspirations de design et décoration d’intérieur. Intitulé « Décoration ; Les plus beaux intérieurs du siècle », cet ouvrage exceptionnel à la couverture soignée, jaune ou bleue et aux motifs tissés, dévoile en effet, les intérieurs les plus inspirants du XXe siècle jusqu’à nos jours. Une promesse de réjouissance et d’inspiration unique !
William Norwich – éditeur de Phaidon et journaliste de mode et design d’intérieur- qui signe l’introduction de cette incroyable et superbe bible souligne l’objectif premier des auteurs de l’ouvrage, celui « de sélectionner les intérieurs plébiscités par les professionnels et les spécialistes internationaux du design et de la décoration. » Des intérieurs en tout genre, styles et couleurs, pensés et créatifs, signés des plus grands architectes, décorateurs, designers. Tous, professionnels ou simplement esthètes, reconnus et largement salués pour leur originalité, leur style et créations. Le lecteur y découvrira ainsi notamment Charlotte Perriand, Terence Conran, Jacques Garcia ou India Rashid et bien d’autres encore. Mais aussi des intérieurs de couturiers, d’artistes ou de people, telles les demeures exceptionnelles et rarement visibles de Coco Chanel, de Pierre Bergé, Christian Dior, Pierre Cardin, Gianni Versace ou encore de Pablo Picasso ou Jean Cocteau, sans oublier les intérieurs des auteurs mêmes de l’ouvrage, David Netto ou encore Carolina Irving, qui ont bien voulu pour l’occasion ouvrir leur espace privé. Un bonheur de découvertes !
Des intérieurs à nuls autres pareils, donc, donnés à voir telle une source d’inspiration infinie ; Des châteaux, hôtels particuliers, mais aussi des intérieurs cachés dans des appartements privés, parfois véritables écrins de petites dimensions ou des intérieurs de villas, de résidences, de ranchs même… chaque intérieur y est présenté, précisé et commenté en détail, soulignant pour chaque, outre le concepteur et commanditaire, sa mise en place, son style et esthétique, mais aussi ses contraintes techniques. On s’arrête, tourne la page, réfléchit ou rêve… Chacun ne pourra assurément que trouver dans cette véritable somme son style et intérieur de charme et de rêve.
L’ouvrage livre également de riches essais signés de spécialistes reconnus de la décoration, notamment Graeme Brooker – Directeur du département de design d’intérieur du Royal College of Art de Londres - qui offre par sa contribution une approche historique, alors que David Netto – architecte d’intérieur et journaliste - propose, pour sa part, une belle présentation des plus grandes personnalités de la décoration d’intérieure. Enfin, Carolina Irving – créatrice de textiles et ex-rédactrice de magazines de décoration - ose un questionnement audacieux, mais ô combien fécond, celui du bon goût ! Mais, sans jamais de diktats ou de jugements imposés. Au lecteur de voyager à sa guise dans les pages et intérieurs de cette bible, de choisir ou d’y retrouver son style, ses créations et design de prédilection, d’y découvrir, chiner, sa propre tendance ; Et qui sait ?...
Un ouvrage de référence, aussi splendide qu’incontournable, qui réjouira non seulement les professionnels, mais également tout esthète ou amoureux de design et de décoration d’intérieur toujours, il faut avouer, avides des meilleures et plus belles sources d’inspiration.

"Raphaël par le détail" de Stefano Zuffi, Coll. Par le détail, 263 x 328 mm, 224 p., Hazan, 2020.

En ce 500e anniversaire de la mort de Raphaël (1483-1520), l’historien de l’art italien Stefano Zuffi nous invite à entrer dans l’intimité de celui qui fut surnommé le « Prince des peintres » par Giorgio Vasari. Cette approche par le détail s’imposait d’autant plus que l’artiste était réputé pour la précision et le raffinement de son trait. Dans ses jeunes années de formation, Raphaël subit l’influence de deux maîtres que furent Le Pérugin et Pinturicchio, sans oublier le rôle essentiel de son père Giovanni Santi, lui-même artiste. Sa trop brève existence n’empêchera pas l’artiste de participer activement à la transformation de l’art de la Renaissance, ainsi que le souligne en introduction Stefano Zuffi. Très rapidement, Raphaël saura, en effet, se distinguer de ses sources d’inspiration notamment de son maître Le Pérugin, mais aussi de Léonard de Vinci et de Pinturicchio, pour être la source première de lignes harmonieuses d’inoubliables Vierge à l’enfant, et ce dès son séjour florentin ; Des représentations qui contribueront à bâtir sa réputation.
Fidèle à l’esprit de la collection, ce magnifique ouvrage d’art opère un agrandissement des œuvres maîtresses du peintre. Des détails surgissent, apparaissent aux yeux du lecteur accompagnés et soulignés par l’analyse de l’historien de l’art. Une approche fine et analytique permettant de mieux comprendre le génie Raphaël.
Une analyse indispensable lorsqu’on sait que le peintre - par ailleurs dessinateur soigné et talentueux n’a eu de cesse de mener une quête de la perfection toute sa courte vie durant, qu’il s’agisse du tout petit tableau intimiste « Les Trois Grâces » (17 x 17 cm) du musée Condé de Chantilly ou pour ses immenses décors romains pour le pape Jules II puis Léon X des chambres du Vatican réalisées à la fin de sa vie. En témoignent également ses multiples dessins préparatoires ainsi que les analyses infrarouges de nombreux de ses tableaux, Raphaël élabore progressivement, par de multiples essais, sa composition future. Il est le peintre du détail par excellence, ainsi que le démontre à juste titre Stefano Zuffi en analysant ses œuvres majeures à l’aide d’agrandissements impressionnants.
Un tel rapport étroit aux œuvres permet de mieux apprécier ce qui contribuera au génie de Raphaël, cette harmonie irréprochable née de cette combinaison du trait, de la géométrie, de l’espace et de la lumière. Cet équilibre caractérise cette grâce inimitable et ce style Raphaël identifiable immédiatement, et qui devait à jamais marquer l’histoire de l’art.
Stefano Zuffi, dans ces pages abondamment illustrées, guide le lecteur grâce à une analyse à la fois accessible et argumentée, démontrant par le texte et l’image cette recherche incessante de la perfection menée par Raphaël et cette éloquence du geste magnifiant une « beauté, fragile et précieuse ». Le lecteur ne peut que sortir subjugué d’une telle lecture, les œuvres de Raphaël révélant toute leur complexité sous une belle apparente limpidité.

« Duvelleroy – trésors de l’éventail couture parisien. » ; Textes de Marie-Clémence Barbé-Conti, 248 p., 24 x 3x cm, Editions In Fine, 2020.

Merveilleux ouvrage consacré aux éventails de la fameuse Maison parisienne Duvelleroy. C’est Marie-Clémence Barbé-Conti, spécialiste reconnue dans le domaine du luxe, de la mode et création, qui avec bonheur retrace l’histoire de cette fabuleuse Maison fondée en 1827, il y a presque deux cents ans, et dont les « Trésors de l’éventail couture parisien » demeurent époustouflants de beauté ! D’hier ou d’aujourd’hui, en plumes, paillettes, dentelle, ce sont, en effet, des trésors d’éventails qui s’offrent magnifiquement rassemblés en ces pages au regard ébahi du lecteur.
Remontant aux temps les plus anciens, cet accessoire dit de mode fut importé du pays du soleil levant au XVIe siècle par des marchands portugais. Mais, ainsi que le souligne l’auteur, ce sera l’épouse d’Henri II, Catherine de Médicis, qui véritablement lui donnera ses lettres de noblesse et de Cour… Devenu un accessoire indispensable à l’élégance et à la toilette, l’éventail ne devait plus quitter dès lors la scène de la mode. Relancées après la Révolution par la duchesse de Berry, les Maisons d’éventaillistes parisiens n’eurent dès lors à partir du XIXe siècle de cesse de faire preuve d’audace, d’inventivité et de créations avec en tête de file la célèbre Maison Duvelleroy, qui eut très vite l’idée d’industrialiser sa fabrication ; Jean-Pierre Duvelleroy, puis son fils, Georges, vont alors accumuler brevets et inventions au point d’acquérir les surnoms de « Roi des éventaillistes » ou encore d’ « éventaillistes des Reines ». Pouvait-on demander plus pour témoigner de la beauté et de la créativité de ces merveilleux éventails signés de leur nom et à nuls autres pareils ?
C’est l’extraordinaire histoire de cette haute Maison que nous retrace Marie-Clémence Barbé-Conti, avant de dévoiler, appuyée par une iconographie des plus splendide de plus de 220 illustrations, la « Féerie contemporaine » des éventails Duvelleroy dont la renommée d’excellence a su perdurer jusqu’à nos jours avec une belle renaissance digne du XXIe siècle. Dévoilant les secrets les mieux gardés de leur fabrication à leur création contemporaine, ce sont « Les trésors de l’éventail couture parisien » d’aujourd’hui que le lecteur découvrira également avec un bonheur renouvelé. Une renaissance contemporaine offrant, en effet, encore et plus que jamais, cet « Art de la délicatesse » et cet « Esprit de légèreté » si chers à la Maison Duvelleroy, et qu’a su en ces textes transmettre avec passion l’auteur, Marie-Clémence Barbé-Conti.
Car c’est bien toute la beauté, délicatesse et légèreté des éventails Duvelleroy qui soufflent indéniablement avec un bonheur somptueux dans ces merveilleuses pages.
 

Jean Dethier et Jean-Louis Cohen : « Habiter la terre L'art de bâtir en terre crue : traditions, modernité et avenir », Hors collection - Architecture & design, 512 pages, 249 x 317 mm, Couleur, Relié plein papier pelliculé, Flammarion, 2019.
 

Le retour à la terre pour la construction de nos habitats ne relève plus d’espoirs, de doux rêveurs et autres post-soixante-huitards en mal d’écologie… Ces aspirations naguère moquées se trouvent fort heureusement depuis plusieurs années enfin prises au sérieux en raison de la prise de conscience des réalités écologiques qui s’imposent, avec plus de nécessité et d’urgence que jamais, à notre époque.
Il s’agit toujours d’une action militante qui anime les auteurs Jean Dethier, essayiste, architecte et activiste, et Jean-Louis Cohen, historien de l’architecture, professeur au Collège de France et à la New York University. Certains lecteurs se souviendront de l’impressionnante exposition que Jean Dethier avait consacrée à ce thème en 1981 au Centre Pompidou, mais pour les plus jeunes et curieux ou convaincus, c’est une admirable synthèse de référence qui est aujourd’hui proposée avec ce livre d’art de plus de 500 pages et 800 photos et dessin au format généreux 24 x 31 cm.

Le propos est décloisonné, si l’on peut dire, aux cinq continents et à travers les temps puisqu’un chapitre entier est consacré à l’histoire des logiques constructives au fil des siècles. C’est un véritable plaidoyer qui est en ces pages inspirantes ainsi proposé au lecteur, une réflexion qui ne fait pas pour autant l’impasse des difficultés et limites de cet art traditionnel. Car nous réalisons bien rapidement en découvrant ces réflexions que notre époque « moderne » a étonnamment fait l’impasse d’une des techniques les plus anciennes de l’homme pour édifier son habitat, suivant en cela le modèle laissé par un grand nombre d’espèces du monde animal.

Or, nos deux auteurs entendent bien réconcilier nos contemporains avec ce génie créatif qui outre ses qualités techniques, esthétiques et économiques, témoigne d’une approche écologique incontestable pour celles et ceux en ayant fait l’expérience.

Il suffira pour s’en convaincre d’avoir un jour édifié un mur en torchis au lieu et place de parpaings… Isolant, respirant, recyclable et solide, la terre ne se limite pas à des architectures « frustes » et sommaires, mais s’offre à la créativité des architectes qui ont fait la preuve de leurs créativités contemporaines rappelées dans ces pages superbement illustrées.

« Maisons ; Architectures d’exception », Préface de Sam Lubell, Éditions Phaidon, 2019.
 

Véritable bible, l’ouvrage « Maisons, architectures d’exception » qui vient de paraître aux éditions Phaidon devrait retenir l’attention et susciter un vif intérêt ; Intérêt des architectes et professionnels du monde de l’architecture, bien sûr, mais aussi de tout passionné ou amoureux de maison d’exception. Inventivité, prouesses, imagination que de talents d’exception réunis en ces pages!
Avec pas moins de 448 pages, c’est plus d’un siècle, de 1901 à 2018, de maisons d’exception signées des plus grands et audacieux architectes à travers le monde entier que cet ouvrage donne, en effet, à voir, 400 maisons au total, des plus remarquables et exceptionnelles. C’est Sam Lubell qui en signe la préface. Ce dernier souligne combien le « caractère exceptionnel (d’une maison) naît d’une implication personnelle qui émerge de l’esprit, du cœur et de l’âme de son architecte pour enrichir et refléter l’environnement et le quotidien de ses habitants. » Pour beaucoup, véritables résidences de légende, telles la casa Malaparte à Capri de 1938 par l’architecte Libera, la Maison des Maîtres de 1926 par Walter Gropius de l’école du Bauhaus ou parfois plus confidentielles, ces maisons extraordinaires de par leurs richesses de création et inventivité ne peuvent que forcer l’admiration. Données juxtaposées, dans un ordre non chronologique, c’est l’émerveillement et l’imagination qui sont ainsi convoqués et suscités par cet ouvrage de référence (le lecteur retrouvera néanmoins une chronologie avec vignettes photographiques à la fin de l’ouvrage pour un emploi plus fonctionnel). Belle ou surprenante, on reste ébahi devant tant de créativité architecturale.
Chaque réalisation est donnée sur une page avec le nom de son créateur, sa date et lieu de réalisation, accompagnée d’un commentaire précis et concis, et offrant sur deux pages, des mises en dialogue fortes intéressantes et fécondes. L’ouvrage s’ouvre, ainsi, en un vis-à-vis non dénué d’intérêt avec à gauche la célèbre villa Ottolenghi datant de 1978 à Vérone en Italie dessinée par Carlo Scarpa, et à sa droite, datée de 2007, la O house située à Lucerne en Suisse réalisée par Philippe Stuebi Architekten. La clef, une clef d’excellence à l’évidence, est donnée et ne cessera plus de jouer cette partition exceptionnelle de volumes, d’espace et de lumière jusqu’à la dernière page de l’ouvrage.
Des maisons d’une beauté inouïe et s’insérant dans le paysage ou encore des maisons jamais imaginées défiant et se jouant des règles… Les styles se superposent, Art nouveau, Arts and crafts, modernisme, postmodernisme, néomodernisme… Telles la maison Saint-Cyr de Gustave Strauven, de 1903, à Bruxelles, chef-d’œuvre de la seconde vague d’Art nouveau, la Villa II d’Otto Wagner ou encore la maison Douglas de 1973 par l’architecte Richard Meier dans la lignée du purisme de Le Corbusier. Les matières changent et évoluent, fer forgé, acier, béton, fibres, verre, bois… La Pika House de Selldorf Architects de 2006 dans le Colorado ou la double Chimney de 2008 de l’Atelier Bow-wow au Japon illustrent cette inexorable évolution… Sam Lubell retrace en introduction avec clarté et concision ces évolutions architecturales sur plus d’un siècle, renvoyant judicieusement à chaque développement à la maison et page illustrant au mieux ses propos.
Au-delà, de ces réalisations pour beaucoup époustouflantes, celui-ci insiste sur le fait que ces résidences ont toujours tenu lieu de banc d’essai et d’inventions, et chaque maison d’exception a assurément en tant que telle joué un rôle essentiel d’influence en matière d’habitat. Il est vrai, ainsi que le souligne encore Sam Lubell, que « les maisons remarquables révolutionnent l’histoire de l’architecture et ont également longtemps influencé nos choix en matière de lieu et façon de vivre, voire même le fonctionnement de nos sociétés. » Plus qu’une histoire d’architecture, donc, une histoire de philosophie, de vie.
Un livre d’exception pour des maisons réellement d’exception.
 

« Vienna. Portrait of a City », de Christian Brandstätter, Andreas J. Hirsch, Hans-Michael Koetzle, Relié, 25 x 34 cm, 532 p., édition trilingue anglais, français, allemand, Editions Taschen, 2019.
 

À la seule évocation de Vienne, cœur et capitale de l’empire Austro-Hongrois, les images défilent et tourbillonnent en des valses oubliées chères à Franz Liszt ; Palais baroques, cafés élégants, design et architectures inspirés, Vienne et la vie viennoise sont là à portée des yeux…
Une ville lovée au creux du Danube qui n’a pas jamais cessé de nourrir rêves et évocations et que donne à découvrir cette remarquable publication aux éditions Taschen. Un ouvrage au format généreux (25 x 34 cm) à même de rendre cette splendeur de Vienne grâce aux superbes photographies qui l’illustrent.

C’est un véritable portrait de la ville qui est en effet dressé dans ces 532 pages, un portrait qui débute par une traditionnelle scène d’un café historique dans lequel deux dames d’un âge certain goûtent autant l’art des célèbres pâtisseries viennoises que celui de la conversation qui a toujours su animer ses habitants. Paradoxes que ces intimités dans des cadres grandioses, le baroque servant la ville comme ses plus petites échoppes. Les différentes pages de l’Histoire défilent sous nos yeux à partir de 1839, date des premières photographies. Le milieu du XIXe siècle est celui de la croissance et de l’opulence, la ville connaît une transformation radicale avec le fameux Ring qui redéfinit non seulement ses voies de circulation mais aussi l’habitat prestigieux qui le borde. Les prises de vues contemporaines témoignent de cette métamorphose en un chaos invraisemblable de démolitions et de constructions pour parvenir jusqu’à la Vienne que nous connaissons de nos jours…

Les arts et les sciences ont également été les principaux bénéficiaires de cette croissance avec Johann Strauss, bien entendu, mais aussi bientôt Gustav Mahler, Egon Schiele, Gustav Klimt, Sigmund Freud, avant que les terribles années du premier conflit mondial ne viennent bouleverser le monde entier. Malgré ces vicissitudes, la ville poursuit sa métamorphose, de ville impériale elle acquiert rapidement dans la première moitié du XXe siècle le statut de métropole moderne. Le grand mérite des auteurs est d’illustrer cette croissance et évolution de la ville par l’objectif des photographes d’époque, une manière vivante et informée de témoigner de ce foisonnement d’idées et de tendances novatrices que la ville sut concentrer en ses murs.
L’ouvrage ne passe pas, pourtant, sous silence les heures sombres, cette période qui fut au cœur de la montée du nazisme avec ses zones d’ombre complices… Fort heureusement, la ville saura tourner cette page en se propulsant dans l’Histoire contemporaine comme une ville de nouveau ouverte à l’étranger et à la culture internationale. Et si les Asiatiques honorent toujours les cafés viennois, un appareil photo à la main au lieu d’une fourchette, l’ouverture et le changement demeurent aujourd’hui de mise pour cette ville soucieuse de faire partager son riche patrimoine au plus grand nombre.
Un ouvrage remarquable, précieux préalable à tout voyage réel ou d’imagination dans la capitale autrichienne ou un agréable moyen de le prolonger encore et toujours à son retour !

« L'Agneau mystique - Van Eyck Art, Histoire, Science et Religion », Sous la direction de Maximiliaan Martens, Danny Praet, 368 p., 244 x 302 mm Couleur – Broché, Editions Flammarion, 2019.

Certaines œuvres concentrent en elles une telle force qu’elles semblent ne résulter que d’une source inexpliquée, « L’Agneau mystique » peint par les frères Van Eyck compte parmi elles. Il s’avère, pour ces raisons, toujours très difficile de donner les clés d’explications de cette fascination qui ne cesse de perdurer depuis le XVe siècle, époque où cette œuvre fut conçue. Et pourtant c’est ce beau défi qu’a su réussir avec finesse et profondeur ce superbe ouvrage d’art. Réalisé à l’occasion de la récente restauration de ce chef-d’œuvre de l’art primitif flamand conservé dans l’ancien baptistère de la cathédrale Saint-Bavon de Gand, cet ouvrage collectif explore en effet l’immense maillage de cette œuvre aux multiples lectures et dont les interprétations laissent l’impression de faire défiler les pages de manuels de théologie. Car, à cette époque et dans ces régions, l’art était une affaire intrinsèquement liée à la foi, surtout lorsqu’il s’agissait d’une représentation aussi éloquente que celle de l’Agneau décrit dans l’Apocalypse de Jean. La complexité de ce retable conçu par les frères Hubert et Jan Van Eyck dans un atelier de grands renoms s’impose donc. C’est pourquoi ce livre d’art a retenu une approche interdisciplinaire afin de mieux circonscrire la richesse du sujet. Des spécialistes en histoire de l'art, historiens, philosophes, scientifiques du religieux, mathématiciens, et même des spécialistes de l'optique ont été conviés afin de mieux comprendre la portée de cette œuvre hautement symbolique et au mysticisme manifeste. C’est une véritable narration qui est proposée au spectateur découvrant le retable allant de l’Annonciation jusqu’au sacrifice du Christ sur la Croix, représenté non plus avec l’instrument traditionnel de torture romain, mais ici en la forme d’un autel richement orné sur lequel trône un agneau à la robe marmoréenne et dont le sang s’écoule en un calice d’or… Le fidèle pouvait ainsi suivre une à une ces étapes essentielles du catéchisme à partir de cette œuvre commandée par Josse Vijd et de son épouse Élisabeth Borluut. Ses dimensions sont exceptionnelles pour l’époque : 5,20 mètres de large pour 3,75 mètres de hauteur avec 24 panneaux encadrés. Le retable selon qu’il est fermé ou ouvert propose deux scènes différentes. Un grand dépliant séparé que donne à voir l’ouvrage permet de se faire une idée de l’ampleur non seulement du travail artistique exigé, mais également de la richesse iconographique réalisée à cette occasion, certains détails tenant de l’ordre du millimètre, certains même n’ayant été révélés que lors de la restauration… L’Annonciation insérée en une architecture enrichie par ses saints protecteurs et commanditaires ouvre sur l’intérieur du retable avec une explosion de couleurs et de paysages avec comme point central convergeant, l’Agneau mystique, victime expiatoire du Christ pour les péchés de l’humanité, comme le souligne saint Jean dans l’Apocalypse. La musique, le chant, Adam et Ève, la noblesse, entourent cette centralité rayonnante, sous la forme d’un animal à la blancheur immaculée baignée de la lumière de la colombe du Saint-Esprit. Les différentes études de ce superbe livre d’art contribueront assurément à la compréhension de ce chef-d’œuvre de l’art flamand qui, au-delà de ce seul mérite, vient élargir encore les clés de lecture à la société tout entière de cette époque.

« Restaurants Historiques de Paris », Denis Saillard et Françoise Hache-Bissette ; Photographies Sabine Hartl et Olaf-Daniel Meyer, Editions Citadelles & Mazenod, 2019.
 

Paris est la plus belle capitale du monde, avec sa Tour Eiffel, ses avenues, ses cafés, mais aussi ses plus célèbres restaurants. Hauts lieux de la gastronomie française, les tables incontournables des grands restaurants parisiens ont de tout temps enchanté, inspirant écrivains, peintres et compositeurs… De par son histoire et sa richesse, Paris a depuis longtemps compté un grand nombre de restaurants non seulement prisés, mais aussi et surtout historiques, des lieux uniques où la magie des temps anciens se joue encore aujourd’hui de mille reflets… C’est à leur découverte, une promenade délicieusement gourmande, que nous convie ce splendide ouvrage « Restaurants historiques de Paris » sous les plumes de Denis Saillard, chercheur en histoire culturelle de la gastronomie, et Françoise Hache-Bissette aux éditions Citadelles et Mazenod (un duo ayant déjà à son actif plusieurs ouvrages sur la gastronomie française et son identité culturelle). Servi par les magnifiques photographies de Sabine Hartl et Olaf-Daniel Meyer, photographes d’art et d’architecture (ayant déjà illustré avec brio aux éditions Citadelles et Mazenod « Théâtres parisiens »), et qu’accompagnent, ici, nombre de gravures ou illustrations, l’ouvrage remonte allègrement le temps pour s’ouvrir avec l’Ancien Régime et le Grand Véfour, un restaurant de nos jours aussi doré que sa légende, haut lieu de la gastronomie française, antre aujourd’hui du célèbre chef Guy Martin. Les auteurs ont souhaité dès l’introduction mettre l’accent sur la richesse des fonctions qu’ont de tout temps présenté les restaurants, qui plus est les restaurants parisiens, que ce soit par la réputation de l’excellence de la gastronomie française, leur importance dans la vie culturelle ou politique que par leur place privilégiée dans cette Ville lumière que fut et est encore Paris. Une histoire et identité que nombre de ces restaurants parisiens honorent encore de nos jours, ayant su préserver par bonheur tous leurs fastes, dorures, moulures ou verrières et coupoles… C’est ainsi tous les sens des hôtes de ces pages qui sont convoqués, mis magnifiquement en lumière tant par les textes que par les splendides photographies laissant le passé, le présent et les plus exquis rêves par enchantement se rejoindre…
L’ouvrage a fait ainsi choix de remonter ce temps gastronomique et culturel de l’Ancien Régime jusqu’à 1930, et d’entraîner le lecteur en une savoureuse et passionnante escapade toute parisienne, parcourant « Les Grands Boulevards » et «Les Beaux Quartiers » de Paris, s’arrêtant sur les lieux emblématiques, du « Palais Royal » aux « Halles » ou de « Montmartre », sans oublier, bien sûr, « Les Gares et leurs quartiers »… C’est au cœur même de Paris au Palais Royal précisément que se sont établis les premiers grands restaurants de luxe, lieu préservé où le Grand Véfour œuvre encore fièrement aujourd’hui. Le quartier des Halles offrira quant à lui ses restaurants typiques aux enseignes régionales et gourmandes qui n’auraient pas déplu à Octave Uzanne, le « Pharamond » normand, « Le Cochon à l’oseille » ou encore « La Potée des Halles», alors que les Grands Boulevards dans une effervescence toute parisienne faite de boites à chapeau, de mode et d’arpettes verra s’ouvrir les premiers « Bouillons Chartier », si prisés de nouveau de nos jours. La rive gauche, « Autre rive, autres tables » ainsi que le souligne l’ouvrage, retiendra l’attention avec le célèbre et splendide Restaurant Lapérouse offrant le soir venu ses miroirs et lumières aux reflets de la Seine ou encore Lipp, cette adresse que littéraires ou people n’ont jamais désertée. Enfin, les nombreuses gares de Paris et leurs quartiers avec notamment, bien sûr, le célèbre Train Bleu à la gare de Lyon sublimement mis en valeur en ces pages par les photographies de Sabine Hartl et Olaf-Daniel Meyer. Puis, encore, le Nouveau Paris et Les Beaux quartiers avec Ledoyen, Maxim’s, et s’élargissant jusqu’au Bois de Boulogne avec le célèbre Restaurant La Grande Cascade, l’ouvrage se refermant sur quelques « Quatre coins de Paris » avec Bofinger, aujourd’hui brasserie ayant retrouvée vie ou encore La Tour d’Argent et la non moins réputée La Coupole.
C’est un esprit vivant tout autant historique, gastronomique que culturel auquel nous convie ce magnifique ouvrage, les battements d’un cœur tout parisien aux sons des plus beaux « Restaurants Historiques de Paris» ouvrant en ces pages leurs portes, leur destinée et leurs rêves…

« Le Siècle d’or hollandais » par Jan Blanc, 630 illustrations couleur, relié toile sous jaquette et étui illustré, Format 24,5 x 31 cm, 608 pages, Éditions Citadelles & Mazenod, 2019.
 

L’historien de l’art, Jan Blanc, explore avec ce fort volume de plus de 600 pages ce que l’on appelle communément le « Siècle d’or hollandais », c’est-à-dire l’art au XVIIe siècle dans la civilisation néerlandaise. Cependant, l’ouvrage se propose de revisiter cette définition traditionnelle en un nouveau et bel éclairage à partir des sources de l’époque, tant hollandaises qu’étrangères. Un siècle qui connut de profonds bouleversements politiques et diplomatiques avec de nombreuses guerres venant alors secouer l’Europe et ces régions. Une époque où la richesse résultant du large accueil des minorités religieuses et de l’essor des colonies allait également contribuer à susciter de nombreuses commandes auprès des plus grands artistes. Pluralité et richesse sont donc les maîtres mots de cette société néerlandaise ouverte sur l’extérieur tout en préservant l’identité des Provinces-Unies. Ce creuset fascinant trouvera son écho dans les œuvres des plus grands maîtres dont l’éclairage, le traitement et les thèmes retenus viennent à eux seuls traduire ces profonds changements, que ces œuvres soient naturalistes ou idéalisées. Jean Blanc parvient, sans pour autant faire œuvre de livre d’histoire, à rappeler cette situation complexe pour mieux appréhender et comprendre le contexte de ces œuvres passées à la postérité, la manière dont elles ont été pensées et réalisées avant d’être diffusées. Sans chercher à reconstruire une unité factice, l’ouvrage souligne que la terrible guerre de Quatre-Vingts Ans (1568-1648), souvent méconnue de nos jours en France, est constitutive de l’indépendance politique des Provinces-Unies après la domination espagnole, tout en se préservant de la puissance menaçante du pouvoir Habsbourg. C’est dans ce contexte que se développe une identité culturelle forte et proprement néerlandaise et qui donnera naissance à ce qu’on allait nommer, le Siècle d’or. C’est cet élan et apprentissage de la liberté qui ont nourri les chefs-d’œuvre de Rembrandt, Vermeer, Hals, Willaerts, Bril, Dou, Metsu… Ce ne sont pas moins de 350 artistes qui sont évoqués dans ces pages magnifiquement illustrées de plus de 600 reproductions, dont de nombreuses pleines pages. Les riches textes qui les accompagnent permettront au lecteur d’aller plus loin que la seule appréciation esthétique qui en découle, l’historien de l’art Jan Blanc parvenant de manière très didactique à replacer celles-ci dans leur contexte, proposant ainsi un éclairage renouvelé de cette période. En refermant ce splendide ouvrage, nous comprenons pour quelles raisons ces arts redécouvrent le quotidien et l’ordinaire de la vie, qu’ils se manifestent sous la forme d’extraordinaires natures mortes ou à l’occasion des fameux portraits de famille débordante de vie dont la civilisation néerlandaise a eu le secret. C’est un véritable « Siècle hollandais d’or» que donne à voir magnifiquement cet ouvrage !

"La Vierge à l'Enfant" d'Olivier Rasimi, préfacé par André Comte-Sponville, 160 illustrations couleur, relié sous jaquette illustrée, Format 24 x 28 cm, 204 pages, Éditions Citadelles & Mazenod, 2019.

Olivier Rasimi, romancier, poète et écrivain, signe avec « La Vierge à l’Enfant » aux éditions Mazenod une étude très complète accompagnée d’une digression poétique sur la représentation de Marie dans l’art occidental. Auteur d’un essai remarqué par sa sensibilité sur « Cocteau sur le rivage » (Arléa), c’est à un tout autre domaine qu’il s’attache dans ce magnifique livre à la riche iconographie.
André Comte-Sponville (lire notre interview) dans sa préface souligne l’antériorité et la prééminence de la Vierge à l’Enfant dans la représentation dans l’art, un lien maternel universel. Bien qu’athée, le philosophe rappelle combien cette représentation si prolifique au fil des siècles, avec son apothéose au moment de la Renaissance, tend à s’amenuiser de nos jours, faute d’artistes intéressés par ce thème, mais aussi faute de public… La synthèse proposée ainsi par Olivier Rasimi s’avère dès lors d’autant plus précieuse qu’elle rassemble non seulement les plus belles œuvres célébrant la maternité mariale, mais offre également un bel éclairage appuyé d’analyses délicates et ciselées.
La tonalité est déjà suggérée, dès l’ouverture, avec ce prologue rapprochant le « Cantique des cantiques » et cette « Madone Rattier » de Quentin Metsys du musée du Louvre, une des rares représentations d’un tendre baiser de l’Enfant Jésus à sa mère Marie en une touchante intimité. Célébration de l’Amour, chaque siècle livrera sa propre sensibilité quant à cette représentation ; Épurée dans les Catacombes au IIIe s., hiératique dans les icônes byzantines, foisonnement de beauté lors de la Renaissance… Comment représenter l’amour s’interroge Olivier Rasimi à juste titre lorsque d’autres états se révèlent plus facilement identifiables sous le pinceau de l’artiste comme la jalousie, la violence, la douleur, la joie ? Si l’éros peut être suggéré, qu’en est-il de l’agapè ?
Ces questionnements à l’esprit, le lecteur pourra redécouvrir ces hautes figures de l’amour réunies par l’auteur, un voyage qui le transportera dans les ateliers des artistes célébrant ce lien divin indéfectible. Ces pages inspirées pointent ces détails qui œuvrent, toile après toile, à faire naître une véritable représentation mentale de la maternité de la Vierge Marie dont l’Occident s’est enrichi depuis des siècles d’art sacré la consacrant. Transcendance et temporalité se cristallisent dans le silence, la plupart de ces œuvres suggérant en effet une quiétude sans mots, même si des sourires ou des regards trahissent déjà ce qu’il adviendra d’heureux et de tragique pour ce lien unique. Nul catéchisme dans le remarquable travail réalisé par Olivier Rasimi, mais une réelle émotion, celle de la beauté et de l’amour qui se font chair offerte à la multitude, une rencontre ouverte, un partage généreux à mettre entre toutes les mains et regards...

« Sur les routes de la soie. », Sous la direction de Susan Whitfield, Éditions Flammarion, 2019.
 

Connaît-on vraiment, non la route, mais bien les nombreuses routes de la soie ? C’est sur dernières justement, « Sur les routes de la soie » que nous emmène ce superbe ouvrage réalisé sous la direction de Susan Whitfield, historienne de l’Asie centrale médiévale ; Un remarquable ouvrage révélant à son lecteur bien des facettes souvent méconnues de ces sentiers, chemins et routes dénommées « Les routes de la soie » ayant sur plus d’un millénaire tissé ces réseaux commerciaux divers et complexes entre l’Asie et l’Europe.
En ouvrant ce fort volume de plus de 400 pages, le lecteur est invité à parcourir, en compagnie des nombreux auteurs, les différents itinéraires de cette route à nulle autre pareille, découvrant à chaque tournant de page, toute leur beauté et splendeur de cette Route de la soie inscrite depuis 2014 au Patrimoine mondial de l’UNESCO. Des itinéraires complexes et enchevêtrés, tant terrestres que maritimes, présentant chacun leur spécificité et leur population, et ayant à leur manière influencé le tracé de ces routes. Retenant un découpage en chapitres selon ces divers territoires géographiques traversés, le lecteur traversera de bien multiples régions découvrant ainsi les magnifiques paysages des hauts plateaux, ceux de la steppe, du désert ou encore de l’océan…
Extrêmement bien réalisé avec une importante iconographie de plus de 230 illustrations, les riches et nombreuses contributions de l’ouvrage ont été judicieusement appuyées par des cartes et des illustrations des objets d’art emblématiques jalonnant ces surprenantes Routes de la soie. Le lecteur demeura ébloui par les mille précieuses matières premières et produits ayant emprunté ces chemins, dont, bien sûr, cette précieuse et soyeuse soie dont seuls les Chinois avait le secret et qui lui a donné son nom, sans oublier la découverte des différents moyens de transport ayant permis leur circulation. Art, monuments, architecture et recherches archéologiques viennent à chaque chapitre rendre ces anciennes « Routes de la soie » vivantes.
« Sur les Routes de la soie » est tout autant un remarquable ouvrage de référence qu’une belle et longue expédition que le lecteur mènera avec étonnement et un plaisir certain.
 

« Close-Up ; Ruch & Partners architects 1994-2018. », Photographie de Filippo Simonetti et texte de Hans-Jörg Ruch et Franz Wanner, (anglais, allemand, français), Scheidegger & Spiess Editions, 2019.
 

Que pouvait-on rêver de plus grand, et surtout de plus splendide pour découvrir ou retrouver l’ensemble des créations de Ruch & Partners architects que cette merveilleuse monographie signée du photographe Filippo Simonetti avec des textes de Hans-Jörg Ruch lui-même et Franz Wanner ! Depuis, une vingtaine d’années, le travail et le talent de Hans-Jörg Ruch, architecte suisse, n’a eu, en effet, de cesse de s’affirmer, et sa notoriété, aujourd’hui, tant dans son pays natal qu’internationalement, n’est plus à démonter. Hans-Jörg Ruch et son Cabinet Ruch & Partners architects, connu pour ses fabuleuses réalisations dans la région des Engadine en Suisse, méritait donc assurément une telle monographie au titre évocateur « Close-up » et publiée aux éditions Scheidegger & Spiess !
Un remarquable ouvrage, exhaustif, de plus de 400 pages, exclusivement consacré au travail de Ruch & Partners architects de 1994 à 2018, mis sublimement en lumière sous l’objectif du photographe Filippo Simonetti. Des réalisations, restaurations, aménagements d’habitats anciens et historiques – chalets, maisons ou résidences privées, temple, bibliothèque ou bâtiments et infrastructures publiques, situés dans cette magnifique région de Suisse, qu’affectionnait Nietzsche, et nommée Engadine. Des réalisations architecturales reconnaissables entre toutes, venant s’intégrer parfaitement aux paysages et traditions ancestrales de montagne, sans heurts ni transpositions artificielles.
Des vastes volumes intimement fermés ou plus exactement refermés –« Close-Up », sobres et épurés et associant aux lignes architecturales pures une prédominance de matériaux chauds dont, bien sûr, le matériau montagnard le plus traditionnel et incontournable, le bois. Le bois, employé dans ces réalisations ou restaurations dans son naturel, au plus près de son état brut, et lui redonnant toute sa noblesse. Sans oublier, la pierre, matière première ancestrale qui se fond dans le paysage et que l’architecte sait sublimer tant dans ses créations que dans ses restaurations.
Un travail mené sur plus de près de 25 ans par Hans-Jörg Ruch, et dont le photographe Pilippo Simonetti, par ses angles singuliers, la lumière et la perfection de ses prises de vue, nous révèle toute l’extrême beauté. Une redoutable magie offrant des photographies véritablement de haute volée, des prises de vues à couper le souffle ! Aucun angle, relief, intérieur, de la beauté et créativité de Hans-Jörg Ruch, n’a échappé à son objectif.
Les textes écrits par Hans-Jörg Ruch et Franz Wanner appuyés par les nombreux plans insérés en ces pages viennent préciser et développer cette vision architecturale personnelle et extraordinaire. Un bel écho dans ces montagnes aux splendides photographies de Filippo Simonetti, permettant de mieux appréhender et comprendre l’ensemble de ce splendide travail de Ruch & Partners architects.
Un envoûtant talent photographique allié à une fabuleuse vision architecturale intégrée dans la splendeur des paysages d’Engadine.

« Charlie Chaplin dans l’œil des Avant-gardes », Collectif, Éditions Snoeck, 2019.

Un ouvrage qui devrait séduire petits et grands ! Entièrement consacré à Charlie Chaplin, ce catalogue « Charlie Chaplin dans l’œil des avant-gardes » - qui accompagne l’exposition du même nom actuellement au musée d’Arts de Nantes jusqu’en février 2020 – a retenu pour angle les liens privilégiés et influences qu’a pu entretenir cet immense artiste et sa création, Charlot, sur les Avant-gardes. Un thème porteur offrant au lecteur bien des surprises !
Personnage créé et interprété par Charlie Chaplin, c’est en 1914 que Charlot fit son apparition au cinéma. Avec cette création unique en son genre, Charlie Chaplin allait devenir une des plus grandes stars internationales, une notoriété qui jamais depuis lors ne sera démentie. Mais, parallèlement, Charlot, lui-même, personnage émouvant à la fois drôle et tendre, allait aussi devenir une figure incontournable non seulement du monde du cinéma, de la presse et de la publicité, mais également du monde artistique et plus particulièrement de ceux des Avant-gardistes. Fernand Léger, Renée Magritte, Marc Chagall, Alexander Calder, et bien d’autres, s’inspireront de ce personnage qui avec son chapeau et sa canne, sa démarche à nulle autre pareille, saura habiter plus que quiconque, les écrans de cette époque de poésie tout de noir et blanc. Personnage plus complexe qu’il n’y paraît, figure à part entière, mais demeurant indissociable de son créateur Charlie Chaplin, Charlot offre aux courants des Avant-gardes un souffle et une respiration leur permettant une mise en relief singulière de leur pensée. Bien des préoccupations et réflexions leur seront communes en ce début de siècle, un siècle où la modernité allait toujours plus s’affirmer, et avec elle, bien sûr, le cinéma qui ne tardera pas à s’imposer en ce début de XXe siècle en 7ème art.
C’est cette mise en regard de Chaplin avec les Avant-gardistes que nous propose ce catalogue richement illustré. Au gré d’une multitude d’œuvres provenant de collections privées ou publiques du monde entier, ce ne sont qu’échos, dialogues, échanges et rencontres qui s’établissent et se donnent à voir au lecteur tels des rouages vissés, dévissés et remontés à la mode Chaplin...
Charlie Chaplin et Charlot mis de nouveau en ces pages à la Une sous la lumière des projecteurs des Avant-gardistes, un formidable spectacle !

« Voyage à Chandigarh. » du photographe Manuel Bougot, Éditions du Patrimoine, 2019.
 

Plaisir certain que de découvrir ce bel ouvrage paru aux éditions du Patrimoine entièrement consacré aux photographies de la célèbre ville de Chandigarh du photographe Manuel Bougot. Intitulé « Voyage à Chandigarh » et préfacé par l’architecte Balkrishna Doshi, le photographe invite avec talent, et cette passion qui l’anime, son lecteur au pied de l’Himalaya dans cette capitale indienne nommée Chandigarh. Par la magie et l’alchimie de ses photographies magnifiquement données à voir par cet ouvrage soigné de plus de 150 illustrations, c’est en effet l’âme d’une capitale à nulle autre pareille, celle de cette célèbre ville indienne marquée du sceau du Corbusier que Manuel Bougot nous raconte...
C’est en 1947, effectivement, que Le Corbusier fut sollicité par Nehru pour bâtir l’avenir d’une grande et nouvelle capitale lors de la division de l’État du Pundja entre l’Inde et le Pakistan ; Une première pour le célèbre architecte qui y confronta pour la première fois ses théories à la taille d’une ville. Un défi relevé et que Manuel Bougot a souhaité capter, plus de 70 ans après, avec de stupéfiantes photographies. Celles de l’époustouflante minéralité architecturale de Chandigarh, de ses vastes espaces verts, sans oublier les magnifiques prises du célèbre Capitol complexe…
Le photographe a cependant fait choix de ne pas seulement capturer l’âme architecturale de cette célèbre capitale dénommée également « The City Beautiful », mais d’y retrouver aussi au-dedans et au-delà l’âme même de ses habitants. Des habitants occupant, arpentant, une des villes les plus occidentales de l’Inde, une ville prévue initialement pour 500 000 habitants et qui en compte aujourd’hui pas moins de 2 millions ! Mais, c’est moins une frontale confrontation qu’une réelle appropriation tout indienne que nous révèlent ces prises de vue ; Un beau témoignage urbain et humain fruit de recherches et d’un travail menés par Manuel Bougot sur presque dix années…
C’est cette remarquable quête photographique de longue haleine consacrée à cette capitale hors norme qu’est aujourd’hui Chandigarh que nous livre aujourd’hui, en ces pages, Manuel Bougot avec la collaboration de l’historienne Caroline Maniaque, qui en donne, pour sa part, la dimension et contexte historique. Un splendide travail à saluer, rendu, ici, magnifiquement par une publication tout aussi soignée.

« Surimono ; Trésors de l’estampe japonaise. », Geneviève Aitken, collaboration de Toshiko Kawakane de la Fondation Leskowicz, traduction de Yumiko Takagi, Editions In Fine, 2019.

Quel amoureux d’estampes japonaises ne connaît la célèbre et fabuleuse collection de la fondation Georges Leskowicz ? C’est aux joyaux de cette extraordinaire collection d’estampes japonaises – les Surimonos - qu’est dédié ce non moins remarquable ouvrage paru aux éditions In Fine.
Si la collection Leskowicz, créée par Georges Leskowicz en 2015, compte, en effet, aujourd’hui plus de 1800 estampes de la période Edo, celle-ci comprend surtout en son sein un extraordinaire ensemble, plus rare encore, d’estampes précieuses que sont les Surimonos, des œuvres rares ayant fait l’objet de commandes privées et ayant été diffusées en un extrême petit nombre. C’est cet ensemble unique, véritable trésor appartenant à la fondation Georges Leskowicz que nous présente, en une présentation remarquablement soignée, Geneviève Aitken, historienne de l’art, en collaboration avec Toshiko Kawakane de la Fondation Leskowicz. Pas moins de 26 grands maîtres de la période Edo, plus précisément de l’art de l’Ukiyo-e y sont représentés, allant de Keisan Eisen à Kyôuntei Kawaï en passant, bien sûr, par Hiroshige, Utamaro ou encore Hokusai. Ces exceptionnelles estampes ont été réalisées pour la plupart à l’occasion d’évènements, Nouvel An, commémorations, invitations, etc., sur demande de cercles lettrés et initiés, de littérature, théâtre… Adressées à des personnalités triées et choisies, celles-ci comportaient le plus souvent des poèmes d’un exquis raffinement et finesse.
Aussi, parce qu’entourées de cette aura précieuse tant artistique que littéraire, l’auteur a donc fait choix d’ouvrir cette exceptionnelle collection par de riches chapitres introductifs indispensables pour apprécier l’extrême poésie et beauté de ce joyau. La réalisation de ces estampes par les artistes de l’époque Edo faisait, en effet, l’objet des attentions les plus extrêmes, choix du papier de première qualité, polissage, gaufrage… Les impressions limitées, luxueuses faisaient appel à des techniques soignées et raffinées, nombre d’entre elles ayant été réalisées avec des pigments rares ou même métalliques.
Ce sont ces précieuses estampes que le lecteur découvrira, rangées par chapitre selon leur auteur. Des estampes présentées en leur format d’origine, sur une page ou même double page, avec pour chacune leur destination, nom, date, et accompagnée d’un commentaire, ainsi que des traductions des poèmes qu’elle renferme. Aussi, Geneviève Aitken n’a-t-elle pas hésité à s’entourer de Yumiko Takagi, docteur en histoire et chercheuse attachée au Centre de Recherche sur l’Orient de l’Université Daitô Bunka de Tôkyô, pour la traduction tant française qu’en japonais moderne de ces poèmes.
Nul doute que cette publication exceptionnelle, la première en langue française, s’imposera tant pour les amateurs ou professionnels, experts, collectionneurs, en ouvrage exceptionnel de référence.

A noter que ce splendide ouvrage vient à merveille s’inscrire dans le cadre de l’exposition du même nom qui se tient à Aix-en-Provence (8 novembre 2019- 22 mars 2020) et celle du « Japon rêvé, image du monde flottant » ayant lieu à l’Atelier des Lumières de Paris jusqu’à la fin de l’année 2019.
 

"Metz" collection La Grâce d'une cathédrale sous la direction de Mgr Jean-Christophe Lagleize, évêque de Metz direction scientifique : Gérard Michaux, avec François Héber-Suffrin, Gabriel Normand et Pierre-Édouard Wagner, Photographies : Pascal Lemaître et Gabriel Normand, Editions La Nuée Bleue, 2019.
 

Il fallait assurément un ouvrage à la hauteur de l’édifice pour présenter la cathédrale de Metz, véritable phare spirituel, historique, artistique et culturel de la ville. Ce noble édifice a aujourd’hui 800 ans et appartient à l’État, qui en a non seulement eu la charge, mais également l’entretien et la restauration. Quel plus bel anniversaire dès lors pouvaient offrir les éditions La Nuée Bleue et sa prestigieuse collection « La grâce d’une cathédrale » dirigée par Mgr Joseph Doré que ce superbe volume riche de 444 pages et de 600 illustrations ?
À l’image des 26 autres volumes précédemment parus, « Metz, la grâce d’une cathédrale » - dernier volume – avec regret ! - de la collection - dresse non seulement un état des lieux exhaustif de l’édifice et de son histoire, mais offre surtout le plus beau des témoignages à cet emblème si cher aux Messins par la splendeur rayonnante de ses vitraux, véritables miroirs de la foi qui anima ses bâtisseurs depuis 1240, date du début de sa construction. Ce ne sont pas moins de 30 contributeurs qui ont pour ce dernier volume rassemblé une documentation et un témoignage uniques sur cette cathédrale perçue, comme à l’accoutumée dans cette prestigieuse collection, selon différents regards et angles : celui de l’historien bien entendu, mais aussi de l’architecte, théologiens, musicologues, historiens de l’art… Ainsi que le relève Mgr Jean-Christophe Lagleize, évêque de Metz, « Notre cathédrale n’est pas figée dans l’Histoire », aussi riche soit-elle ! Une vue aérienne permet de se persuader immédiatement de cette réalité ; Cette cathédrale dédiée à saint Étienne a, depuis les temps anciens et son premier évêque saint Clément, toujours veillé en effet sur la ville qu’elle domine avec sa nef dépassant les 40 mètres. Une « Cathédrale tout en volute » telle que la voyait Paul Verlaine, né à Metz, qui ravit toutes celles et tous ceux qui en découvrent les volumes impressionnants et cette incroyable lumière diffusée par ses 6 500 m2 de vitraux où des centaines de générations se sont et continuent à se recueillir en ses murs.
La première partie de l’ouvrage détaille la construction de la cathédrale dominant la ville sur quinze siècles d’architecture et d’histoire avec quelques particularités comme cette absence de portail en sa façade ouest jusqu’au XVIIIe siècle et les travaux de l’architecte Jacques-François Blondel, ou encore sa tour de la Mutte qui s’élève à 90 mètres de hauteur, à la fois clocher de la cathédrale et beffroi communal… Avec la deuxième partie de ce remarquable ouvrage, c’est la cathédrale Saint-Étienne elle-même que le lecteur pourra visiter tant par le riche texte que par les admirables photographies réunies. Splendeurs de ces vitraux anciens, plus modernes avec Chagall et promesses de ceux à venir, magie du trésor, des cloches, avec le regret de ce grand orgue déposé en 1805 pour des raisons de sécurité et jamais remonté depuis… Le lecteur sera impressionné par l’art des sculpteurs au fil des siècles, véritable bestiaire minéral, personnages parfois facétieux témoignant de la fantaisie des sculpteurs. La dernière partie, enfin, retrace pour sa part les riches et innombrables rapports entretenus entre la cathédrale et la cité, une vie plurielle dans ses rapports avec le pouvoir selon les siècles et les régimes, une vie culturelle nourrie par ses musiciens, écrivains et artistes, et surtout, en guise de conclusion un présent et un avenir qui s’exprime en termes d’espoir ; C’est un bel anniversaire célébré pour la cathédrale de Metz que nous livrent par ce remarquable ouvrage les éditions La Nuée Bleue et cette prestigieuse collection « La grâce d’une cathédrale » dirigée par Mgr Joseph Doré !

« Barbara Hepworth ; Une femme sculpteur. », Catherine Chevillot et Sara Matson, éditions In Fine, 2019.

C’est une remarquable monographie consacrée au sculpteur Barbara Hepworth qui vient de paraître aux éditions In Fine à l’occasion de l’exposition de ses œuvres au musée Rodin de Paris. Signée par Catherine Chevillot, directrice du musée Rodin, et Sara Matson conservateur en chef du Barbara Hepworth Museum, cette riche monographie de grand format rend enfin un hommage digne de ce nom à ce grand sculpteur anglais (1903-1975), un des plus grand sculpteur du XXe siècle, trop longtemps et à tort quelque peu occulté en France.
Barbara Hepworth s’est inscrite outre-Manche dans le courant initié par Jean Arp dans les années 20 du siècle dernier. Cette seconde vague, issue du courant dit « organique » du début du XXe siècle, fut initialement représentée par Maillol et Brancusi, et sera suivie en Angleterre tant par Henry Moore que Barbara Hepworth. Barbara Hepworth a su très tôt inscrire dans sa sculpture cette marque singulière qui la distingue et qui l’imposera au titre de l’une des artistes les plus reconnues en Angleterre, puis internationalement au XXe siècle. Utilisant les matériaux les plus divers, ce sont des lignes courbes, des pleins et vides accentués par les jeux de la lumière, et cette vitalité des formes - qui la caractérise - tendue vers une beauté abstraite puisant aux sources les plus antiques et de la nature. Étrangement et fort injustement, elle fut en France quelque peu occultée par l’ombre portée par les sculptures de Marta Pan et Alicia Penalba.
Sa sculpture, pourtant, présente un caractère fort et singulier qui saisit immédiatement. Une pureté alliée à une poésie qui lui est propre dont Barbara Hepworth ne se départira jamais. Un univers et une quintessence inouïs que nous donnent à voir et découvrir les riches contributions et nombreuses archives de l’ouvrage, appuyé par une non moins riche et splendide iconographie. On ne peut qu’être hypnotisé, saisi, par ses œuvres que l’ouvrage présente le plus souvent en format pleine page, et c’est une émotion particulière qui s’empare du lecteur à la vue de ces nombreuses photographies de Barbara sculptant burin à la main… C’est tout l’univers, son atelier, son monde intime avec sa bibliothèque, ses lectures, et en fin de compte toute la quintessence de son art – sculptures, bien sûr, mais aussi gravures, dessins – qu’offre cette monographie d’exception consacrée à cette « femme sculpteur » qui fut de son vivant si active et présente en France.
Introduite, en effet, dès les années 1930, dans les milieux artistiques français, Barbara Hepworth rencontrera Brancusi, Picasso, Braque, Mondrian, mais aussi et surtout, Arp, Calder ou encore Miro, et participera au mouvement Abstraction-Création. C’est en 1939 qu’elle décidera d’habiter avec son second mari, Ben Nicholson, à St Ives en Cornouailles. Toujours présente, cependant en France, la sculptrice présentera de son vivant à quatre reprises ses œuvres à Paris au musée Rodin avant de mourir tragiquement le 20 mai 1975 dans l’incendie de sa maison à Saint Ives, accueillant aujourd’hui le Hepworth Museum.
Plus de 40 ans après sa disparition, le musée Rodin et cette remarquable publication lui rendent un justifié et bel hommage.

« HERMÈS au fil des jours ; dessins d’Alice Charbin ; Textes Rachael Canepari », préface de Pierre-Alexis Dumas et avant-propos de Valérie Mréjen, Chêne Éditions, 2019.

Quel plaisir que d’ouvrir cet original Carré Hermès !
Car, sous cette belle couverture carrée orange, c'est, en effet, un charmant et joyeux ouvrage qui se cache avec plus de 250 pages de dessins et graphismes aux couleurs de la célèbre marque ; Sous le titre « HERMÈS au fil des jours », c’est une compilation enjouée qui attend le curieux ou curieuse, regroupant l’ensemble des visuels créés et dessinés pour Hermès par Alice Charbin.
C’est en 2002 qu’Hermès demande à l’auteur et illustratrice, Alice Charbin, de réaliser ses fameux e-mails de communication. À partir de cette date, les grands événements et rendez-vous annuels prennent chez Hermès l’élan et les traits inimitables de l’illustratrice. Des réalisations reconnaissables entre toutes alliant en un savant dosage poésie, rêve, audace et cette touche tout à la fois drôle, et tendrement irrévérencieux qui la caractérise. On ne peut que souscrire à cette question posée par Pierre-Alexis Dumas dans cette introduction pleine de rêves « Voyage au pays d’Alice » qu’il signe en ouverture : « Ma chère Alice, mais quel génie habite ta plume ? » !
Des illustrations dans lesquels les textes de Rachael Canepari viennent se glisser par magie pour leur donner tout leur relief en un plein et délié humoristique à nul autre pareil. Clins d’œil, sourires et charmantes espiègleries défilent alors sur le podium de ces pages à l’occasion des fêtes et évènements Hermès, Noël, le ski, etc. Rachael Canepari revient en postface sur sa rencontre avec Alice Charbin à l’origine de ce fructueux duo.
Regroupant les réalisations pour Hermès d’Alice Charbin et de Rachael Canepari, avec une préface signée Pierre-Alexis Dumas et un avant propose de Valérie Mréjen, l’ouvrage ne manque assurément pas d’atouts. Qui plus est, et à l’image de l’iconique boite carrée orange, l’ouvrage est aussi beau fermé qu’ouvert.

« Venise, des peintres et des écrivains. », Textes de Adrien Goetz, édition Hazan, 2019.
 

Découvrir ou retourner à Venise par la magie d’un beau livre est toujours un plaisir renouvelé et infini ! Et l’occasion nous en est donnée avec la récente parution aux éditions Hazan de ce bel ouvrage intitulé « Venise, des peintures et des écrivains ». Loin d’être un livre de plus sur la célèbre Cité, l’ouvrage offre une véritable anthologie illustrée et inédite des plus beaux textes de la littérature consacrés à la Sérénissime en un dialogue fort et émouvant avec les œuvres vénitiennes des plus grands maîtres. Sous sa belle couverture toilée d’un rouge framboise écrasée ornée d’un médaillon de peinture classique, c’est en effet un dialogue nourri, riche et attrayant, allant du XVIe siècle à nos jours, que le lecteur découvrira.
Serties par les textes d’Adrien Goetz, ce sont toute les facettes de ce diamant nommé Venise qui se dévoilent alors au lecteur, tantôt sous la plume des écrivains, tantôt sous les pinceaux des Maîtres : La Sérénissime, ses splendeurs, mais aussi une Venise romantique, une Venise nocturne ou encore instantanée… Venise « non là-bas, mais bien là-haut », ce splendide joyau dont chacun souhaite, ainsi que le souligne Adrien Goetz, « emporter un fragment de ce spectacle démultiplié ».
Un spectacle que surent à merveille laisser percevoir les toiles de Bellini, Canaletto, Guardi, ou encore Longhi, mais aussi que surent décrire avec émotions et d’inoubliables textes John Ruskin dans « Pierres de Venise » et, bien sûr, Marcel Proust, l’on songe au manteau de Fortuny…
Saint-Marc, le Palais des Doges, éblouissent alors de leurs splendeurs littéraires et picturales, les ponts et notamment celui des Soupirs dansent sur le grand canal des toiles et des textes … Goldoni, Shakespeare et Le Marchand de Venise ou encore Voltaire et Montesquieu y discutent avec Carpaccio ou Guardi. Byron y côtoie Turner ou Whistler. Les Palais s’ouvrent et s’éclairent de leurs feux et les masques se faufilent dans les sombres ruelles… Venise endormie, Venise mélancolique, Venise comme un conte oriental… Rilke, Sand, Thomas Mann se lisent avec en regard les toiles de Renoir, Manet, Monet, Signac, et les tons pastel de John Singer Sargent sont un écho à cette littérature toute vénitienne, avec plus près de nous, Philippe Sollers, lui, si amoureux de Venise.
Une belle anthologie invitant par ses évocations littéraires et picturales soignées et choisies, aux plus beaux songes vénitiens.

L.B.K.

"Poolology of Housing" edited by pool Architekten, with texts by Raphael Frei, Mathias Heinz, and Simone Jeska, and a foreword by Martin Steinmann, Text English and German, 440 pages, 30 color and 365 b/w illustrations, 287 floorplans and plans, 24 x 33 cm, Park Books, 2019.

Ce monumental ouvrage de plus de 400 pages, unique en son genre, explore la créativité impressionnante de pool Architekten, une coopérative d’architecture fondée en 1998 et travaillant essentiellement dans les cadres de l’habitat privé et des bâtiments scolaires. L’architecte Martin Steinmann, enseignant à Lausanne, et auteur de nombreux ouvrages sur l’architecture contemporaine, signe l’introduction de cet ouvrage exigeant et complet. Poolology of Housing donne un très bel éclairage à l’immense travail de ce collectif en insistant plus particulièrement sur la « radiographie » des édifices eux-mêmes, ainsi que le souligne Martin Steinmann, que sur leurs intérieurs ou extérieurs en tant que tels.
Depuis plus de 20 ans, la coopérative zurichoise Pool Architekten travaille essentiellement en effet sur la recherche et la conception de bâtiments résidentiels. Deux cents plans élaborés par les membres de ce collectif sont ainsi reproduits dans ces pages privilégiant le noir et blanc permettant une performante mise en lumière de leurs structures.
Véritable pépinière d’idées, ce riche ouvrage fait la démonstration que si en matière d’architecture beaucoup a déjà été pensé et réalisé, il reste encore une place certaine à la créativité, sans exclure un brin d’utopie… C’est ce creuset d’idées dans lequel ont puisé de nombreux architectes, chaque difficulté donnant lieu à des propositions, certaines retenues, d’autres écartées et inspirant à leur tour quelques années plus tard de nouveaux venus. Novations, audaces, contraintes métamorphosées en créativité, donc, tels sont les fils directeurs de cet immense réservoir d’idées synthétisé dans ces pages qui fourmillent de plans et de concepts incontournables non seulement pour les professionnels mais également pour tout passionné d’architecture.
C’est une véritable culture sociale du logement que le lecteur pourra ainsi découvrir dans ce livre ce splendide ouvrage ; Une bible en ce domaine démontrant combien la recherche architecturale peut être considérée de nos jours comme une science à part entière, et qui, s’en aucun doute, s’imposera en ouvrage de référence.
 

Ker-Xavier Roussel. Jardin privé, jardin rêvé, édition publiée sous la direction de Mathias Chivot, Contributions d'Isabelle Cahn, Mathias Chivot et Valérie Reis, Coédition Gallimard / Musée des impressionnismes Giverny, Livres d'Art, Gallimard, 2019.
 

L’art des Nabis a fait l’objet ces derniers temps de belles expositions et publications. L’ouvrage consacré à l’artiste Ker-Xaviel Roussel, un nabi complexe et d’une richesse singulière, aux éditions Gallimard compte parmi eux dans le cadre de l’exposition qui lui est consacrée au musée Giverny jusqu’au 11 novembre 2019. Les Nabis s’opposent à l’art du pastiche et bouleversent les codes esthétiques de leur temps à la fin des années 1880. Ker-Xavier Roussel (1867-1944) rejoindra ce groupe tout en préservant un espace de liberté dans ses créations. Grâce à une épuration des formes, des lignes dégagées de leurs contraintes, des influences de l’art japonais, une nouvelle vision s’établit avec cette approche de l’art. À partir de cette esthétique commune s’écartant rapidement de l’impressionnisme et de l’académisme, le symbole prend une place croissante, ce dont témoignera de manière croissante le travail de Roussel tout au long de sa vie, attitude qu’aimait à souligner Maurice Denis : « Se rappeler qu’un tableau – avant d’être un cheval de bataille, une femme nue ou une quelconque anecdote – est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées ». De cette liberté suggérée, Ker-Xavier Roussel va ainsi développer un langage esthétique singulier en insufflant des paraboles mystérieuses à partir de scènes prosaïques. Ainsi que le souligne Mathias Chivot en introduction à ce beau catalogue : « Roussel s’avère beaucoup plus riche, même de ses contradictions ; sa production beaucoup moins monolithe que ce qu’on a pu en dire ». C’est cette richesse et complexité qui constituent le fil directeur de cet ouvrage. Loin d’une uniformité bucolique, l’œuvre de Roussel révèle un double fond, d’autres lectures se superposant au message initial. L’anarchie point derrière la langueur des baigneuses, les paysages mythologiques du peintre servant souvent à une contestation sociale à laquelle adhéra le peintre en cette fin de siècle. Si Roussel compte parmi les figures représentatives des Nabis, il reste à part de ce mouvement, autre singularité… Le catalogue « Jardin privé, jardin rêvé » invite le lecteur à découvrir ces frontières entre réalisme et abstraction, décoration et symbolisme. La mythologie s’introduit subrepticement dans de vastes compositions sur la nature, au cœur des Yvelines à l’Étang-la-Ville et dans les environs de Marly, lieux prospères aux visions du peintre rappelant la Grèce antique ou la Rome d’Ovide. C’est toute la profondeur et le charme de l’œuvre d’un peintre resté trop longtemps dans l’ombre et sur lequel cet ouvrage richement illustré lève enfin le voile.
 

Stephen Wilkes : “Day to Night”, relié avec 2 pages dépliantes, 42 x 33 cm, 260 pages, Édition multilingue: Allemand, Anglais, Français, Éditions Taschen, 2019.
 

Stephen Wilkes compte parmi les photographes reconnus, une reconnaissance plus que confirmée depuis l’ouverture de son studio à New York en 1983. Travaillant pour les plus grandes agences, son œuvre a également fait l’objet de nombreuses expositions et figure parmi les collections de musées internationaux. Bénéficiaire de nombreux prix, notamment le Lucie Award en 2004 et le prix du magazine Time en 2012, le photographe s’est rendu célèbre pour ses clichés panoramiques. Un étonnant et fascinant tour de force aujourd'hui rassemblé en un très beau livre, intitulé « Day to Night », lui-même servi par des dimensions généreuses 42 x 33 cm.

Dans ce dernier ouvrage publié par les éditions Taschen, le lecteur découvrira l’impressionnant travail réalisé par le photographe. Prenant jusqu’à 1 500 clichés entre 15 et 18 heures depuis un point fixe, ces derniers sont alors fusionnés pour n’en former qu’un seul, étonnante synthèse qui laisse une impression unique. Les paysages urbains de Manhattan, les Champs-Élysées ou l’Île de la Cité, Trafalgar Square ou encore la Place Rouge dévoilent alors une autre facette inattendue de leur identité pourtant internationalement connue: celle du temps qui passe saisit pourtant sur un cliché unique, éléments diurnes et nocturnes figurant parfois côte à côte…

C’est tout l’art du grand photographe que de parvenir à ce tour de force et réussir à réduire ce paradoxe, fruit d’une patience incomparable et d’un amour immodéré de son travail. L’exemple de la singularité du travail de Stephen Wilkes peut être résumé avec cette incroyable photographie pour laquelle il a dû patienter deux ans avant d’obtenir l’autorisation et qui lors de la messe de Pâques au Vatican laisse apercevoir le pape François à dix reprises sur le même cliché sans que l’on ne s’en rende compte au premier regard !

Mais l’originalité du travail de Stephen Wilkes ne tient pas seulement à ces tours de force, mais bien plutôt à cette sensibilité hors norme sur l’objet regardé, qu’il soit paysage ou architecture, personnage ou animal, c’est cet amour du quotidien sublimé, cet élan vers ce qui constitue la vie et qui se trouve admirablement réuni dans ces somptueuses pages commentées par l’écrivain Lyle Rexer.

« Rembrandt. Tous les dessins et toutes les eaux-fortes » Peter Schatborn, Erik Hinterding, Relié, avec page dépliante, 29 x 39,5 cm, 756 pages, Taschen, 2019.

2019 est l’année de la célébration des 350 ans de la mort de Rembrandt, un anniversaire que les éditions Taschen ont décidé de célébrer par un véritable ouvrage d’exception en version XXL avec une taille imposante 29 x 39,5 cm et plus de 750 pages entièrement consacré à l’art du dessin et de la gravure du plus grand peintre de la peinture hollandaise et l’un des maîtres majeurs de l’histoire de la peinture. Servi par une riche et splendide iconographie, le lecteur découvrira dans cet ouvrage inédit, non pas quelques dessins et gravures du grand maître, mais bien « Tous les dessins et toutes les eaux-fortes » de Rembrandt.
Peter Schatborn, président émérite du Rijksprentenkabinet (département des Estampes) du Rijksmuseum à Amsterdam, et Erik Hinterding, conservateur au département des Estampes du Rijksmuseum, ont souhaité mettre en valeur l’art de Rembrandt en axant l’étude de cet ouvrage avant tout sur la pratique inimitable et incomparable de l’artiste pour le dessin et de la gravure tant Rembrandt sut saisir en toute occasion la fugacité d’une situation, le détail d’une scène ou encore l’atmosphère d’un paysage. Grâce à une acuité extraordinaire et un talent non moins exceptionnel, le dessin et les gravures de Rembrandt tissent le contrepoint idéal de sa peinture.

C’est ce qui ressort de ces reproductions exceptionnelles réunies pour cette édition, chaque trait de crayon, chaque hachure sur la plaque attaquée par l’acide se révélant dans toute sa profondeur, avec ce jeu d’ombres et de lumière qui caractérise tout son art. Rembrandt capte l’opulence comme l’aridité des scènes du quotidien en les magnifiant par ces jeux d’éclairage que l’on dirait empruntés au monde du cinéma noir et blanc. C’est la première fois qu’un tel ouvrage réunit l’ensemble de l’œuvre sur papier de Rembrandt, une œuvre dont les multiples supports révèlent aussi le génie de l’artiste, que ces œuvres aient été faites au crayon, au pinceau, à la pointe d’argent, au fusain, pastels ou encore à l’encre.

Rembrandt développe tout au long de ces pages inoubliables une histoire, celle de son temps, celle de sa vie et de la vie. Tour à tour réalistes, parfois triviales, d’autres fois sacrées ou dramatiques, les scènes captées par l’artiste sur son papier s’inscrivent toujours dans un rapport à la tradition ; Et si Rembrandt s’inspire de ses prédécesseurs, tente toujours de les dépasser en rompant parfois brusquement avec cet héritage. Pour se faire, il sut toute sa vie durant accumuler une culture visuelle impressionnante, sans quitter son pays, en devenant un grand collectionneur non seulement d’œuvres d’art souvent prestigieuses mais également de toute sorte d’objets, précieux ou non. Cette quête de l’insaisissable, notamment en matière sacrée avec ses évocations inoubliables du Christ, le poursuivra jusqu’au terme de sa vie, cherchant toujours à approcher au plus près de l’ineffable, ce dont ces splendides pages rendent compte de manière merveilleuse.

Frank Zöllner, Johannes Nathan « Léonard de Vinci, tout l’œuvre peint et graphique », relié, 21 x 26 cm, 704 pages, Taschen, 2019.

Avec le 500e anniversaire en cette année 2019 de la mort de Léonard de Vinci, nul doute que cette édition d’exception spécialement mise à jour de l’ouvrage en version XXL « Léonard de Vinci », devenu un classique, et signé Frank Zöllner et Johannes Nathan ne peut que connaître qu’un franc succès non seulement en raison de sa riche iconographie, mais également pour la qualité des textes réunis. Les deux auteurs sont en effet connus pour leurs travaux sur le peintre, Frank Zöllner ayant écrit sa thèse de doctorat sur les études de mouvement de Léonard de Vinci et est titulaire d’une chaire d’histoire de l’art médiéval et moderne à l’université de Leipzig. Johannes Nathan est, quant à lui, l’auteur d’une thèse portant sur les méthodes de travail de Léonard de Vinci et enseigne l’histoire de l’art à l’Université technique de Berlin ; L’œuvre du grand artiste de la Renaissance était donc en très bonnes mains et plumes ! En un fort volume de plus de 700 pages, l’ouvrage réunit l’intégralité de l’œuvre peint et graphique de Léonard, incluant également les œuvres disparues.

L’iconographie remarquable, notamment pour ses agrandissements et détail, permet d’entrer au cœur même de la création du génie de la Renaissance comme pour le détail de ces mèches de la chevelure du fameux saint Jean Baptiste du Louvre. L’ouvrage permet également de saisir derrière l’immense variété des savoirs de l’artiste combien cette curiosité inlassable n’a eu pour le savant artiste qu’un seul et même objectif : maîtriser et repousser aux limites les frontières de la peinture érigée en science. Grâce à une connaissance intime de la nature, Léonard a recours à toutes les recherches et inventions possibles comme le montre cette multitude de dessins et croquis présentés dans le livre. Rappelons que Léonard consacra les dernières années de sa vie non à la peinture qu’il abandonna, mais à ses recherches scientifiques. Un ouvrage complet et d’ensemble sur l’œuvre non seulement peint de l’artiste, mais aussi graphique s’imposait donc plus encore…

Après avoir été formé dans l’atelier de Verrocchio à Florence, le génie de Léonard émerge rapidement et surprend jusqu’à son maître. Sa maîtrise précoce de l’ombre et de la lumière, les reliefs de sa peinture démontrent chez l’artiste cette quête de la perfection qui sera toujours sienne, toute sa vie durant. Léonard se libère des contraintes de son temps, va même jusqu’à abandonner les contours classiques du dessin pour adopter des formes discontinues jusqu’au fameux recours au sfumato pour cette vibration unique de la peinture. Grâce à cet ouvrage, le lecteur accompagnera l’artiste jusqu’en ses recherches ultimes, avec ses études scientifiques multiples en anatomie, optique, mécanique…

Chacun de ces domaines, loin de conduire Léonard de Vinci à la dispersion le rapprochera de sa mission principale, celle d’être le peintre de la vie et de ses mystères dont l’homme reste l’élément central en phase avec la nature et la transcendance. Seule une édition d’exception aussi complète, mise à jour, embrassant l’ensemble de son œuvre peint et graphique et de cette qualité pouvait rendre compte de tout l’art et génie de Léonard de Vinci, ce peintre de tous les temps.

L’art du Voyage avec les guides Louis Vuitton

La marque Louis Vuitton a depuis toujours étroitement associé son nom avec l’art du voyage. La création de la première malle plate, splendide et élégante ancêtre de nos valises à roulettes modernes, sait encore aujourd’hui nous le rappeler. Qu’il s’agisse des valises, sacs, et autres accessoires, le célèbre malletier n’aura de cesse de proposer de nouvelles idées pour améliorer les conditions de voyage dans le luxe et l’esthétique de ses contemporains. Dans le même esprit, les City Guides Louis Vuitton perpétuent cette tradition du voyage élégant en consacrant pour chaque capitale ou ville – Londres, Venise, Rome, etc., un guide alerte, un brin d’humour décalé, parfois piquant, irrésistible. Chaque guide souligne avec ce style à nul autre pareil les plus belles adresses incontournables et souvent cachées de la ville retenue.
 

Le City Guide Rome consacré à la si belle capitale italienne ne fait pas défaut à cette tradition ; Avec une jolie et chatoyante couverture toilée jaune résistante aux épreuves des pérégrinations et ses photos délicieusement vintage sépia jaunie est assurément un compagnon indispensable et idéal avant, pendant et même après son voyage ou séjour dans la célèbre cité romaine ! L’actrice Catherine Spaak est l’invitée pour cette dernière parution, cette Française naturalisée italienne était en effet bien placée pour transmettre les nombreux charmes de la ville éternelle. Féministe et libertaire, sa passion pour Rome l’a conduite à devenir italienne jusqu’à écrire ses livres dans cette langue. Avec cette guide avertie et dynamique, le lecteur pourra parcourir les rues de Rome, noter dans son carnet les plus beaux hôtels de la ville et ceux plus méconnus dans des recoins cachés, goûter à l’élégance de la haute gastronomie romaine comme aux petites trattorias inconnues des flux touristiques estivaux. C’est une ville de Rome secrète et discrète auquel invite ce guide au style savoureusement impertinent … Seules les bonnes adresses fourmillent dans ce guide incontournable où les plus grands musées et galeries côtoient les magasins où réaliser un shopping de choix, une manière de visiter la ville dans l’élégance qui sied si bien à la marque Louis Vuitton.
 

Autre approche et autre art de voyager avec les Louis Vuitton Travel Book, pour lesquels la créativité d’un artiste a été sollicitée en un Road Movie particulièrement réussi ; Offrant une esthétique certaine avec ce format à l’italienne fermé par un élastique et complété d’un signet, ils offrent pour chaque capitale et ville un voyage à part entière. Après une immersion dans la ville retenue, chaque artiste a carte blanche pour développer un storyboard selon sa sensibilité et ses propres expériences. Cela donne une vision très personnelle et à la fois communicative d’un lieu, suscitant une curiosité inégalée et une autre manière de retenir angles et points de vue loin des guides classiques.

Ainsi, Los Angeles, sous le crayon de Javier Mariscal, qui à l’occasion de ce Travel Book s’est rendu pour la cinquième fois dans la célèbre ville de Californie. Javier Mariscal a su assurément en ces pages capter cette ambiance latino-américaine qui le rapproche et caractérise ces lieux.
Autre ville, autre style et approche encore pour Rome vue par l’illustrateur Miles Hyman qui a su, pour sa part, patiemment s’imprégner de l’atmosphère si particulière de la ville éternelle conjuguant les perspectives, architectures, fontaines et statues comme certains les verbes. Les parts d’ombre tout autant que la lumière vive attirent son crayon, l’artiste n’hésitant pas à se percher en haut d’un immeuble pour une immersion totale de la ville. Et partout, ces ocres déclinées en ce nuancier si caractéristique de la ville. Un Travel Book de couleurs et de sensations.
 

C’est également une ambiance graphique radicalement différente qui a été retenue pour le Travel Book consacré à la ville de Séoul par Icinori, un pseudo derrière lequel se cache un couple de créateurs particulièrement doués. Ce Road Movie offre, lui, des touches où l’influence culturelle japonaise transparaît singulièrement pour mieux en saisir les traditions et les lieux, mais aussi toute la modernité. Cette vision très créative de Séoul aiguise assurément la curiosité du lecteur qui n’a qu’une seule envie après avoir découvert ce Travel Book, prendre son avion en direction de Séoul !

Adolfo Kaminsky, changer la donne, Textes de Élisabeth de Fontenay, Sophie Cœuré et Amaury da Cunha, Préface de Paul Salmona, 132 pages, 210 x 270 mm, Cent Mille Milliards, 2019.

Voici un très beau livre consacré à Adolfo Kaminski, résistant pendant la Seconde Guerre mondiale et photographe plus qu’inspiré. Avec sa couverture toilée rigide, gris craie, sa photographie en noir et blanc de l’artiste incrustée en couverture, sa police de caractères originale, la conception graphique et soignée due au talent d’Émilie Rigaud vient servir à merveille cet artiste singulier. L’identité est au cœur des interrogations soulevées par le travail du photographe entre clandestinité et anonymat, héroïsme et combat quotidien pour celui qui sauva des milliers de personnes en réalisant pendant ( et après) la guerre de faux papiers. Faussaire de génie, Adolfo Kaminsky n’a pourtant pas choisi de faire parler de lui, à l’image de ce personnage sur un quai de docks tournant le dos à un chargement de sacs. Et pourtant ! Paul Salmona, directeur du mahJ, souligne avec justesse combien rien ne saurait être jugé anodin dans ces pages réunies en corpus. Chaque cliché fait signe, un réseau signifiant-signifié qui n’aurait pas déplu à Roland Barthes. Ce regard distancié de l’émigré russe juif sublime les rues de Paris, ce Paris de 1946 aux façades branlantes et aux éclairages diffus de lampadaires vacillants… Si la modernité gagne après guerre avec ces enseignes publicitaires tapageuses de Pigalle, la lumière sur les pavés mouillés de la capitale demeure cependant en des reflets intangibles. Ce rapport sensible entre le réel et le faux ne cesse d’interroger le lecteur au fil des pages, qu’est-ce que la réalité ? La vérité ? La véracité ? La certitude ? Toutes ces questions fusent sur celui qui continua jusqu’au début des années 70 à faire des faux pour aider toutes les causes perdues de son temps, celles du FLN, d’Afrique du Sud, de l’Espagne ou du Portugal… Que n’aurait-il pas fait aujourd’hui ? Et, la vie surgit comme par enchantement de ces pierres polies par les siècles, fugacités de ce cliché d’un photographe de mode, photographie d’une prise de vues, sans que l’on sache qui regarde qui. L’émotion pointe parfois lorsqu’une petite fille portant sa poupée arpente une ruelle déserte de Paris encore occupé en 1944, fragilité de ces destinées inscrites pour l’éternité sur le négatif. La philosophe Élisabeth de Fontenay a été elle aussi saisie par ce « Permis de vivre » dans l’essai qu’elle consacre à Adolfo Kaminsky, un artiste dont elle admire ce double souffle d’artiste et d’homme de combat. Homme non religieux, Kaminsky en délivrant ses faux papiers n’en accordera pas moins, cependant, à un grand nombre un « permis de vivre » en cette époque d’ exterminations de masse. Sophie Coeuré retrace quant à elle cette vie de combats, en créant de nouvelles identités et en en effaçant d’anciennes. Amaury da Cunha analyse pour conclure l’art du photographe et sa technique à partir de ses appareils favoris Rolleifleix et autres chambres photographiques pour saisir la normalité, sans idée de scoop. Nous ressortons de ce bel ouvrage revivifiés, le regard rajeuni par cette sensibilité désintéressée au monde, une approche encore si nécessaire à notre époque.

Dry Stone Walls Basics, Construction, Significance, Edited by Environmental Action Foundation, 472 pages, 362 color and 187 b/w illustrations,20 x 29.5 cm, Scheidegger & Spiess, 2019.

Les éditions Scheidegger & Spiess livrent avec Dry Stone Walls un ouvrage essentiel sur l’un des traits culturels prégnants du paysage suisse et environnant, celui du mur en pierres sèches. Venue depuis la nuit des temps, cette technique de construction profitant de la matière première surabondante en ces lieux répond à des règles culturelles significatives. S’intégrant dans l’écosystème de la manière la moins invasive qui soit, ces murs participent en effet à l’agriculture et à l’élevage depuis des siècles.

Mais notre époque favorisant des technologies plus modernes et rapides n’a pas favorisé leur entretien et nombre d’entre eux se sont malheureusement déjà effondrés ou menacent de tomber si une aucune intervention n’est entreprise avant qu’il ne soit trop tard. Or, on ne bâtit pas un mur en pierres sèches comme on monte un mur d’agglos ! Différents types de murs sont à considérer ainsi qu’il résulte des recherches détaillées menées par l’Environmental Action Foundation et dont la synthèse est ici reproduite dans ces pages à la fois savantes pour les spécialistes, mais constituant aussi et surtout un véritable plaisir esthétique pour les yeux de l’amateur des belles choses.

Livre complet et exhaustif sur le sujet avec 472 pages et plus de 500 illustrations, cet ouvrage collectif rappelle non seulement les racines culturelles de cette technique dans laquelle les Romains excellaient et qui rythme le paysage suisse de la plus belle et naturelle manière qu’il soit, ainsi qu’en témoignent les prises de vues artistiques venant illustrer l’ouvrage. Cette somme offre également un manuel pratique guidant celles et ceux qui souhaiteraient entreprendre l’édification ou la restauration des murs en pierres sèches avec de précieux conseils allant jusqu’à préciser les plantes et animaux qui ne manqueront pas de prendre rapidement leur gite et leur couvert en leur sein !

Avec des contributions de Werner Bätzing, Sandro Benedetti, Fredi Bieri, Giovanni Buzzi, François Busson, Klaus C. Ewald, Hans-Karl Gerber, Marianne Hassenstein, Thomas Kesselring, Hans Peter Kistler, Peter Krebs, Christine Loriol, Daniel Pelagatti, Ingrid Schegk, Theodor Schmidt, Mathias Steiger, Richard Tufnell, Andrin Willi et Franziska Witschi.
 

« Helena Rubinstein ; L’aventure de la beauté », collectif sous la direction de Michèle Fitoussi, Éditions Flammarion, 2019.

Catalogue accompagnant idéalement l’exposition actuellement consacrée à Helena Rubinstein au musée d’art et d’histoire du Judaïsme de Paris jusqu’à fin août 2019, l’ouvrage offre un merveilleux portrait de cette femme d’exception qui sut à la fois être une pionnière de l’émancipation féminine, une merveilleuse créatrice dans le monde de l’apparence et de la beauté et s’imposer au titre de bâtisseuse d’un véritable empire dans le vaste monde économique des cosmétiques. C’est ce fabuleux destin que l’ouvrage retrace chapitre après chapitre. Michèle Fitoussi, auteur en 2010 d’une riche biographie consacrée à Helena Rubinstein, offre en ces pages un vivant portrait de cette audacieuse et extraordinaire aventurière commençant sa contribution en ces termes : « Son histoire fait rêver : partie de rien, elle a tout eu. Un conte de fées où l’héroïne franchit les obstacles les uns après les autres, pour se hisser au sommet. »
Née en 1872, Juive polonaise, mais surtout femme audacieuse, Helena Rubinstein n’hésita pas très jeune à revendiquer au tournant du XXe siècle une émancipation alors bien peu admise ; elle osa ainsi immigrer seule en Australie et s’opposer à un mariage arrangé. C’est lors de ce départ en 1896 que la légende veut que sa mère lui ait glissé ces fameux pots de crème et qui firent – ainsi que le souligne dans sa préface Élisabeth Sandager, sa fortune et son extraordinaire destin. Aujourd’hui présentée comme une pionnière de l’émancipation féminine, Helena Rubinstein s’intéressa aussi très tôt à l’apparence et la beauté et ouvrit à Melbourne son premier salon de beauté, un salon déjà aussi audacieux qu’elle et offrant ce style innovant qu’elle affectionnera toute sa vie durant.
Intuitive et dotée d’un sens aigu d’observation, Helena Rubinstein - qui comprit dès cette époque les méfaits du soleil sur la peau, s’intéressera également très tôt à la recherche et aux inventions scientifiques dans les domaines de la beauté et des cosmétiques. Nous lui devons notre fameux mascara waterproof ! C’est en 1905 qu’elle ouvre son premier salon de beauté parisien au 255 de la rue du Faubourg Saint-honoré où elle prodiguera non seulement des conseils de beauté, mais aussi dès ce début de siècle des règles d’hygiène et de diététique. Immigrant ensuite aux États-Unis, elle sut y bâtir sous son propre nom et ces célèbres initiales HR ce vaste empire cosmétique que l’on connaît et s’imposera au titre de la femme la plus riche dans les années 30.
Audacieuse indéniablement, elle osa ainsi imposer le maquillage dans toutes les couches sociales au-delà de celles où il était jusqu’alors cantonné voire rejeté pour proposer ses propres normes et repères. Helena Rubinstein sut également imposer ses propres codes dans le domaine de la mode ou le choix de ses bijoux ainsi qu’en témoignent les textes de ce catalogue, elle qui aimait plus que tout son propre style : « I like my owne taste » retient avec justesse pour titre de sa contribution Iris Meder. Innovante, elle comprit vite également le pouvoir de la publicité et du marketing. Mais, au-delà de ce pouvoir économique, elle sut surtout et avant tout conquérir le pouvoir de la beauté, « le plus important de tous » aimait à souligner celle dont la vie fut aussi consacrée à l’art avec de fabuleuses collections et ce goût sûr et propre à elle que nous livre dans ces pages Mason Klein. Éprise d’art, elle fera également construire le pavillon d’art contemporain au musée d’Art de Tel-Aviv et se rapprochera à la fin de sa vie de ses racines et du judaïsme. C’est cet héritage dans le domaine des cométiques et de l’art que nous a laissé cette femme d’affaires hors pair, mais surtout cette grande ambassadrice de la beauté que donne à découvrir ce riche catalogue. À ce titre l’ouvrage offre une véritable « Aventure de la beauté », celle d’Helena Rubinstein.

« Notre Planète », Alastair Fothergill et Keith Scholet, préface d’Isabelle Autissier, traduit de l’anglais par Charles Frankel, Editions Dunod, 2019.
 

« Notre Planète » est plus qu’un beau livre livrant les plus magnifiques spectacles que nous puissions encore admirer, ces cadeaux et dons offerts par la Terre et la nature, celui-ci entend aussi et surtout dans un message d’espérance tirer la sonnette d’alarme avant que l’irréversible ne soit à jamais atteint. Réalisé par l’équipe de « Planète Terre » et de « Planète Bleue », Alastair Fothetgill, réalisateur de documentaires naturalistes, et Keith Sholey, biologiste et cofondatrice de Sylverback Film production, ce sont les paysages les plus époustouflants de « Notre Planète » qui ravissent en ces pages le regard et le cœur des bipèdes que nous sommes ; Des déserts glacés aux forêts tropicales, le lecteur ne peut qu’être émerveillé par tant de beauté ; Splendeurs des mers glacées, l’Arctique et l’Antarctique avec les fabuleuses richesses de « la banquise abritant l’un des écosystèmes les plus riches de notre planète », splendeurs encore des eaux douces, de la haute mer… Émerveillement aussi devant ces paysages grandioses des savanes et des déserts, des forêts et des jungles... Mais, cette planète aux beautés et trésors inouïs est aussi ce que nous en avons fait, ce que trop souvent on ne montre pas et tait, et ce qu’elle sera plus encore demain si nous ne réagissons pas. C’est aussi cela, ce triste constat, que ces pages entendent souligner et plus encore laissent malheureusement à entrevoir si... Un constat qui touche bien avant l’homme, ces autres habitants de la planète, « Notre Planète » mais aussi la leur, que sont les animaux ; L’ours blanc, la panthère, l’orang-outan… Des animaux fascinants et que l’ouvrage invite à admirer, et plus que jamais, au plus vite à préserver. Isabelle Autissier en signe la préface trouvant, une fois encore, le timbre de l’alarme avec cette espérance que celui-ci porte loin et puisse être entendu du plus grand nombre. « Devons-nous nous résigner à la chronique d’une catastrophe annoncée ? Non, car il n’y a aucune fatalité », souligne-t-elle en ces splendides pages qui n’entendent justement pas y céder.

« Léonard de Vinci par le détail » de Stefano Zuffi, Editions Hazan, 2019.
 

On connaît et reconnaît bien sûr le génie de Léonard de Vinci, peintre le plus célèbre au monde et dont est fêté en cette année 2019 le 500e anniversaire de sa mort survenue le 4 mai 1519 au Clos Cloué près du château d’Amboise où l’avait appelé François 1er. On connaît aussi, bien sûr, ses plus grandes œuvres marquant cette Renaissance italienne tant admirée de nos jours. Mais, en connaît-on pour autant les détails, des détails qui peut-être plus que tout autre révèlent l’excellence et le génie du peintre, né un 15 avril 1452 à Vinci dans la vallée de l’Arno. Ce sont justement ces détails d’une infinie précision et d’une impressionnante beauté que Stefano Zuffi, historien de l’art, a entrepris de mettre en lumière dans ce remarquable ouvrage dénommé « Léonard de Vinci par le détail » et paru aux éditions Hazan. Didactique, l’ouvrage commence par une brève mais efficace chronologie suivie d’une présentation des œuvres du peintre sur pleine page comprenant, outre leur numéro d’inventaire, leur localisation actuelle, dimensions, année probable et techniques de réalisation ; une présentation des œuvres plus qu’utile pour apprécier pleinement chaque détail mis en avant. Défilent alors, la « Vierge à la grenade », « Le Baptême du Christ », « l’Annonciation »… Des toiles mais aussi des dessins ou encore planches d’anatomie. Rappelons que Léonard de Vinci n’était pas seulement un grand peintre de génie mais excellait également en sciences, astronomie, ingénierie, architecture, optique, géologie, botanique et ses études ou Carnets en anatomie conservées à la Royal Library du Windsor Castel surprennent encore aujourd’hui. « La vraie grandeur du maître réside peut-être dans le fait qu’il ne mettait aucune limite à la possibilité de connaître le monde et de la représenter, ne se laissant jamais conditionner par des idées reçues ou des contraintes religieuses », relève dans son introduction Stefano Zuffi.
Présentation faite, se sont ensuite les détails, ces extraordinaires détails, rangés astucieusement par thème – animaux, enfants, gestes, nature, regards, sourires, technologie, et anatomie, qui se révèlent au lecteur page après page. Présentés chacun sur une double page avec en parallèle les explications et précisions de l’auteur, il faut découvrir les détails de ses études de chevaux ou de lions dont les hennissements ou les rugissements semblent nous parvenir du XVIe siècle. Léonard de Vinci vouait un respect et un amour inconditionnel pour la nature, il était végétarien et nombre de sensibles anecdotes concernant ses rapports aux animaux nous ont été rapportées notamment par Vasari. Les détails consacrés aux gestes et plus particulièrement aux mains sont également admirables ; des mains d’une finesse d’expressivité inégalée ; il faut ainsi s’arrêter sur cette main du Christ, le fameux « Salvator Mundi », tenant une sphère de cristal de roche où figure de minuscules fossiles ou encore sur ce poing à la tension physique et spirituelle extrême de « Saint Jérôme ». Avant de finir par la technologie et l’anatomie, le sourire ne pouvait à l’évidence dans un tel ouvrage consacré aux détails chez Léonard de Vinci que s’imposer ; ces sourires si énigmatiques, sensuels et si caractéristiques du peintre, sourire de la « Madone Benois », de « La Scapigliata », de « Sainte Anne », de « Saint Jean-Baptiste », et bien sûr, celui le plus connu et inoubliable de « Mona Lisa »…
 

« Traverser la lumière – Bazaine, Bissière, Elvire Jan, Le Moal, Manessier, Singier » sous la direction de Florian Rodari, Coédition Fondation Jean et Suzanne Planque et 5 Continents Éditions, 2018.
 

À l’occasion de l’exposition « Traverser la lumière » au musée Granet / Aix-en-Provence, les éditions 5 Continents et la Fondation Jean et Suzanne Planque publient un splendide ouvrage consacré à des peintres injustement trop peu connus en France, des peintres qui ont pourtant su par leurs œuvres atteindre l’abstrait et « traverser la lumière », sans jamais pour autant renoncer tout à fait au figuratif et accepter de céder. Il faut retenir leur nom et surtout découvrir leurs œuvres, des œuvres singulières éclatantes d’une lumière inouïe. Ils se nomment Jean Bazaine, Roger Bissière, Elvire Jan, Jean Le Moal, Alfred Manessier et Gustave Singier. Six artistes qui ont su créer dans l’après-guerre une nouvelle vision, un nouveau langage pictural parfois nommé « la non-figuration », une avancée que les sciences elles-mêmes donneront dans le même temps à voir et à observer.
Refusant l’idée de mouvement à part entière ou de manifeste, ainsi que le souligne Pierre Encrevé dans ces pages, ces six peintres que l’amitié tout autant que la création lieront fortement et intimement, préféreront la voie d’une recherche esthétique commune laissée libre de tout carcan, aussi libérée que la lumière déformante, déstructurante, flottante entre figuratif et abstraction ou « entre non-figuration et non-abstraction, quelle voie ? » pour reprendre le titre paradoxal de la contribution d’Alain Madeleine Perdrillat. Leur quête ? Rendre visibles les mouvements pressentis du réel et l’émotion suscitée par ces réalités fugaces que la lumière n’a de cesse d’engendrer en une création infinie...
Puisant dans ce langage poétique cher à Cézanne qui fut pour la plupart leur maître, mais aussi, bien sûr, Monet, ce père de l’Impressionnisme, sans oublier également Pierre Bonnard ou encore Matisse, les œuvres de ces peintres n’en demeurent pas moins singulières, « une forme de figuration du monde libérée des contraintes de la représentation » souligne Florian Rodari. C’est en effet une infinie modulation de couleurs, de vibrations et de transparence de la lumière, diffractions de la figuration qui se révèle dans chacune de ces œuvres.
Avec une iconographie riche et extrêmement soignée aux nombreuses reproductions pleine page, le lecteur découvrira ainsi cette toile d’Alfred Manessier « Arma Christi » de 1951 où la perception des couleurs et la mise en l’espace vibrent ou chancellent plus qu’elles ne s’abstraient ; des toiles également signées Manessier, Bissière, Singier et qui annoncent déjà ce détachement pour entrer au « cœur du tumulte » et des éléments avec les toiles de Bazaine, d’Elvire Jan, de Le Moal ou encore ces toiles signées Manessier – « Fontaine-l’Evêque » 1959, « Les bois du lac » de 1969 où l’eau frémit, la terre ruisselle laissant la lumière tout envahir… jusqu’à ces œuvres dont « Chant de l’aube II » de Bazaine des années 1970 offerte comme une ode, un hymne à la lumière que les sens comme électrisés ne peuvent que traverser… ou encore « Sable VII » ou ces « Passions » peintes par l’artiste après sa conversion. Nombre de ces peintres se sont, d’ailleurs, à plusieurs reprises tournés vers l’art sacré avec notamment des vitraux d’églises de province, ainsi que le développe Maïlis Favre dans son texte « La lumière exaltée ».
Si ces peintres demeurent de nos jours toujours trop discrets, il n’en demeure pas moins pourtant que des collectionneurs avertis ont su depuis longtemps en reconnaître la valeur. La plupart des œuvres aujourd’hui réunies ont pu l’être, en effet, grâce à œil, au goût et choix de collectionneurs audacieux tels que Jean Planque notamment. Florian Rodari souligne combien « Le collectionneur a le grand avantage sur les historiens et critiques d’art de ne répondre qu’à son émotion devant l’œuvre. Hors des jugements, classifications dont ont besoin ces derniers pour arrimer les enchaînements prétendument logiques de l’Histoire, le collectionneur avance en solitaire, développant son propre goût. » Annonçant l’Expressionnisme abstrait américain, suivi par le Pop Art, ces artistes ont injustement été considérés comme des précurseurs marginaux de ces grands courants qui sans nuances les ont relégués, souligne encore Pierre Encrevé. Pourtant, Alfred Manessier recevra le Grand Prix de la Biennale de Venise en 1962, et c’est avec justesse que ce catalogue d’exception redonne à ces six peintres toute la lumière qu’ils méritent.
Et, indéniablement, au fil de ces pages et œuvres, c’est bien toute la couleur, le mouvement, les vibrations de la lumière qui enveloppent, puis envahissent le lecteur au point de lui faire effectivement « Traverser la lumière », une émotion singulière enrichie par les nombreuses contributions qu’offre cet unique et bel ouvrage.

L’exposition est en cours au musée Granet jusqu’au 31 mars 2019, puis en Allemagne au Kunstmuseum Pablo Picasso Münster et à Roubaix à la Piscine.

L.B.K.

Jonathan Elphick : « Oiseaux » ; Avant-propos du Dr Robert Prys-Jones ; Traduit par Eric Wessberge ; Relié, 27.3 x 28.8, 336 p., Éditions Delachaux et Niestlé, 2020.
 

Ce sont des planches uniques et splendides que livre au regard Jonathan Elphick, zoologiste et spécialiste en ornithologie, dans cet ouvrage au grand format carré entièrement consacré à l’art ornithologique et publié aux éditions Delachaux et Niestlé.
Véritable histoire magnifiquement illustrée de l’art ornithologique, le lecteur découvrira au fil des pages la représentation de centaines d’oiseaux allant de la préhistoire à nos jours. D’exceptionnelles gravures, lithographies, peintures ou aquarelles, signées des plus grands artistes animaliers, Audubon Bauer, Gould ou encore MacGillivray, provenant du remarquable fonds du Natural History Museum de Londres, et révélant chacune à leur manière tout autant une quête d’une grande exigence esthétique que celle d’un rigoureux travail scientifique.
C’est ce même souci qui a guidé l’auteur de ce magnifique ouvrage, Jonathan Elphick, offrant à la lecture un texte extrêmement bien informé et documenté livrant toute l’histoire de l’art ornithologique, de la représentation, édition ou muséographie des oiseaux en passant par leurs classifications. Un travail de plusieurs années de recherches servi en ces pages par un riche texte et une mise en page des plus soignées.
Que ce soit les premières images d’oiseaux préhistoriques qui nous sont parvenues, des peintures de l’Antiquité ou surtout des planches exceptionnelles de « L’Âge de l’exploration (1650-1800) » ou de « L’Âge d’or de la lithographie (1850-1890) » jusqu’aux représentations les plus récentes, ce ne sont que subtilités et couleurs de plumages, finesse des nuances et détails, observations rigoureuses des attitudes et postures d’oiseaux des cinq continents. Le regard reste notamment attaché à ces nuances infinies et subtiles de cette huppe fasciée du XVIIIe siècle, admiratif devant les couleurs chatoyantes de ce Pic minium également du XVIIIe siècle, ou encore fasciné par ce luxe de détails et couleurs de ce Tragopan de Temminck du XIXe siècle… Des planches qui ne peuvent que susciter attention, admiration et une curiosité infinie. Le lecteur demeure ébloui devant tant de beauté, de variétés et nuances que donnent à voir ces représentations pour certaines jamais encore reproduites et montrées au grand public. Ainsi que le souligne le Dr Robert Prys-Jones dans son avant-propos : « ce livre est la démonstration du rôle tenu par plusieurs générations de brillants artistes au XIXe et au XXe siècle dans la diffusion progressive du savoir ornithologique auprès d’un public avide de connaissances scientifiques et de plaisir esthétique ».
Un ouvrage aussi érudit qu’accessible offrant une esthétique soignée et exceptionnelle qui ne peut que s’imposer en ouvrage de référence et réjouir tout autant scientifiques, amateurs ou passionnés d’ornithologie.

« Les Contes de Perrault illustrés par l’art brut » ; Introductions de Bernadette Bricout et Céline Delavaux ; Direction scientifique de l’iconographie : Céline Delavaux ; 135 œuvres d’art brut du XXe siècle à nos jours, 84 artistes présentés dans des notices biographiques ; Relié sous coffret, 24,5 × 33 cm, I 374 p., Diane de Selliers éditions, 2020.
 

Les Contes de Perrault comptent depuis longtemps parmi le patrimoine non seulement littéraire, mais également populaire depuis cette fin du XVIIe siècle où ils furent composés. C’est en fait de onze contes dont il s’agit, trois en vers et huit en prose, ces derniers ayant pour titre Contes de ma mère l’Oye. Leur seul nom ne pourra qu’évoquer des souvenirs d’enfance à tout à chacun : La Belle au Bois dormant, Le Petit Chaperon rouge, Le Chat botté, Cendrillon, Le Petit Poucet, Riquet à la houppe… Initialement parues en volumes séparés, ces histoires furent réunies en un seul recueil, un siècle plus tard. Les éditions Diane de Selliers ont eu l’heureuse initiative de faire revivre ces trésors de la plus belle manière qu’il soit grâce à cette somptueuse édition.

Comme à l’accoutumée, l’alliance de l’image et du texte se trouve au cœur de cette belle réalisation, un impressionnant travail réalisé par Céline Delavaux à partir de 135 œuvres d’art brut. Un choix tout aussi radical que convaincant pour ces contes passés depuis longtemps dans l’inconscient collectif de si nombreuses générations de lecteurs. Les psychanalystes ont, en effet, trouvé dans ces récits un terrain de prédilection, des histoires de loup et de Chaperon rouge, de Barbe bleue réservant un terrible sort à ses épouses, sans parler de Cendrillon et de son fameux Prince charmant…
Pénombre et lumière, angoisses et espérances, les contrastes ne manquent pas dans ces histoires héritées pour la plupart de l’oralité et recueillies avec l’élégance littéraire de Charles Perrault au XVIIe siècle. Ces émotions véhiculées par les récits, souvent cruels, de Perrault trouvent un nouvel éclairage grâce à l’art brut. Ces artistes ont, en effet, cherché à dépasser l’académisme pour une expression libre de contraintes artistiques et culturelles, ainsi que le souhait Jean Dubuffet, auteur de cette expression. Marginaux, prisonniers, reclus, mystiques, illuminés de toute sorte, ont livré des œuvres, pour certaines d’entre elles, puissantes et émaillées par de si nombreuses failles...

Ce sont ces paradoxes qui servent d’écrin et qui ont été merveilleusement retenus par Céline Delavaux en contrepoint des contes de Perrault. La fragilité de la condition humaine soulignée par tous ces contes entre en vibration avec celle qui a été très souvent le moteur et l’élan d’une expression artistique à fleur de toile de ces artistes tels August Walla, Jean Pous, Aloïse Corbaz, Marcel Drouin, Henry Darger, et bien d’autres encore.

Du chaos peut naître la lumière, ce lux fiat de l’impossible alors que la pénombre semble impénétrable. À l’image de Carl Gustav Jung et de Bruno Bettelheim explorant la fonction des contes de fées sur la structuration psychique des enfants, l’art brut dévoile certains aspects de ce qui demeure non énoncé ou ineffable. Dans cette manifestation des affects, des vérités remontent à la surface et éclairent ces textes selon la propre interprétation qu’en donnera chaque lecteur. Dans ce jeu de réseaux multiples ouvert et laissé libre par cette remarquable édition, une certitude demeure : Quel plaisir que de redécouvrir les Contes de Perrault dans cette splendide édition d’exception !

« Atlas de la grotte Chauvet-Pont d'Arc » sous la direction de Jean-Jacques Delannoy & Jean-Michel Geneste, 384 p., 626 illustrations, 353 photographies, 154 cartes, 110 graphiques, 9 tableaux. Edition toilée sous jaquette, Éditions Maisons des Sciences de l’Homme, 2020.
 

À découverte exceptionnelle, ouvrage d’exception, telle est la première impression qui domine en découvrant cette publication de poids – 8 kg ! – au sens propre et figuré… Il faut reconnaître que le site découvert en 1994 allait rapidement révéler une richesse inimaginable pour tous les spécialistes appelés à son chevet. Jean Clottes eut, le premier, l’heureuse initiative de protéger les lieux afin d’éviter les erreurs commises pour Lascaux, ainsi qu’il en témoigna dans Lexnews : « Si vous prenez l’exemple de la grotte Chauvet, j’ai tout d’abord monté un programme de recherche et une équipe réunissant de nombreux spécialistes de différentes disciplines (géologues, spécialistes des charbons, etc.) avant d’entreprendre les premières recherches. Mais avant de faire quoi que ce soit, nous avons protégé les sols. Ce qui est à la base de tout, c’est en effet la protection du site. Si on ne peut pas garantir cela, nous n’y allons pas ! Il y a alors des alternatives comme explorer de loin, avec des caméras, etc. Toutes sortes d’analyses sont pratiquées à partir du moment où elles n’ont pas une emprise destructrice sur le milieu " (lire l’interview complète de Jean Clottes) Grâce à ces précautions, l’immense champ de recherche sur la grotte et ses innombrables représentations pariétales attribuées au Paléolithique récent aux alentours de 36 000 – 37 000 ans allait pouvoir débuter dans un environnement préservé et d’une fraîcheur inégalée.

Cet imposant Atlas élaboré par Jean-Jacques Delannoy et Jean-Michel Geneste réunit dans ce premier tome l’ensemble de ces recherches pluridisciplinaires évoquées précédemment en un ouvrage à multiples lectures, celle du spécialiste, bien entendu, qui y trouvera l’état des lieux des recherches les plus poussées sur ce site, mais aussi le lecteur avisé souhaitant s’immerger dans l’intimité la plus impressionnante de la grotte grâce à l’iconographie exceptionnelle réunie à cette occasion.
L’ouvrage est divisé en quatre parties : méthodologie, contexte, cartographie des sols et conservation. Le nombre de cartes réunies laisse une petite idée de l’immense travail accompli en une vingtaine d’années, offrant ainsi une synthèse inégalée sur les analyses et représentations de données collectées par des équipes pluridisciplinaires. De plus, l’atlas offre des approches novatrices essentielles notamment quant à la spatialité des lieux d’activité et de créativité humaines, mettant ainsi en œuvre des découpages d’entités géographiques, sans exclure leur dimension symbolique.
Le contexte de la grotte Chauvet et son histoire se dévoilent, page après page, grâce au format exceptionnel de l’ouvrage. Parallèlement aux splendides peintures pariétales, la grotte a révélé un très grand nombre de témoignages, celui des sols avec ses différentes couches sédimentaires, riches d’enseignement pour ces périodes, mais également les nombreux ossements d’animaux (ours des cavernes, bouquetins, loups, etc.) qui l’ont parcourue et dont il est possible pour certains de retrouver leurs déplacements… De manière générale, ce sont les différentes facettes de la grotte, celle d’il y a 36 000 ans, qui se révèlent ainsi au lecteur, la végétation, le climat plus froid que de nos jours, accompagnent cette introduction de l’activité humaine dans la grotte, notamment sur ses parois. C’est alors l’occasion de nombreuses datations d’ossements d’animaux, mais aussi des charbons de bois utilisés pour les dessins. Une intrication étroite rapproche ces différentes occupations humaines et animales tant sur le plan matériel qu’abstrait sur les parois sans que l’on sache tout à fait tout de leurs détails. Un foisonnement immense de données se trouve ainsi rassemblé dans ce premier tome de cet Atlas qui en comptera au total trois, un travail sans équivalent et dont la qualité scientifique n’a d’égale que son invitation à littéralement entrer au cœur même de la Grotte Chauvet, comme si nous y étions !

« Modigliani » de Thierry Dufrêne, , Relié sous coffret illustré, 330 illustrations, 29 x 42 cm, 324 p., Éditions Citadelles & Mazenod, 2020.
 

Les qualificatifs élogieux ne manqueront pas pour évoquer la toute dernière parution consacrée au célèbre peintre « Modigliani » parue aux éditions Citadelles & Mazenod. Véritablement exceptionnelle, cette biographie menée sous la plume de Thierry Dufrêne l’est assurément à plus d’un titre, à commencer par la richesse de l’iconographie rassemblée admirablement rendue par le généreux format de l’ouvrage (29x42). Surtout, cet ouvrage entièrement consacré à l’un des plus grands artistes du XXe siècle apparaît, dès les premières pages, comme l’une des synthèses les plus inspirées sur le peintre et le siècle dans lequel il s’inscrit.

Thierry Dufrêne revisite, en effet, le mythe de l’artiste maudit qui a longtemps caractérisé le parcours et l’œuvre d’Amadeo Modigliani. Le biographe a multiplié les questionnements sur la genèse de son œuvre, réinterrogeant non seulement ses origines italiennes, mais également ses sources d’inspirations allant de Michel-Ange aux masques africains. Si, bien entendu, la place et le rôle joués par les artistes de Montmartre et de Montparnasse sur le jeune Amedeo seront déterminants, l’admiration pour Toulouse-Lautrec, mais aussi les approches de Gauguin, Degas ou encore Cézanne ne sauraient pour autant être négligées. Le lecteur comprendra rapidement que le musée imaginaire de Modigliani était complexe et touffu, à l’image de la société qui se dessinait, progressivement, sous ses yeux, au tournant du siècle.

Paris et les femmes resteront au cœur de son œuvre, ses portraits « sculptées » sur la toile révélant – sans s’y soumettre pour autant – toutes les influences artistiques de ses aînés, Picasso en tête. L’ouvrage parvient à force de démonstrations éclairantes appuyées par une iconographie convaincante a révélé toute l’extrême originalité et complexité de l’œuvre de Modigliani. Nombreux sont les courants de l’histoire de l’art qui trouvent en l’artiste une convergence lumineuse, renouvelant les thèmes abordés en de nouvelles inspirations. C’est notamment le cas pour ces inoubliables portraits de femmes - Jeanne, Hanka ou encore Lunia - dont les reproductions en grand format viennent souligner la luminosité de la palette de Modigliani. Les réalités sociales de son époque se trouvent ainsi sublimées par le regard posé par l’artiste, un regard métamorphosé par sa dernière période (1918-1919) après un long séjour sur la Côte d’Azur.
Une splendide monographie offrant une belle et riche étude qui indéniablement fera date,, autant par la force rhétorique de ses développements que pour la beauté du livre d’art.
 

« Formica » ; Textes d’Aymeric Mantoux et d’Oliver Kaepplin ; Broché avec couverture originale de l’artiste, 23 x 30 cm, 280 illustrations en quadri, 288 p., Éditions Actes Sud, 2020.

À souligner cette splendide et riche monographie consacrée au peintre Jean-Pierre Formica aux éditions Actes Sud. L’œuvre de Jean-Pierre Formica ne saurait laisser personne indifférent. Puisant au plus profond de la mémoire, faite de réminiscences, d’empreintes et de traces, elle glisse sur les ailes du temps et se rattache à la méditerranée pour mieux révéler une autre réalité, une réalité plus vivante … Le lecteur demeure, devant son œuvre, bien plus que simplement charmé ou séduit, mais littéralement fasciné, voire ensorcelé devant tant de diversité et de foisonnements !
Avec des textes signés Aymeric Mantoux et Olivier Kaepplin, ce bel et fort ouvrage de plus 280 pages, richement illustré, offre une très belle mise en lumière de cet œuvre à la fois extrêmement diversifié et d’une étonnante continuité de recherches et d’expression. Une continuité poursuivie au travers de multiples périodes ou séries comme pour toujours mieux se rapprocher de ses secrètes sources d’inspiration. « Artiste singulier », ainsi que le nomme Olivier Kaepplin en son introduction, c’est avec une diversité de techniques et matériaux qu’il poursuit, en effet, son œuvre, que ce soit la peinture (acrylique sur papier, huile sur toile) qu’il privilégie ces cinquante dernières années ou le dessin (aquarelle, fusain), le bronze, la céramique ou encore la sculpture sur sel. « Dessinateur, peintre, sculpteur, graveur, l’artiste est tout à la fois. Il a bien entendu eu ses périodes, ses phases. Mais s’est toujours refusé aux compromis, à la mode, au marché. Il n’a jamais douté de ses ruptures qui lui permettaient de se retrouver, d’être fidèle à lui-même. » écrit Aymeric Mantoux.
Jean-Pierre Formica n’a de cesse de chercher et questionner la mémoire, « Les mythes », « La nature », le « Révélé et dévoilé » et de nous en restituer les échos avec cette puissance et poétique qui lui sont propres. Une identité qui puise aux sources de la Méditerranée et du sud. Alternant les couleurs éclatantes et les sombres profondeurs, les explosions, répétitions et les statues de sel, il se renouvelle toujours et encore pour mieux capter et restituer. Pluie, corps, lumière ou nature répondent à cette étrange mémoire toujours plus insolite et secrète. En témoignent les splendides illustrations pleine page, voir plus larges encore pour certaines se dépliant, et présentées en ces pages judicieusement selon une progression thématique choisie.
Les écrits, tant d’Olivier Kaepplin en introduction que celui d’Aymeric Mantoux qui vient clore l’ouvrage, livrent au lecteur les multiples facettes tant de l’artiste que de l’homme du Sud qu’il est.
Une remarquable monographie qui permettra assurément d’attendre et de préparer avec patience et un plaisir certain les nombreuses expositions qui seront consacrées à Jean-Pierre Formica au printemps prochain en 2021. (Arles, Paris, Montpellier et Sète).

« Peter Beard » de Nejma Beard, Relié, 25,8 x 37,4 cm, 770 p., Édition multilingue: Allemand, Anglais, Français, Collection XL, Editions Taschen, 2020.
 

L’artiste Peter Beard disparu au printemps 2020 a mené sa vie sous le signe de l’art et de la rencontre. Celui qui connut Karen Blixen, contribuant à son amour pour l’Afrique, n’a eu en effet de cesse sa vie durant d’entretenir un dialogue permanent avec ses sujets de curiosités et d’émerveillements. Ces passions furent consignées dans d’innombrables journaux intimes qui deviendront rapidement des œuvres d’art en tant que telles. Esprit foisonnant et curieux, Peter Beard fera la connaissance d’artistes aussi différents que Francis Bacon, Salvador Dali, Andy Warhol avec lesquels il collaborera. Il réservera également dans ses créations une place de choix pour les plus belles femmes aux États-Unis, comme en Afrique, ainsi qu’en témoignent les nombreuses photographies iconiques rassemblées dans cette somptueuse monographie que lui consacre son épouse Nejma Beard poursuivant aujourd’hui le legs de son mari.

Cet ouvrage d’art qui a été épuisé en peu de temps lors de sa sortie est aujourd’hui, enfin, de nouveau disponible en un seul grand volume pour le plus grand plaisir des lecteurs appréciant ces rencontres entre univers jusqu’alors éloignés, nature sauvage africaine et univers de la mode, les plus beaux mannequins sur fond d’insectes et autres cabinets de curiosités… Le monde intérieur de Peter Beard s’ouvre ainsi et se donne à voir comme une œuvre d’art à part entière, ce qui n’aurait pu être qu’une vie de dilettante se métamorphosant en création.

L’homme sut également se faire un défenseur engagé de la nature et de la cause animale en Afrique alors que cette attitude était loin d’être tendance dans les années 60 et 70. Peter Beard qui avait acheté un grand domaine en Afrique n’hésita pas à dénoncer crûment les ravages de la modernité occidentale sur ces équilibres de plus en plus fragiles, notamment quant aux éléphants du Tsavo décimés par la famine.

Photographies et collages se font dès lors témoins de ces excès parmi les traces de sa propre vie tels ces cartes postales, tickets, billets, coupures de presse, rassemblés en d’esthétiques collages commentés de sa calligraphie soignée. Un ouvrage en forme de témoignage artistique d’une vie engagée.

« Ciao » de Mario Testino ; Relié, 25,8 x 36 cm, 254 p., Editions Taschen, 2020.

C’est une véritable et amoureuse ode à l’Italie que livre Mario Testino dans ce splendide ouvrage des éditions Taschen. En un format généreux, à l’image du pays auquel il rend hommage, « Ciao » invite en effet le lecteur à découvrir non seulement les villes italiennes de légende, telles Naples, Rome, Venise, Florence, mais aussi et surtout l’âme de ce pays et de son peuple par sa culture, sa gastronomie, son art de vivre, sans oublier, bien sûr, pour ce célèbre photographe qu’est Mario Testino, la mode.

Mario Testino a, en ces pages, souhaité réunir ses plus belles photographies personnelles, des clichés jamais publiés, tel un témoignage intime de son immense œuvre. Péruvien de naissance, le grand photographe qui a très tôt conclu une alliance de cœur avec l’Italie. Les premières images donnent la tonalité de cet ouvrage coloré et passionné avec tour à tour un magnifique drapeau italien ornant la façade d’un bâtiment public à Naples suivi d’une bande de jeunes Napolitains en joyeuse virée dans une automobile…

 Clochers et tour en Vespa font également bon ménage en Italie, mais Mario Testino n’a pas pour autant souhaité proposer un guide touristique et encore moins des clichés ressassés. L’œil du photographe sait saisir des instantanés puissants et évocateurs, en couleur, comme dans de sublimes noir et blanc. Les magnifiques terrasses de café de la Piazza San Marco à Venise rivalisent de raffinement avec les majestueux escaliers de palais. Mais Mario Testino n’en oublie pas, non plus, pour autant son regard de photographe de mode avec ces jeunes saisis sur le vif ou ce mannequin arborant fièrement la dernière robe d’une célèbre Maison de haute couture… Chaque détail compte sous l’objectif de Mario Testino et cette scène impromptue saisie sur le vif entre le mannequin Éva Herzigova croisant une dame âgée romaine toutes deux en manteau de fourrure vaut plus d’un discours !

L’Italie de Testino, c’est mettre au même plan une féerique vitrine de Pasticceria et un intérieur cossu d’un antique palais. Nulle affectation dans ces contrastes, mais un amour sincère pour une patrie et une culture qui se déclinent, ici, en trois parties « Sur la route », « À la mode » et « Bord de mer » afin de saisir l’esprit italien. Une âme italienne si bien perçue par le photographe, qu’il parvient à nous la transmettre grâce à ses remarquables photographies et à cet amoureux témoignage !

Didier Ben Loulou : « Sanguinaires », éditions La table Ronde, 2020.
 

Connu pour ses liens privilégiés avec la Méditerranée, après Marseille, Jérusalem, Athènes…, le photographe Didier Ben Loulou nous emmène pour son dernier album en Corse. Un ouvrage des plus réussis, paru aux éditions La Table Ronde, et livrant des prises de vue de l’Île de Beauté bien loin des sentiers battus et rebattus. C’est en effet, une île, certes, toute de beauté, mais surtout de vie et de contrastes, également inquiétante et inhabituellement crépusculaire, que donnent à découvrir les photographies de cet album. Une poésie qui n’appartient qu’au photographe, quelque peu esseulée, et qu’annoncent les citations du poète Yves Bonnefoy ou encore de Fernando Pessoa mises en exergue. Aussi est-ce un beau défi que relève avec ce dernier ouvrage ce photographe qui a su imposer, ces dernières décennies, sa propre griffe dans le monde de la photographie.
L’ouvrage s’ouvre sur ce premier cliché, une Corse sombre entre ciel et mer, où filtrent des rayons de vie et de mystère, et où dansent au premier plan d’étranges mosaïques de couleur, telle une invitation à entrer dans un monde à part, contrasté et puissant. Une tonalité de vue que confirment ce palmier en contre-jour et sa balustrade blanche sur fond d’orage. Ce sont ces ciels d’orage, tourmentés, aux sombres et nombreux nuages qui viennent par la subtile magie de l’objectif du photographe sublimer la beauté et révéler l’âme de cette île à nulle autre pareille ; Les ocres de la terre corse, le bleu et le vert de la Méditerranée la berçant, la protégeant ou la fouettant, des paysages d’hier ou d’aujourd’hui, hors du temps, que viennent émailler quelques silhouettes…

Variations bien particulières d’une terre baignée d’une mer omniprésente, laissant surgir la force et la vie des couleurs de la flore et des fruits de Corse, le fragile rose des chardons, l’orange des mandarines… C’est la force d’une fin d’été qui s’immisce dans ces clichés, un lit au rose suranné, les ocres d’un mur, d’un pavage d’antan, ou qui explose avec la fougue du rouge sanguin d’une pastèque ouverte.

Un album puissant qui méritait assurément ce titre aussi étrange qu’évocateur, « Sanguinaires» (tiré du nom de la longue route longeant le littoral d’Ajaccio à la presqu’île de Parata) et offrant toute la force et les contrastes de la Corse, une âme et une beauté ombrageuses et sauvages que le photographe Didier Ben Loulou a su avec talent en ces pages concentrer.
 

« Chine », Livre de cuisine de Kei Lum Chan et Diora Fong Chan ; Relié, 150 illustrations couleurs, 720 p., 180 x 270 mm ; Editions Phaidon, 2020.
 

C’est une histoire de cœur et de goût pour cette cuisine extrême-orientale millénaire qui a nourri cette bible de la cuisine chinoise, ainsi que le rappellent en introduction les auteurs Kei Lum et Dioa Fong Chan. Contrairement à ce que pensent de trop nombreux Occidentaux ne s’étant jamais rendus en Chine, cette cuisine compte parmi les plus riches et plus variées, une richesse bien souvent occultée – il est vrai - par certains restaurants installés en occident… Afin de rappeler cette extrême diversité qui se confond avec les nombreuses cultures régionales de Chine, 650 recettes ont ainsi été réunies dans cet ouvrage ; Une somme culinaire aux mille saveurs considérée comme la référence en la matière.
Contrairement à certains livres de recettes, Kei Lum et Dioa Fong Chan ont non seulement testé chaque recette, mais ont surtout fait en sorte qu’elles soient réalisables par un particulier, à domicile. Le couple marié depuis plus de 40 ans a voué sa vie à cette passion qui trouve sa consécration dans ces pages écrites avec générosité comme ils le rappellent dans leur témoignage d’enfance débutant cet ouvrage somptueux doré sur tranches avec ses remarquables illustrations.

Ce ne sont pas moins de 30 régions chinoises qui livrent, ici, le secret de leur gastronomie souvent millénaire. Certaines recettes seront bien entendu familières aux amateurs de cuisine asiatique tels les fameux travers de porc sauce aigre-douce, pâtés impériaux ou encore les succulents Dim sum. Mais, la surprise viendra assurément de ces mets plus méconnus tels le congée à la mode Laiwam ou le Choy Sum aux feuilles de moutarde marinées… Contrairement à ce que l’on pourrait penser, les recettes sont souvent pour la plupart parfaitement accessibles en occident. Le lecteur curieux et gourmet y retrouvera toutes les méthodes traditionnelles de préparation et cuisson. Seule condition étant de réunir les ingrédients nécessaires à leur préparation, mais les auteurs ont fait en sorte de toujours garder à l’esprit la faisabilité de ces plats et proposent des mets de substitution le cas échéant. Cette bible qui trouvera assurément bonne place dans les cuisines des amateurs d’exotisme rappelle en ouverture l’esprit même de la cuisine chinoise, une cuisine faite de partage et de. Soupes, hors d’œuvre, nouilles, poissons, fruits de mer, volailles et viandes, œufs, tofu, desserts, rien n’a été omis, y compris les plats de fêtes et même des recettes de haute gastronomie telles celles du grand chef étoilé Samuel Lee du Shang Palace qui sera présenté prochainement dans nos colonnes.
Un ouvrage aussi riche et savoureux sur le plan culinaire qu’un voyage au long cours !

« Carole A. Feuerman ; Fifty Years of Looking Good », de John T. Spike, John Yau et Claudia Moscovici ; Version anglaise, 24 x 30 cm, 192 p., 120 illustrations couleur, Éditions Scheidegger & Spiess, 2020.

Premier et unique ouvrage à être consacré à l’hyperréalisme sculptural, et plus particulièrement à la sculptrice Carole A. Feuerman, pionnière et l’une des plus grandes représentantes américaines en ce domaine. À ce titre, cet ouvrage qui vient de paraître aux éditions Scheidegger et Spiess mérite attention !
Les créations de l’artiste américaine offrent un état d’esprit et une profonde réflexion sur les corps et les visages, masculins, âgés parfois, mais avant tout et surtout féminins. Loin des corps aux attraits séduisants ou érotiques stéréotypés, ce qui anime l’artiste est avant tout cette force et cet équilibre qui fondent toute survie. Le visage serein d’une femme, une posture introspective ou une pleine conscience de soi… Un regard sur la femme souvent loin de celui des hommes.

Les sculptures de Carole A. Feuerman sont marquées de cette féminité et beauté plastique singulière qui la caractérise et en fait une des plus grandes artistes de l’hyperréalisme américain aux côtés de Duane Hanson et John De Andrea. Dans ces corps et visages à la fois lisses et vibrants de réalisme se glissent la sérénité de femmes libres, le bien-être de la femme détachée, la douceur des sphères et cette enveloppante fluidité de l’eau quasi omniprésente… Piscine, maillots et bonnets de bain. Mais, aussi des sculptures de corps en bronze ou écailles de métal aux fulgurantes réminiscences hellénistiques… L’œuvre de Carole A. Feuerman est à la fois surprenante, captivante et fascinante. Peu d’artistes laissent si peu indifférents…

C’est toute la richesse de l’œuvre de cette pionnière et avant-gardiste de l’hyperréalisme américain que le lecteur pourra découvrir dans ces pages appuyées par une splendide et large iconographie couleur. Lui seront également révélés les secrets de l’artiste, les divers matériaux et techniques utilisés. Un ouvrage complet sous les plumes de John T. Spike, historien et critique d’art, John Yau et Claudia Moscovici offrant une splendide et réelle mise en lumière de l’évolution et du travail de l’artiste, « Survival of Serana », « Monumental Quan » et « Chistina »...
Née en 1945, Carole A. Feuerman s’est consacrée à sculpture dans les 70, le succès fut vite au rendez-vous, enchaînant expositions et galeries. Aujourd’hui, reconnue internationalement – on se souvient d’elle à la Biennale de Venise en 2017 et 2019, elle méritait assurément un bel ouvrage consacré à l’ensemble de son œuvre, et tel est bien le cas avec cette monographie intitulée judicieusement « Fifty Years of Looking Good », lui étant totalement dédiée aux éditions Scheidegger et Spiess.

« Le Corbusier ; Lessons in modernism » de Giuliana Altea et Antonellla Camarda ; 22 x 28 cm, 184 p., Version anglaise, Edition Scheiddeger & Spiess, 2020.
 

Le nom de Le Corbusier (de son vrai nom Charles-Édouard Jeanneret-Gris) est de nos jours irrémédiablement indissociable de l’architecture. Ce célèbre architecte et urbaniste, né en 1887, a – il est vrai - bouleversé l’ensemble de l’architecture et de l’habitat, et son immense influence ne cesse encore de fasciner, en témoignent les nombreuses publications récentes lui étant consacrées. Pourtant, au-delà de ce domaine, il est une facette moins connue de l’homme qui mérite assurément d’être également découverte, celle de son amour de l’art plastique. Et c’est justement à cette autre facette que Giuliana Altea et Antonellla Camarda, ainsi que Richard Ingersoll, ont décidé de consacrer une belle étude intitulée « Le Corbusier ; Lessons in modernism » et parue aux éditions Scheiddeger & Spiess.

Derrière le célèbre architecte, l’urbaniste ou encore le designer mondialement reconnu se cache, en effet, aussi un peintre et un sculpteur talentueux. Le Corbusier rencontrera et se liera toute sa vie au cours de ses multiples séjours et voyages avec de nombreux artistes tels que Klimt, Ozenfant, sans oublier Fernand Léger, Picasso ou encore Braque. Le Corbusier avait de son vivant à maintes reprises souligné qu’il aimait à se considérer artiste tout autant qu’architecte. Cet art plastique qu’il aimait, Le Corbusier le pratiquera toute sa vie. Surtout, Le Corbusier partagera l’atelier de Costantino Nivola, ce sculpteur italien qu’il rencontrera en 1946 à New York, par l’intermédiaire de son ami et confrère brésilien Oscar Niemeyer. Une amitié et rencontre d’artistes qui devait durer toute leur vie et sur laquelle se penche, ici, Richard Ingersoll dans sa contribution « Le Corbusier, Nivola, and the « United Nations of America »». Le sculpteur Costantino Nivola rassemblera au fil du temps une belle collection des œuvres de son ami architecte ; Pas moins de trois cents dessins auxquels viennent s’ajouter six peintures et six sculptures, « Une petite collection nomade » ainsi que la nomme Giuliana Altea, et aujourd’hui dispersées aux quatre coins du monde entre collections privées, galeries et institutions publiques. Pourtant, les œuvres de Le Corbusier demeurent encore trop peu connues.

Ce sont ces œuvres, l’importance accordée à l’art plastique et les divers courants qui ont traversé le travail du peintre ou du sculpteur que cet ouvrage livre au lecteur dans de belles analyses et mises en relief. Le lecteur y découvrira ainsi les dessins, sculptures ou toiles de Le Corbusier accompagnés en ces pages de riches analyses et que viennent également illustrer de nombreuses photographies, notamment avec Pablo Picasso ou encore réalisant les fameuses Fresques de Long Island en 1950. Antonellla Camarda revient, pour sa part, sur la réception du travail de Le Corbusier aux États-Unis (1932-1965).
C’est tout le mérite de ce bel ouvrage que de proposer cette mise en lumière des œuvres plastiques du célèbre architecte Le Corbusier. Une riche et belle mise en perspective !

« François Depeaux – Collectionneur des impressionnistes » ; Collectif, Coédition Réunion des Musées Métropolitains de Rouen Normandie / Editions In Fine, 2020.
 

Un splendide ouvrage aux éditions In Fine consacré à une non moins splendide et exceptionnelle collection, celle d’un seul et même collectionneur, François Depeaux. François Despeaux, né en 1853 à Bois-Guillaume près de Rouen, a collectionné effectivement toute sa vie durant les plus grands peintres impressionnistes et postimpressionnistes de son temps. Aucun grand nom ne semble avoir échappé à son acuité et goût averti ; Qu’on en juge ! Pas moins de six cents œuvres signées notamment Renoir, Toulouse-Lautrec, Pissarro, dont plus de soixante de Sisley mais également vingt de Monet. Une collection impressionnante, l’une des plus importantes de son temps et dispersée aujourd’hui aux quatre coins du monde.
L’ouvrage, fort de ses 335 pages et offrant une large iconographie de plus de quatre cents illustrations, ouvre au lecteur non seulement les portes de cette fabuleuse collection, mais livre également par de riches contributions un portrait vivant et intime de cet exceptionnel collectionneur, trop peu connu, que fut François Despeaux. Le lecteur y découvrira sa passion et la constitution de sa riche collection, mais aussi ses relations parfois privilégiées avec certains peintres, dont Alfred Sisley ; « Une relation particulière » sur laquelle revient Joanne Snrech du musée des Beaux-Arts de Rouen. Au fil des pages, le lecteur est immergé dans l’ambiance et les toiles – pour nombres reproduites sur pleine-page – des plus grands maîtres de l’impressionnisme ; Enchantement des toiles de Sisley de Crozan à Port Marly, de Monet, mais aussi d’Albert Lebourg, de Joseph Delattre, de Robert Antoine Pinchon ou encore de Frits Thaulow…
Le mouvement impressionniste qui devait marquer le monde de l’art et ce tournant de siècle fut favorisé par une dynamique proximité et rapprochement entre les artistes, les collectionneurs et les galeristes. Anne Distel, spécialiste de la peinture impressionniste et conservatrice au musée d’Orsay, livre, ici, une belle analyse de ce « petit monde étroit » dans sa contribution « Impressionnisme : des peintres, des marchands et des amateurs ». Géraldine Lefèvre, commissaire d’exposition, s’attache, pour sa part, plus particulièrement au « Cercles et collections impressionnismes à Rouen : Léon Monet et François Depeaux ».
L’ouvrage revient ainsi sur les liens étroits qui unirent ce collectionneur hors norme à la ville de Rouen. Celui-ci lui consacra, en effet, de nombreux projets, projets sur lesquels s’est penché Guy Pessiot, auteur de nombreux ouvrages sur Rouen, dans son texte « François Depeaux dans sa ville. Projets contrariés et réalisations d’un visionnaire entêté ». François Depeaux porta aussi une attention toute particulière à l’École de Rouen, une inclinaison analysée en ces pages par François Lespinasse, auteur notamment d’ouvrages consacrés à l’École de Rouen.
Industriel et philanthrope, François Depeaux fut également un des membres fondateurs en 1886 de la Société des Amis des monuments Rouennais et a laissé de célèbres pages de l’histoire de Rouen. Ville qui accueillit dès 1909 la donation Depeaux, quelques cinquante toiles, au sein de son musée des Beaux-Arts, sa collection ayant été précédemment pour des raisons privées en partie dispersée. Ce legs, après celle de Caillebotte en 1894 et celle de Moreau-Nélaton en 1906, ouvrira les portes des musées français aux impressionnistes ; « C’est à eux que l’on doit l’arrivée massive des tableaux impressionnistes dans les musées français », souligne Sylvain Amic, directeur de la Réunion des musées métropolitains Rouen Normandie, dans son introduction à l’ouvrage. La collection Depeaux sera définitivement dispersée lors de sa disparition en 1920.
L’ouvrage comporte enfin de nombreux textes et documents précieux dont un « Florilège de la correspondance de François Depeaux », un « Répertoire » de sa collection ou encore une « Chronobiographie » de ce dernier.
Un riche ouvrage qui ne pourra que trouver bonne place dans toutes les bibliothèques d’art et livrant un beau témoignage sur ce collectionneur trop souvent méconnu que fut François Depeaux ; Ainsi que le souligne avec justesse Sylvain Amic en son ouverture : « Avec sa donation, François Depeaux a changé le destin de sa ville. Le charbon a disparu mais Rouen est désormais une des capitales mondiales de l’impressionnisme. Il était temps de lui rendre un légitime hommage. »
 

"L’eredità di Stefano Bardini a Firenze le opere d’arte, la villa e il giardino" d’Antonio Paolucci, langue : italien, 240 p., Mandragora Editions, 2020.
 

Si de ce côté-ci des Alpes, en France, le nom de Stefano Bardini (1836-1922) reste à tort quelque peu confidentiel, il n’en est pas de même cependant en son pays natal, l’Italie. C’est en effet à Florence que cet illustre antiquaire italien de la deuxième moitié du XIXe siècle a laissé non seulement un véritable héritage avec la villa et les fameux jardins portant son nom, mais aussi, par là même, une page somptueuse de l’histoire de l’art italien. Et c’est cet extraordinaire legs incontournable de l’histoire de l’art qui fait justement et judicieusement aujourd’hui l’objet d’une belle publication d’Antonio Paolucci (lire notre interview) aux éditions Mandragora, publication qui explore la villa, les jardins et les innombrables œuvres d’art de cet endroit unique à Florence.
Sur les lieux de l’ancien couvent San Gregorio della Pace, cet espace dominant toute la cité florentine est devenu depuis le musée Bardini, après sa mise à disparition par Stefano Bardini qui en fit don à la municipalité de Florence en 1922 (la villa sera laissée à l’État italien à la mort de son fils Ugo en 1965). Après une longue période d’abandon, une restauration fut entreprise au début des années 2000 conduisant à faire revivre ces lieux uniques à haute valeur culturelle.

L’historien de l’art Antonio Paolucci retrace dans la première partie de ce livre d’art ce fabuleux legs de Stefano Bardini au titre d’un reflet de l’histoire florentine du XIXe siècle. Stefano Bardini était un fils de la petite bourgeoisie provinciale. Élève de l’Académie des Beaux-arts, il souhaitait avant tout devenir peintre et ses débuts furent d’ailleurs prometteurs avec des œuvres remarquées et plusieurs commandes importantes. Le jeune artiste se rapproche alors du mouvement artistique Macchiaoli au Caffè Michelangelo et fréquente Signorini, Bornai, Sectionné, Martelai. Patriote et républicain, il s’engage dès 1866 pour sa patrie et ses idéaux de gauche. Par la suite, c’est surtout en tant que marchand d’art et spécialiste incontesté de la peinture et de la sculpture Renaissance que le nom de Stefano Bardini sera connu. L’essor urbain à Florence à la fin du XIXe siècle rendra alors prospère son activité, de nombreux riches habitants souhaitant décorer leurs demeures de pièces d’exception que Bardini savait mieux que quiconque leur fournir. La plupart des musées internationaux et collections privées ayant profité directement ou indirectement de sa science et de son acuité exceptionnelle à discerner les œuvres d’art remarquables.
C’est en 1881 qu’il se porte acquéreur de l’église et du couvent désaffectés de San Gregorio pour transformer ces lieux en résidence et atelier de restauration. Le présent ouvrage illustre grâce à ses nombreuses photographies anciennes ce que pouvaient être ces salles entières emplies de trésors attendant une nouvelle vie. De cet héritage est né le Museo Bardini avec ses collections uniques de peintures, sculptures, mobiliers, céramiques, tapisseries, armes, instruments de musique, sans oublier les antiquités romaines, étrusques, et biens d’autres trésors, ainsi que le souligne Antonio Paolucci.
L’ouvrage consacre également une partie importante à un autre aspect remarquable du Museo Bardini avec ses inoubliables jardins. Maria Chiara Pozzana dans sa contribution explore les racines européennes des jardins Bardini en rappelant la véritable enquête archéologique qui y fut menée avant d’en proposer une restitution la plus fidèle, ainsi qu’en témoignent les superbes photographies de sculptures, treilles de glycines et vues plongeantes sur la ville de Florence…
L’ouvrage se conclut par un album de famille présenté par Emanuele Barletto avec les deux enfants de Stefano Bardini, Ugo et Emma, à qui l’on doit d’avoir généreusement légué une part essentielle de ce patrimoine.

« Une vie avec Matisse, Picasso, Le Corbusier, Christo… Teto Ahrenberg et ses collections», Collectif, 220 x 280 mm, 372 p., Editions Flammarion, 2019.
 

C’est une extraordinaire collection privée d’art occidental du XXe siècle, trop peu connue du grand public, que nous proposent de découvrir pour la première fois les éditions Flammarion avec ce fort bel ouvrage intitulé « Une vie avec Matisse, Picasso, Le Corbusier, Christo… Teto Ahrenberg et ses collections».
Une collections d’art moderne des plus impressionnantes, de plus de 6 000 œuvres, comprenant les œuvres majeures des plus grands artistes du XXe siècle, Matisse, Picasso, mais aussi Chagall, Lucio Fontana, Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle et tant d’autres encore… Incroyable, tel est bien le qualificatif qui s’impose !
Des collections révélant indéniablement le goût sûr et l’audace de leur créateur ; Un seul et même collectionneur qui n’est autre que Theodor – surnommé « Teto » - Ahrenberg, né à Göteborg en Suède en 1912. C’est dans les années 40, après une carrière dans le commerce et l’industrie, que ce dernier se découvre cette passion pour l’art moderne. Elle ne devait plus le quitter. Ce sont ses extraordinaires collections, celles de Théodor Ahrenberg, estampes, dessins, toiles, sculptures, que le lecteur pourra avec une admiration certaine en ces pages découvrir.
Mais, c’est également une grande figure majeure de l’art moderne que nous propose aussi de mieux connaître ce bel ouvrage collectif. Un collectionneur averti non seulement d’une extrême clairvoyance mais aussi un homme charismatique. L’ouvrage, une des rares monographies lui ayant été consacrées, s’appuie sur une riche correspondance et de nombreuses photographies, des archives souvent inédites. Aimant plus que tout rencontrer les auteurs des œuvres qu’il convoitait, c’est le plus souvent accompagné des plus grands artistes de son siècle que le lecteur le retrouvera sur ces photographies. Des rencontres uniques que les nombreux chapitres et riches contributions de l’ouvrage ont fait l’heureux choix de retenir, offrant ainsi au lecteur cette proximité rare entre les œuvres, l’artiste et le collectionneur.
Dans les années 60, Theodor Ahrenberg s’établira avec sa famille en Suisse, après un différend avec les autorités suédoises et la confiscation de sa première collection. Là, il créera – après l’échec du Musée Theodor Ahrenberg par Le Corbusier en Suède, le fameux Atelier Le Rocher qui accueillera de jeunes artistes de l’avant-garde. C’est aussi cette vie de passion que donnent à découvrir l’ouvrage. Aujourd’hui, son fils, Staffan Ahrenberg, a tenu à ce que ce livre soit dédié à sa mère et son père, disparu - il y vingt ans- en 1989. Un beau témoignage, donc, et un très bel hommage…
Avec ses 250 illustrations et plus de 370 pages, ce fort ouvrage aussi splendide que riche d’enseignement saura s’imposer, à n’en pas douter, dans toute bibliothèque d’art moderne digne de ce nom.

Federico Fellini : « Le Livre de mes rêves » ; Collectif sous la direction de Sergio Toffetti ; Hors collection – Cinéma, 584 p., 251 x 349 mm, Relié, Editions Flammarion, 2020.

Une séquence du film de Pier Paolo Pasolini « La ricotta » (1963) fait dire à Orson Welles en réponse à une interview d’un journaliste sur ce qu’il pensait de Fellini (1920-1993) : « Egli danza, si, egli danza ! » (il danse, oui, il danse !). Pasolini avait vu juste dans cette réponse elliptique, la créativité du grand réalisateur italien trouve son essence dans la légèreté de la danse, cette délivrance de la pesanteur qui lui permit d’échapper à la gravité – dans tous les sens du terme – et de fonder un nouveau genre portant ainsi un regard singulier sur le cinéma. C’est ce monde intérieur à nul autre pareil, fait de subjectivité et habité de rêves, qui s’ouvre au lecteur avec « Le lire de mes rêves » de Federico Fellini ; un livre somptueux publié par les éditions Flammarion à l’occasion du centenaire de la naissance du réalisateur de « La strada » (1954), « La dolce vita » (1960), « Huit et demi » (1963), « Amarcord » (1973) et bien d’autres chefs-d’œuvre encore…
Pendant trente années de sa vie, Federico Fellini consigna chaque matin ses rêves, les agrémentant de dessins qui ne seront pas sans échos fertiles dans ses créations cinématographiques. À la manière d’un Carl Gustav Jung avec son fameux « Livre Rouge », Fellini livre ici les archétypes qui structurent son inconscient en une richesse vertigineuse qui explique bien des éléments de son cinéma ; un de ses rêves consignés fait d’ailleurs référence au célèbre psychiatre suisse dont il suivit pendant un certain temps les méthodes analytiques auprès de certains de ses disciples. L’obsession, son goût pour l’exagération, l’emphase et le superlatif trouvent en effet leurs racines dans ce tréfonds de la pensée fellinienne, bien avant qu’elles ne ressurgissent de la plus étonnante manière sur la pellicule.
Aussi, Sergio Toffetti en collaboration avec Gian Luca Farinelli et Felice Laudadio ont-ils reproduit l’intégralité des fac-similés des carnets de Fellini traduits et agrémentés de textes et commentaires sur cette œuvre unique. Avions, caniches, femmes plantureuses, scènes scatologiques, les thèmes ne manquent pas dans les récits et les illustrations confiés au carnet pour témoigner de la riche activité inconsciente de leur auteur, lui qui sur un dessin, s’interroge de savoir s’il s’agit d’un autoportrait ou de celui son père…
Au-delà du foisonnement toujours passionnant pour la compréhension du monde intérieur d’un personnage, « Le Livre de mes rêves » offre surtout le soubassement archéologique de l’univers fellinien, cette strate sourde et grondante sans laquelle toute la fertilité éclatante – et souvent déroutante – du réalisateur pourrait passer inaperçue.
Un ouvrage non seulement incontournable pour les amoureux de Fellini, mais surtout exceptionnel en tant que tel quant à sa réalisation.

« Peter LINDBERGH ; Untold Stories », Peter Lindbergh, Felix Krämer et Wim Wenders; Relié, 27 x 36 cm, 320 p., multilingues : Allemand, Anglais, Français, Éditions Taschen, 2020.
 

Aussi exceptionnel qu’inoubliable ! Puisque ce bel ouvrage, en haut format, publié aujourd’hui aux éditions Taschen, est celui-là même qui accompagna la seule et unique exposition dont le grand et célèbre photographe Peter Lindbergh fut commissaire, peu de temps avant sa disparition survenue à Paris le 3 septembre 1919.
À l’occasion de cet évènement intitulé « Untold Stories » et qui eut lieu au Kunstpalast de Düsseldorf, le photographe de légende laissa sa pleine et entière créativité s’exprimer, ce qui lui permit de rassembler en un catalogue d’exception une collection choisie et inouïe de ses œuvres. C’est cette sélection des plus personnelles que le lecteur découvre ou (re)découvrira aujourd’hui en ces pages, des photographies éblouissantes de talent, allant des années 1980 à nos jours, et offrant incontestablement une vue vertigineuse de l’ensemble de son œuvre. Une œuvre et un talent à nul autre pareil ayant su, pendant plus de quarante années, s’imposer, marquer et influencer de sa griffe unique le monde entier de la photographie de mode. C’est un héritage à nul autre pareil que livrent en grand format ces pages somptueuses !

Fort, en effet, de ses 320 pages, le lecteur n’y retrouvera pas moins de 150 clichés du grand photographe que fut Lindbergh. Des photographies incontournables et emblématiques, certes, mais aussi des clichés demeurés pour beaucoup inédits.
À cette inoubliable rétrospective, vient s’ajouter un riche et émouvant entretient du photographe avec le Directeur du Kunstpalast, Felix Krämer, accordé à l’occasion de cette première et dernière exposition et dans lequel Peter Lindbergh, lui-même, revient sur les motivations ayant sous-tendu celle-ci. Des pages précieuses livrant une mise en relief inédite et un approfondissement de l’immense œuvre de Peter Lindbergh.
Des photographies essentiellement en noir et blanc, aux lignes et contours purs, marquées de spontanéité et ce naturel si caractéristiques de l’artiste ; Des mises en valeur, des portraits offrant au regard du monde, ses plus belles icônes, notamment Nicole Kidman, Uma Thurman, et bien d’autres encore.

Des photographies ayant pour nombre d’entre elles fait la une des plus grands magazines de mode, mais aussi des clichés plus intimistes, Jeanne Moreau, Naomi Campbell ou encore Charlotte Rampling…
Le lecteur découvrira également en ces pages un très bel hommage de son ami proche, Wim Wenders. Auteur, photographe lui-même et surtout réalisateur allemand de renom - Paris, Texas en 1984, Les Ailes du désir en 1987 ou encore Le Sel de la Terre en 2014 - Wim Wenders confie, ici, un témoignage rare et précieux offrant un éclairage plus intime et émouvant cette œuvre inouïe.
Un ouvrage splendide et unique, établi par l’un des plus grands photographes de mode lui-même, Peter Lindbergh, tel un testament ou des confessions, et auquel les éditions Taschen par cette publication rendent un très bel hommage.

« Histoire de la Mode du XVIIIe au XXe siècle -The Kyoto Costume Institute » ; Sous la direction de Akiko Fukai, avec la collaboration de Tamami Suoh, Miki Iwagami, Reiko Koga et Rie Nii ; 25.3 x 34.3, 640 p., Taschen Éditions, 2019.
 

Un grand et magnifique ouvrage dédié à la mode et littéralement époustouflant !
Époustouflant, déjà, par l’ampleur de son sujet, puisque l’ouvrage déroule l’« Histoire de la mode du XVIIIe au XXe siècle », soient pas moins de 3 siècles d’apparat, de mode et de tendances qui se dévoilent au regard ébahi du lecteur. L’ouvrage offre ainsi une source inépuisable de merveilles, de curiosités et d’inspiration qui réjouiront plus d’un amoureux de la mode.
Époustouflant, aussi, par son incroyable iconographie haute-couleur et la qualité de ses illustrations, photographies pleine-page et illustrations d’art. Un émerveillement renouvelé à chaque page tournée, sachant que ce fort ouvrage n’offre pas moins de 640 pages.
C’est donc à un fascinant voyage dans le temps et l’espace de la mode auquel invitent ces exceptionnelles pages puisées dans les fabuleux trésors du Kyoto Costume Institute (KCI). Fondé en 1978, cet Institut unique en son genre réunit, en effet, une des plus vastes collections de costumes historiques et créations jusqu’à nos jours, mais aussi sous-vêtements, souliers et accessoires. Une mine de curiosités, de créations, de rêves et d’émerveillement ; Robes à la française, robes anglaises, caracos, gants, cravates, tissus au fil des siècles jusqu’aux créations les plus contemporaines signées des plus grands couturiers.

Mais, l’ouvrage n’est pas seulement un merveilleux voyage dans les siècles et l’univers de la mode, il offre surtout une passionnante étude des codes et clefs vestimentaires au cours de ces siècles. Tout à la fois, révélateur de données historiques, culturelles et sociales, mais aussi, sur un plan plus individuel, de la personnalité et appartenance de celui qui le porte, le vêtement se révèle être un sujet d’étude plus passionnant que jamais.
Les auteurs de cette fascinante somme sont d’éminents spécialistes de la mode.

Sous la direction de - Akiko Fukai, Directrice du Kyoto Costume Institute, avec la collaboration de Tamami Suoh, Conservatrice au KCI, Miki Iwagami, conférencière en histoire de la mode, Reiko Koga, professeur universitaire de la mode, et Rie Nii, assistante conservatrice au KCI -, chacun à leur façon ont su dans ces pages plus splendides les unes que les autres transmettre et partager leur passion de la mode et des créations des grands couturiers et célèbres Maisons haute couture….
Un ouvrage exceptionnel qui à l’instar de ces grands couturiers et de leurs sublimes créations marquera assurément son temps !
 

« A Fleur de peau – Vienne 1900 – De Klimt à Schiele et Kokoschka », Catalogue sous la direction de Catherine Lepdor et Camille Lévêque-Claudet, Co-édition Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne et Éditions Hazan, 2020.
 

C’est un riche catalogue qui accompagne la belle exposition « À Fleur de peau – Vienne 1900 » marquant la réouverture du musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne en ce début d’année 2020. Retenant Vienne au début du XXe siècle dans le domaine des arts et ses liens privilégiés avec la peau, c’est effectivement un thème des plus porteurs qu’ont judicieusement choisi pour étude tant le musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne que cet ouvrage sous la direction de Catherine Lepdor, conservatrice en chef, musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne, et Camille Lévêque-Claudet, conservatrice, musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne.
Le monde artistique viennois, au tournant du siècle dernier, 1900, est marqué par un tournant capital, celui de la naissance de l’art moderne. Un tournant majeur trouvant son ancrage dans une nouvelle approche, singulière et douloureuse, de l’individu, placé dorénavant au centre de tous les domaines et interrogations ; La psychanalyse avec Freud, bien sûr, mais aussi en littérature avec notamment Stefan Zweig. De l’architecture aux arts appliqués - avec Otto Wagner, Joseph Hoffman ou encore Koloman Moser - à la peinture, au dessin avec « Klimt à Schiele et Kokoschka », sous-titre de l’exposition et du catalogue, aucun domaine de la scène artistique viennoise n’échappe, en effet, à ce tournant capital.
C’est effectivement, une sensibilité nouvelle, faite de nervosité et de fébrilité, une sensibilité « à fleur de peau », qui allait dominer et amener les plus grands artistes de cette époque viennoise à concentrer leurs recherches et travaux sur la peau et sa réceptivité. Appuyé par une belle et large iconographie, passant de la peinture au dessin, de la sculpture à la création d’objets d’art, les riches contributions de ce catalogue offrent une analyse fine et subtile de cette nouvelle sensibilité à fleur de peau caractérisant Vienne de 1900.
Catherine Lepdor ouvre l’ouvrage avec cette « Vienne (qui) fait peau neuve ». La peau, cette enveloppe de l’homme, contact privilégié entre l’individu et le monde qui l’entoure, avec son environnement, la ville, les objets… et qui permettra aux artistes de cette époque de se réapproprier les rapports ténus et étroits qu’entretient l’individu par sa sensibilité avec le monde. Mariane Bisanz-Prakken, auteur du catalogue raisonné des dessins de G.Klimt, analyse cette « éthérisation de l’être corporel », notamment chez Gustav Klimt. Une étude poursuivie chez Oskar Kokoschka et Egon Schiele par Claude Cernuschi, historien d’art, sous l’angle de la «Physicalité et théâtralité dans les représentations du corps écorché » ou encore par cet « Autre regard sur l’art du portrait chez Schiele » signé Astrid Kury. Des études passionnantes que viendront compléter encore nombre de contributions tout aussi riches de sens et d’enseignements, telles « La peau et l’image » de Matthias Haldermann, « Le pouvoir sensible de la main » de Camille Lévêque-Claudet ou encore venant clore l’ouvrage l’ample contribution de Christian Witt-Dörring « Comme si la peau devenait corps, et l’enveloppe, le contenu », explorant le domaine architectural et les arts décoratifs viennois à l’aube du XXe siècle.
La seconde partie de l’ouvrage, suivant en cela le parcourt de l’exposition, vient illustrer merveilleusement les études et propos avec cette sensibilité viennoise sous toutes ses coutures et domaines – Peau blanche, Sous la peau, Etre bien dans sa peau… - appliquée à tous les domaines, peinture, dessins, sculptures, arts décoratifs… Incontestablement, une « Vienne 1900 à Fleur de peau » !

« Blossom », Photographies de Anna Halm Schudel, Textes de Franziska Kunze et Nadine Olonestzky, 22.2 x 33 cm, Edition bilingue anglais / allemand, Editions Scheiddeger & Spiess, 2019.

Pour célébrer la beauté des saisons et des fleurs, la photographe suisse Anna Halm Schudel livre un splendide ouvrage déployant de page en page, de photo en photo, toute la réelle magnificence de l’art floral. Intitulé tout simplement « Blossom » ou « Fleurs », l’ouvrage avec sa taille allongée et ses quatre-vingts planches photographiques constitue un véritable « Memento mori » laissant éclater de manière époustouflante presque extravagante toute la diversité des couleurs et des formes florales. Un « Memento mori » saisissant de splendeurs assurément, et dont la couverture rose fuchsia telle une promesse de beauté annonce déjà cet émerveillement qu’offre l’ensemble de ces photographies accompagnées pour l’occasion de textes signés Franziska Kunze, historienne de l’art et de la photographie, et Nadine Olonestzky, écrivain et éditrice aux édition Scheiddeger et Spiess qui en signe la postface. Des textes livrant la symbolique et l’histoire des natures mortes florales, une mise en perspective mettant parfaitement en relief le travail de la photographe. Et tel est bien le sujet, la passion qui anime depuis plus de 20 ans la photographe Anna Halm Schudel, une passion que le lecteur ébahi retrouvera en ses photographies saisissantes de beauté.
Des photographies dans lesquelles les roses éclatent, les bleus côtoient des verts éblouissants ; Pleines pages, gros plans et zooms, les fleurs aux mille couleurs et formes sous l’objectif de la photographe zurichoise Anna Halm Schudel offre au regard leurs trésors de beauté, pétales, pistils, le jaune éclabousse dans des écrins tout de rouge ou de rose. Fleurs en bouquet, en vase, posées, renversées, la photographe explore avec passion, audace et maestria cet art ancestral qu’est l’art floral. Passionnée assurément, Anna Halm Schudel n’hésite pas à aller là où la beauté des fleurs se cache, fleurs séchées, flétries ou encore plongées dans l’eau… Ce sont alors d’autres couleurs, d’autres formes, tels des voiles, ailes ou nageoires qui habillent les fleurs d’Anna Halm Schudel. C’est toute la séduction des fleurs dans leur beauté et leurs plus incroyables métamorphoses qui se trouvent ainsi sous l’objectif de la photographe offertes au regard. Un regard qui se fait abeille, bourdon face à ces photographies éblouissantes de couleurs et de formes.
Une source de beauté florale, de bonheur et d’inspiration infinie…

« Amaze », photographies de Cristina Mittermeier, relié, 255 p., 29,7 x 37,7,édition trilingue, anglais, français, allemand, Éditions teNeues, 2018.
 

Des littoraux, mais quels littoraux !... Rendus, ici, en une beauté renouvelée par les magnifiques photographies de Cristina Mittermeier. Cette photographe mexicaine sait mieux que quiconque insuffler à ses clichés cette respiration inventive et ce souffle vital dont les littoraux, leurs environnements et les hommes de ces peuplades indigènes sont depuis toujours habités. Connue et reconnue internationalement comme une des plus novatrices photographes environnementales de sa génération, Cristina Mittermeier, écologiste convaincue et engagée, entraîne littéralement le lecteur en des pages époustouflantes de cette magie que nous offrent ces littoraux, la nature et le monde.

Pour cet ouvrage nommé « Amaze », c’est en premier lieu le thème ô combien porteur de la « satiété » qu’a retenu la photographe livrant, pour accompagner ses œuvres, un texte empreint de spiritualité. « Que signifie avoir assez ? » interroge-t-elle. Sous son objectif, telle une palette de peintre fauviste, les couleurs éclatent, jaillissent offrant une source de vitalité à nulle autre pareille. Rites, ornements et peinture des corps des peuples indigènes répondent aux dieux de la nature. Des pages ponctuées également de portraits, le plus souvent en noir et blanc, offrant par leur sourire ou regard toute l’énigme de la condition humaine et de notre humanité. Ineffable étonnement…
Énigme et tragédie, c’est aussi cela que nous raconte la photographe parcourant les littoraux du nord au sud avec notamment ce récit poignant de ses débuts lors de la construction du barrage de Belo Monte au fin fond de l’Amazonie. Une leçon pour la jeune femme et photographe qu’elle était alors. « Celle-ci vibre dans mon âme comme un grain de sable dans la coquille cloisonnée d’un nautile. Elle me pousse à avancer et me rappelle le but de mon travail. Le souvenir indélébile de la photo que je n’ai su prendre est ancrée au cœur de cette spirale secrète », confie dans un cri murmuré Cristina Mittermeier en préface de cet exceptionnel ouvrage.

Plus que tout ce sont les liens unissant les hommes, les peuples et nature, l’humanité et le monde qui interpellent dans ces photographies d’une force suggestive inouïe. Une interconnexion et complexité de la vie et des liens chers à la photographe. Fruit d’un remarquable travail de plus de vingt ans, Cristina Mittermeier souligne encore combien cet ouvrage représente pour elle : « Une fenêtre ouverte sur ma fascination pour la résilience, le courage et la sagesse des dernières populations indigènes de la planète. ». un défi qu’elle relève magistralement capturant par toute la sensibilité de son objectif la variété et la richesse de ces environnements, de ces littoraux dans leur diversité et beauté, hommes et peuples indigènes, mer et animaux… aujourd’hui si menacées par l’homme.
Un ouvrage exceptionnel pour un magnifique message d’espoir signé de la grande et merveilleuse photographe environnementale Cristina Mittermeier.
 

« Born to Ice », Photographies de Paul Nicklen, Préfacé par Léonardo DiCaprio, édition trilingue anglais, français, allemand, Relié, 29.7 x 37.7, 343 p., Editions teNeues, 2019.

Non pas splendide, mais grandiose ! Tel est assurément le qualificatif qui convient à ce magnifique ouvrage « Born to Ice » signé du photographe Paul Nicklen et paru aux éditions teNeues. Consacré exclusivement aux régions polaires, ce splendide ouvrage ne s’impose pas seulement par son très grand format, mais aussi et surtout par la beauté époustouflante des photographies de ce grand photographe qu’est Paul Nicklen. Rappelons que ce dernier est un des plus grands photographes environnementalistes de sa génération et a déjà remporté plus d’une trentaine de grands prix de photographie, et ô combien mérités !

Pour réaliser cet ouvrage, préfacé par Leonardo DiCaprio, le photographe a sélectionné avec le plus grand soin pas moins de 174 photos, véritables chefs œuvres, parmi celles qui lui sont le plus chères. Une exigence d’excellence livrant en ces pages des prises de vue d’une beauté saisissante devant lesquelles le lecteur ne peut que demeurer ébahi. Mais, une beauté dont on se doit aussi de mesurer toute la fragilité…
Talent, sensibilité et plume, c’est toute la maestria du grand photographe qui s’exprime dans ce magnifique ouvrage. Celui-ci s’ouvre sur l’Arctique, la majesté de l’ours blanc, la magie des mers arctiques, les chiens de traîneaux, et ces grands et étourdissants espaces du Grand Nord… Un témoignage exceptionnel empli de sensibilité et absolument captivant. « La peur et la fascination sont souvent les deux faces d’un même état d’esprit, dont une seule sort victorieuse. », confie Paul Nicklen au lecteur. La seconde partie est consacrée aux non moins grands et fascinants mondes de l’Antarctique. Des espaces et paysages, ici encore, à couper le souffle, colonies de pingouins, de manchots royaux… Le photographe avoue que « Peut-être avez-vous la chance de vous rappeler en détail les rares moments ou ces lieux où la vie vous offre un cadeau tellement spectaculaire que vous en êtes à jamais transformé. Pour moi, ce cadeau a été l’Antarctique ».

Témoignages poignants de la beauté de la vie, mais aussi, telles ces fabuleuses traces que laissent découvrir la couverture de l’ouvrage, un appel lancé plus qu’urgent que jamais face à la fragilité de ces écosystèmes…
Aussi, pour ces raisons, Paul Nicklen a tenu, lui-même, à accompagner son œuvre de textes écrits de sa propre main, des textes forts rappelant l’extrême urgence à se souvenir de cette interdépendance entre l’homme et la nature ; exigence d’une prise de conscience plus que nécessaire, vitale, face à la pollution de notre environnement, de notre monde, et au dérèglement climatique. Ébloui par tant de beauté et de fragilité, le lecteur ne peut que frémir, comprendre et mesurer les effets dévastateurs des changements climatiques sur l’écosystème de ces régions polaires à nulles autres pareilles. « Nous sommes capables du pire, mais aussi du meilleur », rappelle cependant le photographe. Car n’oublions pas que le monde que nous montre avec tant de sensibilité et de beauté le photographe Paul Nicklen est, il ne l’ignore pas, aussi notre monde, et ce que nous en ferons, celui de demain…
Un ouvrage d’exception d’une splendeur magistrale, celle des régions polaires, transmise par un des plus grands photographes environnementalistes, Paul Nicklen.

« Joel Shapiro; Sculpture and Works on Paper, 1969-2019. », Richard Shiff, Editions Scheiddeger & Spiess, 2020.
 

Vient de paraître aux éditions Scheidegger et Spiess une très belle monographie consacrée au célèbre sculpteur Joel Shapiro. Un ouvrage qui devrait séduire plus d’un amateur d’art puisque celui-ci couvre en ses pages l’ensemble de l’œuvre de l’artiste, sculpture et travail sur papier de 1969-2019.
Signé de l’historien d’art, Richard Shiff, l’auteur offre, ici, une profonde et riche analyse du travail et de l’œuvre de l’artiste, une étude intitulée avec pertinence « L’indiscipliné Joel Shapiro ». Richard Shiff y développe une passionnante aventure, renouvelant ainsi les anciennes études qui avaient pu être réalisées, et livrant surtout une vue d’ensemble actualisée jusqu’à nos jours de l’ensemble de l’œuvre et de la carrière de l’artiste (complétée en annexes par une liste des nombreuses et principales expositions de l’artiste, et par des repères biographiques).
A ce titre, ce bel ouvrage consacré à ce grand artiste américain ne peut que faire date et s’imposer en ouvrage de référence.
Né, en effet, à New York en 1941, Joel Shapiro se définit plus volontiers comme sculpteur, dessinateur, graveur et coloriste. Son art et talent, aujourd’hui reconnu internationalement, fut remarqué et reconnu dès 1969 lorsqu’il participa à la célèbre exposition « Anti-Illusion » au Whytney Museum of American Art. Depuis lors, l’artiste n’aura eu de cesse de voir son art présenté dans les plus grandes expositions et galeries au travers le monde, et aujourd’hui encore son œuvre et méthode de travail ne cessent d’interpeller.
Refusant l’idée d’un minimalisme outrancier, Joel Shapiro sera surtout connu pour ses objets ou meubles du quotidien en taille réduite ; Cependant, cette première approche ne saurait traduire l’ensemble de son œuvre. Ses nombreuses sculptures de ces dernières années viennent largement en témoigner.
Un art volontiers tendu vers un effacement des frontières classiques, notamment celles trop souvent abusivement mises entre figuratif et abstraction. Mais, ce que l’artiste au travers de son œuvre n’aura de cesse assurément de chercher sera avant tout cette dimension humaine, subjective et chargée d’émotion. Une approche personnelle qui le distinguera toujours des autres artistes de sa génération. Le lecteur demeure ébahi devant ces sculptures, vivantes de couleurs et de matières, et s’échelonnant jusqu’en 2019, notamment à Paris. Brisant les structures, les lois et règles, ses œuvres se créent et se réinventent, donnant au terme « intrépide » retenu par l’historien d’art son plein sens. Des sculptures telles ces pyrites qui fascinaient tant Rogers Caillois.
Appuyé par pas moins de 300 illustrations, Richard Shiff livre, en effet, en ces pages une analyse dynamique et passionnante du processus créatif de Joel Shapiro, retenant une féconde mise en relief des points de force et influences de l’artiste. Repoussant toujours plus loin les limites matérielles, multipliant les matières, Joel Shapiro a toujours su réaliser et se positionner dans un processus créatif inlassable, perpétuel, offrant une œuvre en mouvement, dynamique, multiforme, et pourtant marquée de cette griffe, de ce point d’unité et de cohérence jamais démenti, et faisant de lui un des plus grands artistes de sa génération.
 

« Fragile », Photographies de Pedro Jarque Kerbs, Co-éditions YellowKorner Éditions et Éditions teNeues, 2019.
 

Splendide ouvrage réunissant les œuvres du grand photographe péruvien Pedro Jarque Krebs (dont on ne compte plus les récompenses et prix !) révélant toute la beauté de la fragilité du monde animal. Avec pour titre justement et simplement « Fragile», Pedro Jarque Krebs confie souhaiter par ses photographies « faire prendre conscience de la beauté et de la diversité de la faune sauvage ». Un défi que le photographe a su relever avec cette élégante beauté et rare sensibilité qui le caractérise. L’image de couverture avec ce flamant offrant dans sa belle et altière posture, le rouge de sa tête et son cou, et toute la finesse et fragilité du rose de ses plumes annonce à elle seule la beauté de cette vulnérabilité magnifiée par le photographe. Une beauté et prouesse que l’on retrouvera également dans ces autres clichés de flamants roses, d’aras bleus ou encore de pélicans sur plus de 200 pages. Une fragilité et beauté plus que donnée, offerte à l’infini par le monde animal.
C’est cette incroyable et splendide diversité qu’a su magnifiquement capter Pedro Jarque Krebs. Les photographies de ses zèbres ou encore des tigres et panthères sont époustouflantes de beauté. Des prises de vues expressives et pleines de tendresses aussi, tels ces chimpanzés ou mandrills. Une diversité empreinte de cet alliage inouï quasi magique nous révélant « tout le mystère de la vie, de la conscience et de l’être », tel que l’a souhaité le photographe. Des prises de vue d’une élégante et mystérieuse fragilité. Splendide !
Mais au-delà de la beauté de ces photographies, c’est aussi et surtout un appel au monde humain que lance Pedro Jarque Krebs, face à ce monde animal menacé. Ainsi que le photographe le souligne dès les premières lignes : « Aujourd’hui, se préoccuper du monde animal n’est pas une simple frivolité, mais une question cruciale qui pose la question de notre propre survie… ». Fragilité d’un monde menacé par l’homme lui-même si nous ne faisons rien. Un problème qui « ne peut plus être ignoré ni remis à plus tard. », écrit encore dans un ultime cri ce grand photographe qu’est Pedro Jarque Krebs, terminant cependant ses propos, avant que ne s’ouvre la magie de ses photographies, sur cette belle note optimiste : « Le plus important est de ne pas perdre espoir, car c’est le seul moyen d’inverser le processus destructeur dans lequel nous sommes engagés. » Comment ne pas consentir...


« LIONS », Photographies de Laurent Baheux, Co-éditions Yellowkorner éditions / Editions teNeues, 2019.
 

Le lion a de tout temps été le Roi des animaux. Jamais détrôné, il a hanté tout autant la mythologie, les Écritures que la peinture ou la littérature. Le lion a su imposer, bien au-delà de son environnement, tout à la fois la beauté de puissance et la puissance de sa beauté. Symbole de pouvoir et de force, il force l’admiration. Mais le lion fut aussi, par un renversement de valeur, un animal également attendrissant, attachant, parfois même ami fidèle des hommes…On songe à saint Jérôme et à son lion qui ne le quitta plus dès lors qu’il l’eut soigné, et représenté par tant de grands maîtres… bref, en un mot le lion fascine ! Et c’est cette fascination, entre admiration, mise à distance et attendrissement que nous donne à voir cet ouvrage exceptionnel signé du photographe Laurent Baheux. Un travail exceptionnel, époustouflant, mené sur plusieurs années dans les contrées africaines et immortalisant en un hommage saisissant toute la beauté de ces félins.
Intitulé simplement « Lions », les photographies en noir et blanc de Laurent Baheux nous offrent toute la noblesse de ces impressionnants félins. Des choix de prises de vues sensibles, des mises au point et gros plans splendides, réussissant à établir une intimité, avec ces animaux sauvages dans leur environnement, absolument incroyable. Les photographies des premières pages - pattes vues de si près qu’on en voit les griffes ou encore cet œil d’une profondeur énigmatique - témoignent immédiatement de l’indéniable talent de Laurent Baheux. Le Lion, mâle imposant, mais aussi la lionne et ses lionceaux capturés par l’objectif du photographe avec une précision et une spontanéité impressionnante ; Lionceau jouant avec la queue de son père, lionne paisible ou inquiète… Lion, parfois aussi, ironique, narquois, crinière rebelle regardant l’objectif du photographe. Et que dire de cette tête de lion ouverte, rugissant de toutes ses forces sa détresse à la face de cette humanité, cette humanité qui s’est prise un jour pour un animal civilisé au-dessus de ce Roi des animaux…
Une alerte que tire également avec cet ouvrage Laurent Baheux, lui qui sait mieux que quiconque pour avoir parcouru le continent Africain que le lion est l’un des trophées, l’un des « big five » des cinq grands animaux, malheureusement les plus prisés. Des photographies se veulent aussi message d’alarme, nous rappelant qu’il y a urgence à ne pas se tromper de combat et ennemi…
Un exceptionnel ouvrage digne de la beauté et de la noblesse du roi des animaux, le lion, et dont les mots de Laurent Baheux disent à eux seuls la valeur morale du photographe :

« Ce livre compile les morceaux choisis de mon travail sur une icône du règne animal, que je ne me lasse pas d’immortaliser et à laquelle je tiens à rendre l’hommage exclusif qu’elle mérite. »
 

« Lynn Chadwick ; A sculptor on the international stage. » de Michael Bird, avec la contribution de Marin S. Sullivan, Daniel Chadwick, Éva Chadwick et Sarah Marchant ; Edition Scheidegger & Spiess, 2019.

À souligner de trois traits, une remarquable monographie consacrée au sculpteur Lynn Chadwick (1914-2003) aux éditions Scheidegger et Spiess. Signée de Michael Bird, écrivain et historien d’art anglais, auteur déjà de nombreuses monographies, avec la contribution de Marin S. Sullivan, historien d’art américain, l’ouvrage livre en plus de deux cents pages un riche et ample panorama de l’ensemble de l’œuvre de ce grand sculpteur anglais que fut Lynn Chadwick.
Appuyé par une large et très belle iconographie retenue avec soin, les auteurs ont fait choix pour cet ouvrage de mettre en lumière les différentes étapes et évolution de l’artiste, en retenant une judicieuse mise en vis-à-vis de leur vue respective et parfaitement complémentaires ; Celle, en premier lieu, de Mikael Bird attaché dans un riche écrit à replacer le sculpteur et son œuvre sur la scène internationale, alors que Marin S. Sullivan a, pour sa part, dans une non moins profonde contribution, privilégié et mis en relief l’immense place accordée à Lynn Chadwick aux États-Unis.
Le lecteur assiste ainsi émerveillé à la naissance du sculpteur, avant de ne le suivre de page en page tout au long de sa féconde et longue carrière. Tel un hommage, l’ouvrage s’ouvre avec trois témoignages ou mémoires émouvantes, celles de Daniel Chadwick, Éva Chadwick et de Sarah Marchant, avant que l’on ne découvre Lynn Chadwick dans son atelier, face à ses œuvres dans un jeu de miroir à mille facettes et angles à l’image de ses propres sculptures…
Des œuvres singulières, tout à la fois, froides ou austères par le métal et leurs angles, et irrésistiblement attirantes, captivantes par ce quelque chose - ce « je-ne-sais-quoi » cher à Vladimir Jankélévitch ; Des soudures, moulages, angles et lignes droites offrant au regard un langage secret et poétique, tel ce « Sitting couple », daté de 1973, sculpture choisie et imposant toute sa force dès la couverture de l’ouvrage.
C’est à partir de 1956, avec un premier prix à la Biennale de Venise, que Lynn Chadwick s’affirmera. Sensible à son époque, ses sculptures sont le reflet des tensions et détentes avec notamment ces amples ailes ou nageoires qui tirailleront ses silhouettes avant qu’elles ne s’apaisent quelque peu. Tiges d’acier et stolit, travaillant le cuivre, le laiton, le bronze, sans jamais renier ses ainés et influences, dont bien sûr Germaine Richier, Giacometti ou encore Calder qui très tôt le fascinera, l’artiste sut « sortir » l’art moderne de son obscure part sombre pour apporter une réponse accessible, compréhensible, opportune à toute une génération. Nombre de dessins de l’artiste viennent compléter idéalement les nombreuses et splendides photographies pour beaucoup pleine page.
Le lecteur conquis retrouvera également, en index, outre une liste complète des travaux de l’artiste, ses expositions, une brève biographie que vient compléter un inventaire des œuvres dans les collections publiques. Rien ne manque ! Un travail remarquable, à juste titre mérité et donné comme un très bel hommage, pour ce grand sculpteur, Lynn Chadwick, un artiste trop peu connu du public français.

« Darwin’s Theater, Bakker & Blanc architectes, Editions Park Books, 2019.
 

Un ouvrage fort beau et impressionnant revenant sur plus de vingt-cinq ans de travail des architectes Marco Bakker et Alexandre Blanc. Une splendide étude de 600 pages, approfondie et magistralement illustrée, donnant à voir et à admirer leurs réalisations ou projets architecturaux tout aussi splendides et grandioses. Un travail architectural exceptionnel mené sur un demi-siècle et qui méritait assurément une telle rétrospective ! C’est en 1992, en Suisse que Marco Bakker et Alexandre Blanc ont fondé, en effet, leur cabinet Bakker & Blanc architectes (BABL), un premier et grand pas promis à l’avenir et au succès que l’on sait…
Appuyé d’une très riche et magnifique iconographie, intégrant de nombreux plans et photographies couleur pleine page voire sur double page, l’ouvrage a fait choix de retenir précisément 34 études architecturales de Bakker & Blanc architectes, études demeurées à l’état de projet ou réalisées. Des réalisations forçant l’admiration telles celles de Saint Martin, de la Maison Braillard ou encore de La Grangette. Des réalisations magistralement pensées, véritablement d’exception, et révélant toute la philosophie et la vision architecturale de BABL.
Une vision d’ensemble sur plus de vingt-ans témoignant superbement des hautes exigences architecturales de BABL, et que viennent parfaitement traduire le titre de l’ouvrage « Darwin’s Theater » ou la célèbre toile de « La Tour de Babel » de Bruegel l’Ancien mise en exergue de l’ouvrage. Un itinéraire toujours poussé plus loin et plus haut, ne cessant de questionner et repenser l’espace, les volumes, mais aussi et surtout, le temps. Une échelle de mesure cruciale et que BABL a posée comme essentielle, telle l’échelle de Jacob ou cette image précédemment évoquée d’un escalier en colimaçon s’élevant chronologiquement dans le respect des règles de l’art acquises. Une évolution que Darwin n’aurait pas reniée, réitérant les mêmes questionnements éternellement, ne reniant ni le passé ni l’avenir, pour une vision nouvelle œuvrant dans la continuité. Une continuité qui se fait visible en ces pages et que nombre d’illustrations, tableaux, dessins ou photos, viennent également scander comme pour mieux la rappeler. Chaque réalisation ou projet de BABL étant à la fois bâtis sur une tradition perpétuée, intégrant les valeurs anciennes, mais ouvrant sur un nouvel horizon architectural.
C’est cette approche d’une vision d’ensemble, toute à la fois globale et singulière, propre à Bakker & Blanc architectes que nous livre cet ouvrage d’exception ; Un ouvrage qui ne peut, tant pas la valeur de ses études que par sa qualité esthétique, que s’imposer en véritable ouvrage de référence, de référence des plus splendides !
 

« Horses of Iceland », Photographies de Guadalupe Laiz, Editions teNeues, 2019.
 

Toute la beauté des chevaux d’Islande révélée et mise en lumière et photos par la photographe Guadalupe Laiz aux éditons teNeues. Un incroyable et splendide ouvrage offrant les plus belles réalisations de la photographe, internationalement reconnue, réunies et présentées, ici, sur pleine page ou plus souvent encore sur de doubles pages. Exceptionnel !
Y défilent, trottent, galopent ou amblent voire au tölt, ces merveilleux chevaux aux cinq allures reconnaissables entre tous. Avec leur tête de « Gnafron » tendre, leur toupet rebelle, leur crinière indomptable et leur regard aux longs cils… Guadalupe a su avec son objectif en capter les plus exceptionnelles images. Des photographies à couper le souffle aussi uniques que ces chevaux à la race demeurée pure et unique depuis la colonisation de l’Islande au IXe siècle ; une race de chevaux vikings, l’une les plus pures du monde.
Les chevaux d’Islande offrent au regard, et à l’objectif de la photographe, plus de quarante couleurs de robe et pas moins de soixante variations. Mais si aucun d’eux ne se ressemble tout à fait, il n’en demeure pas moins que ces chevaux d’Islande, à la fois splendides et « craquants » font tous, petit ou adulte, gris ou palomino, partie indéniablement des plus beaux chevaux du monde. Une constatation qui s’impose d’elle-même, mais qui n’en augmente pas moins l’indéniable talent de la photographe Guadalupe Laiz, car il est bien difficile de prendre en photo des chevaux si beaux soient-ils… Que dire, dès lors, lorsque celles-ci sont aussi époustouflantes et exceptionnelles ? On ne peut que demeurer ébloui, ébahi, par tant de beauté.
Chevaux de selle ou parfois encore de travail, ils sont depuis des millénaires les plus fidèles compagnons de l’homme. Doux, proches de l’homme, très intelligents et coopératifs, ils se prêtent à merveille à l’équitation notamment thérapeutique. Mais, qu’on ne s’y trompe pas, avec leur charmante tête et morphologie, ces adorables chevaux d’Islande sont aussi de puissantes montures, énergiques, parfois fougueuses. Une nature adaptable et forte leur ayant permis de vivre et de se développer dans ces paysages si grandioses de l’Islande, mais aussi d’Allemagne ou du Danemark.
Comment, il est vrai, dissocier le cheval de son environnement, de la nature ? La photographe ne l’ignore pas et c’est en amoureux de cette nature qu’elle s’est aventurée dans ces contrées lointaines… Et, tel est aussi l’enjeu et le défi de ces magnifiques chevaux et photographies : rappeler qu’il est plus qu’urgent de protéger cet environnement aussi grandiose que vital pour les chevaux d’Islande, leurs autres congénères et l’homme lui-même. Des questions cruciales chères à Guadalupe Laiz.
Que de beauté, en effet, dans ces splendides paysages dans lesquels s’ébattent, s’élancent et volent ces crinières sauvages au vent… Mais aussi que d’heures pour réussir de telles et uniques photographies ! On ne peut qu’imaginer Guadalupe Laiz, attendant discrètement, patiemment, le moment opportun, idéal pour capturer ces merveilleuses images, ces chevaux d’Islande magnifiquement mis en lumière en ces pages. Un ouvrage exceptionnel de beauté qu’on a peine à refermer !
Et si on optait pour le laisser ouvert ? Magnifique.

« Les estampes japonaises (1680–1938) », d’Andreas Marks, Relié, 29 x 39,5 cm, 622 pages, édition multilingue: Allemand, Anglais, Français, Éditions Taschen, 2019.

Andreas Marks livre avec « Les estampes japonaises », paru aux éditions Taschen, le plus beau témoignage de la splendeur de cet art bien particulier de l’estampe japonaise, un art dont il est l’un des meilleurs spécialistes, étant le conservateur d’art japonais et coréen de la collection Mary Griggs Burke, mais aussi le directeur du département d’art japonais et coréen, et le directeur du Clark Center for Japanese Art au Minneapolis Institute of Art.
Lorsque l’occident découvrit les premières estampes japonaises, le monde de l’Ukiyo-e ou images du monde flottant, l’étonnement fut grand et le ravissement immédiat, surtout auprès des artistes dont notamment Édouard Manet, Van Gogh, et bien entendu, Claude Monet, subjugué par cet univers des formes et couleurs et qui lui inspirera les plus célèbres toiles de l’impressionniste que l’on connaisse.

Ce magnifique recueil, servi par une éblouissante iconographie permise par son extraordinaire format XXL offre au regard les œuvres des plus grands maîtres japonais de l’estampe tels que Hokusai, Utamaro, Hiroshige… 200 estampes parmi les plus mémorables, que l’ouvrage replace dans leur contexte culturel et historique ; Une mise en contexte nécessaire pour appréhender cet art, les estampes n’étant pas seulement de belles images à contempler, mais bien des œuvres venant s’inscrire dans une époque, un monde particulier qu’il convient de déchiffrer, ce que fait admirablement cet ouvrage. Le lecteur pourra ainsi pleinement apprécier l’évolution de cet art qui s’étire et se développe au Japon du XVIIe siècle jusqu’au début du XXe siècle, les estampes de cette dernière période boudées, il y a encore une vingtaine d’années, se sont révélées très recherchées depuis…

Reflets de la culture japonaise, tout fait signe dans le monde de l’estampe, à l’image de la brièveté d’un haïku, de l’attention portée à la cérémonie du thé ou à l’arrangement floral de l’ikebana. La qualité des reproductions, ainsi que l’espace important qui leur est réservé, offrent justement cette intimité d’un univers feutré de femmes au kimono chatoyant, de paysages aux montagnes esseulées, de samouraïs démontrant par l’image toute la force du bushido. C’est toute la vie japonaise qui s’exprime sur ces œuvres le plus souvent de taille modeste, mais parvenant en un format réduit à suggérer la magie et la vie du théâtre kabuki, la splendeur des courtisanes… Un raffinement de chaque détail que le lecteur pourra à loisir admirer notamment grâce à 17 pages dépliantes. L’estampe japonaise a survécu bien au-delà de sa période de création, non seulement dans la culture japonaise, mais également dans le rayonnement international et la fascination qu’elle a su susciter et suscite encore de nos jours.
Un livre éblouissant fruit de plusieurs années de travail, qui rend hommage à l’Art de l’estampe japonaise, de la plus belle des manières !
 

« Picasso ; Au cœur des ténèbres, 1939-1945 », Sous la direction de Sophie Bernard avec la collaboration d’Éléonore Harz, Editions In Fine, 2019.

On croyait tout connaître de l’œuvre de Picasso, et pourtant… C’est en effet une autre facette, une part plus sombre de l’œuvre du grand peintre, celle « Au cœur des ténèbres » des années 1939-1945 que nous propose de découvrir ce bel ouvrage paru aux éditions In Fine. Sous la direction de Sophie Bernard, conservateur en chef, chargée des collections modernes et contemporaines au musée de Grenoble, l’ouvrage s’attache à mettre en relief toute la richesse de ces œuvres réalisées sur fond de guerre par Picasso durant les années 1939-1945. Une profusion d’œuvres, peinture, dessins, sculptures, que l’ouvrage entend, appuyé de riches contributions, remettre dans son contexte, avant d’aborder cette œuvre chronologiquement année par année, illustrée par un très grand nombre de toiles, dessins, carnets et photographies… Plus de 260 illustrations au total !
Emigré espagnol, exilé, Picasso demeura durant cette période à Paris dans son atelier des Grands Augustin et refusera de partir pour les États-Unis. Déjà largement reconnu, et bien que connaissant les réalités et ravages de la guerre, Picasso invitera ses amis dans les brasseries et cafés parisiens où il avait ses entrées… Picasso refuse, cette fois-ci, l’horreur de la réalité, l’atrocité de la guerre, il s’enferme dans son atelier. Pour lui, il est vrai, la guerre avait commencé dès 1936 avec celle d’Espagne et la réalisation de « Guernica » en signe d’opposition et de soutien aux républicains. Mais, de 1939 à 45, Picasso ne renouvellera pas « Guernica ». Il ne renoue pas avec l’opposition et le combat. Picasso entend continuer à dessiner et peindre ses sujets habituels de prédilection avec la même obsession… Les portraits de Dora Maar qui a succédé à Marie-Thérèse Walter ou les natures mortes se multiplient… « Femme assise dans fauteuil », « Femme au chapeau dans un fauteuil », des toiles datées des années 40, une présence féminine sur laquelle revient Laurence Madeline.
Mais si Picasso n’a pas peint en tant que telle la guerre - « je n’ai pas peint la guerre » dira-t-il - ces années sombres de repli d’un artiste centré sur son œuvre, sur sa vie, ne seront pas pour autant vécues par le peintre sans déchirements intérieurs, ainsi que l’expose Brigitte Lael dans sa riche contribution « Peindre autrement la guerre. ». Les œuvres de cette terrible période seront, en effet, largement imprégnées, teintées du voile de la guerre, de l’occupation, des arrestations, déportations et massacres… Bien que replié sur lui-même, les œuvres réalisées durant la période 1939-1945 trahiront ce refus ambigu du peintre face à l’horreur, et les portraits se feront plus encore défigurés, modelés sur la noire toile de la réalité de la guerre. Les couleurs froides et sombres puisées « Au cœur des ténèbres » viendront marquer ses peintures tel ce « Jeune garçon à la langouste » de 1941… Picasso dessinera, sculptera aussi, mais des hommes noirs tels encore « L’homme au mouton » de 1943. Une activité fébrile, obsessionnelle comme pour mieux neutraliser le poison vénéneux de l’horreur, et faisant l’objet en ces pages de belles études et illustrations. Des œuvres « Au cœur des ténèbres », des ténèbres que Picasso admettra plus volontiers à la Libération : « Il n’y a pas de doute que la guerre existe dans les tableaux que j’ai faits alors. », reconnaîtra le peintre a posteriori…
Il faudra attendre 1944 et surtout 1945 pour que ses toiles retrouvent les couleurs de la liberté, de la Méditerranée et celles de Françoise Gillot…

Un bel ouvrage qui vient idéalement compléter l’exposition du même nom ayant lieu en cette fin d’année 2019 au musée de Grenoble en partenariat avec le musée Picasso-Paris www.museedegrenoble.fr , et qui se poursuivra au Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen à Düsseldorf début 2020.
 

« Textiles du Japon », Thomas Murray, Virginia Soenksen et Anna Jackson, Éditions Citadelles & Mazenod, 2019.

C’est assurément un somptueux et splendide ouvrage que proposent les éditions Citadelles & Mazenod avec cette publication unique entièrement consacrée aux « Textiles du Japon ».
Non seulement soyeux avec son coffret et sa reliure bleue en tissu, ce volume à nul autre pareil ne peut que s’imposer, en effet, de par sa beauté en ouvrage véritablement d’exception. Retenant un thème rarement traité, avec plus de 500 pages et 365 illustrations, le lecteur y découvrira les plus précieux tissus de la collection de Thomas Murray, acquise depuis cette année 2019 par le Minneapolis Institut. Une invitation à un voyage inouï au pays des tissus japonais, des textiles en ces pages choisis et sélectionnés pour leur rareté et extrême beauté.
Signé de Thomas Muray, lui-même, célèbre marchand d’art, auteur déjà de plusieurs ouvrages dans ce domaine, de Virginia Soenksen, passionnée de textiles japonais, et Anna Jackson, auteur également de nombreux ouvrage consacré à ce thème, ce livre nous ouvre les coffres enfermant ces inestimables trésors extrême-orientaux que constitue les textiles de la collection Thomas Muray. De splendides pages et illustrations dévoilant au regard ébloui du lecteur des tissus anciens, précieux, pour nombre d’entre eux jamais montrés au public. Une incroyable première, donc, qui réjouira aussi bien les amoureux, amateurs ou professionnels des arts et textiles extrême-orientaux avec un plaisir renouvelé par une fabuleuse magie à chaque page et chapitre.
Les auteurs ont, en effet, fait choix de présenter ces tissus rares, retenus pour leur conservation exceptionnelle défiant le temps, selon trois grandes catégories ou chapitres.
La première partie ouvre au regard les malles les plus majestueuses de la collection Murray en présentant les textiles les plus rares et précieux de cette collection, ceux réalisés par le peuple Aïnou. Joyaux de la collection, le lecteur demeurera ébahi devant autant de beauté tant ces textiles Aïnou offrent un raffinement, une finesse et une noblesse de matière rarement atteintes. De fabuleux vêtements Aïnou en peau de poisson (hukht), en fibres d’orties, d’orme ou coton – retarpe, attush, chikarkarpe, kaparamip, ruunpe ou Chijiri - y sont magnifiquement dépliés pour le lecteur avec pour nombre d’entre eux des détails pleine-page.
Ravissement encore avec cette deuxième partie s’attachant aux Mingei, ces tissus de la vie quotidienne japonaise. Présentés selon leurs matières ou fibres, selon leurs techniques d’impression ou coloration, ou encore selon leurs motifs, ces tissus destinés aux vêtements traditionnels japonais ou d’accessoires offrent une impressionnante variété aux couleurs sombres et profondes, tout de bleu, noir ou marron foncés. Des tissus aux motifs variés, originaux et singuliers, révélant tous sans exception, chacun à leur manière, toute l’élégance et l’extrême délicatesse des créations des tisserands japonais.
Le lecteur s’envolera, enfin, avec la troisième partie, pour l’archipel des îles d’Okinawa, un archipel situé dans la mer de Chine. En ces pages, les tisserands des îles d’Okinawa déploient leurs plus beaux textiles. Des tissus incroyablement flamboyants tissés en ces terres lointaines exclusivement en fibres d’ito-bashō, une plante de la famille des bananes comestibles. Affichant des couleurs et motifs au trait caractéristique tous plus chatoyants les uns que les autres, ces tissus d’Okinawa révèlent pour leur part l’extrême créativité des tisserands de l’archipel d’Okinawa. De ces textiles colorés, ce ne sont que fleurs, oiseaux, papillons qui s’envolent…
C’est à un splendide voyage au pays des tissus du Soleil levant qu’invite incontestablement cet ouvrage d’exception révélant toute le raffinement, la finesse et variété de l’art du tissage japonais de ses fabuleux textiles de la collection Thomas Murray, un voyage d’une beauté infinie…

« Grand Canal » par le photographe Laurent Dequick, Edition Chêne, 2019.

Venise toujours ! Comme si vous y étiez… Imaginez-vous voguant sur l’une des nombreuses gondoles, un doux et calme après midi d’hiver ou un chaud soir d’été, le bruit de clapotis des rames et les Palais vénitiens, ayant fait la renommée de Venise, plus féeriques les uns que les autres, défilant juste pour vous… C’est cela « Grand Canal », un fabuleux ouvrage se dépliant totalement et laissant apparaître sous vos yeux ébahis sur pas moins de 38 mètres de long le Grand Canal, la plus large et belle avenue de Venise !
38 mètres de formidables photographies aux couleurs atténuées réalisées par Laurent Dequick pour une féerie toute vénitienne. Photographe et architecte, Laurent Dequick, grand amoureux de Venise, a pour cette magie inouïe retenu 300 photographies sur les 4 500 initialement réalisées. La délicatesse de ses prises de vue laisse danser les plus beaux reflets de ces Palais aux milles légendes… Rien d’étonnant dès lors à ce que son travail au titre de photographe et consacré à la Sérénissime ait été primé deux années de suite en 2017 et 2018.
En 2019, par cet ouvrage, c’est toute la splendeur de cet exceptionnel « Grand Canal » signé Laurent Dequick qui se déploie et dévoile pour vous la beauté si singulière de la Sérénissime. Une beauté à l’heure où les femmes vénitiennes faisaient sécher naguère leurs longs cheveux blonds sur les terrasses de Palais… Une heure entre jour et nuit, entre couleurs et ombres, aux milles détails comme suspendus, et que Laurent Dequick, photographe privilégié de la Galerie YellowKorner, avec un art des plus avertis, a su si bien capter et déplier en cet exceptionnel ouvrage.
Mieux qu’un film ou qu’un classique livre, votre doigt glisse et votre imagination s’envole avec pour seul horizon le « Grand Canal »… sur 38 mètres de long !
 

« Le Temple du Silence ; Les Mondes et Univers oubliés d’Hubert Crowley. » de Justin Duerr, Coll. Urban Books, Urban Comics, 2019.

Majestueux et remarquable ! Ces deux qualificatifs devraient suffire à eux seuls à qualifier cet ouvrage consacré à l’artiste Herbert Crowley et signé Justin Duerr aux éditions Urban Comics.
Si ce n’est que Herbert crowley, artiste underground du XXe siècle, et à qui dédié ce superbe ouvrage, a été quelque peu injustement oublié et demeure aujourd’hui trop peu malheureusement connu en France ; D’où son titre évocateur : « Le Temple du silence ; les Mondes et Univers oubliés de Herbert Crowley ». C’est donc tout à la fois une belle invitation à découvrir ce grand artiste et un hommage qui lui est rendu que nous offre Justin Duerr, passionné de culture underground, lui-même artiste, écrivain, et musicien, avec cet extraordinaire album au format allongé hors norme et à la superbe couverture noir et blanc signée Herbert Crowley lui-même.
Herbert Crowley, né en 1873 en Angleterre, fut, pourtant, au début du XXe siècle, largement connu et reconnu pour ses œuvres avant-gardistes, des œuvres singulières, au trait précis et immédiatement reconnaissables. Illustrateur, peintre symboliste et sculpteur, sa vision originale ne pouvait, et ne peut encore de nos jours, laisser indifférent. Herbert Crowley nous donne à voir des mondes extraordinaires, des univers à nuls autres pareils qui enchantent par leur technique et leur vision inclassable. Visionnaire, cet artiste le fut assurément !, lui qui fut proche du psychanalyste zurichois Karl Gustav Jung. Ceux qui connaissent les recherches de ce grand psychanalyste suisse n’en seront nullement étonnés, ouvert à l’imaginaire et, bien sûr, aux songes ce dernier s’intéressa autant à l’alchimie qu’aux mandalas, et plus généralement aux univers oniriques et singuliers. Un attrait pour des mondes étranges puisant aux sources de l’inconscient collectif et que partagent les deux hommes.
Et les magnifiques planches de cet ouvrage d’exception viennent merveilleusement témoigner de cette vision singulière, fantastique aussi insolite que fascinante. Herbert Crowley, qui exposa à l’Amory Show en1913, a su influencer à sa suite nombre d’artistes, notamment ceux du monde de la BD et plus particulièrement celui de l’American Comic. Auteur légendaire et reconnu de comic strip, il fut l’auteur du fameux «The Migglemuch » qui fut publié par dans le New York Herald. Une influence manifeste redonnant à ce grand artiste américain toute la reconnaissance qui lui revient et que Justin Duerr nous offre avec bonheur aujourd’hui de redécouvrir.
Après avoir rappelé la vie de Herbert Crowley , l’auteur a retenu un nombre incroyable d’œuvres de l’artiste, comic strip, illustrations, dessins, sculptures, etc., tous plus étranges et fascinants les uns que les autres, et dont certains sont inédits, n’ayant jamais été publiés. Cette unique et remarquable monographie est le fruit de plusieurs années de recherches, près d’une décennie, menées avec passion et persévérance par Justin Duerr.
Une publication-écrin magnifique pour une découverte à couper le souffle !

« Un jardin rêvé ; Rohuna, nord du Maroc. » de Umberco Pasti et Ngoc Minh Ngo, Editions Flammarion, 2019.
 

Par ces longs et gris mois d’hiver, qui ne rêve de retrouver la douceur d’un jardin luxuriant aux vastes prairies verdoyantes, d’un « Jardin rêvé »… « Mon enfant, ma sœur, songe à la douceur / D’aller là-bas vivre ensemble ! » écrivait Charles Baudelaire pour premiers vers de son célèbre « Invitation au voyage »...
Et c’est bien à une telle « Invitation au voyage », pour que ce songe de « Jardin rêvé » prennent forme en attendant le printemps, que Umberto Pasti et Ngoc Minh Ngo signent en cette fin d’année ce bel ouvrage nous emmenant dans un des plus beaux jardins du Maroc, celui plus précisément de Rohuna au nord du pays ; Et quel Bonheur de douceur !
Pour cet ouvrage, une co-signature réunissant toute la passion d’un écrivain et horticulteur – Umberto Pasti – et celle d’un photographe de renom - Ngoc Minh Ngo. Rappelons que si Umberto Pasti est, en effet, un écrivain italien célèbre, auteur notamment du « Bonheur du crapaud et jardins » et « Les vrais et les autres », celui-ci est aussi un horticulteur réputé. Et lorsqu’une telle personnalité aussi sollicitée rencontre un non moins passionné de la beauté, Ngoc Minh Ngo, cela donne assurément un ouvrage des plus souriants et luxuriants.
Le jardin marocain de Rohuna a été créé entièrement par l’écrivain et horticulteur, c’est dire que l’auteur sait plus que nul autre de quoi il parle ! Pour l’agencement de ce jardin, il n’a pas hésité à transplanter des milliers de plantes sauvages ; des plantes luxuriantes au développement et coloris incroyables repérées ou trouvées sur les chantiers de construction du village. C’est donc également tout la préservation de la richesse botanique de cette région marocaine qu’a su réaliser Umberco Pasti. Un beau défi relevé avec passion. Aujourd’hui Narcissses, crocus, iris sauvages ou autres encore offrent ainsi, non seulement au propriétaire ou visiteurs des lieux, mais aussi aux heureux lecteurs de ces pages, tout leur parfum, leurs couleurs et leur extraordinaire beauté ! C’est, en effet, également toute cette beauté luxuriante et la splendeur inouïe de ses paysages qu’a su capter Ngoc Minh Ngo dans ses quelque deux cents photographies nous ouvrant les portes d’un songe…
Un songe de plus de 220 pages d’un jardin fabuleux, d’un « Jardin rêvé » ; Rohuna, au nord du Maroc ». Et « Là, tout n’est qu’ordre et beauté / Luxe, calme et volupté ».

“Water · A Journey through the Element “ par le photograghe Rudi Sebastian, (anglais et allemand), Editions teNeues, 2019.

Le photographe Rudi Sebastian a depuis de nombreuses années consacré son travail aux éléments naturels avec notamment un intérêt particulier pour l’eau. Reconnaissant sa dette à l’égard du peintre Claude Monet, il n’a cessé d’explorer les intrications complexes nouées entre l’élément aquatique et la matière terrestre, les jeux complexes de ce qui est suggéré, tangible ou parfois invisible. Cette quête de l’eau s’inscrit bien entendu dans une démarche écologique plus globale, Rudi Sebastian rappelant que l’origine de la vie trouve naissance dans les eaux primordiales. Ses magnifiques prises de vues témoignent de cette sensibilité unique et de ce regard singulier sur les rapports entretenus entre le liquide et le solide, le vivant et l’inerte. Ce splendide ouvrage d’art des éditions teNeues rend compte admirablement de cette quête à la fois artistique et écologique, philosophique, menée parfois dans les liens ténus que le photographe révèle entre la nature et l’homme et les transformations que ce dernier impose plus qu’il ne faut à son environnement.

On se réjouit de constater que le Rio Celeste d’un bleu turquoise irréel soit bien le fait d’une réaction chimique entre deux pH différents de deux cours d’eau se rencontrant, et non le fait trop répandu de la pollution de l’homme. Les photographies pleine page de Rudi Sebastian semblent tendre parfois même vers de véritables tableaux tant couleurs et formes nouent, en ces prises de vues exceptionnelles, la plus merveilleuse des conversations. Et si les différentes lectures suscitées par cet ouvrage unique sont nombreuses, l’art, la nature, l’esthétique, l’environnement, l’écologie, la philosophie, la toute première d’entre elles sera assurément l’émerveillement qu’offre cet élément insaisissable, et que le photographe a su approcher de si près avec autant de beauté et de talent.
À noter que le livre est proposé sans emballage plastique afin de réduire ce matériau polluant dans les mers, une initiative à encourager…

« Paris 1900 » de Marc Walter et Sabine Arqué, Éditions Taschen, 2019.

Il fallait assurément un très grand ouvrage à la hauteur de cette « Belle époque » qui marqua à jamais Paris et la France au tournant du siècle dernier; C’est chose faite ou plutôt réalisée avec la parution de ce très grand format intitulé « Paris 1900 » aux Éditions Taschen. « Paris 1900 », c’est tout un monde de douceur de vivre à la française. Un univers à nul autre pareil qui s’ouvrait alors avec ce nouveau siècle qui commençait, et qui offre aujourd’hui encore, par cette publication d’exception, ses plus belles pages et couleurs au lecteur ; Un monde nouveau de prospérité et de paix dont Paris fut la plus belle capitale et la France probablement la plus belle représentante.

Avec son format exceptionnel XXL 29x39.5 cm, ses plus de 600 pages signées Sabine Arqué et Marc Walter, ce sont des années tout aussi exceptionnelles que l’ouvrage qui défilent sous le regard et la mémoire. Des années de prospérité tant économiques que culturelles, des années de paix après la dure guerre de 1870 marquées par l’espoir et l’optimisme d’un nouveau monde… Marc Walter, photographe et collectionneur de phytochromes, est déjà l’auteur d’ouvrages remarqués. Sabine Arqué, auteur également de nombreux ouvrages, est pour sa part documentaliste et iconographe. Un duo déjà amplement salué pour leurs précédentes et fort belles publications aux éditions Taschen dont « L’Âge d’or du voyage », « An American Odyssey » ou encore « L’Italie vers 1900, portrait en couleurs » avec Giovanni Fanelli.

Les auteurs ont souhaité réaliser un livre pleinement ouvert sur cette époque et mémoire dont aujourd’hui, plus d’un siècle après, chacun se souvient avec une belle et tendre nostalgie. Celle que nos grands-parents ou arrières-arrières grands parents nous ont transmise et qui fait encore de nos jours la renommée internationale de la France. Paris, la Côte d’Azur…une si belle époque, songe-t-on... Une « Belle époque » illustrée pour cet ouvrage d’exception par pas moins de 800 photographies, cartes postales, affiches et phytochromes d’époque.

Le lecteur se promène ainsi à loisir dans les allées de ce qui fut probablement l’une des plus grandes Expositions Universelles, tous les regards convergeant et se levant vers cette grand Dame au port si altier, la Tour Eiffel, celle qui allait devenir le symbole de Paris et de la France ; Une image qui fait la couverture de cet ouvrage exceptionnel. On se promène aussi sur les grands boulevards où les devantures des grandes enseignes jettent déjà leurs illuminations et décorations, les arpettes arpentant encore les rues avec leurs cartons à livrer… Montmartre se réveille ; Mais, « Paris 1900 » offre également la splendeur des paysages luxuriants de la Côte d’Azur avec ces routes tournantes et zigzagantes de la Riviera, les longues plages de Deauville ou d’Etretat, la Bretagne… Chapitre après chapitre, l’ouvrage parcourt ainsi cette France au tournant du siècle dernier de région en région, les Pyrénées, l’Auvergne, les Vosges et les Alpes… offrant au lecteur cette précieuse possibilité de voyager dans le temps et l’espace de cette "Belle époque" avec à chaque page cette impression inouïe d’une douceur de vivre… Un beau songe nous immergeant dans cette France et le Paris de 1900 qui méritait bien un ouvrage exception au format tout autant d’exception.
 

« Toulouse-Lautrec ; La stratégie de l'éphémère » de Nicholas-Henri Zmelty, Collection Monographie, Format : 275 x 325 mm, 280 pages, Éditions Hazan, 2019.

Un détail de La Clownesse Cha-U-Kao, toile réalisée en 1895 par Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) et un titre évocateur « La stratégie de l’éphémère » en couverture de beau livre attireront assurément immédiatement – et tout à fait à juste titre - l’attention du lecteur à l’occasion de l’exposition qui se tient actuellement au Grand Palais à Paris. Nicholas-Henri Zmelty, maître de conférences de l’art contemporain, a porté ses recherches sur l’image imprimée et la peinture en France entre 1880 et 1939. Le personnage atypique que fut Toulouse-Lautrec ne pouvait ainsi que retenir son intérêt et donné naissance à cette remarquable monographie particulièrement novatrice en ce qu’elle propose un autre regard sur ce peintre. Toulouse-Lautrec, disparu trop jeune à l’âge de 36 ans, fait partie de ces peintres tout aussi célèbres que mal connus. L’univers favori de l’artiste pour les maisons closes, les cabarets et autres lieux de la vie nocturne montmartroise ont progressivement aiguisé son sens de l’observation qui conduira à ces « croquis » intimes et inimitables de l’âme humaine. Car derrière les chants, les danses, les cris et les fêtes, se cachent la plupart du temps dans les œuvres de Toulouse-Lautrec une vision du monde propre au peintre, ce que tient à démontrer l’auteur qui n’hésite pas à comparer le regard porté sur ce monde de l’éphémère à celui de Degas. Au-delà des visions souvent réductrices d’un Toulouse-Lautrec, haut en couleur, ce qu’il fut assurément, Nicholas-Henri Zmelty invite son lecteur à une perception plus intime de son travail, avec cette urgence de saisir l’éphémère comme l’avaient fait en d’autres lieux les maîtres de l’estampe japonaise. Suivant l’artiste selon le fil chronologique de sa courte carrière, l’ouvrage richement illustré présente le tissage de plus en plus serré des différents modes d’expression auxquels aura recours Toulouse-Lautrec pour saisir l’insaisissable. La peinture, bien entendu, mais aussi la lithographie, le dessin de presse, l’illustration sans oublier l’art de l’affiche, les supports ne manqueront pour permettre à l’artiste de recueillir ces impressions prises sur le vif, mais également pour imposer son art à ses contemporains. À la fin de sa vie, et du siècle qui l’a vu naître, Toulouse-Lautrec doit plus sa notoriété à ses affiches illustrées qu’à sa peinture, clin d’œil ironique de l’histoire pour celui qui s’était fait l’apôtre de l’éphémère…

« Le Siècle d'or espagnol » de Guillaume Kientz, Citadelles & Mazenod, 2019.

Le Siècle d’or espagnol est un ouvrage qui s’avère incontournable pour deux raisons. La qualité de son auteur, tout d’abord, qui fait de ce beau livre une précieuse synthèse sur cette période clé de l’histoire de l’art. Guillaume Kientz est, en effet, bien connu de nos lecteurs, cet historien de l’art ayant été pendant près de dix ans chargé des collections espagnoles au musée du Louvre ; Il dirige maintenant, depuis février 2019, les collections européennes au Kimbell Art Museum au Texas et signe la toute première exposition consacrée au peintre Le Greco au Grand Palais en France. Alors qu’il n’y avait guère d’ouvrages de ce genre sur cette période, l’auteur propose d’aborder un Siècle d’or espagnol en lien avec la construction de l’Escorial ; Un édifice qui abritera bientôt les œuvres des plus grands génies de la peinture. C’est cette belle aventure unique que Guillaume Kientz retrace dans ce riche ouvrage convoquant plus de 150 artistes avec des noms inoubliables tels Le Greco, Vélasquez, Murillo, Zurbaran, Ribera… Rappelant l’héritage de la Renaissance et l’originalité de ce nouveau Siècle d’or (1570-1610), l’auteur présente les manifestations du naturalisme en Espagne au début du XVIIe siècle. Un naturalisme tributaire d’une large demande de commanditaires fortunés, ordres, églises… La nouveauté apporté par les Ribalta, Castello, Mingot, Espinosa éclate aux yeux de leurs contemporains et s’accompagne du développement de la nature morte avec des artistes talentueux comme Zurbaran, Barrera et Ponce. Les échanges sont alors nombreux entre l’Italie et l’Espagne, notamment pour l’artiste Jusepe de Ribera. Des influences également réciproques sont soulignées avec le caravagisme qui s’introduit dans les toiles des artistes espagnols. Une section entière est, bien entendu, consacrée au peintre du roi Velasquez, avant que ne soit abordé le baroque espagnol de la deuxième moitié du XVIIe siècle avec la seconde « école de Madrid » et la peinture andalouse marquée notamment par Zurbaran et Murillo. La seconde raison, et non encore dite, de l’excellence de cet ouvrage tient à sa riche et superbe iconographie présentée idéalement en une mise en page soignée qui fait de ce livre un recueil indispensable à la compréhension de la peinture espagnole. Une belle et riche porte d’entrée au Siècle d'or espagnol.

Werner Lampert « La tribu des vaches » Chêne éditions, 2019.
 

Les vaches font partie de notre quotidien à un tel point que, la plupart du temps, elles n’attirent presque plus le regard de nos contemporains ; Les voitures et les trains roulant si vite, que même ces fameuses vaches de nos campagnes ont-elles à peine le temps de nous voir passer… Et pourtant leur diversité – bien au-delà de ce que nos campagnes peuvent laisser paraître – étonnera le lecteur de ce volumineux beau livre édité par Chêne, un hommage à ces animaux trop longtemps cantonnés à des images préconçues et à un rôle alimentaire dans nos assiettes. Et si nous redécouvrions les vaches ? Werner Lampert sera alors notre guide, lui qui a parcouru le monde à leur recherche, les vaches sauvages comme domestiquées, d’étable ou d’extérieur, de plaine ou d’altitude, sacrées ou profanes…
L’auteur est un passionné d’agriculture biologique depuis les années 1970. Il les a gardées, leur a confié ses peines, comme ses joies. Pour Werner Lampert, pas une vache ne se ressemble, et c’est aux origines de l’homme et de ses croyances qu’on la retrouve, souvent associée aux cultes les plus anciens. Cette ode à la vache est plus qu’un plaidoyer sur la biodiversité mais plutôt une adresse poétique à un animal souvent caricaturé : peau de vache, regard de bœuf,… longues sont les adresses négatives portées à l’encontre de cet animal qui a pourtant toujours jalonné de près les pas des hommes. Werner Lampert nous rafraîchit alors la mémoire dans ces pages inspirées, remonte à l’aurochs, premier animal sauvage chassé par l’homme et qui en provoquera d’ailleurs l’extinction… L’ouvrage bénéficie d’une riche iconographie pour parcourir les terres du monde entier, par continent, à la recherche de ces vaches inconnues pour la plupart d’entre elles, Boran, Ankolé, Doela, Télémark, Jaba, Caidamu,… pas une, effectivement, ne se ressemble ! Imposantes ou frêles, de couleurs unies ou tachetées, poil ras ou abondant, la diversité et la beauté de la plupart de ces vaches méconnues ne pourront que surprendre. Des découvertes rehaussées par les admirables visuels de photographes auteurs retenus. Un véritable livre d’art et un beau plaidoyer pour la biodiversité à mettre entre tous les coeurs.
 

« Le Préraphaélisme » Aurélie Petiot, 300 illustrations couleur, relié toile sous jaquette et étui illustré, format 27,5 x 32,5 cm, 400 p., Mazenod, 2019.

Aurélie Petiot propose avec l’ouvrage « Le Préraphaélisme » aux éditions Mazenod une somme remarquable sur ce mouvement artistique, né en Angleterre dans la seconde moitié du XIXe siècle, et injustement demeuré méconnu dans le reste de l’Europe. Les peintres au cœur de ce mouvement ont pour nom William Holman Hunt (1827-1910), John Everett Millais (1829-1896), et Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) ; Ce sont eux qui fondèrent la Pre-Raphaelite Brotherhood, une fraternité n’offrant pas seulement une appellation symbolique, mais s’appuyant sur une réelle communauté de valeurs contestant les acquis de la puissante Royal Academy. Avec un retour aux origines de l’art, doublé d’un souhait de réforme sociale, cette « utopie artistique » gagna en puissance dans une Angleterre subissant les inégalités croissantes dues à la Révolution industrielle. C’est cette belle aventure que l’auteur retrace dans ces pages à la riche iconographie (300 illustrations couleur).
Alors que la reine Victoria a entamé son règne et que la Royal Academy a su imposer ses dictats aux artistes, Hunt, Millais et Rossetti font sécession en revendiquant un retour aux sources médiévales d’avant Raphaël, notamment les Primitifs, d’où le nom de leur mouvement. Le grand théoricien de l’art John Ruskin inspirera cet élan qui encourage un retour à la nature et aux symboles littéraires, sans omettre les questions sociales. Ce mouvement aura une courte durée puisqu’il ne durera effectivement que cinq ans, mais cette initiative saura nourrir longtemps après les avant-gardes qui sauront y puiser leur inspiration. Il suffit pour s’en convaincre d’observer notamment dans le détail les reproductions des œuvres d'Edward burne-Jones et William Morris pour constater que cette nouvelle vision de l’art s’est largement étendue à d’autres domaines que celui de la peinture, notamment dans les domaines des arts décoratifs, du mobilier ou encore de la reliure… Présentant initialement leurs œuvres dans des expositions sous le sigle énigmatique P.R.B. ( Pre-Raphaelite Brotherhood), la curiosité que le mouvement suscitera gagnera rapidement le public et la critique. Après cette période de curiosité, de vives attaques vont cependant être lancées à l’encontre du jeune mouvement, notamment sur leur traitement des thèmes sacrés malgré le soutien de Ruskin. Les dimensions sociales sont abordées de front, invitant à une réforme tout en distillant dans leurs œuvres des références à la littérature où l’on retrouve notamment Shakespeare ou Keats. Après la séparation des trois membres fondateurs, le mouvement initié poursuit malgré tout sa route en abandonnant les références initiales au Moyen Âge, pour se tourner vers l’Italie et la peinture de Boticelli, une influence manifeste que l’on retrouvera dans les représentations de femmes de Burne-Jones. L’ouvrage montre combien ce mouvement aura des influences rhizomiques allant même jusqu’à influencer les arts décoratifs, la photographie, l’illustration, et le mouvement symboliste. C’est avec la fin du XIXe siècle que s’éteindra progressivement ce mouvement étonnant qui sut accorder une place importante aux femmes et dont les ramifications iront jusqu’en France selon une lente découverte, ainsi que le souligne Aurélie Petiot, plus particulièrement à travers le mouvement symboliste.
Un ouvrage foisonnant, aussi didactique qu’esthétique.

« Fresques des villas romaines » de Donatella Mazzoleni, Umberto Pappalardo, Luciano Romano, 340 illustrations en couleur, relié en toile sous jaquette et étui illustrés, format 27 x 32,5 cm, 416 pages, Citadelles & Mazenod, 2019.

C’est un livre unique sur les fresques des villas romaines qui est aujourd’hui disponible aux éditions Citadelles & Mazenod en une nouvelle édition riche de plus de 400 pages et 340 illustrations couleur. Le fait est d’autant plus remarquable que ce livre magnifique est le fruit d’une campagne photographique tout spécialement commandée afin de rendre au plus proche chaque détail de ces œuvres ornant les villas romaines et dont les splendeurs n’ont cessé de charmer nos contemporains depuis leurs redécouvertes. En présentant dans le détail soixante-huit des plus belles fresques, nous entrons dans cette intimité romaine dont le détail de la Villa de Poppée à Oplontis ornant la couverture du livre donne un petit aperçu…
Avec ces fresques, c’est en effet au cœur de la décoration de la villa des Mystères de Pompéi, la Domus Aurea de Rome ou encore Boscoreale que le lecteur s’immiscera subrepticement. Mais cet ouvrage n’est pas seulement un beau livre, les auteurs spécialistes de ces fresques ont étudié dans le détail les fonctions de ces peintures murales dans le contexte de leur création, une manière d’agrandir les espaces intérieurs en élargissant le paysage de la nature aux nombreuses représentations d’animaux et figures mythologiques. En observant chacune des reproductions, il sera possible de constater combien cet art est intimement lié à l’architecture chargée de les recevoir. Pompéi, Rome, mais aussi Oplontis, Boscoreale, Herculanum livrent ainsi dans ces pages des trésors souvent inaccessibles au public. Différentes techniques de trompe-œil ont été utilisées par les artistes de la Rome ancienne usant de cadres architecturaux servant à mieux mettre en valeur la pureté de la nature représentée. Chaque site fait l’objet d’une présentation et d’une étude détaillée par les auteurs, accompagné d’un ensemble de planches faisant littéralement revivre ces évocations picturales étonnant notre regard par leur fraîcheur, vingt siècles après leur composition. La qualité des prises de vues est encore accrue par le choix d’un papier idéal mat, le Tintoretto, au diapason exact de la matière des fresques, un choix particulièrement heureux ayant l’avantage d’éliminer les reflets. C’est ainsi, également à une invitation tactile à laquelle convient les auteurs par ces choix, une approche qui renouvelle peut-être des gestes déjà pratiqués par les commanditaires de ces œuvres d’une très belle réalisation technique, leur destination pour de riches villas expliquant certainement ce haut degré de maîtrise artistique. Qu’il s’agisse de foisonnants entrelacs de colonnades ou de luxuriantes vasques où s’abreuve un frêle oiseau, des pans entiers du quotidien des Romains se dévoilent sous nos yeux ébahis, avec l’impression de lever discrètement le voile d’une intimité raffinée et sublimée par un tel ouvrage d’exception.

Larry Silver : "Bosch", 350 illustrations couleur, relié en toile sous jaquette et coffret illustrés, Format 27,5 x 32,5 cm, 430 pages, Editions Mazenod, 2019.
 

Jérôme Bosch (1450 – 1516) suscite toujours l’étonnement, un étonnement qui ne cesse de se renouveler et une fascination qui gagne rapidement lorsque le spectateur prend conscience que ce travail est le fruit d’un peintre du XVe siècle- début XVIe s. Les univers pour le moins singuliers qui peuplent ses toiles n’ont cessé d’interroger non seulement les historiens de l’art, mais également les théologiens sans oublier les psychologues… À nul autre pareil, Jérôme Bosch se démarque de tous ses contemporains en proposant des paysages peuplés d’êtres surnaturels plus vrais que nature. C’est à cette singularité que s’est attaché l’historien de l’art Larry Silver, spécialiste reconnu de la peinture flamande, dans ce splendide ouvrage bénéficiant d’une iconographie remarquable (350 illustrations couleur). Retraçant le parcours de l’artiste en rappelant l’univers spirituel de l’art néerlandais, cet ouvrage d’exception s’attache également à situer Bosch parmi ses contemporains avant d’explorer ces visions apocalyptiques qui ont tant jalonné ses œuvres et l’ont fait passer à la postérité. Jheronimus van Aken, plus connu sous le nom de Jérôme Bosch, compte parmi les peintres les plus énigmatiques et originaux des XVe et XVIe siècles néerlandais. Avec l’artiste, c’est en effet toute une fantasmagorie qui s’ouvre à nos yeux toujours surpris par une telle audace tant ses évocations semblent plus relever des XXe et XXIe siècles transgressifs. Le peintre néerlandais offre ainsi à ses contemporains des tableaux peuplés de scènes plus étranges les unes que les autres semblant sorties de l’inconscient d’un esprit qui se livrerait sur le divan. Pourtant la révolution apportée par Sigmund Freud n’a pas encore eu lieu, et c’est une création pour la moins originale que livre Bosch sur de grands formats dont la superbe et présente édition - en format 27,5x32,5 cm – en autorise la reproduction plus que fidèle. Il suffit pour s’en convaincre d’ouvrir l’une des doubles pages de ce grand volume pour avoir une idée des détails incroyables représentés par celui qui s’inscrit aux marges du réel et de la drôlerie, du grotesque et de l’imaginaire. Ces bêtes qui surgissent de nos peurs et de nos fantasmes sont d’une certaine manière la représentation picturale du péché et des désordres de l’homme. Bien entendu, en cela, Jérôme Bosch n’a pas tout inventé et un grand nombre du bestiaire s’avère directement inspiré de la mythologie et des sources sacrées si l’on pense par exemple aux fameuses descriptions de l’Apocalypse de saint Jean. Mais avec le peintre néerlandais, les monstres et autres bizarreries font souvent l’objet de surprenantes mutations opérées par le génie créatif d’un artiste en marge des canons de son époque. Et pourtant, la vie de Jheronimus se déroula dans la tranquillité de Bois-le-Duc et de son atelier, auprès de son épouse, fille d’un riche aristocrate. Les Sept Péchés capitaux, la Nef des fous ou encore Le Jardin des délices sont autant de réflexions sur le sens du péché et de la condamnation aux enfers telles qu’elles sont présentes dans un grand nombre de discours théologiques couchés sur le papier. Et lorsque cette pensée se trouve confrontée à l’immense bestiaire hérité du Moyen Âge sous le pinceau d’un artiste de génie que rien n’effraie, alors l’inspiration est sans limites et ouvre à des représentations jamais réalisées avec autant de détails et de précisions jusqu’alors. Jérôme Bosch a su cristalliser ces différents plans d’une manière si naturelle que cela apparaît aujourd’hui incroyable au regard de la distance qui nous sépare de cet artiste atypique. Son influence a été telle que si nous ne possédons aujourd’hui pourtant que vingt tableaux et huit dessins attribués au peintre, un nombre incroyable d’œuvres ont néanmoins voulu copier et imiter le grand maître jusqu’à notre époque ainsi que le souligne en conclusion cet ouvrage remarquable et indispensable pour entrer dans l’intimité de l’atelier de Jérôme Bosch.
 

« Les récits légendaires de l’empereur Maximilien Ier » présenté par Stefan Krause, Relié, 36 x 36 cm, 448 pages, Taschen, 2019.

Le « Freydal », relatant « les récits légendaires de l’empereur Maximilien Ier », compte depuis longtemps parmi les grand classiques de l’art des tournois, une compilation commandée par l’empereur Maximilien 1er (1459–1519) lui-même et qui appréciait fort ces manifestations martiales organisées sous forme de jeux. Nul étonnement alors que ces divertissements hauts en couleur aient inspiré les créateurs les plus contemporains, dont ceux du fameux de Games of Thrones, tant ces 255 miniatures enluminées d’or et d’argent évoquant ces joutes souvent violentes voire meurtrières, sont d’une splendeur inouïe et ont su dépasser largement le cadre de divertissements de cour. Seule une édition somptueuse et de grands soins pouvait donc en transmettre toute la magnificence ; Aussi, faut-il saluer cette belle initiative des éditions Taschen.

Au-delà des récits, il s’agit bien plus d’une allégorie du pouvoir se mettant véritablement en place avec ce héros nommé Freydal, personnage se confondant sans équivoque en fait avec les traits mêmes de l’empereur Maximilien. Habile rhétorique par l’image, ces « récits légendaires » vont ainsi diffuser une épopée dépassant le cadre de la cour des Habsbourg laissant les aventures du héros intrépide s’inscrire dans la lignée du pur amour courtois. Freydal, le héros devra en effet combattre afin de prouver son amour à la dame qu’il aime, en l’espèce Marie de Bourgogne que Maximilien épousera en 1477.

Pour réaliser cet ouvrage, il a fallu réunir les comptes rendus détaillés de pas moins de 64 tournois, décrivant les combats à la lance et, derrière ces derniers, toute la splendeur et l’honneur de l’art de la chevalerie. Le lecteur retrouvera, en effet, dans ces récits les codes et les valeurs de courage et d’honneur, des valeurs qui rayonnent de leurs plus belles couleurs sur les pages de ce manuscrit conservé dans les chambres fortes du Kunsthistorisches Museum de Vienne en raison de sa fragilité. L’art des tournois apparaît ainsi au grand jour avec des scènes de combat étonnantes où des boucliers sont projetés en l’air pour être détruits en lames métalliques…

Rien n’est trop raffiné pour manifester la valeur guerrière des nobles seigneurs de la cour de Maximilien, un exemple à valeur de modèle. Stefan Krause, directeur de l’Arsenal impérial du Kunsthistorisches Museum, introduit le lecteur à cette fascinante évocation en rappelant les origines de ce manuscrit dont les 255 miniatures ont pour la publication été photographiées pour la première fois en couleurs. Un ouvrage exceptionnel, donc, qui paraît à l’occasion du 500e anniversaire de la mort de l’empereur Maximilien, un autre anniversaire important cette année que cet ouvrage commémore somptueusement.
 

Théodore de Bry. « America » Michiel van Groesen, Larry E. Tise, reliure en tissu, 28,5 x 39,5 cm, 376 pages, Taschen, 2019.
 

Les éditions Taschen proposent avec cette nouvelle et très belle parution consacrée à l’ouvrage réalisé par Théodore de Bry, « America », d’accéder à une source rare qui devrait intéresser non seulement les spécialistes de l’histoire de l’Amérique du Nord et centrale, mais également tous les passionnés d’histoire et de géographie. Lorsque cet ouvrage paraît initialement à la fin du XVIe siècle, en 1590 exactement, le Nouveau Monde était encore inconnu pour la plupart des Européens, à l’exception de quelques rares voyageurs osant s’aventurer en ces contrées lointaines et sauvages. L’éditeur flamand Théodore de Bry ouvrit, donc, grâce au livre ces horizons à la curiosité d’un lectorat de plus en plus captivé par ces récits de voyage hérités d’aventuriers tels Thomas Harriot, Sir Francis Drake et Sir Walter Raleigh… En partant de leurs récits, Théodore de Bry les illustra d’inoubliables gravures qui à elles seules justifieraient la découverte de ce splendide ouvrage aux dimensions généreuses 28,5 x 39,5 cm. Mais, les lecteurs du XXIe siècle découvriront également en ces pages, l’extrême curiosité et étonnement ayant présidé à cette publication et à son succès ; Il faut imaginer cette découverte inédite et totale pour les lecteurs de l’époque et de ce siècle, il y a plus de 400 ans !

Des continents inconnus comme la Virginie (qui correspond à l’actuelle Caroline du Nord) jusqu’à la Floride, l’Amérique centrale y livrent leur visage, paysages et trésors, avec à l’époque neuf premiers volumes, une somme longtemps restée sans comparaison comme le relèvent les deux responsables de cette magnifique édition. Michiel van Groesen, professeur d’histoire maritime à l’université de Leiden, aux Pays-Bas, est un spécialiste des conceptions européennes du monde atlantique à l’aube des temps modernes. Larry E. Tise, professeur émérite en histoire à l’East Carolina University est, en ce qui le concerne, un spécialiste des premiers explorateurs Thomas Harriot et Sir Walter Raleigh aux frères Wright et aux origines du transport aérien.

Nous découvrons à la lecture de ces étonnantes et splendides pages une vision du monde et de « l’étranger », les autochtones de ces terres habitées au moment de leur découverte par les Européens. Ethnocentrisme, préjugés et autres jugements de valeur jalonnent bien entendu ces récits qui sont bien loin de nos exigences ethnographiques contemporaines, mais ces pages appartiennent assurément à l’Histoire, et pour ces seules raisons, elles méritent d’être découvertes, surtout si bien présentées. Car il faut bien avoir à l’esprit que la plupart de ces récits sont le fait d’un homme, de Bry, qui n’a jamais mis les pieds en Amérique, ces sources étant de seconde main.

Mais son imagination débordante surmonta ces lacunes et la qualité des illustrations de John White et Jacques Le Moyne compense bien au-delà ces imprécisions avec pour ce volume la réimpression des 218 planches des neuf premiers modèles, avec leurs frontispices et cartes continentales respectives. Un ouvrage qui à lui seul vaut bien des voyages, celui de l’imagination et du rêve sans quitter le confort de son fauteuil…

Laetitia Cénac et Jean-Philippe Delhomme : « Dans les coulisses de CHANEL. », Éditions de La Martinière, 2019.

Ce bel et attrayant ouvrage devrait assurément retenir l’attention de plus d’un ou une passionné(e) de mode, et plus précisément des collections Chanel et de Karl Lagerfeld. Fabuleuse invitation à entrer, le temps d’une saison de mode, d’une collection, ainsi que son titre le suggère « Dans les coulisses de Chanel », l’ouvrage est un véritable reportage dessiné signé Laetitia Cénac et Jean-Philippe Delhomme. Laetitia Cénac connaît plus que nulle autre son sujet, et n’est plus à présenter ; grand reporter au Figaro, ses écrits sur la mode, l’art, le théâtre ou encore l’art de vivre ne se comptent plus. Peintre et dessinateur, Jean-Philippe Delhomme a, lui aussi croqué nombre de coulisses de mode notamment pour Vogue, Louis Vuitton, Madame Figaro, Libération ou son propre blog The Unknown Hipster.
Célébrant, bien sûr, Karl Lagerfeld, icône indissociable de la Maison Chanel, cet ouvrage est aussi un émouvant et bel hommage rendu au grand couturier qui disparaissait ce 19 février 2019, jour même où – belle et étrange coincidentia, l’ouvrage partait aux presses pour impression. Aussi, est-ce avec émotion que le lecteur pourra le retrouver croqué par Jean-Philippe Delhomme et lire en prologue cette rencontre avec le grand couturier, lui qui n’hésitait pas à dire lors de son entrée chez Chanel qu’il avait « réveillé une belle endormie. »
L’ouvrage s’ouvre sur le dernier défilé signé Karl Lagerfeld, celui de la collection prêt-à-porter Chanel de la saison printemps-été 2019. Un défilé unique au décor grandiose et époustouflant ayant apporté, en ce mois d’octobre 2018, le sable blanc, le bleu de la mer et l’éclat inoubliable du soleil sous la verrière du Grand-Palais de Paris. Mieux que des photos, les dessins de Jean-Philippe Delhomme par leur charme et fraîcheur font, en ces pages, battre encore les cœurs d’émotion… Après le casting, le maquillage, l’accessoirisation, les mannequins s’animent par magie et défilent pour le lecteur...
Puis s’ouvrent les portes du célèbre Studio avec Virginie Viard et les coulisses de ce temple de l’excellence. Ce ne sont plus les mannequins, mais les ateliers de la célèbre Maison de haute couture, du plus petit au plus grand, qui défilent maintenant sous les dessins irrésistiblement pleins de charme de Jean-Philippe Delhomme. Choix des matières avec notamment Flore Vladaj, première d’atelier flou ; Choix des coupes avec Christine Allix, première d’atelier tailleur ; Choix aussi des couleurs avec Jean-Philippe Burucoa, premier d’atelier flou et coupe… Brodeuses des célèbres Maisons Lesage et Montex, art millénaire tout de finesse et d’excellence, et dont Karl Lagerfeld aimait à dire : « Je ne conçois pas la mode sans broderie… ». Mais aussi les célèbres plumassiers, plisseurs, et autres petites mains, savoir-faire bien vivants d’une longue et belle tradition française du luxe.
Tous, manufactures, ateliers de maroquinerie, sacs, chapeaux, souliers, bijoux, avec la complicité de Laetitia Cénac et Jean-Philippe Delhomme, y dévoilent, en ces pages, leurs secrets les mieux gardés. Une tradition d’excellence et de savoir-faire où souffle toujours ce vent de création faisant de Chanel une des Maisons de Haute-couture et de prête à porter Française la plus prisée au monde.
Plus qu’un reportage dessiné de haute qualité dédié aux « Coulisses de Chanel » et à Karl Lagerfeld, une véritable mémoire vivante !

« Claude ; Un empereur au destin singulier », Catalogue d’exposition 320 pages, 234 illustrations. Paris, Lienart éditions, 2019.

Curieux destin en effet que celui de Tiberius Claudius Drusus, fils de Drusus l’Aîné et d’Antonia la Jeune, né à Lyon en 10 avant Jésus-Christ et plus connu sous le nom de l’empereur Claude. L’Histoire a laissé un portrait peu flatteur de celui qui appartenait pourtant à l’illustre famille impériale julio-claudienne et qui succéda à Caligula, assassiné en 41 de notre ère. C’est cette même garde prétorienne, qui ayant éliminé l’empereur sanguinaire, portera au pouvoir un personnage n’ayant jamais cherché ces honneurs. Claude fut-il pour autant un si mauvais Empereur ?
Le présent catalogue entend revisiter l’image négative que nous a léguée l’Histoire de cet homme – avant d’être empereur, effacé et ayant pour épouses Messaline et Agrippine, des femmes dont le seul nom parle contre elles… De nouvelles recherches ont, en effet, réhabilité ce dernier en soulignant sa réputation d’homme de lettres intéressé aux choses de l’État et bon gestionnaire contrairement à ce qui a été officiellement présenté. C’est lui qui, par exemple, imposera la loi de 48 faisant admettre des Gaulois au sénat romain et dont le discours resta célèbre, gravé sur la Table claudienne aujourd’hui conservée au musée gallo-romain de Fourvière. Geneviève Galliano, conservateur en chef du Patrimoine, souligne l’importance d’une telle recherche à partir des riches collections romaines du musée des Beaux-arts de Lyon, ville de naissance de l’empereur. Le contexte politique et social présenté en ces pages permet de mieux apprécier les nombreuses alliances et choix politiques de Claude. Avec plus de 150 œuvres de différentes natures (statues, bas-reliefs, camées et monnaies, objets ; de la vie quotidienne, peinture d’histoire,…), ce riche catalogue renouvelle ainsi complètement l’image d’un empereur encore trop souvent présenté de nos jours par le cinéma et la littérature comme un personnage fantoche balloté par les évènements. Il ressort de ces pages abondamment illustrées que l’empereur Claude était bien plus avisé que ce que les manuels d’histoire romaine ont bien voulu nous léguer et laisser croire, un empereur soucieux de son peuple et qui permit, surtout, à l’empire d’atteindre son apogée quelques décennies plus tard, ainsi que le rappelle Geneviève Galliano.
 

« Les Fleurs par les grands Maître de l’estampe Japonaise », par Amélie Balcou, Editions Hazan, 2019.
 

Après celui consacré aux quatre saisons, voici un autre joli coffret dédié, lui aussi, aux plus belles fleurs des Maîtres de l’estampe Japonaise. Que de beauté ! En ces pages, ce sont, en effet, toute la richesse, la subtilité et la finesse des fleurs de l’art de l’estampe qui s’offrent au regard ; fleur de cerisier, de prunier, d’iris, nénuphar… Avec sa reliure japonaise rouge pivoine en accordéon, c’est un long poème fleuri de « Kachô-ga » qui se déroule. Du XIXe siècle au XXe, le lecteur y retrouvera les grands maîtres incontournables japonais, Hokusai et Hiroshige, mais aussi, Shigenobu (Hiroshige II) Tanagami Konan, Kômo Bairei, Imao Keinen, Watanabe Seiti ou encore pour le XXe siècle, Ohara Shôson, Nishimura Hodo, Ito Sozan ou Zuigetsu Ikeda.
Accompagné de son livret signé Amélie Balcou, ce sont les fleurs dès plus sophistiquées et cultivées aux plus sauvages qui reprennent ainsi vie avec l’art de ces maîtres japonais de l’estampe. Chacun, à sa manière, dans toute sa singularité et selon sa sensibilité, naturaliste, religieuse, bouddhique ou shintoïste, renouvelle et magnifie l’œuvre de la nature. Car, bien sûr, au-delà de ces fleurs, mais aussi de si frêles oiseaux, rapaces ou volatiles insectes, c’est bien toute la beauté de la nature qui s’exprime en ces estampes, une nature célébrée, rêvée ou fantasmée. L’approche bouddhique et animiste de Hokusaï se retrouve dans ses nombreux Carnets, notamment dans sa suite de « Grandes Fleurs » qui sera suivie de celle des « Petites fleurs ». Osant introduire des pigments artificiels, dont le fameux bleu de Prusse, ces séries d’Hokusai influenceront largement Hiroshige. Ce dernier livrera lui aussi de nombreux « Kachô-ga » au format singulier dans un style plus épuré que reprendra son élève Hiroshige II. Les courants « Shin-hanga » au tournant du siècle et ceux du XXe siècle redonneront souffle à cet art des « Kachô-ga ».
Au travers ces représentations et styles différents, selon les époques ou écoles, de Hokusai à Shôson ou Sozan, c’est toujours cette perfection toute japonaise empreinte de fragilité et d’éphémère de l’art de l’estampe qui est recherchée et se donne merveilleusement à voir.

 

« Jardin contemporain - le guide » de Chantal Colleu-Dumond, Flammarion, 2019.
 

Chantal Colleu-Dumond a toujours associé sa vie à la culture en une approche pluridisciplinaire, directrice d’un centre culturel en Allemagne, conseiller culturel et scientifique en Roumanie, dirigeant le service des affaires internationales du Ministère de la Culture, conseiller culturel à Rome ou encore responsable du centre culturel de Fontevraud. Au-delà de ce parcours, ces sont la Bretagne et la Touraine qui ont marqué son enfance avec ses impressions gravées à jamais dans le jardin de sa grand-mère de dahlias mauves et d’allées de framboisiers… Marquées par la couleur et les formes, ces impressions premières ont certainement beaucoup compté pour cette femme qui consacrera toute sa vie à l’esthétique, aux arts étroitement liés à la nature. Aussi n’est-il pas étonnant que son dernier ouvrage porte sur les jardins, avec un angle bien particulier puisque le thème retenu est celui du jardin contemporain. Dirigeant le Domaine régional de Chaumont-sur-Loire, Chantal Colleu-Dumond a cette intime expérience de la création de jardins contemporains, une précieuse expérience lui permettant de proposer dans cet ouvrage une réflexion reposant sur une extraordinaire aventure d’un tour du monde des jardins, jardins d’Europe bien sûr, mais également de Chine, de l’Inde, du Japon, du Brésil et bien d’autres contrées encore... L’angle, ainsi, retenu est celui de l’art avec des créateurs comme Louis Benech, Patrick Blanc, Pascal Cribier, Peter Walker, sans oublier l’inégalable Russell Page. Chaque création fait l’objet de fiches détaillées permettant instantanément au lecteur de se faire une idée du style et de la philosophie. Les architectures (tours végétales de Milan), les sens, les valeurs, les styles sont autant de thèmes étudiés afin d’approfondir notre conception du jardin avec ce guide hors pair qu’est Chantal Colleu-Dumond. Avec un format pratique, une mise en page soignée et une abondante iconographie, ce livre alerte et instructif guidera son lecteur parmi des créations contemporaines enchanteresses où art et nature se veulent définitivement réconciliés.
 

Miguel Benasayag « Fonctionner ou exister ? » Éditions Le Pommier, 2018.

Quelques jours avant sa mort, le 2 novembre 1975, Pier Paolo Pasolini avait accordé un dernier entretien au journaliste Furio Colombo, article que l’écrivain-poète-cinéaste italien avait souhaité terminer par écrit et auquel il avait donné pour titre « Nous sommes tous en danger ». « Les quelques personnes qui ont fait l’Histoire sont celles qui ont dit non, et non les courtisans et les valets des cardinaux. Pour être efficace, le refus doit être grand et non petit, total, et non pas porter sur tel ou tel point, « absurde », contraire au bon sens ». À plus de quarante années de distance, Miguel Benasayag dresse une situation qui a pris acte de cette prescience qui est devenue réalité. Sommes-nous condamnés à ne plus que fonctionner ? L’altérité chère à Miguel Benasayag ne peut subsister que par une unité complexe de l’existence et du fonctionnement, et non de l’hégémonie de cette dernière. À l’heure où les algorithmes visent à modeler le vivant, les Anciens sont devenus des vieux inutiles que l’on cache, ce qui faisait jusqu’alors la valeur constitue aujourd’hui une déficience, faute de bien « fonctionner »… Nous entrons depuis plusieurs années dans une vision manichéenne du monde, en une alternance binaire gagnant / perdant, sans intermédiaires ou autre possibles. Nos vies présentes sont faites de raccourcis, autant sur les bureaux de nos ordinateurs que vis-à-vis de nos valeurs, de nos existences, de la vie tout simplement. Réactionnaire et technophobe Miguel Benasayag ? Pour les partisans du transhumanisme et de l’utilitarisme du vivant, probablement, mais dans une situation de complexité et d’union des contraires, assurément pas.
Il est vrai que le tragique s’est tari en oubliant que le singulier ne saurait se concevoir sans ses interactions avec l’ensemble. En un monde où les relations sont de plus en plus stérilisées à l’image des couloirs d’hôpitaux, on se sent concerné ou pas, on like ou pas, la pleine conscience (mal) comprise par les occidentaux n’a que faire d’une catastrophe climatique ou humaine lorsque sonne l’heure dite de sa méditation quotidienne… Pour éliminer cette négativité qui fait partie intégrante du tragique de la vie, l’homme a la solution : lui substituer le transhumanisme des sociétés postorganiques, plus de vague à l’âme, plus de bleu au cœur, mais la promesse virtuelle d’un monde sans faille et d’une immortalité assurée. Conjoint écarté car ne « correspondant » plus, familles oubliées pour passer à autre chose, liens rompus pour soigner son petit soi ronronnant, nous ne sommes plus en danger, le mal est déjà fait et constatable quotidiennement. Miguel Benasayag ne souligne pas les risques mais les réalités déjà présentes, la tendance à l’artefactualisation du vivant ne concernent pas seulement que des prothèses, certes utiles, mais touchent bien plus encore de plein fouet le vivant à part entière, une initiative qui plus est laissée aux bons soins des machines et des logiciels. Il faut suivre l’auteur dans ces pages inspirées qui à l’image du film Soleil Vert laisse entrevoir ce vers quoi nous allons et que nous sommes en train d’oublier, Big data s’occupant déjà de nos mémoires. Cauchemar ? Certainement. Des solutions ? Une résistance de tous les instants afin de sortir de notre petit moi, tout en acceptant notre fragilité, nos failles, qui élargissent contrairement ce qu’on en pense trop souvent - notre cercle et constitue notre richesse, notre singularité, « nous sommes les mêmes tant que nous changeons », rappelle le philosophe dans l’un de ses (apparents) paradoxes dont il a le secret. La situation exige le courage de l’existence, un agir situationnel dans le cadre d’une singularité du vivant chère à l’auteur, qui n’est pas reproductible, sauf à la nier. Nous sommes prévenus, n’attendons pas encore.

Philippe-Emmanuel Krautter

Lucien Jerphagnon « L’au-delà de tout » préface du cardinal Poupard, Collection Bouquins, Robert Laffont, 2017.

Six ans déjà que Lucien Jerphagnon nous a quittés, et pourtant son sourire malicieux et son regard pétillant semblent encore si présents ! Ce grand spécialiste de la philosophie antique et médiévale aimait à se présenter comme un historien de la philosophie, et non en philosophe, n’ayant pas de « jerphagnonisme » à proposer comme il le rappelait d’un clin d’œil complice. Né en 1921, Plotin et saint Augustin, entre autres, n’avaient aucun secret pour lui. La collection Bouquins, après le premier volume Les Armes et les Mots réunissant les titres les plus connus de l’auteur vient de lui consacrer un deuxième volume intitulé « L’au-delà de tout » et réunissant des titres méconnus s’inscrivant dans la période 1955-1962. C’est la pensée intime d’un esprit à la fois jaillissant et secret qui se révèle au fil de ces pages à la saveur incomparable. Ainsi que le rappelle le cardinal Poupard qui signe la préface de ce fort volume, si la pensée et les convictions spirituelles de Jerphagnon ont pu évoluer au cours de son riche parcours, il demeure certaines convictions de fond, immuables, et que résume à elle seule, de manière évocatrice, la phrase d’André Malraux mise en exergue par Jerphagnon lui-même de son essai « Le Mal et l’Existence » : « Tous les grains pourrissent d’abord, mais il y a ceux qui germent… Un monde sans espoir est irrespirable. » André Malraux, L’Espoir, ouvrage qui ouvre aujourd’hui ce recueil. 
Le thème du mal et de la souffrance qu’il engendre est récurrent depuis l’aube de l’humanité croyante, et bien souvent un argument avancé pour critiquer l’idée même de transcendance. Si Dieu est amour, comment peut-il accepter que sa création subisse le mal ? Plutôt que de partir de cette traditionnelle opposition amour / mal, Lucien Jerphagnon souligne combien il s’agit là d’un mystère qui ne saurait être réduit à une « explication » rationnelle, mais à une interrogation sur la propension de l’homme à se diviser. L’auteur développe le fameux exemple de Job dans la Bible, comme l’illustration de l’impuissance de l’homme à comprendre les maux qui peuvent s’abattre sur lui, des épreuves souvent initiatiques qui invitent à un rapprochement de la source transcendante, au lieu de l’en éloigner, ce qui arrive parfois. Prolongeant sa réflexion sur le mal, Lucien Jerphagnon étend son analyse notamment au philosophe Pascal auquel il consacrera un premier essai « Pascal et la souffrance », complété par un autre titre « Pascal », et enfin « Le Caractère de Pascal », chacun de ces ouvrages explorant la position philosophique de celui qui estimait que l’homme est inévitablement malheureux en raison de sa nature même mue par un mécanisme absurde le poussant à être inconstant et misérable. Seule la rencontre du Crucifié, le Dieu humilié, peut confondre le mal et réduire à néant les misères de l’homme. La lecture de ces essais ne peut être dissociée de cette période bien particulière de l’auteur – longtemps tue et ignorée du public, période durant laquelle il fut ordonné prêtre en 1950 avant de quitter les ordres dix ans plus tard, une parenthèse de vie sur laquelle il garda un silence absolu. Ce deuxième recueil démontre, s’il en était encore besoin, que l’on a encore beaucoup à apprendre sur et de ce grand maître, Lucien Jerphagnon.

Philippe-Emmanuel Krautter

(à lire notre interview

de Lucien Jerphagnon)

Baudouin de Bodinat : « Au fond de la couche gazeuse ; 2011-2015 », Editions Fario.

« Au fond de la couche gazeuse ; 2011-2015 », le dernier ouvrage de Baudouin de Bodinat paru aux éditions Fario qui fait suite à « La Vie sur Terre » (T. 1 & 2, Ed. de l’Encyclopédie des nuisances) est un livre lumineux à l’écriture implacable dont la lecture, certes exigeante, ne pourra laisser le lecteur indifférent. C’est, en effet, un regard lucide que pose l’auteur sur le monde « comme il va ». Désastres écologiques, pollution de l’air et des mers, effets dévastateurs méconnus ou volontiers ignorés du numérique, des nanotechnologies, etc. rien n’échappe vraiment à Baudouin de Bodinat. L’auteur n’a de cesse, non de dénoncer, mais bien de penser. Ne posant ni jugements, ni procès, il mène une inlassable réflexion comme d’autres respirent ; une pensée comme quelque chose de vital, dans ce monde où la pollution lumineuse laisse l’homme moderne s’engloutir dans un somnambulisme numérique d’où la mémoire de la voie lactée et de l’homme lui-même se perdent sans bruit. Dans cette vaste réflexion menée sur plusieurs années, il s’interroge notamment sur l’abîme qui se glisse inexorablement entre l’intelligence émotionnelle et le numérique, le partage de la prétendue intelligence des Smartphones dans ce monde panoptique ou encore sur ce temps numérique « en simultanéité planétaire, dans ce présent stationnaire où l’histoire est rentrée en phase gazeuse (un gaz explosif) ; qui substitue ainsi à la durée psychique de la rotation des aiguilles (en analogie à la course du soleil, à la succession des jours et des nuits) sa chronométrie d’instants égrenés au compteur du processus en cours, où nous n’importons pas avec nos allées et venues… »
Baudouin de Bodinat ne se complait cependant pas dans un pur et sombre pessimisme, mais propose, dans une langue ciselée, une prise de conscience, un avertissement, « une expansion de la conscience, qui puisse la nourrir et l’accroître, étendre ses perspicacités dans les choses d’où dépend la conduite de la vie », souligne-t-il à propos des livres « papiers ». Laisser encore un peu de place à la pensée, à l’imagination, aux fantasmagories qui font le temps et les mystères de la vie. Enrayer cette vaine course folle à la performance et au « toujours plus ». Il y a chez lui comme une volonté de conjuration face au sort de ce monde dévasté. Comme Eugène Atget, à qui il a consacré un petit ouvrage (éd. Fario 2014 ; notre chronique), il capture par son écriture les dernières images d’un monde qui s’éteint, et se souvient d’une rangée de haricots, des pois de senteur, ou de la valeur d’un livre papier tenu entre les mains comme un éveil des sens ; « certains matins la beauté inaugurale du ciel s’illuminant au levant infuse l’âme tout entière, et profondément alors nous accorde à notre partie terrestre » écrit-il. Et de son regard, comme par la lucarne d’un téléobjectif, il nous décrit ce monde déjà présent qui nous apparaît à tort comme l’impensable ; une cartographie de cet indéniable saccage qualifié étrangement d’inimaginable. Sa pensée n’est pas éloignée d’autres philosophes engagés tel que Miguel Benasayag dont les écrits, dans une tonalité certes différente, avertissent des mêmes dérapages et dangers imminents. Perdre de vue la terre et tout ce qui fait l’homme. Car si l’humanité du XXe siècle fut la première à aller, certes, sur la lune, mais aussi à acquérir la capacité de s’autodétruire, elle est surtout, en ce début de XXIe siècle, la première à ne plus savoir comment arrêter ce compte à rebours d’un suicide généralisé et autoprogrammé.
Un ouvrage qui interroge, interpelle et rappelle combien il est nécessaire et urgent pour l’homme d’aujourd’hui de ne plus se vouloir aveugle et de regarder « au fond de la couche gazeuse », en se souvenant que la « chose qui surprend les astronautes […] – souligne Baudouin de Bodinat - c’est la minceur de la couche d’atmosphère entourant notre globe ; la ténuité de cette enveloppe gazeuse autorisant la vie en bas, la respiration de la nature ensoleillée en rotation dans l’obscurité intersidérale ; l’existence de ces milliards d’humains s’activant sans relâche dans leurs villes énormes, leurs fumées, leurs radiations. »

Elisabeth de Fontenay « La prière d’Esther » Seuil, 2014.

Élisabeth de Fontenay signe avec La prière d’Esther un livre très personnel, à mi-chemin entre l’évocation cathartique et la digression savante invitant pour ce faire l’Ancien Testament, Racine ou encore Proust à ces conversations intimes. La philosophe incite à ouvrir la Bible, celle de Sacy de préférence pour son admirable traduction qui nous transporte à Port-Royal et à sa sobre élégance, afin d’y relire la mémorable prière d’Esther, personnage éponyme du livre de l’Ancien Testament. La prière d’Esther, épouse du roi de Perse Assuérus et originaire de Judée, débute ainsi :

O roi, si j'ai trouvé grâce devant vos yeux, je vous conjure de m'accorder, s'il vous plaît, ma propre vie pour laquelle je vous prie, et celle de mon peuple pour lequel je vous supplie. Car nous avons été livrés, moi et mon peuple, pour être foulés aux pieds, pour être égorgés et exterminés. Et plût à Dieu qu'on nous vendît au moins, hommes et femmes, comme des esclaves ! ce mal serait supportable, et je me contenterais de gémir dans le silence ; mais maintenant nous avons un ennemi dont la cruauté retombe sur le roi.

Racine reprit dans sa tragédie Esther, en écho cette antique supplique commémorée chaque année lors de la fête de Pourim, et dont les premiers vers commencent ainsi :

Ô mon souverain Roi !
Me voici donc tremblante et seule devant toi.
Mon père mille fois m’a dit dans mon enfance
Qu’avec nous tu juras une sainte alliance,
Quand pour te faire un peuple agréable à tes yeux,
Il plut à ton amour de choisir nos aïeux.
Même tu leur promis de ta bouche sacrée,
Une postérité d'éternelle durée.
Hélas ! ce peuple ingrat a méprisé ta loi.
La nation chérie a violé sa foi.
Elle a répudié son époux, et son père,
Pour rendre à d'autres dieux un honneur adultère.
Maintenant elle sert sous un maître étranger.
Mais c'est peu d'être esclave, on la veut égorger.

Élisabeth de Fontenay a dès son plus jeune âge retenu par cœur cette prière, dans laquelle elle se réfugiait inconsciemment avant d’apprendre le terrible secret de famille : élevée dans la religion catholique afin de la protéger de la barbarie nazie, une grande partie de sa famille maternelle fut exterminée dans les camps de la mort. Petite, Élisabeth de Fontenay s’est identifiée à cette prière, jusqu’à la savoir par cœur, tout en « ignorant » qu’elle était issue de cette antique lignée célébrée dans la prière. Les raccourcis sont toujours rapides lorsqu’il s’agit de rechercher là son attachement avec les sans-voix que l’on mène chaque jour à l’abattoir, la philosophe est prudente et nous comprendrons mieux pour quelles raisons en découvrant cet essai inspirant à plus d’un titre. Le premier d’entre eux vient très certainement de cette idée évoquée par Walter Benjamin selon laquelle « entre les générations passées et la nôtre existe un rendez-vous mystérieux ». Ces instants de rencontre se font souvent à l’insu des protagonistes comme le démontre cette prière venue de la plus ancienne Histoire biblique aux oreilles d’une jeune enfant pourtant bercée par le rite catholique romain. Et cette fulguration, comme le rappelle la philosophie, a choisi un intermédiaire de choix en la personne de Racine. Ce n’est en effet pas par le texte biblique directement, mais par son heureuse variation léguée par le théâtre racinien que la jeune fille put en fin de compte cristalliser ce message par une anamnèse irréversible. Qu’allait-elle en faire cependant ? L’ensemble de l’œuvre d’Élisabeth de Fontenay en est en quelque sorte la réponse et cet essai, cette forte « prière d’Esther » en donne en filigrane une belle démonstration. L’intellectuelle, par-delà la mémoire particulière, est consciente des risques que font courir les enjambements temporels comme elle les nomme, ainsi que la continuité à travers les temps. Aussi, se garde-t-elle des généralisations qui réduisent et ouvrent les voies aux faux prophètes. Nous la suivrons alors dans ces habiles sinuosités d’un texte dont les multiples traductions sont autant de témoins convoqués à cette brillante conversation avec elle-même, et avec ses lecteurs…

Miguel Benasayag avec la collaboration d’Angélique del Rey : « Clinique du mal-être ; la psy face aux nouvelles souffrances psychiques », Editions La Découverte, 2015.

Après le livre La fragilité réédité en 2014, Miguel Benasayag avec la collaboration d’Angélique del Rey propose avec ce dernier ouvrage Clinique du mal-être de nouvelles réflexions sur les souffrances de l’homme moderne, mais ici confrontées à la psychanalyse, psychiatrie, et autres pratiques de psychothérapie, ou dit plus rapidement face au monde de la psy selon le titre de l’ouvrage. Comme à son habitude, Miguel Benasayag – philosophe et psychanalyste - ne prend ni détours ni gants pour dresser un bilan et les défis que doit aujourd’hui relever la psy face aux nouvelles souffrances psychologiques. Pour ce faire, l’auteur expose, en premier lieu, la solitude profonde qui touche l’homme et les femmes, mais aussi les enfants et ados dans notre monde occidental contemporain. Or, s’il existe bien une solitude existentielle inévitable propre à la condition humaine, à la condition d’être vivant limité, pour le psychanalyste Miguel Benasayag, l’homme moderne se cogne cependant aujourd’hui à une solitude ontologique. Les auteurs soulignent combien les liens qui structurent l’être sont de nos jours brisés voire absents, faussement remplacés par des liens ou réseaux toujours plus factices, oubliant ainsi la question de la séparation, et laissant l’homme moderne, seul, coupé de tout, de tous, et en premier lieu de lui-même ; Or, cette solitude ontologique est productrice de souffrances originales au sens où elle engendre l’impuissance. L’agir est en effet profondément attaché à nos liens éprouvés avec le monde, avec l’étendue de notre surface d’affection […] souligne l’auteur qui s’inscrit dans la lignée de la psychiatrie et des psychothérapies alternatives ; or, pour répondre à cette souffrance, l’homme moderne est de plus en plus conduit à choisir une adaptation excessive, une mobilité intérieure, qui ne peut entraîner malheureusement qu’une détérioration de sa propre intériorité aggravant ainsi ses maux psychologiques. Bien plus, note encore Miguel Benasayag, la souffrance de l’homme moderne est elle-même dénoncée comme déviance, déviance bien vite récupérée et prise en charge par le corps médical ; une médicalisation et médication conduisant à une désubjectivation de la souffrance engendrant ainsi encore une plus grande souffrance.
La psy se doit donc de répondre à ces nouvelles afflictions psychiques de l’homme du XXIe siècle qui se traduisent par de nouvelles demandes. Car, aujourd’hui, ce ne sont plus les classiques interrogations, Pourquoi je souffre ? D’où vient cette souffrance ?, qui sont posées au psy, mais comment recoller, comment être performant, réparer ? … comme on répare ou booste un moteur ! Car l’homme, la femme, l’ado sont bien perçus aujourd’hui – et se perçoivent – comme un pur mécanisme ou agrégat qu’il suffirait de démonter et de remonter dans le sens souhaité. Il y a, souligne Miguel Benasayag, une déconstruction, désintégration de l’intériorité de l’homme, ce dernier étant devenu – avec plus ou moins de complicité – toujours plus transparent et panoptique. Dépliant avec délectation, il est vrai, à l’aide de son smartphone, son appareil photo ou autres, sa vie, ses plaisirs et son propre divan, à tout moment et en tous lieux… Plus de plis pour reprendre Deleuze, plus de jardin secret, mais bien un dépliement quotidien de l’homme moderne. Face à ces nouvelles souffrances, nouvelles demandes, c’est à une véritable obligation de résultat à laquelle sont confrontés les psychiatres, psychanalystes et cliniciens. La vie de l’individu est devenue de plus en plus une stricte petite affaire personnelle n’aspirant plus qu’à trouver de pures techniques de bien-être sur la table de chevet du divan… Néanmoins, Miguel Benasayag, s’appuyant sur ses nombreuses années de pratique, n’entend pas pour autant dédouaner la psychanalyse ; selon lui, cette dernière avec ses querelles de clocher, ses dogmes, a raté également bien des rendez-vous, et notamment celui essentiel de sa dimension de recherches et de questionnements, et au lieu de participer - souligne-t-il - à la déconstruction de la figure de l’homme moderne, comme son origine pourtant l’y destinait, la psychanalyse se mit alors rapidement – ou disons cycliquement (elle finissait toujours par revenir à ce geste de restauration) – à fabriquer de l’individu. Et si la psychanalyse, par tradition, a trop tendance à recentrer l’individu sur son petit moi, les autres psychothérapies ont, quant à elles, en revanche, trop vite fait de le disloquer, le diluer dans des techniques qui lui demeurent trop souvent extérieures voire exotiques.
Or, pour l’auteur, le défi essentiel de la psychanalyse aujourd’hui est de remettre l’homme moderne, ni au centre ni à l’autre bout du monde, mais bien en situation, l’amener à reconsidérer ses souffrances eu égard à l’imbrication des circonstances, une mise en perspective tant individuelle que sociétale ou idéologique. C’est cette imbrication situationnelle, et non dislocation ou autocentrage de l’individu, que doivent rechercher en commun tant l’analyste que le patient dans une ouverture de non-savoir, de non-déterminisme ou quadrillage préétabli. Du ça m’arrive vers la compréhension du ça arrive… souligne l’auteur. Aborder, ou plus exactement accueillir la thérapie avec notamment un temps multidimensionnel et une recontextualisation permettant à l’analyse d’être pleinement situationnelle. Dans une approche spinoziste, se plaçant sur une connaissance du second genre, ce n’est plus un Connais-toi toi-même stricto-perso que préconise le philosophe et psychanalyste Miguel Benasayag, mais bien un Connais-toi dans ce monde et connais comment le monde se manifeste à toi. Pour l’auteur de Connaître, c’est agir (La Découverte 2006), l’analyse situationnelle doit amener le patient et l’analyste à appréhender – ensemble - les possibles concrets pour un agir tout aussi concret. Dépasser le narcissisme, tendre vers une « désidentification » des rôles sclérosés et sclérosants pour mieux connaître cette géographie intérieure (avec ses failles, son corps, ses ruses pour refouler sa propre négativité…) n’excluant ni réalité psychique ni extérieure, mais entendre ce qui cogne et ne demande qu’à déborder et happer chacun de nous. Ma vie ce n’est pas moi, souligne le philosophe et psychanalyste, telle est sans doute la conclusion à laquelle on arrive quand on se laisse capturer par les traits de singularité qui nous traversent. Plus je m’oublie, plus j’existe, car le moi est la prison de la vie. La thérapie situationnelle a précisément comme objectif d’aider cet « oubli » comme on permet à la porte de la cellule de s’ouvrir. Cet ouvrage captivant et stimulant, qui invite à un autre regard sur la thérapie, l’analyste et le patient, ne saurait être réservé aux seuls professionnels, mais captivera toute personne s’interrogeant sur l’humain, sur ce qui le traverse, sur la vie.

Jacqueline de Romilly « Émerveillements - Réflexions sur la Grèce antique » Pascal CHARVET (Préface), Monique TRÉDÉ (Préface), Arnaud ZUCKER (Préface), Collection : Bouquins, Robert Laffont, 2019.

Le nom de Jacqueline de Romilly restera inexorablement associé aux lettres classiques et à cette passion hellénique qui la fit connaître du grand public avec des titres devenus des depuis classiques. Ce sont ces ouvrages ayant suscité tant d’admiration que la collection Bouquins a eu l’heureuse idée de réunir. Judicieusement nommée « Émerveillements – Réflexions sur la Grèce antique », cette somme de 1376 pages évoque cet amour immodéré des textes grecs de l’historienne, et ce dès les petites classes, notamment ce coup de foudre pour Thucydide, après avoir reçu en cadeau par sa mère un livre de cet auteur en parchemin… Après de brillantes études, Jacqueline de Romilly va très tôt nourrir un intérêt aiguisé pour les idéaux et valeurs nourris par les Grecs, plus encore pour elle que la réalité des faits historiques. Alcibiade, personnage de Thucydide, ne pouvait qu’attirer l’helléniste par cette séduction à laquelle personne n’échappait selon les dires de l’historienne, tout en soulignant l’ambiguïté du personnage, plus soucieux de lui-même parfois que de sa patrie.
Il ressort de ces textes éblouissants tels que Hector, Alcibiade, La Grèce antique à la découverte de la liberté… que ces valeurs se doivent d’être appréhendées plus comme un idéal vers lequel tendre qu’au titre de véritable portrait. Athènes et le Ve siècle constituent un foyer quant à la conception de l’homme, ses passions et le régime politique idéal leur servant de cadre. Dans des pages d’une clarté didactique dont Jacqueline de Romilly avait le secret, nous nous penchons sur le berceau de la démocratie, mais aussi sur ce conteur incomparable que fut Homère et qui anticipa cette curiosité et cette ouverture de l’esprit grec. Mais, au-delà de ces personnages illustres passés à la postérité dans ce que l’on nommait les humanités, Jacqueline de Romilly fait preuve d’une passion constante pour la naissance et le développement des idées. Comment les Grecs donnèrent-ils naissance à des concepts encore prégnants de nos jours ? Bien que le concept de démocratie vienne, bien entendu, le premier à l’esprit et suscite encore de nombreuses questions de nos jours, l’auteur a toujours pris grand soin de nuancer le contenu de ce concept selon les époques et les lieux...
Ce sont toutes ces nuances qui transparaissent dans cette pensée lumineuse, une sensibilité toujours alerte et en alerte, une délicate invitation au lecteur d’appréhender l’importance de cet héritage menacé. (Lire notre interview de Jacqueline de Romilly)

Verena von der Hayden-Rynsch : « Le rêveur méthodique ; Francesco Zorzi, un franciscain kabbaliste de Venise », traduit de l’allemand par Pierre Rusch, Éditions Gallimard, 2019.

Avec « Le rêveur méthodique », Verena von der Hayden-Rynsch, historienne et biographe, livre une biographie informée de Francesco Zorzi, plus connu de certains sous le nom de François Georges de Venise. Né au milieu du XVe siècle à Venise, comme son nom le sous-entend, il fut un personnage influent du tout début de la Renaissance. Franciscain, théologien, kabbaliste chrétien de renom, Zorzi côtoya l’entourage du Roi Henri VIII d’Angleterre, la papauté de Clément VII, mais aussi et surtout nombres de grands noms dont certains furent aussi ses amis : Pic de la Mirandole avec qui il correspondra et dont il commentera l’œuvre, il lira aussi Nicolas de Cues, Marsile Ficin, More et Érasme et entretiendra des liens étroits avec le célèbre architecte Jacopo Sansovino et le non moins célèbre imprimeur Aldo Manuzio (auquel l’auteur a déjà consacré un ouvrage)… Dans la lignée de Bessarion, « L’hermétisme et la Kabbale s’unissent chez Zorzi, comme chez Bessarion, à des échos dantesques, pour créer une synthèse originale des thèmes de l’harmonie et de concorde universelle. », souligne la biographe.
Verena von der Hayden-Rynsch laisse apparaître avec un souci pragmatique son personnage par cercles concentriques : L’Angleterre du XV et XVIe siècle, tout d’abord, où les querelles et les disputatio quant au divorce d’Henri VIII avec Catherine d’Aragon nourrissent tout autant les fractures et controverses que les alliances politiques et théologiques qui aboutiront à l’anglicanisme. Puis, Venise, cette Venise fière et indépendante, celle des doges et prélats, carrefour inévitable mêlant bien des confessions religieuses notamment chrétiennes et hébraïques. Comprenant, en effet, une forte communauté hébraïque venue d’Espagne, elle compte aussi de nombreux éditeurs de cette confession. C’est dans ce contexte foisonnant que Zorzi prend toute son importance, lui, ce franciscain, humaniste, parlant latin, grec, hébreu et araméen, connaissant aussi bien les Écritures que la philosophie néoplatonicienne et pythagoricienne, les philosophies et théologies arabes et l’hermétisme. Initié à la Kabbale juive, il deviendra un kabbaliste chrétien notoire. Ouvert aux grandes religions, prônant une harmonie du monde et de l’homme, il sera l’auteur notamment de « De harmonia mundi », et bien que mise à l’index, son œuvre aura une large influence dans les cercles des initiés notamment auprès de Cornelius d’Agrippa de Nettesheim, mais aussi John Dee.
Verena von der Hayden-Rynsch, en historienne, aborde son personnage sous un angle politique et théologique avant de consacrer une large partie aux œuvres mêmes. S’entremêlent alors dans de fabuleuses bibliothèques aux livres rares et précieux, théologie, philosophie, kabbale, hermétisme, ésotérisme, magie et musique… Humaniste, fervent d’une Europe pacifiée, Zorzi révèle, il vrai, de par sa vie, ses convictions, quêtes et œuvres, cet humanisme vénitien du XVIe siècle qui se diffusera dans toute l’Europe. On dit qu’il aurait inspiré Shakespeare pour « Le marchand de Venise »…Quoi qu’il en soit, Zorzi apparaît bien, en ces pages, comme un énigmatique « rêveur méthodique»…
 

Bertrand Galimard Flavigny « Histoire des décorations du Moyen-Âge à nos jours » Perrin éditions, 2017.

Quel est le rapport, parfois intime, que lie l’être humain avec la reconnaissance et les honneurs en occident ? C’est à cette question - source de bien d’espoirs, d’intérêts ou parfois d’illusions- à laquelle répond avec pertinence cette passionnante étude de l’« Histoire des décorations du Moyen-Âge à nos jours » (Éd. Perrin) retracée par Bertrand Galimard Flavigny, essayiste, critique et romancier ; auteur déjà de l’Histoire de l’ordre de Malte, de Les Chevaliers de Malte, et en collaboration avec Arnaud Chaffanjon de l’Ordre & contre-ordres de chevalerie.
L’auteur poursuit, ici, avec cette somme, sa recherche sur les ordres de chevalerie, plus particulièrement celui l’ordre de Malte, en l’élargissant à une vaste échelle historique, avec notamment l’étude de la Légion d’honneur ; bien des honneurs et distinctions dont l’auteur lui-même, Chevalier de la Légion d’honneur, Chevalier de l’ordre national du Mérite, Commandeur pro Merito Melitensi de l’ordre souverain de Malte, est gratifié. Le sujet est plus profond qu’il n’y paraît tant les notions de pouvoir, d’estime, de reconnaissance et d’autorité se conjuguent dans cette matière délicate où les caricatures peuvent trop rapidement passer à côté de phénomènes de société révélateurs. C’est bien entendu cette dimension qu’a retenue l’auteur avec le sérieux qu'on lui connaît dans ses précédents ouvrages. L’idée même de récompense est ancienne, presque consubstantielle à l’homme - et dans une certaine mesure au monde animal. Très vite adoptée par les premières communautés humaines, systématisées et organisées avec un rare souci de l’efficacité dans le monde romain, la décoration trouve ainsi loin dans le temps ses racines, ainsi que le rappela avec lucidité Bonaparte au Conseil d’État : « Je défie qu’on me montre une république ancienne ou moderne dans laquelle il n’y a pas eu de distinctions. On appelle cela des “hochets”. Eh bien, c’est avec des hochets que l’on mène des hommes »…
Dans le royaume de France, on pense bien entendu à l’institution de la chevalerie, pivot essentiel de la féodalité, reposant sur un système hiérarchique d’allégeances et de reconnaissances sous la forme de dons / contre-dons : avec une allégeance inconditionnelle du vassal (imposant aide et assistance) récompensée par le don d’une terre, un fief. C’est cette structure pyramidale qui fondera la force, mais aussi la faiblesse du système, lorsqu’elle se dissociera progressivement de la tête du pouvoir – le roi – et se désagrégera en autant de pouvoirs locaux autonomes. Bertrand Galimard Flavigny rappelle l’importance de la théorie des trois ordres analysée par Georges Duby et structurant la société du Moyen-Âge et de l’Ancien Régime jusqu’à la Révolution française, une théorie trouvant ses origines dans la trifonctionnalité mise en évidence en son temps par Georges Dumézil. L’Église n’est pas écartée de ces analyses, bien au contraire, avec les nombreuses congrégations religieuses. « Une certaine idée de la récompense » comme le souligne l’auteur naît ainsi progressivement, de l’anneau d’or à l’ordre de saint Louis, tout est mis en œuvre pour asseoir cette reconnaissance essentielle aux structures de la société de ces temps. Avec la Révolution, ce sont tous les privilèges qui sont abattus… avant d’en rebâtir de nouveau… Ainsi, refleuriront rapidement des décorations révolutionnaires pour aboutir quelques années plus tard à la naissance de la fameuse Légion d’honneur, souhaitée par Bonaparte, et qui a perduré jusqu’à nos jours, comme l’analyse en détail Bertrand Galimard Flavigny dans des pages nourries d’une riche documentation et précieuses annexes. Un ouvrage, agréablement bien écrit, dont l’intérêt n’échappera ni aux historiens ni aux lecteurs avertis.
 

À l’image des nouvelles solidarités qui peuvent naître des plus grandes fractures sociales et économiques, de nouveaux regards peuvent aussi provoquer des fulgurances inattendues parmi les décombres de l’économie mondiale. Les photographies et le texte de Charlie Koolhass ne manquent pas d’humour lorsque surgit parmi la grisaille urbaine des couleurs éclatantes, symboles d’espoirs encore présents. Les contrastes sont manifestes dans ce regard porté comme pour mieux rappeler cet incroyable brassage international auquel ce siècle, et le précédent, nous ont habitués ou contraints.

« 75 Designers pour un Monde durable. » de Geneviève Gallot préfacé par Cynthia Fleury, 220 x 285 cm, Éditions de La Martinière, 2020.
 

L’urgence à sauver la planète n’est plus seulement proclamée, elle est devenue une urgente nécessité, une urgente réalité. Dès aujourd’hui pour demain, nous devons revoir nos réflexes et modes de vie pour des comportements plus responsables tant à l’égard du climat, de la biodiversité que concernant notre consommation. C’est à seul prix et prise de conscience, véritable défi, que la terre – notre terre – sera « réanimée » et pourra être sauvée.
C’est dans cet esprit d’avenir responsable que Geneviève Gallot a eu l’heureuse initiative de réunir « 75 Designers pour un monde durable ». Un ouvrage des plus urgents publié aux éditions de La Martinière avec une préface de Cynthia Fleury. Le célèbre titre du philosophe Miguel Benasayag - « Résister, c’est créer » - prend, ici, en ces pages engagées, plus que jamais valeur d’avenir et de réalité. Car ce sont effectivement des designers engagés et militants pour une terre demain habitable qui ont bien voulu répondu à l’appel de ce beau défi lancé par Geneviève Gallot.
Des designers n’hésitant pas à innover en traitant et transformant notamment pour cela les déchets, nos déchets, tel Piet hein Eek qui « réutilise tout ce que le monde (lui) fournit » et délaisse… Déchets plastiques, aluminium ou déchets informatiques, l’esthétique du design par leurs créations se réinvente. Nos déchets deviennent par leur talent de véritables matières premières.
Pour cela, ces designers ont entrepris de réinterroger les matériaux, les réutilisant, les remployant pour des objets du quotidien – pots, assiettes, chaises, lampes, étagères… - esthétiques et en parfaite harmonie avec un mode durable. Copeaux de bois pour François Azambourg, cannes de la méditerranée pour Antoine Boudin…
Des techniques ancestrales et savoir-faire traditionnels venus du monde entier sont également redécouverts et réutilisés après avoir été inconsidérément balayés et oubliés par notre monde industriel et consumérisme. C’est un monde nouveau du design à l’esthétique redoutablement éthique et responsable qui se dévoile et déploie enfin !
Parce que le monde de demain est un défi lancé à tous, cet ouvrage de plus de 270 pages, fourmille d’idées. Il offre à tous à chacun de découvrir un design esthétique, harmonieux, et surtout respectueux de l’environnement. Refusant tant le gaspillage, la pollution que les exclusions sociales, chaque designer a souhaité livrer en ces pages des créations libres mais responsables, originales mais écologistes, laissant entrevoir chacun à leur façon un monde et un avenir plus radieux ou, du moins, quelque peu moins sombres… Et n’est-ce pas déjà beaucoup ?

« Pierre Bonnard, Au fils des jours – Agendas 1927-1946 » Céline Chicha-Castex, Alain Lévêque et Véronique Sarrano, Co-édition BnF/Editions L’Atelier Contemporain, 2019.

Les rencontres avec le peintre Pierre Bonnard sont toujours, que ce soit sa peinture, ses dessins ou sa correspondance, un plaisir infini… Aussi est-ce ce plaisir renouvelé d’instants uniques que nous offrent les éditions de l’Atelier contemporain avec cette publication donnant à découvrir les agendas de l’artiste s’échelonnant sur près de vingt ans, de 1927 à 1946. Vingt agendas couvrant les années de maturité de l’artiste et les dernières années de sa vie, l’artiste s’étant éteint le 23 janvier 1947 au Cannet. Une publication exceptionnelle établie par Céline Chicha-Castex, Véronique Serrano et Alain Lévêque (écrivain et auteur déjà de nombreux ouvrages sur Pierre Bonnard), et rendant accessibles, pour la première fois , les agendas de Pierre Bonnard conservés au département des Estampes de la BnF, ceux des années antérieures à 1927 ayant été pour la plupart perdus ou faisant partie de collections privées ; Des agendas recélant de véritables trésors, donnant à découvrir, au jour le jour, les années 1927 à 1946 de l’artiste et offrant un éclairage unique sur l’ensemble de son œuvre.
De fabuleux agendas contenant presque « miraculeusement » notes et croquis de la main même de l’artiste. Plus carnets qu’agendas proprement dits, c’est réellement un Pierre Bonnard intime dans ses recherches et études que le lecteur découvrira, au fils des jours, ainsi que l’annonce très justement le titre de ce bel ouvrage. L’artiste consignait quotidiennement, en effet, dans ses agendas dessins, croquis et annotations ; Des agendas-carnets de marques « Bijou » ou « Mignon » qu’il conservait en permanence sur lui dans sa poche. Il faut avouer qu’au regard de ces merveilleuses pages, les noms de ces célèbres enseignes prennent, ici, toute leur signification !
Ce sont de fraîches fragrances d’amandier, de douces senteurs de savons, bulles de beauté qui s’échappent de ses toiles données à voir dans une mise en page des plus soignées. Des esquisses révélant les incessantes préoccupations, recherches et études de l’artiste. Des croquis pris sur le vif, de lieux familiers ou encore ses fameux chats, et surtout des nus et portraits de proches qui viendront ou non nourrir ses futures toiles. Des œuvres données par cette édition en vis-à-vis, établissant ainsi un dialogue singulier et intimiste unique. Femmes à la toilette, sujets de ses si célèbres toiles, mais aussi, bien sûr, des portraits ou encore des paysages de vacances ; délicieuses compositions, natures mortes dans une douce lumière de printemps…
Le lecteur admiratif y retrouvera toutes les hésitations de l’artiste, motifs, volumes, contours, compositions, cadrages s’y cherchent et se déploient suscitant émerveillement. Dénués de leurs couleurs, ce sont les hachures qui viennent en donner tout le relief et la lumière, cette lumière si chère à Pierre Bonnard. Des pages telles des fenêtres ouvertes serties des textes de Véronique Serrano et Alain Lévêque, apportant précisions, détails et explications, et replaçant ainsi ces pages d’agendas dans le contexte de leur époque. Faisant suite à la préface de Céline Chicha-Castex, le lecteur pourra également lire un souriant et long « Dialogue d’Alain Lévêque avec un ami pessimiste »…
Mais parce qu'également agendas, en tant que tels, ils offrent aussi aux curieux des pépites tels les rendez-vous, déjeuners, listes de course de l’artiste, ou le temps qu’il fait… Rencontrer Bonnard est une douce promesse de lumière… « Il laisse, dans l’inquiétude, une trace lumineuse de son passage qu’il nous rend espoir. Quelle est cette espérance qu’il nous insuffle, dès les plus modestes pages de ses agendas ? C’est d’être comblé par le fini, par le plus simple que trouvent insuffisant ces dangereux rêveurs qui détournent de l’ici pour un ailleurs illusoire… », souligne Alain Lévêque.
Un ouvrage remarquable et unique dans lequel l’ombre de la main de Pierre Bonnard dessine encore, révélant toute la quête artistique de l’artiste, dans cette atmosphère eudémoniste et intimiste qui lui était si chère… Instants de bonheur !

Sont également parus aux éditions de L’Atelier contemporain : « Pierre Bonnard ; Les exigences de l’émotion » avec une préface d’Alain Lévêque et « Observations sur la peinture ; Pierre Bonnard » introduction Antoine Terrasse, préface Alain Lévêque.