L'actualite du Livre

Littérature - Poésie - Romans
"La maison du magicien" d’Emanuele Trevi ; Traduit de l’italien par Nathalie Bauer, Philippe Rey Éditions, 2025. Avec Emanuele Trevi et « La maison du magicien », nous déambulerons au cœur de l’un de ces mandalas dont son père, analyste jungien renommé en Italie, en avait la pratique, une habitude héritée en cela de son maître suisse, le non moins célèbre Karl Gustave Jung… Que révèle ce mandala donné sous forme de roman ? Une quête identitaire ? La recherche de racines ? L’auteur ne cherche pas à asséner des réponses, mais suggère plutôt des voies, parfois étranges, dans les méandres de la conscience se heurtant ou composant avec celles de l’inconscient. Dans ces horizons évanescents, et parfois déconcertants, la plume aussi mordante que poétique d’Emanuele Trevi accompagne le lecteur dans ses propres questionnements. Car nous sommes toutes et tous amenés à errer un jour ou l’autre dans une maison de magicien, qu’il s’agisse de celle d’un parent comme dans le cas présent, ou plus imaginaire. À la recherche de ce père imprévisible, Emanuele Trevi reparcourt dans ces pages, elles-mêmes inattendues, les filigranes du souvenir. En cette quête où la psyché scande si souvent à notre insu les évènements et les êtres, l’auteur tente de prendre la distance nécessaire – sans y réussir toujours! L’auteur revisite ainsi le passé et le présent selon des réminiscences constitutives, notamment cette précieuse mémoire redécouverte à partir du livre de Carl Gustav Jung abondamment annoté par son père. Le lecteur ira de découverte en découverte, parfois triviales comme cette femme de ménage digne d’un film de Fellini ou cette déconcertante prostituée péruvienne qui, paradoxalement, viendront ancrer le romancier dans ce qui jusqu’alors relevait d’un monde flottant… Une pérégrination aussi légère que profonde dans les tréfonds de « L’Homme à la découverte de son âme » pour reprendre un titre jungien… Philippe-Emmanuel Krautter « Les Adieux » de Philippe de la Genardière, Editions Actes Sud, 2025. C’est toujours un vif plaisir de retrouver Philippe de la Genardière, cet écrivain qui écrit avec parcimonie et dont les livres sont dès lors toujours attendus et salués. Et nul doute que son dernier ouvrage, « Les Adieux » ne fera pas exception avec son atmosphère quelque peu évanescente presque diaphane… Il nous laisse, ici, en effet en compagnie de Césaire, écrivain veuf qui n’écrit plus, mais qui le soir sur sa terrasse ou descendant vers la rivière bordant cette maison du Sud (qu’on imagine belle) parle à sa défunte épouse, Sofia, l’amour de sa vie, sculptrice disparue dix ans auparavant et dont l’atelier est demeuré intact dans ce jardin ; Césaire qui parle encore à son chien, à sa voisine aussi ou à sa doctoresse… Césaire parle et contemple les étoiles, la rivière, égrenant ses pensées et méditant sur l’écriture, la poésie, la beauté, l’amour ou le plaisir… Et puis ce temps qui passe, le néant, la mort, bien sûr, mais « mourir, c’est une autre affaire », vous dira-t-il … Des interrogations, encore, la foi, l’humanité et « le silence comme respiration du monde»… Sans oublier ce carnet comme un testament ou une lettre d’amour retrouvée de Sofia… Le lecteur se laisse entraîné à la suite de Césaire, cet homme seul avançant doucement vers un âge certain ; on se surprend à l’écouter marmonner, pérorer ou songer sur son banc comme on rêve à hier et aux années passées ; partageant émotions et temps qui passe, partageant ces liens ténus et intimes que l’auteur nous fait avec élégance et délicatesse « éprouver et effeuiller comme le grand livre des émotions ». Rien de lourd ni de lassant, cependant, Philippe de la Genardière sait trop bien se faire léger, redoutant plus que tout, la pesanteur des mots et la lourdeur des phrases, leur préférant « la légèreté d’une feuille morte » vous dira tout bas Césaire… L.B.K. Jean Rouaud : « La constellation Rimbaud », Folio essais, Gallimard, 2024. A noter, cet essai Folio signé Jean Rouaud intitulé « La constellation Rimbaud ». Sous ce titre, l’auteur a entrepris d’interroger les nombreux témoins de l’existence du poète. Proches ou moins proches, incontournables ou plus éphémères, toutes ces sources nous disent à leur manière qui était Rimbaud ; qui était celui qui délaissa si tôt la poésie pour les paysages d’Afrique ; Paul Verlaine, Georges Izambard, bien sûr, mais aussi des plus lointains se souvenant encore en 1954 l’avoir aperçu se promenant… ou encore ces souvenirs vibrants, plus proches de nous, datant des années 1970, de sa nièce, Émilie Tessier, petite grand-mère recroquevillée dans son fauteuil dans sa maison de retraite de Vouziers à quelques kilomètres d’Attigny et qui interdisait à sa petite-fille de prendre le nom de Rimbaud, « le nom de ce chenapan » … Abordés ou plus exactement rangés selon les lieux, Charleville, Charleroi à Marseille en passant par Aden, Harar, etc. , ces pages livrent sous la plume de Jean Rouard aux observateurs aveugles que nous sommes aujourd’hui une véritable pléiade des témoins de la brève existence du poète, ce que l’auteur a appelé à juste titre : « La constellation Rimbaud » ! L.B.K. Fouad El-Etr : "L’escalier de la rue de Seine", Éditions L'Atelier contemporain, 2024. Empruntons une à une les marches de l’escalier de la rue de Seine à la suite du poète éditeur Fouad El-Etr en compagnie de son ami l’artiste Sam Szafran grâce à cet ouvrage paru aux éditions de l’Atelier contemporain. Réunissant deux textes témoignages, « Esquisse d’un traité du pastel » et « L’Escalier de la rue de Seine », ce fort volume retrace le parcours d’une vie et d’une revue passée à la postérité, La Délirante… A la fois chantre d’une aventure qui relève du récit picaresque tant les défis à relever semblaient quasi impossibles pour un seul homme, et poète des temps modernes Fouad El-Etr a toujours été convaincu de sa démarche, parfois contre vents et marées. Les solides amitiés qui résistèrent à cette personnalité fougueuse et entière permirent cette aventure digne de celle d’un Ulysse du XXe siècle. Face aux géants de l’édition moderne, un homme sut en effet imposer une revue unique en son genre réunissant la fleur de la littérature (Borges, Brodsky, Cioran, Paz, Schéhadé, Yeats, etc.) et des arts (Bacon, Balthus, Botero, Szafran…). Rédigés à cinquante ans d’intervalle, ces deux textes retracent ainsi cette aventure romanesque de La Délirante et l’amitié qui lia l’auteur à Sam Szafran. Le fil directeur réside dans ce fameux escalier du 54 de la rue de Seine, un immeuble de six étages au cœur du quartier de Saint-Germain-des-Prés où logeait Fouad El-Etr. C’est ce même escalier qui allait bientôt sur les encouragements du poète éditeur devenir l’atelier de travail de Sam Szafran, un atelier quasi-hypnotique qui devait se transformer en labyrinthe prolongeant au siècle passé les gravures tourbillonnantes des fameuses prisons de Piranèse. Dès la première lettre datée de 1974, Fouad El-Etr jette les esquisses d’un traité informel du pastel : « Je me rends compte seulement à quel point la technique du pastel, que tu es le seul à perpétuer de nos jours avec un tel éclat, s’est libérée avec le temps d’une destinée de demi-teinte pour se ranger, avec ses poudres et couleurs, du côté de la peinture. Quel chemin depuis le profil d’Isabelle d’Este esquissé à la pierre noire par Vinci, et rehaussé de sanguine, de craie ocre et de blanc, et repris à l’estompe, jusqu’aux splendides portraits de Chardin et de Perronneau, qui sont de véritables hymnes au pastel !… ». Fixer l’éphémère grâce au pastel en un fragile équilibre toujours menacé, telle était la crête envisagée. . Ce « monologue poudré » est ponctué de réminiscences de Chardin, tout autant que de perfections évoquées par le poète Francis Ponge. Cette délicatesse exigeante devient alors omniprésente, page après page, le lecteur devenant lui-même hypnotisé par tant de nuances encore accentuées par le mouvement spiralaire récurrent des marches de l’escalier… Ce vertige ouvrant vers de multiples infinis devient alors l’élan de la création la plus incroyable, l’escalier formant lui-même une métaphore de l’existence. Avec « L’Escalier de la rue de Seine », nous franchissons ainsi les barrières du temps en revenant dix années auparavant, un soir d’octobre 1965, véritable coup de foudre artistique. Acte de naissance de La Délirante dont le premier numéro sortira en 1967, cette amitié aura à braver les intempéries et les aléas politiques et sociaux (mai 68), économiques (les impossibles financements) tout en poursuivant un cheminement fécond entre poésie, art et littérature. L’indépendance de Fouad El-Etr nourrie du dialogue fécond entretenu avec les plus grands noms des arts et des lettres du siècle passé, sans compter les grands auteurs plus anciens, donnera naissance à un travail éditorial unique en son genre dans la grande tradition typographique conjuguant excellence et raffinement. Un témoignage délectable et inspirant… on ne peut qu’en remercier l’auteur, Fouad El-Etr. Philippe-Emmanuel Krautter Erri De Luca : « Les règles du Mikado » traduit de l’italien par Danièle Valin, Editions Gallimard, 2024. « Les règles du Mikado » présidant à la rencontre fortuite d'un vieil homme et d'une gitane fuyant les siens, tel est le thème du dernier roman d'Erri de Luca paru aux éditions Gallimard. En une évocation à la fois pudique et profonde, le narrateur – dont l’auteur n’est jamais très éloigné – ouvre la main pour recueillir cet oiseau apeuré poursuivi par les siens. L’accueil, le partage, l’échange, la foi en l’être humain quels que soient ses secrets, constituent les thèmes récurrents de ce roman discret à l’image de son auteur. Le vieil horloger – nous ne connaîtrons pas les noms des protagonistes comme s’en explique le roman en préface – apprécie la minutie du geste, celle des mécaniques de précision tout autant que l’habileté à se saisir des fins bâtonnets de bois du fameux jeu de patience d’origine japonaise. Tout est lié, le destin des hommes à l’image des parties composant la nature, la moindre modification provoquant une suite d’effets souvent insoupçonnables, à l’image de cette jeune femme dont le destin se trouvera étonnamment bouleversé tout autant que celui de son bienfaiteur… Derrière l’intrigue apparemment simple se cache une multitude d’analyses sur les situations, les caractères, le destin et les multiples interactions suscitées par la vie. De Luca dresse un portrait sensible de ses protagonistes où la poésie n’est jamais éloignée, un récit initiatique en forme d’accueil de l’altérité qui laisse une profonde inspiration de liberté après sa lecture dans la belle traduction de Danièle Valin. Henry Miller : "Jours tranquilles à Clichy" ; Traduction de Gérald Robitaille ; Préface de Michael Paduano ; Photographies de Brassaï, Editions Bartillat, 2023. Les éditions Bartillat ont eu l’heureuse idée de publier pour la première fois en français « Jours tranquilles à Clichy » de l’écrivain américain Henry Miller illustré des photographies du non moins célèbre photographe Brassaï. Ces récits entre roman et autobiographie d’années passées à Clichy dans les années 30 du siècle passé relèvent tout autant de l’impromptu incisif que d’une méditation sur la vie. Avec sa spontanéité jouissive, le narrateur sait se saisir des petits riens du quotidien illuminant une journée alors que les amours tarifées, la nuit venue, scandent le récit selon le rythme libertaire bien connu de l’écrivain américain. Bien entendu, certains propos seront difficilement admissibles de nos jours, mais tel n’est pas le cœur de l’ouvrage traduit avec une rare acuité par Gérald Robitaille qui sait en restituer le souffle millérien. À l’image du célèbre « Colosse de Maroussi », Miller sait en ces pages se saisir de la vie comme d’une flamme entre les doigts, exercice hautement périlleux où beaucoup ont péché par excès ou trop grande prudence. À la différence de l’univers blafard, pour ne pas dire glauque d’un Céline relatant le milieu proxénète de la ville de Londres quelques années auparavant, Miller parvient à trouver un rayon de soleil dans les camaïeux de gris de la capitale française. Période féconde de l’écrivain pourtant dans le plus grand dénuement ainsi que nous le rappelle en postface Michael Paduono, « Jours tranquilles à Clichy » parvient à restituer une tranche de l’histoire d’un quartier populaire de Paris dans les 30 (mars 1932 à fin 1933 plus précisément) au 4 rue Anatole Franche à Clichy avec son ami Alfred Perlès. Un récit haut en couleur, un hymne quasi extatique à la vie. Philippe-Emmanuel Krautter Antoine Sanchez : « Le Pégase », Éditions L’Atteinte, 2020. Il y a toujours quelques pépites littéraires que l’on découvre un peu plus tard notamment lorsque la maison d’édition est discrète et édite tranquillement des ouvrages de quelques dizaines de pages sensibles et tournées vers l’intime et l’humain. Tel est le cas de ce court roman « Pégase » dont l’auteur, Antoine Sanchez, musicien et écrivain, transcrit les rythmes des mots de tous les jours des habitués accoudés au zinc ou assis à une des tables de ce bar-tabac de village, hors du temps, non loin de l’église et de sa place où joue Norbert, le musicien, que tous connaissent. Pégase sauvé de sa fermeture par Raymond et Odile est un lieu hanté par ses habitués, par toutes ces personnalités qui y laissent une trace journalière, d’une banalité parfois déconcertante, mais qui sont les meilleures vigies de tout ce qui peut ou pourrait se passer dans le village. Fins observateurs des autres, ces personnages iconiques de ce lieu sont eux-mêmes regardés et commentés par les autres. Ils s’inquiètent du retard de l’un, de la santé de l’autre, de l’absence trop prolongée d’un tel… Tous ont bien plus de « relief » que ne laissent paraître leurs rituels quotidiens. « Au Pégase, il a ceux qui sont là depuis toujours. Le zinc, la bête et ce verre que l’on brandit en guise de prière, entre soif de joute et d’immobile. » Au Pégase, il a aussi ceux qui ne feront que passer. Un café, un petit blanc, un thé, un scotch… si tôt ! Un autre ? Tient que ce passe-t-il, un brin de déprime, de nostalgie ou de mélancolie, vas-y parle-nous, raconte… « Ce court texte émaillé de réflexions philosophiques et métaphysiques, est un vrai petit théâtre, fait de vies cabossées dont on détourne habituellement le regard » écrit l’éditeur et de ce fait il n’est plus possible d’entrer dans un bar et de ne pas observer ce foisonnement de moments de vies qui y passent un court instant sans imaginer la suite de toutes ces histoires potentielles, celles qui réjouissent l’imagination des écrivains. « Les derniers clients sortent leurs billets, leurs pièces, leurs cartes. Raymond regarde dehors, la nuit, la lumière des lampadaires, des silhouettes fuyant sous la pluie. Une journée comme une autre. Rien qu’une journée comme une autre. » Sylvie Génot-Molinaro Richard Rognet : « Patienter sous les nuages », NRF, Editions Gallimard, 2024. Dans son dernier recueil, le poète Richard Rognet nous convie à « Patienter sous les nuages », belle invite que le lecteur ne manquera pas de suivre à la lettre ! L’auteur puise en ces pages inspirées à l’encre diaphane de ces formes évanescentes par excellence, nous entraînant dans une contemplation que les temps modernes tendent trop souvent d’occulter. L’ouverture de ces poèmes en prose se fait sous la forme d’une promenade où les sens sont aux aguets, prompts à saisir l’insaisissable, frôlements, ombres, songes… L’écriture se conçoit alors comme viatique à la douleur et autres peines du monde. Le langage entendu ainsi devient synonyme de vie, toujours en devenir, jamais révolu. La poésie de Richard Rognet se veut mouvement, vibrations, parfois imperceptibles de la nature et du monde. En un élan toujours renouvelé, le poète tente d’en retenir l’essence, de l’approcher à l’affût, la nature revêtant alors un autre manteau, non plus accessoire de nos loisirs mais bien celui incontournable de la vie même. Cette inspiration élégiaque qui transparaît de cette prose sensible n’a rien de convenu mais relève plutôt du souffle vital du poète qui y puise notamment ces vers d’une grande délicatesse dont les dialogues impromptus avec les éléments renforcent encore notre émerveillement : « J’entre dans la lumière qui fourmille parmi les arbres, je lui demande quel chemin elle veut bien me proposer pour que j’aille toucher les ultimes langues de neige qui étincellent sur les les pentes, j’entre dans la profondeur de la lumière… ». Philippe-Emmanuel Krautter « Giocanda » de Nikos Kokàntzis, traduction du grec par Michel Volkovitch, Mikros Littérature, Éditions de l’Aube, 2022. Giocanda est l’œuvre d’une vie et d’un souffle, celui de l’amour inconditionné et éternel réunissant à jamais deux êtres que l’Histoire cherchera pourtant à séparer… Nikos Kokantzis livre, en effet, avec ce témoignage sensible et poignant l’histoire – sa propre histoire – d’un jeune adolescent dans la ville cosmopolite de Thessalonique où communautés juives et locales vivaient en harmonie jusqu’à ce que le vent de la Seconde Guerre mondiale ne vienne balayer à jamais tous ces liens. Giocanda est une jeune fille juive, voisine de Nikos, l’auteur et narrateur, les deux adolescents scellant rapidement leur destin en des liens purs et absolus. Kokantzis, page après page, se remémore ces amours naissantes, ce rapprochement indéfectible entre deux êtres qui allaient bientôt – trop tôt – être séparés à jamais. Mais c’était sans compter sur le travail de mémoire et d’écriture qui allait combler ces vides et perpétuer ce souvenir passionnel transcendant ainsi les affres du temps. Nul lyrisme, nul pathos dans l’écriture limpide et poétique de l’écrivain grec si bien rendue par la belle et sensible traduction de Michel Volkovitch, mais la présence et la sensualité de ces deux jeunes adolescents en des pages qui pourraient bien être une définition de l’amour absolu... Une évocation dont le lecteur ne sortira pas indemne et qui contribue à perpétuer la mémoire de tous ces êtres brisés par le destin. À noter la récente parution du même auteur disparu en 2009 : « Le vieil homme et l’étrangère » aux mêmes éditions de L’Aube. Philippe-Emmanuel Krautter « Pièces roses » et « Pièces baroques » de Jean Anouilh, Coll. « La Petite Vermillon », Éditions La Table ronde, 2023. Si Antigone demeure l’œuvre la plus célèbre de Jean Anouilh, ses nombreuses autres créations ne sauraient pour autant être négligées notamment celles dénommées « Pièces roses » ou encore « Pièces baroques » que le lecteur retrouvera dans ces deux volumes récemment parus dans la collection « La Petite Vermillon » aux éditions La Table ronde. Des œuvres empreintes de fantaisie, de légèreté et d’humour, ainsi que leur titre respectif le laisse présager. L’auteur avait lui-même rangé et regroupé ses pièces selon cette thématique : « roses », « baroques » ou encore « Pièces costumées », « Pièces grinçantes », etc. également parues dans cette collection. « Humulus ou le muet » qui ouvre le recueil « Pièces roses » sera la première pièce de Jean Anouilh qui sera représentée en 1932. L’histoire est celle d’un muet, Humulus, qui ne peut après avoir été soigné prononcer qu’un seul et unique mot par jour ; Comment en ces circonstances déclarer son amour ? Pièce courte pleine de fantaisie mais aussi un brin cruelle… « Le bal des voleurs » qui suit sera l’un des premiers succès de l’auteur après « Le voyageur sans bagage » et signera une longue coopération entre Anouilh et Barsacq. Enfin, représentée en 1940, « Léocadia » après « Le Rendez-vous de Senlis » et qui referme ce volume est probablement la pièce la plus connue avec une jolie thématique intemporelle, celle du temps et de la vie… Le lecteur retrouvera dans le volume « Pièces baroques » trois autres pièces de théâtre créées dans les années 1960-70 notamment « Cher Antoine ou l’amour raté » de 1966 ; un huis clos caustique sur fonds d’ouverture de testament offrant un jeu aussi âpre que pétillant suivi de « Ne réveillez pas Madame » et du « Le Directeur de l’Opéra », des oeuvres également pleines d’un humour sans concession sur le monde de la scène et l’amour… L.B.K. « Le Tour du Monde en 80 jours » de Jules Verne et « Jane Eyre » de Charlotte Brontë, Editions Larousse, 2023. Quel plaisir de retrouver ces titres de toujours – « Le Tour du monde en 80 jours » de Jules Verne ou encore « Jane Eyre » de Charlotte Brontë – dans cette collection collector chez Larousse ! Un ravissement qui allie autant le plaisir des yeux que celui de la lecture avec une mise en page claire, des caractères lisibles, de belles illustrations et de jolis culs-de-lampe ou autres ornements ; tout enchante dans ces ouvrages d’antan offerts aux siècles derniers à Noël aux enfants fortunés ou pour les plus studieux à titre de récompense, ce que l’on nommait alors « Prix de fin d’année »… « Le Tour du monde en 80 jours » de Jules Verne, cet incontournable classique publié pour la première fois en 1872, enchante toujours autant les grands et plus jeunes avec ces extraordinaires aventures de Phileas Fogg et de son fidèle domestique ; qui n’a jamais rêvé en tenant entre ses mains ce fabuleux voyage ? L’un des meilleurs romans de Jules Verne ayant connu bien des traductions et adaptations… Sa lecture demeure cependant dès plus jubilatoire ! « Jane Eyre » de l’anglaise Charlotte Brontë, l’aîné des trois « sœurs Brontë », est, pour sa part, un roman inoubliable qui a bouleversé nombre de générations depuis le XIXe siècle. Comment oublier, en effet, la vie de cette orpheline qui subira les affres de sa tante et cousines, avant que, devenue gouvernante, elle ne tombe amoureuse du père de son élève, Mr. Rochester, pour le meilleur et pour le pire… Un ouvrage considéré comme le chef d’œuvre de Charlotte Brontë! L.B.K. François de Saint-Chéron : « Malraux devant le Christ », Editions Desclée de Brouwer, 2023. On connaît (certes, plus ou moins bien) l’œuvre, la vie ou la pensée de cette incomparable personnalité éprise de culture et d’art que fut André Malraux, et François de Saint-Cheron a par son talent et fidélité beaucoup contribué et œuvré à cette connaissance. Il demeure cependant un point – plus intime – sur lequel Malraux demeure moins connu, celui de la religion. Si son attrait pour certaines religions notamment extrême-orientales et sa fascination pour l’Inde sont plus familières ou si nous avons tous en mémoire ses fabuleux ouvrages concernant l’art chrétien (« Le Monde chrétien », « Le Surnaturel »), quelle était cependant sa position ou croyance face à la religion chrétienne dans laquelle il était né ? Si Malraux se présentait, ainsi que le souligne l’auteur, comme agnostique, cette seule affirmation n’épuise cependant pas à elle seule toute la question, tant s’en faut ! À la lumière de son œuvre et convoquant de nombreux témoignages (lettres, biographies…), François de Saint-Cheron faisant preuve de pudeur et d’une belle sensibilité révèle, en effet, au lecteur un Malraux bien plus complexe et déconcertant : Son attrait ou attachement à certains saints – on songe à saint Jean l’Evangéliste dont il demandera à une sœur lecture, en 1944, alors qu’il pensait être fusillé au petit matin, mais aussi saint François d’Assise ou Lazare – titre d’un récit autobiographique ; Son respect, ses interrogations ou affirmations à certains de ses amis notamment au Père Bockel, aumônier de la brigade Alsace-Lorraine, à Mauriac ou à Bernanos, parfois appuyées ou reprises dans les pages de ses ouvrages ; Son intérêt, enfin, accordée au Christ, à l’âme, au mal, à la foi ou transcendance… Croyance, quête ou regret ? C’est un Malraux effectivement plus intime et bien moins péremptoire que certains n’avaient voulu le dire que découvriront les lecteurs de cet ouvrage ; nombre de ses proches ou amis l’avaient pour beaucoup parfaitement pressenti ou senti. Au-delà de sa réelle connaissance de la culture chrétienne, Malraux semble, non pas obsédé, mais « hanté » par la question de la transcendance, « cette part éternelle qui en lui [l’homme] le dépasse. » écrira-t-il au Père Bockel… Ce n’était peut-être pas pour rien que le Général de Gaulle lui avait un jour répondu : « Pourquoi parlez-vous comme si vous aviez la foi, puisque vous ne l’avez pas ? » L.B.K. Chris Offutt : « Les Gens des collines », Coll. « Totem », Éditions Gallmeister, 2023. Mick Hardin est un enquêteur du CID, la division des enquêtes criminelles de l’armée, spécialité homicides, en permission dans sa région natale du Kentucky où vivent sa sœur, Linda, première femme shérif du comté, ainsi que sa femme Peggy, enceinte et proche d’accoucher. Ce pourrait être le début d’une histoire toute simple mais il n’en est rien … Mick aime un peu trop le bourbon et les moments de solitude dans une cabane en bois au milieu des collines, c’est là que Linda le trouve et lui demande de l’aide sur une enquête. Mick a participé aux grands conflits militaires américains et se pose en vétéran respectable mais cela suffira-t-il pour que les habitants les aident à retrouver le témoin de ce crime et dont tous connaissent l’identité de la victime ? Et quand bien même, quelqu’un serait-il prêt à « cracher » le nom du meurtrier... Une course contre la montre et une enquête serrée se profilent car Mick doit aussi reprendre du service même avec pas mal de jours de retard et se débattre avec des différends entre lui et Patty… Chris Offutt joue sur sa connaissance des gens bruts et méfiants des collines qui cachent leurs non-dits et leurs secrets. Dans les trois premières pages du roman, le scénario s’écrit et une tension s’installe. « …Quelque chose arrêta son regard, une couleur ou une forme qui n’aurait pas dû être là… Il se redressa pour s’étirer le dos et vit une femme allongée dans une position disgracieuse, le corps contre un arbre, la tête pendant vers le bas, le visage tourné. Elle portait une robe élégante. Ses jambes étaient nues et une chaussure manquait à son pied. L’absence de culotte le fit douter qu’il puisse s’agir d’une chute accidentelle. Il s’approcha et reconnut suffisamment ses traits pour savoir son nom de famille. » Une ambiance western policier actuel, un rythme cinématographique, des chapitres comme des plans-séquences et un style clair nous plongent dans les familles du coin et la diplomatie parfois limite que Mick affectionne pour obtenir ce qu’il veut entendre. Mick ne voit plus les choses comme tout le monde, trop d’horreurs de guerre dans son esprit, sans doute, et trop chercher empêcherait de trouver : « …Ne cherche pas les champignons, regarde là où ils poussent. La nuit, ne cherche pas la piste d’un animal, va juste là où il n’y a pas d’arbre. Vois les formes et les couleurs, pas la chose elle-même. » Une porte de sortie pour l’esprit de Mick, le chant des oiseaux, la beauté des arbres et de la nature qui l’entourent et où il aime se réfugier. Heureusement car pour tenir le coup et mener à bien cette enquête, Mick et Linda vont compter les morts qui jalonneront les routes escarpées des collines du Kentucky, comme l’intervention d’un agent du FBI, pas vraiment le bienvenu dans ce comté. Mais il faudra bien faire avec les susceptibilités de chacune et chacun et les méthodes peu orthodoxes de monsieur Hardin, le passé de tous et trouver qui manipule qui suivant la devise de Mick : « Fais ce qui doit être fait ». Sylvie Génot-Molinaro « Je pense à votre destin – André Malraux et Josette Clotis – 1933-1944 » de Françoise Theillou ; 256 p., Coll. « Essai français », Editions Grasset, 2023. La vie et la personnalité de Josette Clotis, deuxième compagne d’André Malraux de 1933 à 1944, sont quelque peu moins connues ; on songe en comparaison, bien sûr, à sa première épouse, Clara Malraux, union dont naîtra Florence Malraux. André et Josette se rencontre avant-guerre à la NRF, Malraux est déjà un écrivain connu et il obtiendra le Prix Goncourt quelques semaines plus tard. Josette, apprenant la nouvelle chez ses parents en province, ne sera pas peu fière de cet amant… mais André Malraux est marié, et Clara enceinte de Florence… L’auteur, Françoise Theillou, s’est appuyée pour écrire cet ouvrage sur de nombreuses archives dont les journaux intimes de Josette Clotis. Elle nous donne ainsi à lire cette liaison faite de séparations, d’absences, d’amour et d’incompréhensions. Heureuse, se morfondant, désespérée, combien de chambres d’Hôtel, d’heures passées à attendre André... Ils sillonneront ensemble, séparément ou parallèlement durant les années de guerre la France du Nord au Sud et du Sud au Nord. Durant ces années, si Malraux affirme sa personnalité et sa vocation d’écrivain, s’enfermant pour écrire, Josette, elle, y renoncera ; André deviendra également le fameux colonel Berger. Malraux n’aura pas toujours, ni même souvent, sous la plume de Françoise Theillou la part belle. L’auteur, fidèle en cela aux archives en sa possession, n’a pas entendu travestir la réalité. L’ouvrage est d’ailleurs complété par de nombreux inédits issus notamment des papiers personnels de Josette, de billets ou de correspondances d’André Malraux à Josette ou encore d’un Cahier de préparation également inédit d’André Malraux. De ces années de vie côte à côte, naîtront deux fils que le destin ravira violemment à André lors de leur adolescence dans un tragique accident de voiture, après lui avoir déjà ravi quelques années auparavant dans un non moins tragique accident de train ; leur mère, Josette Clotis ; celle qui durant plus de dix années de 1933 à 1944 n’aura jamais hésité à attendre, à courir et rejoindre sur les quelques mots d’un message celui qu’elle n’aura jamais cessé d’aimer, celui qui signait de chats en fil de fer, André Malraux. L.B.K. « Hommage à Philippe Sollers », NRF, Editions Gallimard, 2023. Comment rendre hommage à Philippe Sollers après sa disparition au printemps 2023 à l’âge de 86 ans ? Qui ne connaît pas Philippe Sollers ? Mais le connaît-on vraiment ? Derrière les clichés trop souvent véhiculés plus vite que la lumière se cache un homme épris de liberté, de beauté et d'amour, éléments d'un ciment imperturbable qui édifia, année après année, une réflexion majeure et innovante dans notre société en crise de fausses certitudes. Si l'homme attire ou agace certains, Philippe Sollers ne laisse assurément pas de glace, mais brûle d'un feu qui jette des éclaircies dans notre quotidien. Cet « Hommage à Philippe Sollers » publié aux éditions Gallimard réunit ses amis, ses connaissances de longue date en autant de rencontres que l’écrivain suscitait ou accordait toujours avec générosité. Hommage donc non point à un défunt, mais à un éternel amoureux de la vie qui se prolongera encore par ces nombreux témoignages laissés en sa mémoire. « Francis Ponge , Philippe Sollers - Correspondance. 1957-1982 », Édition de Didier Alexandre et Pauline Flepp, Collection Blanche, Editions Gallimard, 2023. Voici réunis en un seul et fort volume publié aux éditions Gallimard vingt-cinq ans de correspondance entre deux personnalités emblématiques de la littérature du XXe siècle, Francis Ponge et Philippe Sollers. Cette parution établie par Didier Alexandre et Pauline Flepp survenant au lendemain de la disparition de Philippe Sollers, le 5 mai 2023, permettra d’apprécier la richesse et la verve toujours présente chez l’écrivain dialoguant avec le poète, son aîné. 37 ans séparent, en effet, ces deux hommes que l’amitié va réunir, Ponge pressentant rapidement les qualités littéraires du jeune écrivain qui signe encore sa correspondance par Philippe Joyaux, son patronyme officiel. Les quinze premières années de cet échange nourri témoignent du soutien indéfectible de Ponge pour ce jeune espoir qu’il recommande notamment à Marcel Arland et Jean Paulhan pour la NRF. Très rapidement, le ton change et du formel « Cher Monsieur » les différentes lettres seront introduites pas un « Cher Francis » et « Cher Philippe »… Couvrant la période 1957-1982, cet échange épistolaire – inimaginable de nos jours à l’heure numérique – reflète les grandes heures de la littérature et de la culture de la deuxième moitié du siècle dernier, tout autant que les petits tracas de la vie quotidienne et de santé. Les livres en maturation transparaissent au fil des lettres, l’œuvre en genèse des deux écrivains se dessinant parmi les cabales menées à l’encontre de leur génie respectif. Cinéma, architecture – Sollers confessant qu’il ne quittera plus la Cappella dei Pazzi de Santa Croce à Florence !, peinture, musique… tout fait signe pour ces deux âmes éprises de beauté. Malheureusement, comme toute amitié entière, les heurts ne manqueront pas, notamment à partir de la rupture accélérée par les évènements de mai 68, Ponge du côté de l’ordre en place, Sollers tournant ses regards vers la Chine… Vient de paraître également aux éditions Gallimard, collection Folio+ Lycée, le dossier programme du bac consacré au texte fondamental de Francis Ponge « La Rage de l’expression ». Une publication très didactique présentant toute la richesse de la démarche du poète dans le contexte historique de son époque. Un dossier pédagogique également passionnant pour les post-bacheliers ! "Deux vies" d’Emanuele Trevi, récit traduit de l'italien par Nathalie Bauer, Prix Strega 2021, Philippe Rey Éditions, 2023. « Deux vies » convoque inexorablement une troisième vie qui leur est intimement associée, celle du narrateur et auteur Emanuele Trevi qui livre avec cet ouvrage un beau témoignage sur l’amitié et la vie dans cette édition soignée et traduction inspirée de Nathalie Bauer. Ce récit qui aurait pu être le sujet d’un roman se trouve être celui d’un survivant qui avec le recul des années rend témoignage de deux âmes éprises de littérature et de liberté. Pia Pera et Rocco Carbone, tous deux écrivains, eurent en commun une vie pleine d’aspirations pour une durée trop éphémère. À l’image de ces papillons d’un jour, ces deux personnages illuminèrent la vie de l’auteur qui en ces pages à la fois attendries et sans concessions sur le caractère de ses deux amis livre un plaidoyer émouvant sur l’amitié sincère, si lointaine des virtualités digitales. De quoi est composée cette amitié ? De proximités, mais aussi de distances parfois, ainsi que le souligne l’auteur, le fameux « Parce que c’était lui… » n’étant pas un long fleuve tranquille… Nous nous surprenons à sourire de certains traits de caractère, à verser une larme sur ces attentes à jamais insatisfaites, ces petits riens qui composent la vie comme ils émaillent l’espoir. Mais, toujours, revient ce lien indéfectible qui scande par ses pulsions le souvenir des années passées, ces sourires et instants radieux passés ensemble et qui ne pourront jamais disparaître de la mémoire du narrateur, ces flammes d’un amour partagé pour les lettres et l’écriture même si parfois les avis fort heureusement pouvaient diverger. Emanuel Trevi livre avec ce témoignage un récit sensible et poignant, un hommage tout autant à ses amis disparus qu’un Tombeau poétique perpétuant une antique tradition que l’auteur honore ainsi. Philippe-Emmanuel Krautter Robert Walser : « Retour dans la neige » ; Traduit par Golnaz Houchidar ; Préface de Bernhardt Echte, Zoé Poche éditions, 2023. L’écrivain suisse Robert Walser (1878-1956) qui termina ses jours dans un hospice à Herisau où il résidera 23 ans, sa raison l’ayant quitté, nous a laissé pourtant de nombreux ouvrages témoignant de sa lucidité et de la profondeur de ses jugements. À l’image de Nietzsche, peut-être a-t-il traversé le miroir vers d’autres contrées qui nous paraissent inexpliquées… Toujours est-il que le présent recueil de nouvelles « Retour dans la neige » témoigne de son acuité à dresser en quelques pages un tableau littéraire fait de concision, de détails ciselés en une prose à la fois légère et percutante, sans oublier cette candeur et surprise au monde qui se renouvelaient au quotidien chez l’écrivain. « … et il a fallu que tous les traits si précieux de mon caractère, empreint de la musique de mes origines, se perdent… (…) et qui sait, l’innocence de la campagne reviendra un jour jusqu’à moi et alors je pourrai à nouveau me tordre les mains dans la solitude ». La belle traduction que livre Golnaz Houchidar de ces vingt-cinq proses brèves restitue le charme de cette écriture à cette époque charnière de la vie de l’écrivain venant de quitter Berlin et les avant-gardes pour rejoindre sa ville natale. En un élan primesautier dans certaines pages, Walser sait exulter et magnifier la nature qui sera un perpétuel ravissement à ses yeux. L’écrivain parvient également en quelques lignes à dresser un portrait d’une rare sensibilité, à contre-courant de ce qui pouvait être réalisé jusqu’alors (splendide portrait de Madame Scheer). Cette lucidité indocile ne cessera en ces pages de surprendre le lecteur qui s’étonnera de son caractère rebelle tout autant qu’il sourira de ses introspections. Nul dolorisme ni atermoiement chez Walser mais un perpétuel étonnement aux choses de la vie ainsi que le relève Bernhard Echte dans sa préface : « Au fil de ces textes, l’innocence du regard, l’infinie curiosité du flâneur, la pudeur devenue précepte littéraire, acquièrent une force intemporelle ». Avec « Retour dans la neige », Robert Walser offrira au lecteur du XXIe s. de brèves et inoubliables pages sublimant le quotidien. Philippe-Emmanuel Krautter "Le Corbeau - E. A. Poe, C. Baudelaire, S. Mallarmé, gravures de Gustave Doré » ; Broché, 138 x 204 mm, 160 pages, Éditions de l'Escalier, 2022. Trois incontournables poètes et un non moindre grand graveur pour un même et seul animal, tel est le choix fait par les éditions de l’Escalier pour cette mise en rapport originale du célèbre poème d’Edgard Poe « The Raven » ou « Le Corbeau ». On y retrouve cette atmosphère singulière et irréelle si chère à Poe. Un poème à la métrique stricte traduit, en effet, non seulement par Charles Baudelaire, mais aussi par Stéphane Mallarmé, et même gravé par Gustave Doré… Ces relectures transversales qu’autorise ce recueil bien mené devraient attirer l’attention de tous les amateurs de poésie, de traductions, mais aussi de variations autour d’une même œuvre. À partir de quel point de rupture le traducteur s’éloigne-t-il, en effet, de l’intention de l’auteur ? Existe-t-il d’ailleurs une intention unique de l’œuvre qui resterait indissociable de son créateur ? Ces éternelles questions se poseront irrémédiablement aux lectures successives de ce poème écrit en anglais par l’écrivain américain Edgard Poe en 1845. Là où Baudelaire débute par : « Une fois, sur le minuit lugubre, pendant que je méditais, faible et fatigué, sur maint précieux et curieux volume d’une doctrine oubliée, pendant que je donnais de la tête, presque assoupi, soudain il se fit un tapotement, comme de quelqu’un frappant doucement, frappant à la porte de ma chambre. « C’est quelque visiteur, — murmurai-je, — qui frappe à la porte de ma chambre ; ce n’est que cela, et rien de plus. » Mallarmé propose : « Une fois, par un minuit lugubre, tandis que je m’appesantissais, faible et fatigué, sur maint curieux et bizarre volume de savoir oublié, — tandis que je dodelinais la tête, somnolant presque, soudain se fit un heurt, comme de quelqu’un frappant doucement, frappant à la porte de ma chambre, — cela seul et rien de plus ». Le lecteur se passionnera ainsi à passer d’une version à l’autre en l’agrémentant de ses contemplations des gravures de Gustave Doré conférant à leur tour au poème un éclairage encore autre et nouveau. Cette richesse et ces ouvertures laissent une petite idée de la fécondité d’un thème, lui-même emprunté par Poe à Charles Dickens avec le corbeau parlant Grip dans « Barnaby Bridge » ! Régine DETAMBEL « Sarah quand même », Editions Actes Sud, 2023. Susan claque la porte de Sarah Bernard, elle est épuisée par le caractère de cette artiste, si grande soit-elle, dont elle rêvait d’être la secrétaire particulière. Durant vingt ans, c’est ce rêve qui est devenu réalité, Susan sera auprès de Sarah, dans son intimité jusqu’à en connaître les moindres recoins, ses amours multiples hommes et femmes (elle en fera l’expérience éphémère), sa famille, ses amis, ses rôles, ses voyages, ses finances, ses contrats, sa santé, ses passions, ses colères et son extravagance… Elle sera de tout. Et tout deviendra aussi son cauchemar. « J’ai une chambre de domestique dans son hôtel de l’avenue Pereire. Je n’ai plus d’autre chez-moi depuis vingt ans. Je n’ai pas d’autre argent que celui qu’elle me donne. Je suis la personne la plus proche de Sarah. Après son fils. Après toute une kyrielle d’autres esclaves de Sarah. » . Sarah fait d’elle son souffre-douleur et le témoin de sa très grande liberté. « Je suis donc la dame de compagnie et la comédienne à domicile qui lui donne la réplique, la copiste ordinaire, la costumière et la maquilleuse, parfois la cuisinière et même la confidente… Parce que Sarah déteste être seule… Seule, elle deviendrait suicidaire. Il lui faut toujours des adorateurs et adoratrices pour passer ses nerfs. » Cette femme si chérie et admirée serait-elle finalement trop grande pour ses épaules ? Les contorsions de la vie théâtrale de Madame Bernhardt, ses déboires avec les nouveaux comédiens et comédiennes qui juste par leur jeunesse et l’inventivité d’un autre jeu théâtral mettent en péril sa vie avec un grand V, dévouée corps et âme pour la scène, avec ses interprétations de personnages masculins ; des rôles qui, certainement, ont fait avancer une certaine cause des femmes dans ce milieu mais ont également déclenché et entretenu de la moquerie et presque du rejet. C’est sans connaître la Bernhardt qui même amputée d’une jambe (son choix conscient et éclairé, le 22 février 1915) poursuivra jusqu’au bout sa vie de femme libre. « - Vous jouez depuis combien de temps ? – Depuis que Victor Hugo m’a offert un diamant. – Et quand est-ce que vous allez arrêter ? – Jamais.» Si même, parfois, dans un moment de tristesse ou de désespoir Sarah raconte sa vie à Susan, ce en quoi l’auteur, Régine Detambel, nous régale d’anecdotes sur sa vie tant historiques que privées. C’est la version de Sarah qui restera « elle aura toujours été au plein milieu de sa vie, sans aucun sens de la mort à préparer ou de la nécessité de s’arrêter pour contempler le chemin parcouru… D’ailleurs non, elle n’était pas au milieu de sa vie, elle en a toujours été à l’extrémité la plus piquante, à la pointe violente et capricieuse, fougueuse et séductrice de la vie. » Écrit Susan dans ce texte rédigé comme un journal à rebours, de sa première rencontre avec son idole jusqu’à la déchirante rupture, question de survie… « En arrivant à New York j’ai trouvé le courage de la quitter. Je file sans un mot. » Là, dans tout ce tourbillon Susan aurait tellement voulu que Sarah l’aime… « Je ne veux pas être normale, je veux être extraordinaire. » et « Quand même » était la devise de Madame Sarah Bernhardt. Sylvie Génot Molinaro Sébastien de Courtois : « L'ami des beaux jours », Collection « La Bleue », Éditions Stock, 2022. Si nous connaissions le journaliste et talentueux animateur de l’émission « Chrétiens d’orient » sur France-Culture, Sébastien de Courtois, c’était sans compter ses qualités de romancier, ainsi qu’en témoigne cet ouvrage « l’ami des beaux jours » paru chez Stock. Happant le lecteur dès les premières pages, ce récit d’une rare sensibilité ne pourra laisser indifférent, tant un véritable scénario de film naît immédiatement et spontanément dans l’esprit du lecteur de ces pages inspirées. L’histoire est pourtant banale, celle d’une amitié entre deux jeunes étudiants de province et d’un amour commun naissant pour une jeune femme de quelques années plus âgée. Ce trio romanesque conduira le lecteur dans les tréfonds de l’identité, une quête éperdue de l’être et du soi. Frédéric, « L’ami perdu », à la recherche duquel le narrateur part sur le tard, posant ainsi la question de l’altérité, mais aussi de celle de la communion si chère à Montaigne et à de La Boétie. Et parce que justement c’était lui, Frédéric, Sébastien le narrateur n’a de cesse de s’interroger tout au long de ces pages au style incisif et percutant, des mots qui claquent tout autant qu’ils font couler du miel. Cette introspection à la fois douloureuse et cathartique questionne le sens de nos vies, entre idéaux et contingences, passions et abandons… Et si « L’ami perdu » était en réalité le double du narrateur ? Celui que nous possédons toutes et tous en nous et que nous oublions trop souvent. C’est Sophie, anima du narrateur, qui le conduira à cette prise de conscience… Philippe-Emmanuel Krautter Cedar Bowers « Astra » Éditions Gallmeister, 2022. Astra ! Avec un tel prénom, une petite fille peut-elle vraiment grandir sur terre avec d’autres personnes de son âge ou bien être une sorte d’électron libre sans limites entourée d’adultes tout aussi éloignés de la réalité ? C’est là le récit de Cedar Bowers qui pour son premier roman brosse le portrait de cette petite sauvageonne devenue adulte et mère à travers le regard et les sentiments de différentes personnes qui lui ont été ou qui lui sont proches. Des regards croisés pour comprendre la vie d’Astra qui a grandi sans entrave dans l’ouest du Canada et qui en gardera toute sa vie les cicatrices psychiques comme physiques. De petite fille sauvage à l’adolescente fugueuse, puis à la femme séductrice et néanmoins vulnérable, chacun la décrit dans un parcours personnel, jusqu’au témoignage de son fils Hugo qui la vénère. Mais ce portrait de femme nous livre bien autre chose. Ce récit nous pose cette question qui nous taraude tous : Connaît-on vraiment et complètement une personne ? Dès la première phrase du livre, « Raymond Brine ne veut pas penser au bébé à venir… Il ne veut pas penser aux liens du sang, ni à la filiation, ni à la tendance irrépressible de l’humanité à surpeupler cette planète exsangue. » Et pourtant c’est bien lui Raymond, le père d’Astra. À partir de là, quel sera le futur d’Astra dont Gloria, sa mère, va mourir trop vite ? Qui va entourer cette enfant dans cette ferme communautaire nommée Celestial ? Quels seront ses repères à la réalité alors qu’elle n’a cessé d’entendre cette phrase à la fois poétique mais destructrice de tout équilibre possible pour une enfant : « N’oublie jamais qui tu es, Astra. L’étoile du cosmos, l’impératrice des cieux. Tu es libre de tes actes. » Mais « Elle n’est pas autonome, Raymond. Et tu ne devrais pas lui dire qu’elle appartient au cosmos. C’est faux. Elle est ta fille. » C’est là la source de tout ce que va vivre Astra, de ses choix instinctifs d’enfant comme de ceux qu’elle fera une fois adulte. Astra est-elle une enfant comme une adulte abandonnée à cette liberté trop grande pour elle ? « Qui est cette fille, au fond ? Comment est-elle devenue ce qu’elle est ? » Un constat dérangeant tout autant que fascinant entre mensonges, imagination, violence, désordres, vérités et résilience. Lire Astra, c’est essayer de déceler les fissures de son histoire, celles qu’elle-même a racontées avec des chapitres manquants, d’autres modifiés, avec des phrases bancales et des mots clés dispersés aux quatre coins de sa vie. Lire Astra, c’est faire le chemin avec elle en la regardant de loin. Sylvie Génot Molinaro Liane de Pougy : « Dix ans de fête – Mémoires d’une demi-mondaine », Editions Bartillat, 2022. Les mémoires de la célèbre demi-mondaine Liane de Pougy (1869-1950) viennent enfin d’être publiées, réunies en volume pour la première fois par les soins d’Eric Walbecq, spécialiste notamment de Jean Lorrain, aux éditions Bartillat ; pas moins de dix années du début du siècle précédent vues par le bout de la lorgnette dorée de celle qui aurait pu être désignée par Proust de « cocotte » à l’image d’Odette de Crécy dans la Recherche… Car c’est bien le milieu de ces femmes oscillant entre mondanités et plaisirs de luxe qui se trouve en ces pages décrit par le menu détail par une femme qui semblait plus gouter les charmes féminins que les amours tarifées de ses riches amants ! Les âmes dévotes et sensibles devront peut-être s’abstenir dans ces pages parfois crues qui évoquent sans pudeur ce que pouvait être le quotidien de ces femmes faisant vaciller le cœur des plus grandes fortunes de l’époque et souvent plus attirées par les amours saphiques… Mais de tels souvenirs pourraient être d’un intérêt limité s’ils ne faisaient intervenir quelques grands personnages de cette fin du XIXe et début du XXe s. notamment des écrivains tels Gabriele d’Annunzio ou encore Jean Lorrain ; ce dernier subjuguera littéralement cette femme pourtant guère impressionnable et dont le lecteur apprendra quelques révélations étonnantes ! Celle qui naquit Anne-Marie Chassaigne rendra son dernier souffle en tant que sœur Anne-Marie de la Pénitence après s’être convertie et avoir prononcé ses vœux. Toute la vie de Liane de Pougy sera pétrie de paradoxes, sa dernière chambre d’un palace à Lausanne ayant été par ses soins transformée en cellule monacale… Philippe-Emmanuel Krautter Amos Oz : "Les terres du chacal" ; Traduit de l'hébreu par Jacques Pinto ; Folio Folio N° 7151 Gallimard, 2022. Ce recueil de nouvelles de jeunesse signé de l’écrivain israélien Amos Oz et aujourd’hui réédité en Folio par les éditions Gallimard devrait ravir les lecteurs fidèles de l’écrivain, mais également ceux découvrant son œuvre. L’univers des kibboutz à la fois clos, mais confronté à un extérieur souvent menaçant constitue la trame de fond de ces courts récits de jeunesse réunis sous le titre « Les terres du chacal » dans la belle traduction de Jacques Pinto. L’animal, lui-même, sera également, en effet, omniprésent dans ces récits trempés à l’encre déjà affirmée du romancier Amos Klausner, mort en 2018, et plus connu aujourd’hui sous son nom d’auteur Amos Oz. Ayant rejoint jeune le kibboutz de Houlda, c’est de l’intérieur que le nouvelliste a pu s’imprégner de ces couleurs, ces sonorités et senteurs qu’il parvient à rendre avec une rare acuité et une sensibilité à fleur de peau. Cette hypersensibilité qui irise chaque description, des plus triviales aux plus complexes, n’écarte pas pour autant la dureté qui règne dans ces collectivités à l’image de la description de ce jeune chacal pris au piège en un parallèle saisissant avec la jeune Galila tombant dans la toile tissée par Matatyanou et dont elle apprendra le terrible secret dans la première nouvelle « Les terres du chacal », récit ayant donné son nom au recueil. La stupeur d’instants de tensions mis en suspens se trouve en écho avec les éléments naturels eux-mêmes tendus aux extrêmes qu’il s’agisse de la nuit, du jour, du soleil ou encore de la pluie. Ces points d’intrications extrêmes se prolongent jusqu’au moment où tout bascule, emportant avec soi le destin des êtres en une fatalité parfois déroutante. Pour ces courts instants inouïs d’introspection et de descriptions ciselées, le recueil de nouvelles « Les terres du chacal » mérite d’être (re)découvert. Albane Prouvost : « renard poirier », collection Poésie, 88 pages, La Dogana, 2022. Albane Prouvost poursuit la longue maturation de son travail poétique. Ainsi, après « meurs ressuscite », la poétesse a retenu pour titre de son dernier recueil paru aux éditions de La Dogana, « renard poirier », une réminiscence du poète russe Ossip Mandelstam et de « le poirier a tiré sur moi » ou encore « le merisier et le poirier m’ont pris pour cible »… En un long poème s’étirant tout au long du livre, « renard poirier » suscite tour à tour étonnement, perplexité et fascination, à l’image d’une longue litanie répétée à partir de quelques notes ou mots épars. Passée la surprise, les associations de mots créent un climat – glacé ou brûlant tour à tour – syntaxique envoûtant, sorte d’état extatique dans lequel le lecteur se surprend à réciter ces mantras d’un autre temps. En rapprochant de manière inhabituelle certains mots, puis en les recomposant encore en autant d’autres manières, de nouvelles associations surgissent et se créent, des sensations émergent subrepticement ou submergent, comme celles ressenties à l’écoute de contes anciens surgis des temps, voir même de certains accents pauliniens : « les poiriers seront de la neige pour les pommiers le renard croit le poirier aussi le poirier croit le renard embrasé poirier embrasé croit tout pardonne tout espère tout » Tel un rite initiatique, le poirier révèle ce qu’il suggérait jusqu’alors, à l’image de l’identité d’Ulysse aux yeux de son père Laërte lors de son retour à Ithaque à l’évocation des arbres de son verger dont il lui fit présent. L’arbre chétif peut il espérer couvrir l’étendue de la neige sans pleurer ?, questionne Alban Prouvost ; quel départ et quelle arrivée nos souvenirs enneigés sont-ils capables de susciter comme nouvelles interrogations ? La longue quête de la poétesse nous invite à dépasser les contingences et nos propres limites pour élargir notre regard au-delà « des barrières de fleurs », un merveilleux cheminement en compagnie des goupils et des poiriers… Philippe-Emmanuel Krautter Mario Andrea Rigoni : « Colloques avec mon Démon », Editions Arcadès Ambo, 2022. Mario Andrea Rigoni, professeur à l’université de Padoue et grand spécialiste de Léopardi, était aussi poète. Disparu en 2021 alors qu’il venait de confier aux éditions Arcadès Ambo son recueil « Colloques avec mon Démon », il n’aura malheureusement pas eu le plaisir de le voir publié. Son pessimisme l’avait rapproché de la pensée de Cioran qui correspondait à sa vision lucide du tragique de la vie. L’homme de lettres cultivait également un jardin secret, celui de Calliope. Dans les dernières années de sa vie, son goût s’exacerba pour les éléments, tectoniques, minéraux, mais aussi quelque peu plus immatériels tels le vent ou la brume dont il sut saisir l’impermanence dans des évocations délicates : « Je l’aime parce qu’il effleure la terre et ne l’habite pas. »… Au fil des pages de ce recueil, sa poésie s’ouvre aux échos mythiques du temps, souvenances à peine voilées de ces témoins du passé si présents à celles et ceux qui peuvent encore y prêter attention. Cette pensée symbolique qui l’occupa sa vie durant transparaît ici ou là, toujours de manière diaphane à l’image même de sa poésie. Tendue vers l’infini, l’écriture poétique de Rigoni n’en dédaigne pas pour autant les gouffres vertigineux, démarche fragile entre ces extrêmes. C’est entre ces lignes ténues que parfois se tapit son démon intérieur, double du poète ou esprit rencontré au fil de ses cheminements antiques ? Cette éternelle question, le poète se la pose et nous questionne, à nous d’y réfléchir grâce à ce beau et sensible recueil. Philippe-Emmanuel Krautter « Très russe » de Jean Lorrain suivi de son adaptation théâtrale par Oscar Méténier. Édition établie, présentée et annotée par Noëlle Benhamou, Honoré Champion Éditions, 2022. Avec « Très russe », Jean Lorrain (1855-1906) signe son deuxième roman qui eut, entre autres effet, de provoquer la colère de Maupassant qui crut se reconnaître sous les traits du ridicule Beaufrilan, amoureux transi et quelque peu ridicule de la délicieuse Madame Livitinof. Le duel fut évité in extremis, Lorrain ayant préféré les excuses au fleuret… L’action se déroule entre Yport et Fécamp, sur la côte normande, lieu de villégiature de cette société de la fin de siècle. Ce roman fut complété d’une pièce de théâtre avec la collaboration d’Oscar Méténier, pièce représentée le 3 mai 1893 au Théâtre d’Application. Les éditions Honoré Champion offrent ainsi la première édition jointe de ces deux œuvres grâce à l’heureuse initiative de Noëlle Benhamou. C’est en effet un délicieux récit que livre en ces pages un Jean Lorrain plus caustique que jamais sur la société de son temps. Le roman est celui d’une femme fatale – Madame Livitinof, Sonia pour ses nombreux intimes – autour de laquelle gravitent des amoureux transis, Mauriat, Beaufrilan sans oublier le narrateur Jacques Harel. En hommage à Flaubert et Elémir Bourges, Lorrain souhaitait livrer avec « Très russe » un récit à la croisée du roman réaliste, du roman décadent et du dialogue, ainsi que le rappelle Noëlle Benhamou dans son introduction à cette édition soignée. Ce roman aux multiples références musicales est également émaillé des nombreux coups de griffe et portraits au vitriol qu’affectionnait l’auteur de Monsieur de Phocas. L’humour corrosif du dandy qui en quelques mots parvenait à rabaisser ses adversaires réussit également en ces pages alertes à dresser le portrait de ses contemporains et de la société dans lequel il évoluait avec un plaisir manifeste. Donnant lieu à de véritables pamphlets que Molière n’aurait pas reniés – Lorrain n’hésite pas à citer explicitement quelques vers du Misanthrope dans ce récit – « Très russe » sait également saisir les emportements du cœur de ces âmes souvent tourmentées. Allant de la diatribe acerbe dans laquelle crut se reconnaître Maupassant jusqu’à ce touchant portrait du couple âgé, les Alexander, Lorrain enchante en passant en quelques lignes de l’émotion à l’humour corrosif, ce qui n’est pas la moindre des qualités de ce roman à découvrir. Philippe-Emmanuel Krautter Louis-Ferdinand Céline : « Londres » ; Edition établie et présentée par Régis Tettamanzi, nrf, Gallimard, 2022. Inutile de rappeler les conditions pour le moins rocambolesques par lesquelles ce manuscrit fait enfin l’objet d’une publication des décennies après sa rédaction, le lecteur se rapportera pour cela à la préface de Régis Tettamanzi. Au-delà, « Londres » dévoile le laboratoire brut de la création célinienne, au sens propre et figuré. Non expurgé de ses scories, l’écrivain qui aimait pourtant lire et corriger jusqu’à l’épuisement ses manuscrits parvient avec ce récit, se situant juste après « Guerre » chronologiquement, à rendre les grouillements de ses protagonistes dans la capitale anglaise pendant la Première Guerre mondiale. Les personnages qui pour certains d’entre eux apparaîtront par la suite dans les futurs romans tel Guignol’s band errent, ici, dans les bas-fonds londoniens, de bordels en bars louches, formant ainsi un univers interlope dans lequel Céline nage comme un poisson, entre mémoire autobiographique et fantaisie du romancier. Les traits sont forcés, à l’image du vocabulaire ayant appelé pour le lecteur moderne un glossaire en fin d’ouvrage… Malgré les imperfections d’un manuscrit livré tel quel, la verve célinienne transparaît de ces lignes souvent crues et ardues à lire. Cet élan vital qui émerge de ces immondices, la lumière qui peut se dégager des états les plus désespérés, captent l’attention du lecteur jusqu’à ne plus le quitter, la dernière page tournée… Si cette promenade dans le Londres du début du XXe siècle passée en compagnie de Ferdinand, la prostituée Angèle, le souteneur Cantaloup, sans oublier des morceaux d’anthologie avec Bijou et Borokrom, n’a rien de commun avec celle de Joyce dans le Dublin d’Ulysse, elle offrira bien des déambulations initiatrices dont le lecteur ne sortira pas indemne… A lire également de Céline en Folio : Philippe-Emmanuel Krautter « Louis-René des Forêts — La terre tourne et la flamme vacille » ; édition établie par Guillaume des Forêts et de Dominique Rabaté ; 21 x 25 cm, 256 p., L’Atelier contemporain éditions, 2021. Lorsque le verbe ne parvient plus à traduire l’indicible, pinceau et mines prennent alors le relais de la plume… C’est tout au moins l’expérience vécue par Louis-René des Forêts entre 1968 et 1974. Cette longue parenthèse ouverte par la disparition tragique de sa fille se refermera avec la publication d’Ostinato, l’une de ses œuvres les plus personnelles et étroitement associée au style. « Je vois ces tableaux comme des fragments de rêve » souligne Dominique Rabaté en introduction à ce superbe ouvrage publié aux éditions de L’Atelier contemporain, catalogue raisonné de l’œuvre peint de l’écrivain. Celui qui avait pourtant fait métier et passion d’écrire ne s’est jamais exprimé sur ce passage – temporaire – à un autre médium afin de confier ses pensées. Relais impromptus, cette cinquantaine d’œuvres allait occuper tout son temps d’écriture, sans chercher à en livrer un quelconque témoignage écrit, sinon celui légué par ces tableaux et dessins. La force onirique qui se dégage de ce travail singulier ne surprendra pas les lecteurs familiers de Louis-René des Forêts. Quelques discrètes références à Matisse dans « Les Avatars de l’autorité », désordres tempétueux à la Giorgione et détours dans l’inconscient qui ne sont pas sans évoquer certains dessins du psychiatre suisse Carl Gustav Jung, chaque œuvre fait sens, au singulier comme au pluriel. Avec les contributions de Pierre Bettencourt, Pierre Klossowski, Nicolas Pesquès, Pierre Vilar et Bernard Vouilloux, ce sont les liens ténus entre écriture et dessin qui sont ainsi étudiés et révélés dans cet ouvrage remarquablement mis en page avec ses illustrations soignées et son format large. Page après page, l’univers dressé par Louis-René des Forêts gagne subrepticement le lecteur, laissant l’impression de paysages déjà vus, dans sa mémoire ou dans ses rêves. Cette force expressive, dont il ne manque que la musique tant elle est suggérée, tisse un dialogue non seulement entre l’artiste et sa toile, mais également entre le lecteur et ces œuvres. Cette conversation attire en autant de songes qu’elle génère et l’on se prête à se demander : quel commentaire Louis-René des Forêts aurait pu donner de cette création ? Cet ouvrage contribue admirablement à imaginer quelques réponses… Philippe-Emmanuel Krautter Stéphan Huynh Tan : « Le Silence de la Cathédrale », 136 pages, Arcades Ambo Editeurs, 2022. Il est des lieux comme des personnes qui attirent et voient converger vers eux toutes les attentions et passions. Notre Dame de Paris compte assurément parmi ces lieux, et le regrettable incendie de la cathédrale en 2019 a révélé combien cet édifice au cœur même de la capitale suscite encore de nos jours d’émotions palpables à une époque où pourtant le patrimoine religieux ne semble plus guère être la priorité. Car Notre-Dame de Paris dépasse les convictions de chacun, rallie à elle ce que certains historiens, tel Pierre Nora, ont nommé lieux de mémoire et Notre-Dame n’en manque assurément pas. C’est à ce puits sans fonds auquel a puisé Stéphan Huyn Tan, avec ce petit ouvrage soigné, paru aux éditions Arcades Ambo. L’auteur délaisse quelque peu les chemins déjà bien pratiqués avec la figure imposante de Victor Hugo et de son célèbre roman. Plus pérégrination de lettré qu’étude exhaustive, « Le silence de la cathédrale » emporte son lecteur à la découverte d’une histoire, notre histoire, gravée dans la pierre et le vitrail, le bronze et le marbre. Chaque infime partie de cette cathédrale emblématique de la foi qui anima ses bâtisseurs constitue une page de cet immense livre de pierres que nous n’avons pas fini de feuilleter. Stéphan Huyn Tan nous en dévoile justement quelques belles pages, chapitres souvent méconnus de sa longue histoire et que nous découvrons avec un même plaisir. Et si l’auteur en une conclusion un brin atrabilaire et bien compréhensible rappelle que la grammaire est elle-même une cathédrale, l’ouvrage démontre agréablement que la réciproque est également vraie. Rufus, Catherine, Bernon, tous ces personnages auquel l’auteur donne vie parlent de et pour Notre-Dame, concert non de louanges mais de vie, celle qui siècle après siècle a insufflé à l’édifice cette personnalité qui nous fait la considérer comme une réalité animée. Depuis l’ecclesia originelle du VIe siècle composée de trois bâtiments jusqu’à l’incendie de 2019, que de pages lumineuses ou plus sombres se sont accumulées dans ce Livre ouvert que représente Notre-Dame de Paris. Le présent ouvrage nous en livre quelques monologues originaux à découvrir pour sortir des sentiers battus. Philippe-Emmanuel Krautter Frédéric Vitoux : « L’Ours et le Philosophe », Éditions Grasset, 2022. Avec « L’Ours et le Philosophe », l’académicien Frédéric Vitoux évoque les relations singulières qui unirent quelque temps deux personnalités du Siècle des Lumières, à savoir le philosophe Diderot et le sculpteur Falconet. Sous la forme de digressions, cet ouvrage tisse progressivement un réseau de liens rattachant ce XVIIIe siècle à la raison et à la modernité. Le récit alerte et non dénué d’humour n’hésite pas à opérer régulièrement des allées et venues avec notre époque présente, des souvenirs personnels de l’auteur tout autant que son rapport à cette époque révolue où deux fins esprits pouvaient se chamailler – à l’époque le terme de disputatio convenait mieux – sur la notion de postérité jusqu’à se brouiller définitivement… Frédéric Vitoux se délecte manifestement de ces subtilités moins prisées de nos jours, ces raffinements sur d’infimes nuances qui semblent à mille lieues de nos réalités augmentées par les réseaux sociaux. Et, pourtant cette évocation passionnante des liens complexes et sensibles unissant les deux hommes trouve bien des échos avec l’époque moderne. Quel rapport avons-nous avec ce qui occupe la plupart de notre quotidien et de notre vie ? Quel legs souhaitons-nous laisser après notre vie ? Comment considérer l’absolu et selon quel dessein ? Derrière ces doctes questionnements file une réflexion alerte et jamais ennuyeuse, Frédéric Vitoux s’y entend pour évoquer la pensée de Diderot sans jamais perdre son lecteur médusé par cet esprit volubile face à l’atrabilaire Falconet aux allures d’ours mal léché. Nous voyageons de Paris à Saint-Pétersbourg via La Haye au rythme des calèches, nous ouvrons l’immense ouvrage de l’Encyclopédie que le philosophe peine à conclure en un siècle où l’absolutisme n’a pas encore dit son dernier mot. Falconet préparant sa grande œuvre – la statue équestre de Pierre le Grand - oursifie plus que de raison, au désespoir de son patient ami. Chaque page avec ses renvois rythmés à notre siècle transportera le lecteur en une époque révolue qui l’enchantera pour ses impromptus comme pour ses réalisations magistrales, un temps impensable de nos jours et sur lequel l’académicien parvient à lever le voile grâce à cet ouvrage jubilatoire. Philippe-Emmanuel Krautter L.B.K.	Frank Venaille - "Avant l’Escaut - Poésies & proses, 1966-1989" ; Edition de Stéphane Cunescu ; Préface de Marc Blanchet ; Editions L'Atelier Contemporain, 2023. Les éditions L’Atelier Contemporain ont eu l’heureuse initiative de publier « Avant l’Escaut », une somme (752 p.) de poèmes et de proses rendant un vibrant hommage au poète Frank Venaille (1936-2018). Ce poète à la plume tourmentée convie le lecteur à partager son univers introspectif à partir de recueils allant de 1966 à 1989. Âmes sensibles ne pas s’abstenir, tant l’écriture expressive de l’auteur vibre, selon les pages, du cœur sensible des êtres et des espaces. Les irisations du fleuve accompagnent les fragmentations de l’écriture : « Je ne suis rien – et le monde m’échappe – je fais un grand tas de bois de ma vie – et dans les longues nuits venises – timidement m’en réchauffe » (Bestia). Le quartier populaire où il passa son enfance, l’adhésion au PCF, un séjour en Belgique avec la découverte de l’Escaut, la guerre d’Algérie sont autant de marqueurs d’une écriture ardente et anxieuse. Venaille suit le cours de l’Escaut comme le fil d’une vie, ce témoin pourtant silencieux suscite des réminiscences et nourrit l’écriture sans concession du poète. Les nombreuses blessures de la vie irriguent ces pages explorant ces territoires intérieurs dont l’évocation ne laissera pas le lecteur indemne… Préfacé par Marc Blanchet et enrichi d’un « Accompagnement critique » signé Stéphane Cunescu, ce recueil de dix œuvres déterminantes de Frank Venaille fait, à n’en pas douter, date dans l’édition de la poésie contemporaine et plonge le lecteur dans l’intimité de la création de ce poète au « monologue polyphonique ». Philippe-Emmanuel Krautter « Annemarie Schwarzenbach – De monde en monde – Reportages 1934-1942 » ; Traduit de l’allemand par Nicole Le Bris et Dominique Laure Miermond-Grente, Editions Zoé, 2024. Il est toujours plaisant et instructif de partir « De monde en monde » en compagnie d’Annemarie Schwarzenbach. Archéologue et reporter, cette dernière nous invite en ces pages au travers de ses reportages ou chroniques dans un autre temps, celui du siècle dernier de 1934 à 1942, à découvrir avec elle, par son regard et son insatiable curiosité aussi bien la Perse avec l’Iran que les États-Unis d’Amérique, Prague, Istanbul ou encore Lisbonne ou Tanger… Traduit de l’allemand par Dominique Laure Miermond-Grente et Nicole Le Bris qui en signe également l’introduction, ce volume nous livre en effet le regard d’une jeune femme moderne, aventureuse et audacieuse. Suisse, née en 1908 dans une famille bourgeoise, Annemarie Shwarzenbach a publié de son vivant pas moins de 300 articles pour la presse. Engagée contre le nazisme, morte accidentellement malheureusement trop jeune en 1942, à l’âge de 34 ans, elle n’a eu de cesse de témoigner du monde dans lequel elle vivait, parcourant dans les années trente notamment les routes du Proche-Orient (1933-1934), mais aussi à la veille de la Seconde Guerre mondiale celles de l’Afghanistan (1939-1940), sans oublier en 1941-42 le Portugal et le Maroc avec Persépolis ou encore le Congo ; son article inséré dans le chapitre « Europe de l’Est », écrit de Prague pour le National Zeitung (donné aujourd’hui intégralement), et daté précisément du 30 septembre 1938, ne peut que retenir l’intention…. Près d’une soixantaine de chroniques dans lesquelles le lecteur retrouvera ce style à la fois varié – passant de l’Histoire au quotidien des populations, des us et coutumes aux paysages souvent grandioses… Ces pages révèlent à la fois son exigence de rendre compte au plus près du monde des années 1930, mais aussi toute sa poésie, cette poésie que reflètent ses propres photographies illustrant ce volume et entraînant son lecteur avec intérêt et une vive curiosité « De monde en monde ». L.B.K. « Le Parloir » Paule du BOUCHET, Éditions La Belle Etoile, 2025. « La loi qui a été votée au Parlement le 23 juin 1989 permet la révision d’un procès sur la réouverture d’un fait nouveau non plus « de nature à établir l’innocence d’un condamné, mais seulement de nature à faire naître un doute ». Nous sommes dans ce cas. » Ceci pourrait introduire toute l’histoire que Paule du Bouchet, l’auteur, nous conte tout au long de son dernier livre « Le parloir ». Isabel, une jeune femme « bien mariée », mère d'une petite fille Marisol, vivant bourgeoisement à Lyon est de nature réservée et silencieuse... Un jour elle prend enfant et valises et part en Bretagne à Poullic, au fin fond du Finistère, chez Violette à qui elle loue une petite maison. Pour combien de temps ? Une nouvelle fuite ? Sans regarder derrière elle... « Ici , c'est Poullic, Poulfétan, commune de Landéla. Ce n'est pas le bout du monde, c'est le monde au premier jour. Ici j'ai commencé à respirer. » Violette, vieille Bretonne toute en subtilité et psychologie, décèle chez Isabel une mélancolie ou une dépression latente. Les prenant sous son aile, elle et Marisol, Violette lui trouve un travail à la bibliothèque de la ville, car ici on ne peut pas rester sans rien faire ! Un jour Violette parle à Isabel de l'époque où elle tenait une correspondance avec un prisonnier, insistant sur le bienfait de ces échanges pour chacune des parties. Au cours de longues conversations, les deux femmes se racontent pudiquement, établissant ainsi un lien durable et sincère. Cette ambiance bienveillante autour d'Isabel déclenche en elle le premier pas ou plutôt le premier mot et décide de devenir correspondante en milieux carcéral. Une première lettre envoyée à la Maison Centrale de Poissy dans les Yvelines, en région parisienne, si loin de Poullic et la voilà qui entame des mots écrits et qui vont rester (les paroles s'envolent et les écrits restent...) avec un homme dont elle ne sait rien et qui purge une longue peine. De lettre en lettre, de phrase en phrase, et de mot en mot s'établit entre Isabel et ce Louis une correspondance régulière. Un jour, il lui faut le rencontrer car les lettres ne suffisent plus, alors elle fait une demande de parloir. Évidemment, cela implique d'aller à Poissy... Alors elle prend le train jusqu'à la gare Montparnasse et puis le RER jusqu'à Poissy. « Elle y va. Elle s'est engagée à aller. Ce type est devenu sans doute le seul être, hormis Marisol, avec qui Isabel se sente engagée... Maintenant il ce « parloir ». Lui dans ce parloir. D'un coup la porte s'ouvre, il est là, immense, et elle retrouve quelque chose de la solitude. » C'est un pas décisif pour ces deux étrangers qui petit à petit entre lettre et rencontre, entre silence et coup de gueule, entre absence et retrouvailles, vont accepter qui est l'autre et se découvrir et s'apprivoiser mutuellement. Au fil des pages, cette relation nous amène dans les vies familiales de chacun et jusque dans un cabinet d'avocat car au fond de chaque être il y a une histoire à réhabiliter et celle de Louis est on ne peut plus surprenante. Lui qui s'est mis à lire et à étudier la philosophie dans sa privation de liberté se sent plus libre qu'elle qui se laisse envahir par son propre silence et ses propres doutes. Mais les rencontres que l'on noue ne sont-elles pas faites pour laisser de côté un peu de son propre théâtre intérieur et devenir non pas autre, mais qui l'on doit être ? Isabel va plonger dans l'histoire de Louis et s'autoriser à vivre pleinement sa vie. Le contexte carcéral, le rapport à la justice, la psychologie sensible et profonde des personnages, la définition même de la liberté, tout rend ce récit tellement plausible qu'il pourrait ne pas être un roman, mais une biographie de l'instant T où deux êtres basculent ensemble vers ce pourquoi ils se sont rencontrés, acceptés, compris, ce qu'ils se sont donné sans attendre quoi que ce soit de l'autre, ce pourquoi ils s'aiment maintenant. Sylvie Génot-Molinaro Pierre Adrian : « Hotel Roma », Collection Blanche, Editions Gallimard, 2024. Nous avions déjà apprécié Pierre Adrian en 2016 pour sa quête poétique évoquée dans son livre « La piste Pasolini », c’est encore en terres italiennes que nous le retrouvons aujourd’hui avec un autre grand nom de la littérature italienne du XXe s. : l’écrivain Cesare Pavese. Empruntant le sillage discret et toujours désengagé de celui qui décida de mettre un terme à sa vie à l’Hôtel Roma de Turin le 27 août 1950, Pierre Adrian rêva d’évasion dans la ville aux arcades alors qu’il était comme la plupart d’entre nous en confinement dans la ville de Dieppe durant la crise du Covid. Et, son rêve devint réalité dès la crise levée à l’automne 2021, le narrateur ne cherchant plus à lire ni à comprendre Pavese - ce qu’il fit des années durant – mais à le vivre, en découvrant ses univers et les lieux de son quotidien. Ce cheminement le mènera jusqu’en Calabre à Brancaleone où Pavese fut retenu en exil en 1935 accusé d’antifascisme à l’image de Carlo Levi. Mais Pavese ne fut pas homme de combat, indifférent au bruit du monde ainsi que le relève Pierre Adrian. Sa vision pessimiste du monde, qu’il partageait notamment avec le réalisateur Antonioni, ne le conduisit pas à une vision valorisante des hommes, sans parler des femmes avec lesquelles il entretint toute sa vie une relation plus que complexe. « Pavese était resté un inadapté, un citadin contrarié » relève encore Adrian alors que l’écrivain italien au terme de son parcours fit ses adieux à sa terre natale à Santo Stefano Belbo du 8 au 10 juillet 1950. Malgré ses amours, toujours improbables, notamment pour une actrice américaine Constance Dowling, Pavese marche inexorablement dans les rues de Turin – sa ville de prédilection - à la recherche de son destin qu’il savait déjà tout tracé : « Pavese portait le suicide en lui comme une malédiction » écrit encore Pierre Adrian ; l’écrivain l’accueillit sans atermoiement dans cette chambre 346 de l’Hôtel Roma où il passa ses dernières heures. Cette évocation délicate du dernier été de Pavese écarte tout bavardage ainsi que le souhaitait l’écrivain et touchera plus d’un lecteur pour sa poésie et sa sensibilité. Philippe-Emmanuel Krautter Blaise Cendrars : « J’ai tué », Editions Zoé, 2024. À l’heure des bruits de bottes parcourant la planète, il faudra redécouvrir aux éditions Zoé ces deux courts textes écrits par le poète et romancier Blaise Cendrars, à partir de son expérience personnelle du premier conflit mondial. Celui qui allait devenir l’un des grands écrivains de langue française du XXe s. n’était encore qu’un jeune homme, né en Suisse, embrassant la cause française en s’engageant volontaire dans cette guerre qui allait submerger toutes les valeurs jusqu’alors établies. Les premières lignes écrites à l’encre de sang décrivent un chaos généralisé dans lequel même la nature semble dépassée par le déchaînement de violence. Puis vient le temps redouté de l’attaque, rien n’est prévisible sinon l’inéluctable. L’absurdité de la guerre se déploie par l’intensité de l’écriture incandescente de Cendrars, bien plus encore que ne saura le faire par la suite le 7e art. Nous accompagnons le narrateur en constatant avec lui le paradoxe aberrant des moyens gigantesques mis en œuvre lors de ce conflit pour finir par un combat au corps à corps à la baïonnette dans une tranchée… Dans le second texte « J’ai saigné », Cendrars évoque avec un réalisme cru les horreurs de la guerre où il perdit son bras droit. Le poète blessé au cœur de sa chair réalise « que ma vie m’échappait, s’en allant goutte à goutte, sans que je ne puisse rien pour la retenir… » Ce texte d’une densité émotionnelle incroyable déploie l’éventail terrifiant de la douleur lors de son arrivée à l’hôpital de Châlons-sur-Marne en plein chaos. Paradoxalement, la peur s’immisce chez le narrateur alors même qu’il est laissé à son arrivée, nu et seul, sur un brancard dans le hall de ce lieu baigné d’un silence impensable. Suivront par la suite, des pages inoubliables sur l’humanité poignante d’une infirmière contrastant avec la détresse et le désespoir de ces épaves échouées de l’absurdité. Un petit ouvrage à découvrir de toute urgence aux éditions Zoé avec une préface éclairante de Christine Le Quellec Cottier. Philippe-Emmanuel Krautter Anne Rothschild : « Conversations avec mes arbres » ; Préface de Marc-Alain Ouaknin ; Coll. « La culture sauvera le monde », 256 p., Editions Le Passeur, 2024. « Conversations avec mes arbres » est un délicieux ouvrage signé Anne Rothschild. L’auteur, également graveuse, peintre et sculptrice, y déploie tel un pin parasol séculaire, jour après jour, sous forme d’un journal, sa relation privilégiée avec son jardin et ses arbres. Pronoms possessifs, parce qu’Anne Rothschild entretient effectivement avec la nature qui l’entoure une profonde et sincère relation intime. C’est aux arbres qu’elle a pour la plupart plantés qu’elle confie, plus encore qu’aux pages de ce journal, son cœur, ses joies et tristesses. Égrenant, se souvenant, peignant de mots pour son lecteur ou elle-même, telles des pétales d’amour lancées au vent : arbres de hauts jets, les cyprès, micocouliers, arbrisseaux, arbres à fruits ou exotiques habitant son jardin et que l’auteur a le plus souvent rapportés de ses voyages… Le lecteur partagera avec elle plongé dans cette nature luxuriante du sud de la France bien des plaisirs ; plaisir de la poésie et de la littérature, Seféris, poésie soufie, Homère ou Virgile, mais aussi plaisir des références aux grands textes fondateurs des trois religions monothéistes ; Directrice du service éducatif du Musée d’art et d’histoire du Judaïsme à Paris, pendant de longues années, Anne Rothschid n’a eu de cesse de prôner le partage avec l’autre et la paix. Plaisir enfin des sens : Comment en effet résister à ce soleil et vent du Languedoc ? À cette pluie d’orage laissant s’épanouir tout le parfum de la terre chaude et humide ? Comment ne pas savourer ces parfums emplis de sucs et de vie du sud de la France, ces parfums de figues gorgées de soleil et dont Anne Rothschild nous transmet en ces pages toutes la poésie, la vie et les saveurs ; figuiers, vignes, fruits murs des étés, oiseaux et chats, ses chats enchantent les terrasses et allées de ce jardin… Le lecteur appréciera également toute la richesse et poésie de la préface qu’offre à cet ouvrage, à son amie Anne Rothschild, le rabbin Marc-Alain Ouaknin tel un prélude à la sensibilité et délicatesse du texte. Pier Paolo Pasolini : « La Divine Mimesis » ; Traduction de Danièle Sallenave ; Préface de Walter Siti, Éditions Bartillat, 2024. Pier Paolo Pasolini a habitué tout au long de sa vie son public à se décentrer pour ouvrir à un autre regard. Qu’il s’agisse de sa poésie, de son cinéma ou encore de sa prose, cet inlassable questionneur du monde bouleverse les cadres pour une remise en question perpétuelle de nos certitudes. La Divine Mimesis est un bel exemple de cette exigence que le poète italien imposa non seulement à ses contemporains mais aussi et avant tout à lui-même. Ce court texte calqué sur le schéma de la Divine Comédie de Dante fut écrit entre 1963 et 1967 (pour n’être publié qu’en 1975 après sa mort). Au fait de la gloire de l’intellectuel, ce texte souligne la rupture entre les années 1950 et les années 1960 le conduisant à passer de la littérature au cinéma, avec comme arrière-plan son intérêt croissant pour le Tiers Monde où il espérait trouver encore cette culture et nature originelle vierge de toute contamination occidentale. Plaquant l’acuité de son regard sur les conséquences prévisibles et déjà constatables de la société capitaliste et de consommation, Pasolini invite dans ce texte son lecteur à emprunter le cheminement dantesque, non point en compagnie de Virgile mais… de lui-même en un dédoublement d’une redoutable conscience sans ménagement. Comment s’engager ? Comment échapper au broyage entrepris par cette société qui conduit insidieusement à l’absence de reliefs, à cette petite bourgeoisie exclusivement mue par cette soif intarissable de posséder ? Nous retrouvons ainsi deux Pasolini, celui des années 1950, et celui en crise à l’âge de la quarantaine, conscient que les trésors qu’il chérissait de la poésie et de la littérature ne seraient pas suffisants pour apporter des réponses à ses interrogations. S’éloignant du Parti communiste italien, il aspire à trouver la lumière grâce à d’autres médias, le cinéma notamment, dont il saura tirer des leçons d’une grande force même si, plus tard, il en connaîtra également les limites (Trilogie de la vie) avant d’entamer son roman initiatique inachevé Pétrole… Philippe-Emmanuel Krautter Piero CALAMANDREI : « Rencontre avec Piero della Francesca » ; Postface de Carlo Ossola, Collection « Versions françaises », Éditions Rue D’Ulm, 2023. C’est bien d’une rencontre avec Piero della Francesca et non d’une étude académique qu'il s’agit dans cet opuscule paru aux éditions Rue d’Ulm et signé Piero Calamandrei. L’auteur, grand juriste italien, mais aussi esthète de l’art, livre en effet dans ce récit émouvant les relations intimes qui l’unissent à la grande œuvre de Piero della Francesca – la Madonna del Parto - conservée dans le petit village de Monterchi entre Toscane et Ombrie. À travers ce témoignage très personnel né d’une rencontre fugace au cours d’une excursion en 1938, Calamandrei développe le réseau de liens inextricables tissés entre l’œuvre d’art, symbole à la fois d’un art universel et local, et la population. Quelques années plus tard, la tempête de la Seconde Guerre mondiale ravagera bien des lieux en Italie et dans le reste de l’Europe, ravages dont sortira miraculeusement indemne la fragile fresque gravée dans le cœur de chaque habitant de Monterchi voyant dans la Vierge à la fois leur protectrice et leur mère. Car, en observant avec les yeux de Calamandrei, nous découvrons sur les reproductions insérées dans ce livre soigné combien la Vierge représente la maternité, cette maternité universelle qui glorifie le divin par une incarnation unique dans l’histoire de l’humanité. Marie, mère de Dieu, un mystère dans lequel les plus grands artistes ont plongé leur pinceau ainsi qu’il ressort de ce chef-d’œuvre aujourd’hui bien connu. Cette méditation intime et touchante rassérène à l’heure du relativisme ambiant, une méditation qui comme le souligne Carlo Ossola dans sa aussi belle que riche postface « va au-delà du tableau de Piero della Francesca et embrasse toute la condition humaine »… Philippe-Emmanuel Krautter Herman Melville : « Poésies » ; préface et notes de Thierry Gillybœuf ; Traduit de l'anglais (États-Unis) par Thierry Gillyboeuf ; Relié, 17 x 23 cm, 592 p., Editions Unes, 2022. Qui ne connaît Moby-Dick et le fameux capitaine Achab rongé par la vengeance ou encore Bartleby et sa célèbre sentence « I would prefer not to » ? Ces œuvres qui ont fait la réputation de l’écrivain américain Herman Melville (1819-1891), même si leur célébrité fut posthume, ne doivent pas faire oublier un autre pan plus méconnu de la créativité de cet esprit ouvert à l’aventure que fut la poésie. Cette dernière occupa en effet ses temps libres parallèlement à ses fonctions plus que modestes d’inspecteur des douanes qui ne l’enchantaient guère… Ce vaste champ poétique n’est, cependant, guère parcouru en dehors des spécialistes et amateurs de l’écrivain, aussi faut-il saluer l’initiative et la qualité du travail de traduction réalisés par Thierry Gillyboeuf avec ce fort volume dénommé simplement « Poésies » et paru aux éditions Unes. Cette publication soignée propose l’intégralité de la poésie d’Herman Melville et s’ouvre avec l’impressionnant « Tableaux et aspects de la guerre » restituant le souffle épique de la guerre de Sécession. Fervent unioniste, Melville - ainsi qu’il le souligna lui-même, n’a pas cherché à faire œuvre historique mais à « poser une lyre à la fenêtre et de noter les airs contrastés que les vents capricieux ont joués sur ses cordes ». Le traducteur Thierry Gillyboeuf rappelle la dimension homérique transposée de l’autre côté de l’Atlantique pour cette œuvre à la fois puissante, émouvante et d’une rare sensibilité. Dépassant de loin les plus belles réalisations du 7ième art sur ce sujet – on pense notamment au fameux film de John Ford « Les Cavaliers » en 1959 - « Tableaux et aspects de la guerre » ne se limite pas à restituer l’aventure « fleur au fusil » de cette guerre fratricide mais entre au cœur même des passions humaines comme le fit des millénaires auparavant le rédacteur (ou les rédacteurs) de l’Iliade. Après la terre, c’est autour de la mer de retenir l’inspiration poétique de Melville avec John Marr et autres marins avec quelques marines (1888), une épitaphe inspirée de celui qui arpenta les mers du globe. Herbes folles et sauvageons avec une rose ou deux constituera en quelque sorte le testament de l’écrivain poète, des poèmes d’amour plus introspectifs dédiés à Lizzie son épouse et soutien indéfectible qu’il réservait à un nombre limité de connaisseurs. Cette parenthèse à la noirceur de l’âme humaine qui occupa tant sa création surprend tout autant qu’elle rassérène le lecteur ému de telles confessions, celles émouvantes du trèfle par exemple, à milles lieux des cauchemardesques cachalots et jambe de bois… Il faut découvrir cette poésie restituée avec enchantement et profondeur par Thierry Gillyboeuf, une redécouverte essentielle sur une part méconnue d’Hermann Melville. Philippe-Emmanuel Krautter Constantin Cavafis : « Poèmes anciens ou retrouvés » ; Édition bilingue ; Traduit par Gilles Ortlieb et Pierre Leyris, Coll. « Poésie Seghers », Editions Seghers, 2023. Constantin Cavafis, une voix inimitable de la diaspora grecque, fait l’objet d’une nouvelle édition bilingue dans une traduction inspirée de Gilles Ortlieb et Pierre Leyris. Poète né à Alexandrie en 1863 de parents grecs, Constantin Cavafis n’aura de cesse d’associer ce legs hellénique avec celui de la ville dans lequel il résida quasiment toute sa vie. Après quelques années de jeunesse passée en Angleterre dont le poète garda l’accent dans sa langue maternelle, Cavafis conciliera en effet d’antiques réminiscences et désirs des sens en d’intimes évocations, toutes plus passionnelles les unes que les autres. Pudique et sensuel, discret et pourtant ouvert à l’altérité, Cavafis embrassa la poésie avec respect, une attitude qui le porta à réviser toute sa vie ses poèmes et à en écarter radicalement un grand nombre, fort heureusement pour beaucoup préservés de la destruction. Les « Poèmes anciens ou retrouvés » publiés aux éditions Seghers offrent un tableau complet de cet « historien poète » ainsi qu’il se plaisait à se nommer. Ces pages à l’écriture sensible traduisent un esprit captant tout autant l’air du désert proche que les murmures de l’antique parvenus jusqu’à sa plume. Une épigraphe abandonnée sur une tombe est l’occasion de redonner vie au passé en de vertigineuses présences alors qu’un miroir placé dans l’entrée d’une riche maison conservera pour toujours le souvenir ému de la beauté d’un jeune garçon. La poésie de Cavafis brille discrètement de ses feux comme un saphir à la tombée de la nuit. Ses scintillements se font rêveries et ses songes plus vivants encore que les âmes défuntes qu’il évoque délicatement. Les barrières du temps s’estompent alors que les sens s’exacerbent en une multitude d’émerveillements. La lecture de ces Poèmes ne pourra laisser indifférent grâce notamment au remarquable et toujours délicat travail de traduction de Gilles Ortlieb et Pierre Leyris qu’il faut, ici, saluer. Philippe-Emmanuel Krautter Italo Svevo : « Ma paresse » traduit de l’italien par Thierry Gillyboeuf, Allia Editions, 2024. Voici un petit texte peu connu en France et qui pourrait offrir une belle porte d’entrée à la découverte de l’un des plus grands écrivains de l’Italie du XXe siècle : Italo Svevo, né à Trieste en 1861, de son vrai nom Aron Hector Schmitz, qu’il ne goûtait guère. L’écrivain triestin lui préféra en effet ce nom de plume signifiant littéralement « Italien Souabe » en raison des racines familiales de ces deux aires géographiques. Au carrefour de ces cultures, allemandes et italiennes, et des disciplines qu’il affectionnait (littérature, philosophie avec Schopenhauer, psychanalyse avec Freud par le truchement de Weiss), Svevo ne connut guère de succès avec ses premiers écrits, la critique l’ignorant superbement. Il faudra, en effet, la providentielle rencontre avec James Joyce à Trieste même (qui devint, par le plus beau des hasards, son professeur d’anglais particulier), pour que son talent se révèle aux yeux de l’écrivain irlandais et que ce dernier l’encourage à persévérer dans la voie. C’est avec « La Conscience de Zeno » paru en 1923 que l’écrivain connaîtra la consécration pour ses qualités littéraires, qualités qui pointent déjà dans « Ma paresse », ce texte d’une soixantaine de pages paru aux éditions Allia dans une traduction de Thierry Gillyboeuf. À partir du quasi-monologue du narrateur, un vieil homme au terme de sa vie, « Ma paresse » offre une véritable introspection sur les tourments du personnage, notamment ceux liés à son âge, sa santé et virilité… A la manière d’un laborantin observant l’objet de sa recherche au microscope, Svevo met en œuvre une rare acuité dans l’analyse du narrateur et de son entourage, une analyse qui n’écarte rien des sentiments en une modernité seulement égalée par ses contemporains Proust et Joyce. Ce sens aiguisé de l’observation, cette autodérision et regard sans concessions sur la société dans laquelle il évolue étonne, surprend et séduit. Malheureusement, Svevo devait terminer son trop bref parcours dans la littérature en 1928 après un fatal accident de voiture. Philippe-Emmanuel Krautter Robert de Montesquiou : « DU SNOBISME » ; Préface Le Grand-Paon à l’Œil rose par Gérald Duchemin ; Deux illustrations par Sarah Elie Fréhel ; Format 12×16 cm, 288 pages, Editions Le Chat Rouge, 2022. De Robert de Montesquiou n’est souvent resté que des caricatures qui, si elles s’avèrent signées par les plus grands noms de la littérature – Proust, Huysmans, Lorrain, de Régnier, etc., n’en demeurent pas moins la plupart du temps bien réductrices eu égard à ce que fut l’écrivain-poète-esthète. Il faut reconnaître que l’homme n’était guère facile, son caractère le portant à se faire autant d’ennemis que d’admirateurs, ces derniers étant pourtant nombreux… Robert de Montesquiou qui revendiquait une prestigieuse ascendance, incluant le fameux D’Artagnan, était aussi exigeant qu’intransigeant sur les arts, les lettres et la poésie qu’il chérissait tant. « Souverain des choses transitoires » tel fut l’un des qualificatifs qu’il s’attribua dans son fameux recueil de poésie « Les chauves-souris ». Régnant sur le Tout-Paris de la fin du XIXe s. au début du siècle suivant, cette âme éprise du beau eut à cœur de lancer nombre de poètes et d’artistes en un mécénat plus que généreux tel fut notamment le cas pour le peintre Gustave Moreau ou encore le jeune Marcel Proust qui n’hésita pas, pourtant et en remerciement, à singer par la suite son généreux protecteur… Les éditions Le Chat Rouge ont fort heureusement entendu réparer cette injuste omission de l’histoire et offrir un portrait à la fois complet et varié de ce personnage grâce à une introduction enlevée de Gérald Duchemin et une sélection des aphorismes que chérissait Montesquiou. Cet esprit curieux de tout rédigea également un grand nombre de notices dont certaines d’entre elles ont été également réunies pour ce recueil décidément passionnant : Gustave Moreau, Aubrey Beardsley, Sarah Bernhardt, Lalique et Gallé, William Blake… Nombreuses seront les facettes de l’esthète et poète qui seront révélées par cet ouvrage unique en son genre et dont la lecture permettra de se faire une idée plus juste de celui qui avouait en son temps : « Ce que j’ai nommé le bon Snobisme, celui qui consiste à se sentir amplifié par la fréquentation des êtres de valeur mentale ou morale, c’est de celui-là qu’on peut dire qu’il faudrait être bien sot pour ne pas le ressentir et le pratiquer »… Philippe-Emmanuel Krautter Odysseas Elytis : "À l'ouest de la tristesse" précédé de "Les Élégies d'Oxopétra", édition bilingue, traduit du grec, présenté et commenté par Laetitia Reibaud ; broché 120 p. , 15 x 21 cm, Éditions Unes, 2022. C’est à un poète encore trop méconnu en France qu’est consacrée cette belle parution aux Éditions Unes, une édition soignée et élégante de deux recueils d’Odysseas Elytis, prix Nobel de littérature en 1979. Les deux recueils, « A l’ouest de la tristesse » et « Les Élégies d’Oxopétra », font en effet l’objet d’une traduction sensible et délicate par Laetitia Reibaud qui signe par ailleurs une belle introduction en guise de préface sur le poète grec. Elytis n’est pas un poète facile à lire, privilégiant l’expérience de la lumière diffractée en une poésie à la fois solaire et toujours en quête d’éblouissements, même lors des questionnements les plus ultimes. « A l’ouest de la tristesse » paraît un avant la mort du poète et il sera difficile de ne pas y lire quelques testaments jetés ici ou là après une longue vie de poésie. La puissance tellurique du poète demeure identique en une vitalité qui ne cesse d’étonner, parvenu à un âge aussi avancé et dépassant les affres des années de vieillesse. Elytis discerne encore les rivages de Troie tout autant que ce bleu Ioulita, synonyme d’amours éternelles… Aussi le poète nous tend un relais toujours aussi vaillant, « la Poésie seule est ce qui demeure », ces pages inspirées en témoignent, à nous de les saisir. « Pourtant ce n’est pas toujours en rêve que tous nous cherchons D’une génération à l’autre cet ambre Qui adoucissait les liens des hommes La matière grise inconnue qui savait Formuler des lois diaphanes ; pour que l’un, tête nue, fixe des yeux Les vallées de l’autre en lui-même, soit de nuages Voilées soit au soleil exposées » Michel Orcel : "LEOPARDI (poésie, pensée, psyché)", Editions Arcades Ambo, 2023. Le nom de Michel Orcel est indéniablement associé au poète italien Giacomo Leopardi (1798-1837), poète plus connu, il est vrai, dans son pays natal que de ce côté-ci des Alpes. C’est pour réparer cette injustice littéraire que l’auteur de ces études rassemblées aujourd’hui sous le titre « Leopardi – Poésie, pensée, psyché » aux éditions Arcades Ambo, n’a eu de cesse de rappeler et d’analyser les multiples facettes de l’auteur des Canti dont il livre en ces pages une vision à la fois inspirée et poétique. Ayant arpenté l’œuvre de Leopardi, des années durant en tant que traducteur mais aussi au titre de poète, Michel Orcel nous convie à cette intimité de la poésie léopardienne ainsi que le relevait Jean Starobinski : « Et, si techniquement rigoureuses que soient ces études, elles nous retiendront pour une autre raison encore : nous les lirons comme un fragment du journal intellectuel (du Zibaldone) d’un poète de notre temps ». L’ouvrage exigeant nous invite, en effet, à nous mettre à l’écoute par exemple de ce poème l’Infini dont il déchiffre pour nous l’incroyable composition où toute souffrance – thème récurrent chez le poète – semble être absente. Cet « ailleurs de la parole », cette voix de l’intériorité pure, converge vers la poésie en des sommets époustouflants où pensée lyrique et poésie tissent des dialogues intimes ainsi qu’il ressort de ces riches études que nous livre aujourd’hui Michel Orcel. À noter la parution aux mêmes éditions, des esquisses autobiographiques du jeune Leopardi, « Là sont rassemblés mes souvenirs ». Philippe-Emmanuel Krautter Pier Paolo Pasolini : « Dialogues en public » ; Traduction de François Dupuigrenet Desroussiles avec une préface de Florent Lahache, Collection « penser-situer », Editions Corti, 2023. Nous connaissions Pasolini poète, cinéaste, critique, romancier… mais une autre facette se dévoile avec cette parution « Dialogues en public », celle d’un intellectuel de haut vol se prêtant à une correspondance publique « en direct » dans l’hebdomadaire communiste Vie Nuove entre 1960 et 1965. Sans fards et avec une rare liberté de parole, l’homme de lettres correspond spontanément avec des mineurs, de jeunes adolescents, des mères de famille, des catholiques. Cette liberté de ton étonnera autant qu’elle séduira… Car Pasolini en ces pages ne cède ni à la facilité et encore moins à la démagogie. A ses correspondants qui lui reprochent parfois un vocabulaire trop savant et des idées difficiles à saisir, l’intellectuel répond sans hésiter qu’il leur faut faire un effort, que la condition ouvrière ne saurait à elle seule justifier de les maintenir à un niveau élémentaire. Ces lettres qu’il reçoit parvenues de l’Italie entière – à l’image de ce Tour d’Italie que le cinéaste réalisa pour son enquête sur la sexualité des Italiens – dressent un portrait vivant des années 60 par le biais des interrogations des lecteurs du journal communiste. Et si certains clichés du marxisme de l’époque peuvent, certes, ressortir, ces échanges révèlent autant la personnalité des correspondants que celle du prestigieux épistolier qui leur répond. Véritable mosaïque de la pensée des années 60 vue par un intellectuel engagé, « Dialogues en public » ne pourra que ravir les amateurs de l’écrivain-cinéaste et de l’Italie de cette époque. Joris-Karl Huysmans : « À Rebours », édition de Pierre Jourde, Folio, Gallimard, 2022. Avec « À Rebours », J.-K. Huysmans sonne en quelque sorte le glas du naturalisme de Zola et ses proches porté jusqu’alors aux nues. Ce dernier lui fit d’ailleurs cet amical reproche lors de la publication de l’ouvrage en lui faisant remarquer, souligne Huysmans dans sa Préface écrite vingt ans après le roman, qu’avec ce livre « je portais un coup terrible au naturalisme, que je faisais dévier l’école… » ; Instillant, sans le savoir exactement, les germes de ses futurs ouvrages dans chacun des chapitres, Huysmans avec « À Rebours » pose de nouveaux jalons, rompant avec la tradition, ce que certains de ses contemporains ne comprendront pas telle la Revue des Deux Mondes qui compara « À Rebours » aux vaudevilles de Waflard et Fulgence… Seul Barbey d’Aurevilly fut plus perspicace en louant l’auteur et en reconnaissant : « Après un tel livre, il ne reste plus à l’auteur qu’à choisir entre la bouche d’un pistolet ou les pieds de la croix »… « A Rebours » ouvre ainsi les fenêtres de la création littéraire pour un auteur qui estimait étouffer dans son milieu et souhaitait secouer les préjugés. Autant confesser que Huysmans réussit son pari, balayant l’intrigue traditionnelle pour ouvrir autour du personnage central de son héros, Des Esseintes, son roman à l’art, à la musique, la littérature, la science, la théologie et bien d’autres domaines qui deviendront des figures à part entière du roman… Délaissant le naturalisme et ses intrigues traditionnelles et souvent prévisibles, Huysmans plonge dans les arcanes de la névrose et de l’esthétisme, des bas-fonds et des sublimes sommets incandescents à la lumière d’un Baudelaire qu’il vénère et selon une poésie qui place Mallarmé au panthéon des lettres. Écrit alors que l’auteur n’avait pas encore opéré sa conversion au catholicisme, « A Rebours » anticipe également sur un grand nombre d’ouvrages que le romancier écrira par la suite et les dernières lignes de ce roman atypique font figure d’annonce sans qu’aucune aile d’ange n’y soit pourtant présente : « Seigneur, prenez pitié du chrétien qui doute, de l’incrédule qui voudrait croire, du forçat de la vie qui s’embarque seul, dans la nuit, sous un firmament que n’éclairent plus les consolants fanaux du vieil espoir ! ». Quels sont-ils ces consolants fanaux ? Huysmans en une inspiration prémonitoire nous en montre les faux éclats à partir d’une vertigineuse plongée dans les affres de l’esthétisme, joyaux pourtant déterminants qui seront repris par la suite pour la plus grande gloire du Dieu de l’auteur. Philippe-Emmanuel Krautter Pierre Voélin : « Quatre saisons, plusieurs lunes – Les poèmes trop courts », 112 p., 12 x 18 cm, Éditions Empreintes, 2022. Combien de lunes ont-elles ciselé ces vers épris de nature comme certains de liberté ? Le poète Pierre Voélin (lire notre interview) n’est point ici en quête de bucolisme, ni de cette forme de poésie japonaise nommée haïku, même si certains chemins parfois peuvent converger avec ceux de l’auteur de « Quatre saisons, plusieurs lunes » : « Juillet sur les bords de l’étang, la pluie s’avance penchée mais droit – et digne le héron solitaire ». Le poète semble plutôt attiré, telle la phalène vers la flamme, par l’union de la forme et de l’instant, une quête subreptice qui opère par touches diaphanes, la clarté n’est jamais loin, même en pleine nuit : « A chaque lune d’allumer l’incendie ! Une fois le feu lancé, vite, aux humbles feuillages de l’éteindre » Cette saisie de l’instant se manifeste en ces infimes moments du quotidien que le poète traque tel l’entomologiste aux détours des forêts et jardins, aux aguets de ces manifestations éternelles du fugitif. Sa démarche tient également du peintre qui parvient à immortaliser parfois l’impermanence, quête délicate dans laquelle Pierre Voélin excelle sans affect. Tous les sens sont à l’affût de ces infimes bribes qu’il réussit à cristalliser dans ses vers placés sous l’égide de Villon, de La Fontaine, de Nerval ou encore Jean Grosjean. Une poésie où parfois des nuages se profilent et quelques angoisses pointent, noirceurs vite dissipées par cette poétique approche des éléments sublimés par le verbe. Philippe-Emmanuel Krautter « Mario Vargas Llosa : « L’appel de la tribu », Coll. Folio, Gallimard, 2022. Dans cet ouvrage « L’appel de la tribu », réédité aujourd’hui en Folio, Mario Vargas Llosa (tout récemment élu à l'Académie française) nous donne à lire le portrait de sept penseurs ou intellectuels décisifs ayant marqué ses propres convictions libérales. Des économistes, bien sûr, Adam Smith et Hayek sans oublier Karl Popper, mais aussi des intellectuels notamment français – on songe à Raymond Aron ou encore à l’académicien Jean-François Revel ; des penseurs ou philosophes libéraux également dont Sir Isaiah Berlin ou quelque peu plus connu, et pour un libéralisme plus culturel, José Ortega y Gasset. Le libéralisme, la libre concurrence, la liberté des marchés, le seul système ou mode de pensée (économique, philosophique, moral…) capable, pour l’auteur, de garantir la liberté et la démocratie : « …ce qui nous a le mieux défendus contre l’inextinguible « appel de la tribu. », souligne d’emblée dans sa préface Vargas Llosa. Un ouvrage roboratif qui, quelles que soient les convictions du lecteur, laisse à penser, à réfléchir, car derrière le terme même de libéralisme, se cachent bien des variations, nuances, précisions, paradoxes ou même contradictions assumées ou non. Sans céder à la facilité, Mario Vargas Llosa mêle à grands traits et avec un rare bonheur vie et œuvres de ces grands penseurs formant son panthéon libéral ; des figures majeures révélant non seulement l’évolution du libéralisme – du père du libéralisme avec Smith au néo-libéralisme, mais aussi le propre parcours intellectuel et politique de Vargas Llosa, ce grand écrivain péruvien, Prix Nobel de littérature en 2010. « Le parcours qui m’a mené du marxisme et de l’existentialisme sartrien de ma jeunesse au libéralisme de ma maturité… » écrit encore en sa préface Mario Vargas Llosa. Sans adopter un style hagiographique, mais sans renoncer pour autant à une approche parfois subjective ou à des anecdotes cocasses, l’auteur souligne les thèses, points forts et faiblesses de ces auteurs libéraux ayant chacun marqué de leur plume leur siècle, du XVIIIe avec Smith jusqu’au XXe-XXIe siècle pour Jean-François Revel. En contrepoint, des pages ou critiques des systèmes totalitaires, qu’il s’agisse du nazisme, marxisme, communisme ou encore des intellectuels de gauche ; Un « appel de la tribu » qui, selon l’auteur, verra l’individu disparaître englouti dans la masse ; un appel ou des convictions depuis longtemps abandonnées par Mario Vargas Llosa. Se glissent ainsi dans ces pages, notamment celles consacrées à Raymond Aron, des lignes acerbes et sans appel à l’encontre de J.-P. Sartre, celui qui « déjà aveugle, hissé sur un bidon, (…) pérorait aux portes des usines de Billancourt ». Quelles que soient les convictions du lecteur, cet ouvrage au style impeccablement fluide - et dont on ne peut que saluer la traduction par Albert Bensoussan et Daniel Lefort, se laisse dévoré ou du moins si agréablement lire. L.B.K. « Sénèque - Tragédies complètes" ; Édition et traduction du latin par Blandine Le Callet, traduction inédite, Collection Folio classique (n° 7143), Gallimard, 2022. Si l’on connaît bien Sénèque pour son fameux De Brevitate Vitae (De la brièveté de la vie), les tragédies du grand philosophe stoïcien restent, il faut l’avouer, plus méconnues. C’est cette lacune que vient combler avec bonheur la réunion des « Tragédies complètes » de Sénèque en Folio par Blandine Le Callet avec une traduction inédite et un appareil critique complet. Paradoxalement, ces tragédies jouissaient d’une grande notoriété à la période de la Renaissance avant de perdre les faveurs du public aux siècles suivants. Et pourtant, ainsi que le souligne Blandine Le Callet en préface, « Les tragédies de Sénèque apparaissent, en effet, comme de véritables manifestes politiques et philosophiques, nourris du stoïcisme de leur auteur et de son expérience du pouvoir ». Peut-être est-ce l’une des raisons pour lesquelles ces œuvres parfois subversives ont pu être écartées à une époque où l’absolutisme voyait d’un mauvais œil toute critique du pouvoir ? Sénèque connaissait, en effet, intimement les arcanes du pouvoir et ses noirceurs, cette fameuse « tête hideuse de la Gorgone » qu’évoquait le théoricien du droit Hans Kelsen. Le philosophe était le précepteur du jeune Néron qui sut rapidement se départir de la sagesse de son mentor pour devenir le monstre que l’on sait (même si cette dérive se trouve quelque peu atténuée par les recherches de ces dernières années). Témoin vivant des intrigues de cet empereur responsable de folies (on lui prête le fameux incendie de Rome en 64 dont l’empereur aurait jeté la responsabilité sur les chrétiens), Sénèque a matière pour composer des tragédies nourries de ces horreurs, véritable anthologie des sombres turpitudes dont l’homme peut se rendre coupable. Bien évidemment, il ne faut pas voir dans ces pièces ayant pour nom « Œdipe », « Hercule furieux » ou encore « Agamemnon », un goût complaisant pour le morbide, mais bien une invitation à la réflexion sur la nature de l’homme et ses dérèglements. Soulignons que la noirceur de ces tragédies révèle cependant en contrepoint la lumière qui peut entourer celles et ceux qui consacrent leur vie à la philosophie et aux préceptes stoïciens d’une vie simple. En cela, et pour bien d’autres raisons, cette édition des Tragédies complètes de Sénèque constitue une belle invitation à la sagesse, toujours d’actualité… A noter le remarquable travail réalisé par Blandine Le Callet en fin d’ouvrage avec un précieux et volumineux dictionnaire de la mythologie plus qu’utile à la pleine compréhension de ces tragédies. Philippe-Emmanuel Krautter Raymond Queneau : « Ma vie en chiffres » ; dessins de Claude Stassart-Springer ; Fata Morga éditions, 2022. Avec ces quelque vingt-quatre pages consacrées à une digression sur la vie en chiffres, Raymond Queneau se joue des conventions sociales plus que des équations dans lesquelles il excellait. Cet amoureux de sciences et de pataphysique se révélait « à l’étroit dans le sens commun » ainsi que le résume très justement Pierre Bergounioux en avant-propos à ce petit livre soigné et illustré par les virevoltants dessins de Claude Stassart-Springer. Queneau s’amuse et nous divertit sur notre quotidien souvent trop pesant, une apesanteur que l’écrivain et cofondateur du groupe Olipo se faisait un plaisir de cultiver dans ses digressions byzantines. S’évader du quotidien par le truchement de ses bizarreries, tel pourrait être le credo de Queneau dans ce court récit. Lorsque le narrateur se risque à évoquer sa vie selon le filtre des chiffres, tout paraît soudainement étrange alors qu’il ne s’agit pourtant que de notre propre quotidien. Le nombre de secondes occupées par notre travail, les grammes d’azote, de carbone et ses deux croissants religieusement absorbés chaque jour (5 372 croissants au 29 mars 1957…), tout prend ainsi un autre éclairage sous la plume de Queneau trempée dans l’encre numérique. Le tourbillon des chiffres s’emballe, devient prétexte à quelques rencontres amoureuses que ne renierait pas Cervantes, pour finalement livrer une autobiographie « trafiquée », le qualificatif étant faible, même si l’exercice s’avère être d’une redoutable efficacité. A découvrir dans cette exquise édition de 112 grammes exactement, soit un peu plus de deux croissants ! Philippe-Emmanuel Krautter Marcel Proust : « Lettres à Horace Finally » ; Edition établie par Thierry Laget ; Avant-propos de Jacques Letertre ; Collection Blanche, Gallimard, 2022. Horace Finaly compte parmi ces grands banquiers d’affaires de l’entre-deux-guerres ayant joué un rôle essentiel à la Banque de Paris et des Pays-Bas. Curieusement, son nom tombé dans l’oubli resurgit aujourd’hui par le truchement de son célèbre camarade de classe au Lycée Condorcet, un certain Marcel Proust… Devenu personnage de roman pour Giraudoux dans « Bella » et pour certains identifié à Bloch dans la « Recherche », cet ami de toujours, disponible alors que son agenda ne le permettait guère, aidera Proust dans les problèmes rencontrés avec son encombrant compagnon de l’époque Henri Rochat. Sollicitant les relations du banquier pour lui trouver un poste au lointain Brésil, Finaly s’exécutera généreusement malgré les déconvenues survenues par l’attitude de l’encombrant personnage, ainsi que le rappelle Jacques Letertre en avant-propos. Le présent recueil de cette correspondance inédite s’ouvre sur une lettre datée de 1920, le reste de la correspondance de jeunesse étant malheureusement perdue. L’auteur de la « Recherche » s’adresse à son « cher ami d’autrefois et de toujours » en souvenir des années passées à Condorcet. Proust au fil des lettres égrène ses chers souvenirs même si les « espérances ne se réalisent pas », le passé n’étant jamais perdu pour l’écrivain. La maladie de Proust, cloué maintenant la plupart du temps au lit, est omniprésente, ce qui ne l’empêche pas pour autant de « caser » son protégé loin de l’Hexagone grâce à l’influence et relations de son vieil ami. Pointent quelques traits d’humour « proustiques » ainsi qu’il se qualifie lui-même. Rochat se trouve finalement envoyé en Amérique du Sud par Finaly, au lieu de la Chine initialement prévue. Puis viendront les tendres et touchants témoignages d’amitié lors du décès de l’épouse tant aimée d’Horace en mai 1921, témoignages émaillés par les frasques de Rochat au Brésil, sans oublier les multiples fièvres de la santé déclinante de Marcel Proust au terme de sa vie. Durant ces derniers mois qui lui restent à vivre, l’écrivain adressera en avril 1922 un dernier témoignage à son ami de toujours sous la forme d’un envoi autographe sur la page de garde du tome I de « Sodome et Gomorrhe » paru le même mois. Dans cette ultime adresse, Marcel Proust, même s’il « n’aime pas mêler de la littérature à un souvenir douloureux et vivant en moi » pense une dernière fois à son fidèle ami sous le signe de l’amitié et du souvenir de sa défunte épouse. Un vibrant et ultime témoignage un siècle exactement après la disparition de l’écrivain. Philippe-Emmanuel Krautter « André Suarès – Vues sur Baudelaire » ; Préface de Stéphane Barsacq, Coll. Portraits, Éditions des Instants, 2022. Comment ne pas saluer cet ouvrage « Vues sur Baudelaire » qui vient de paraître aux éditions des Instants regroupant six textes, articles ou préface, consacrés au poète maudit et signés de la main d’André Suarès ?! Suarès, écrivain et poète assoiffé de liberté, vouera une admiration indéfectible à Baudelaire ; il fera partie de son Parnasse avec Mallarmé et Rimbaud, se disputant la première place avec Verlaine. Suarès sera, surtout, l’un des premiers écrivains à consacrer au poète et à sa poésie de véritables analyses ; études qu’il n’hésitera pas à renouveler sa vie durant – le premier de ces textes paru dans « La Grande Revue » datant de 1911, le dernier de 1940. « Baudelaire est pour lui une figure tutélaire, presque une obsession. » écrit André Guyaux dans « Le Baudelaire de Suarès ». Mais, en ces écrits, Suarès n’entend nullement cependant livrer une biographie ou une chronique nécrologique du poète disparu deux ans avant sa naissance en 1868. Non, Suarès tourne et retourne autour de Baudelaire, inaccessible et pourtant si fascinant, comme pour mieux entrer dans son âme de poète maudit ou dans « ce pays de son génie » écrira Marcel Proust dans « Contre Sainte-Beuve » ; c’est son « Cœur mis à nu » plus encore que Suarès souhaite approcher, presque disséquer comme pour mieux en percer le mystère. Baudelaire, « le plus nu et le plus vrai des poètes, en son temps » écrira-t-il. Et si bien des points de contact existent entre eux, Suarès se garde bien pour autant de faire de mauvaises ou d’orgueilleuses projections ; non, ici encore, il tourne, soulignant les multiples visages mais tenant ses distances préférant rapprocher les plus grands astres entre eux : Keats et Baudelaire, Baudelaire et Wagner. Baudelaire poète, mais aussi critique d’art, puisqu’il « manifeste en tout cette nature noble et rare, faite pour les plus hauts entretiens de l’intelligence, et pour les soucis de l’art. » écrira encore André Suarès. Convoquant Gracq, Bonnefoy, Pierre Jean Jouve et bien d’autres encore, ce sont également quelques-uns de ces multiples portraits ou visages de Baudelaire mais aussi d’André Suarès que Stéphane Barsacq a souhaité livrer dans sa longue et riche préface. Le préfacier revient ainsi sur ces incontournables thèmes que sont celui du double, Doppelgänger, si cher à Dostoïevski, ou encore celui du masque renvoyant à Roger Caillois… mais comment ne pas également songer à Jean Starobinski… Dans ces jeux de miroirs, chaque grand écrivain, poète ou penseur ne semble avoir échappé à cette fascination baudelairienne, à cette « Folie Baudelaire » ainsi que l’a nommée Roberto Calasso et cet ouvrage regroupant ces écrits d’André Suarès viennent avec une singulière puissance en témoigner. L.B.K. A noter, également aux éditions des Instants, d’André Suarès : « Sur Molière suivi de Clowns ». Dexter Palmer : « Mary Toft ou La reine des lapins », Éditions Quai Voltaire, 2022. « Les lecteurs du présent ouvrage auront compris que j’ai traité mon sujet avec la liberté du romancier : certains personnages incarnent des acteurs de l’histoire vraie de Mary Toft et d’autres sont inventés… » Nous voilà prévenus ! Un fameux mélange de réalité et d’imaginaire dans ce conte réjouissant de Dexter Palmer nous projette dans un contexte historique vrai, en plein 18e siècle, lorsque les cabinets de curiosités médicales étaient un spectacle de foire où de pauvres personnes difformes, naines, siamoises à deux têtes ou souffrant d’autres infirmités régalaient l’imaginaire des populations des villes provinciales comme des capitales. Londres in situ, lorsqu’un phénomène incroyable se produisit dans la petite ville de Godalming et suscita toute l’attention de John Howard, médecin et chirurgien de son état, ainsi que du jeune Zachary Walsh, le fils du pasteur et apprenti médecin aux côtés du docteur Howard. Mary Toft accouche dans d’atroces souffrances d’un lapin morcelé et démembré et pleurant des larmes de sang d’après les dires de Joshua, son époux, venu en catastrophe chercher le secours du bon docteur. À cette époque de croyances et de légendes multiples, les interprétations pouvaient aller bon train surtout lorsque « l’événement » ce reproduisit à intervalles réguliers… « Peut-être allons aujourd’hui être témoins d’un prodige. » se dit John Howard en préparant sa sacoche et embarquant avec lui son apprenti. Là, Mary donna naissance à un premier lapin et le docteur aura beau relire ses livres de médecine rien ne pourrait expliquer cette anomalie de la nature. Le diable serait-il passé par là ? Nul ne saurait le dire. Les prières ou incantations du pasteur n’eurent aucun effet et laissent supposer que Mary si elle n’est pas possédée aurait peut-être un don divin, supposition qui au fur et à mesure des nouvelles naissances de morceaux de lapins dépassera les frontières de Godalming. Cette curiosité arrive aux oreilles du Roi Georges qui demande alors expertises et rapports à différents médecins londoniens dépêchés sur place, et qui finirent sur ordre royal par faire venir à Londres cette curieuse femme pour études et observations médicales approfondies. Si elle était déclarée miraculeuse, qu’au moins cela se passe au plus près du Roi. Ainsi Mary, son mari, John et Zachary partent pour Londres, après que les journalistes du British Journal se soient mêlés du sujet en publiant quelques articles, on pourrait alors dire que c’est ainsi que les ennuis commencèrent pour John Howard mais également pour Mary Toft. Dexter Palmer nous fait partager à la fois les recherches et explications médicales des plus douteuses aux plus sérieuses ainsi que le pouvoir de l’imagination populaire. Tout le monde veut avoir un avis sur cette étrangeté, des avis qui baignent dans des croyances et des illusions qui font la richesse de ceux qui exploitent la crédulité des plus naïfs. On aimerait tant que ce soit vrai et en même temps, qui, sinon le diable autoriserait cela ? Réalité, supercherie ou miracle ? « L’affaire Toft agissait comme une sorte de turbine, attirant à elle vérités et mensonges et les mélangeant tant et si bien que toutes choses étaient vraies et aucune ne l’était. » Écrit comme une aventure et enquête étayée de la véritable histoire de Mary Toft dont l’auteur nous conseille dans une bibliographie très fournie, la lecture d’articles et de confessions de Mary Toft alors qu’elle était retenue dans les geôles de la prison de Bridewell, ce roman/conte raconte dans ce 18e siècle cette éternelle histoire où les hommes de science, de religion et autres recherchent la reconnaissance, la notoriété, et ce presque à n’importe quel prix. Et rien n’interdit d’y trouver une forte résonance actuelle… « En quoi importe-t-il qu’une assertion ne soit pas prouvée, s’il se trouve assez d’individus pour croire en sa vérité ? » CQFD Sylvie Génot Molinaro Alain Dulot : « Tous tes amis sont là », Editions La Table ronde, 2022. « Je ne sais rien de gai comme un enterrement ! » Ainsi commence le célèbre poème « L’enterrement » de Paul Verlaine. « C’est alors que du silence jaillit une voix. Une voix de femme, une voix qui porte, ardente et claire celle-là… Cri déchirant en ce qu’il déchire le dernier silence, et pourtant cri d’exultation : six mots, six pauvres mots surgis du fond d’un cœur et jetés au vent et à l’Histoire :- « Regarde, tous tes amis sont là !... » crie Eugénie Krantz, l’ex-courtisane, la pocharde de la rue Saint-Jacques, mégère de la rue Descartes, harpie épiant sa rivale, la femme détruite par les alcools et les années… ». Eugénie, dernière compagne de Paul Verlaine, aujourd’hui au cimetière des Batignolles. Oui, tous les amis de Verlaine, le « Prince des poètes », sont là, suivant le cortège mortuaire, ce vendredi 10 janvier 1896, à travers Paris. Deux jours avant, le mercredi 8, Paul Verlaine surnommé « le Villon des temps modernes » meurt chez lui au 39 rue Descartes, Paris où il s’était installé quelques semaines plus tôt avec sa compagne, Eugénie Krantz. Alain Dulot fait parler les hommes qui ont entouré Verlaine de son vivant, qui l’on soutenu, aidé financièrement, affectivement et admiraient son œuvre poétique si nouvelle, si moderne, si dérangeante, si loin de l’académique… Oui, l’académie où comme Baudelaire, il ne sera jamais admis, car les mœurs de ce poète n’ont jamais été du goût des immortels. Qu’à cela ne tienne, l’hommage, le vrai se joue ici, à travers les rues de Paris, où se masse une foule de gens, des curieux comme tous ceux et celles qui savaient qui tu étais, toi à qui Victor Hugo mort dix ans plutôt, écrivait après avoir lu les Poèmes saturniens : « Une des joies de ma solitude, c’est, Monsieur de voir se lever en France, dans ce grand dix-neuvième siècle, une jeune aube de vraie poésie. Toutes les promesses de progrès sont tenues et l’art est plus rayonnant que jamais(…) Certes, vous avez le souffle. Vous avez le vers large et l’esprit inspiré. Salut à vos succès. » L’auteur lui-même, Alain Dulot, se mêle à cette foule qui défile dans ces rues parisiennes où se sont déroulés tant d’événements de la vie du poète, sa mère, ses études, ses amours, ses souleries, ses amitiés, ses publications, les critiques de certains, ses moments intimes ou publics jusqu’à sa mise en abîmes, ses dérives, la maladie et la mort, celle qui est si banale qui que l’on soit. L’auteur est aux côtés des amis fidèles, comme François Coppée, Edmond, Lepelletier, Catulle Mendès, Robert de Montesquiou, Mallarmé, Frédéric-Auguste Cazals, Albert Cornuty et tant d’autres qui soutiennent Eugénie et Charles, seul Georges, son fils n’est pas là… Les fantômes de Rimbaud et Baudelaire survolent la cérémonie, les discours flottant dans les limbes verts de l’absinthe pour l’éternité. « Vous êtes prié d’assister au convoi, service et enterrement de M. Paul Verlaine, poète, décédé le 8 janvier 1896, muni des sacrements de l’Église, en son domicile, rue Descartes, 39, à l’âge de 52 ans, qui se feront le vendredi 10 courant, à dix heures très précises, en l’église Saint-Etienne-du-Mont, sa paroisse. De profundis On se réunira à la maison mortuaire. De la part de M ; Georges Verlaine, son fils, de M. Charles de Sivry, son beau-frère, de son éditeur, de ses amis et admirateurs. L’inhumation aura lieu au cimetière des Batignolles. » Ainsi commence ce roman touchant d’Alain Dulot, ainsi s’achève la vie de Paul Verlaine. Sylvie Génot Molinaro John Ruskin : « Écrits naturels » ; Illustrations de John Ruskin ; Préface, traduction et notes de Frédérique Campbell ; Livre broché, 12 x 18 cm, 224 pages, Éditions Klincksieck, 2021. Belle initiative des éditions Klincksieck et Frédérique Campbell que de rendre disponible ces courts textes du grand poète et critique d’art anglais John Ruskin (1819-1900). L’auteur, bien connu pour son célèbre « Les Pierres de Venise », cultivait également un jardin secret avec l’observation de la nature. La géologie, la botanique et la zoologie avaient très tôt attiré la curiosité de cet esprit vif à l’analyse pénétrante. Ces « Écrits naturels » regroupent justement quatre textes accompagnés d’un appendice mettant en avant cet attrait fécond pour l’Histoire naturelle. Celui dont le regard aiguisé sur les arts avait attiré l’attention et l’admiration d’un Oscar Wilde et d’un Marcel Proust s’intéressait également aux choses de la nature tels les Arachnés, le rouge-gorge, le crave à bec rouge ou encore les ondes vivantes. Cette étonnante diversité - dans l’esprit victorien tout en demeurant opposé au darwinisme ambiant – force l’admiration non seulement pour le fond, mais surtout la forme, tant le style de ces conférences s’avère ciselé de manière cristalline, ce qu’a admirablement rendu Frédérique Campbell dans sa traduction. Nathaniel HAWTHORNE : “La Lettre écarlate”, Coll. Totem roman, Éditions Gallmeister, 2021. Nathaniel Hawthorne naquit en 1804, il publia « La lettre écarlate » en 1850. Il traversa le 19e siècle, avec tous ses événements politiques et culturels, tout en publiant quelques livres. Celui-ci fut son avant-dernier et le voici réédité aujourd’hui dans une nouvelle traduction par François Happe. Sur la place du marché de cette petite ville de Nouvelle- Angleterre, une jeune femme Hester Prynne et sa toute jeune petite fille Pearl, font face à la foule, huées, vilipendées, insultées, mises au banc de cette société pieuse et puritaine à souhait dans les apparences sociales. Elle aurait même pu être condamnée à une mort certaine pour son forfait, avoir mis au monde, en prison, une enfant dont elle continue de taire qui fut le père alors qu’elle était liée par le mariage avec un homme bien plus âgé qu’elle et absent depuis son arrivée en Nouvelle-Angleterre. Mais va-t-elle avouer ? Non, alors elle se retrouve affligée d’une lettre brodée sur sa robe, une lettre rouge écarlate « Sur le corsage de sa robe, apparut, en belle étoffe rouge, rehaussée d’une broderie délicatement élaborée et d’extraordinaires arabesques en fil d’or, la lettre A », plus brûlante que si elle avait été marquée au fer sur sa peau blanche et douce, un A comme adultère qu’elle portera visible de toutes et de tous, reconnaissable comme la pécheresse qui rappellera à tous le péché de chair… Fantasme pour les uns et les autres, mais bien enfouis dans les prières et les confessionnaux. Elle partira vivre dans une petite maisonnette en bordure de forêt où elle éduquera se fille ange ou démon, et où elle brodera pour les autres, de ses mains agiles de magnifiques broderies de cérémonies. Elle portera sa lettre bien plus comme un bijou que comme une marque d’infamie gardant longtemps son secret, celui du père de son enfant, jusqu’ au jour où son vieux mari réapparut sous le nom de Roger Chillingworth, médecin de son état. « Je te demande une chose, toi qui fus ma femme, poursuivit le savant. Tu as gardé le secret de ton amant. Garde le mien également ! Personne dans ce pays ne me connaît. Ne souffle à âme qui vive que tu m’as jamais appelé ton mari ! » En jurant, Hester ira-t-elle au-devant de sa perte, la vengeance de ce mari sera-t-elle plus déterminée ? À travers ce récit qui décrit la société de cette époque, le pouvoir de la religion et les terreurs qu’elle pouvait engendre, l’histoire d’amour impossible à découvrir, les conséquences de l’inconséquence des troubles intérieurs de la nature humaine, les choix d’une vie de femme libre, Nathaniel Hawthorne donne à lire un extraordinaire roman sur fond de vérité mêlant croyances, mythe, réalité et machiavélisme qui porte l’envie de vivre ou de mourir à son firmament. Se pourrait-il qu’il s’agisse juste d’une légende ? Un ouvrage qui fut salué en son temps par Melville, Poe ou encore James. Sylvie Génot Molinaro Paul Valéry : « Regards sur la mer », Éditions Fata Morgana, 2021. Merveilleux opuscule paru aux éditions Fata Morgana offrant à la lecture l’écrit « Regards sur la mer » de Paul Valéry. Dans une édition soignée et joliment illustrée par Paul Valéry lui-même, le lecteur retrouvera en ces pages toute la délicatesse et la poésie de l’auteur. Ce dernier face à la mer déplie sa pensée suivant vents et marées. Des idées qui naissent de « l’onde et de l’esprit ». La vie des ports, l’horizon, les brises et les vents libèrent une poésie au gré non du regard mais des « Regards sur la mer ». « Comment se détacher de tels regards ? » se demande le poète poursuivant cette « rêverie à demi-savante ». Magie de la pensée lorsque les mots rencontrent la houle, les vagues et l’infini… Un merveilleux texte du poète sétois, publié en collaboration avec le musée Paul Valéry, et dans lequel se déploie son amour de la mer, du sud et de la Méditerranée. « Paul Valéry – L’homme et la coquille et autres textes », Folio Sagesse, Gallimard, 2021. Un Folio Sagesse regroupant trois textes, Paul Valery (1871-1945) y déploie - que ce soit sur les mythes, les rêves ou sur ce fameux coquillage, toute la finesse et la poésie de sa pensée. Dans « Petite lettre sur les mythes », lettre adressée à une amie et extraite de « Variétés II » , l’auteur enchante par son recul et son humour sur cette délicate question « Qu’est-ce qu’un mythe ?» « L’homme et la coquille », texte issu de « Variétés V » entraîne le lecteur dans un délicat émerveillement, celui que n’a eu de cesse d’appréhender et de comprendre Paul Valery, la nature et le fonctionnement de la pensée, notamment lorsque cette dernière s’empare d’un coquillage… « (…) sous le regard humain, ce petit corps calcaire creux et spiral appelle autour de soi quantité de pensées, dont aucune ne s’achève… » souligne Paul Valéry. Louise Labé : "Œuvres complètes" Édition de Mireille Huchon, Bibliothèque de la Pléiade, n° 661, 736 pages, ill., rel. Peau, 104 x 169 mm, Gallimard, 2021. L’identité de la poétesse Louise Labé demeure quelque peu mystérieuse, cette femme ayant vécu au XVIe siècle et se serait fait passer pour un homme, militaire de surcroît, afin de suivre son amant au siège de Perpignan… Mais son œuvre poétique demeure quant à elle plus certaine et fait aujourd’hui l’objet d’une édition soignée par Mireille Huchon dans la collection de La Pléiade. Personnage débordant de vitalité et de passions, Louise Labé a su retranscrire ce goût pour la vie en des poèmes sensuels. Qui n’a jamais entendu ces quelques vers encore osés à nos oreilles « Baise m’encor, rebaise-moy et baise » ? Mais la poésie de Louise Labé ne se résume pas à une truculence impertinente, tant s’en faut. Sa poésie s’inscrit dans le contexte d’un cercle de lettrés de l’École lyonnaise comptant des poètes connus tels Maurice Scève et Pernette du Guillet. Ainsi que le souligne Mireille Huchon en introduction, Louise Labé se fait écho des chants de Sappho, chants de désir ardent. Quelques digressions féministes animent la dédicace alors que ses détracteurs eurent tôt fait de déplorer sa trop grande liberté nuisant à sa réputation. Parallèlement aux pièces poétiques qui établiront définitivement sa notoriété, ses œuvres comprennent également des « Escriz de divers Poëtes » rendant hommage à la poétesse. Le lecteur réalisera ainsi que ce personnage entre histoire et légende fait l’objet de riches éclairages, tel un diadème révélant des facettes différentes. Chaque siècle depuis leur redécouverte au XIXe s. révélera chacune d’entre elles, signe de la complexité du personnage et de son œuvre. Le recueil de Louise Labé s’inscrit en une période faste de la fin de règne de François Ier, protecteur des arts. Cette richesse se ressent à chaque instant de ces poésies et autres textes dont il importe peu de traquer la plume exacte. Il demeure en effet que cette poésie ne cherche qu’à s’épanouir entre références antiques et humanistes. Incandescence et pénombre alternent dans les Sonnets de Louise Labé ainsi que le révèlent ces quelques vers : « Tant que mes yeux pourront larmes espandre, A l’heur passé avec toy regretter : Et qu’aus sanglots et soupirs resister Pourra ma voix, et un peu faire entendre » Florilège et portraits accompagnent cette poésie et prose d’avant-garde, en éclairent la portée, portée d’un siècle ouvert aux novations, telles celles apportées par la « Belle Cordière » et autres plumes. Gianfranco Calligarich : « Le dernier été en ville » ; Traduit de l’italien par Laura Brignon, NRF, Éditions Gallimard, 2021. « Le dernier été en ville » signé de Gianfranco Calligarich, écrivain et scénariste italien, est un roman offrant une puissance d’attachement rare. Un roman dans lequel on entre dès les premières pages et qui sait à merveille tenir son lecteur jusqu’à la fin. L’auteur y développe un style bien à lui, décontracté à l’image de son narrateur, mais non dénué pour autant de profondeur, et surtout d’humour. Le récit se déroule dans les années 1960, à Rome, dans cette Rome qui se désillusionne et voit les années d’insouciance de la Dolce Vita s’éloigner… Léo Gazzara, d’origine milanaise, vit tant bien que mal de piges dans quelques journaux romains. Gianfranco Calligarich laisse glisser avec beaucoup de talent son lecteur dans le désarroi et désœuvrement de son narrateur. Des journées de déprime faites plutôt de nuits, de bars romains et d’alcool. Tristesse, mélancolie, angoisses et douleurs hantent ses jours, et entre intellectuels et cercles mondains, Léo tente de surnager et de trouver désespérément un sens à sa vie désordonnée… « Le dernier été en ville », premier roman de Calligarich, traduit aujourd’hui en langue française par Laura Brignon, fut publié pour la première fois en Italie en 1973. L’auteur nous promene dans les multiples quartiers, rues et célèbres places de Rome, dessinant une ville contrastée, ensommeillée ou brulante, écrasée sous des pluies orageuses ou immobile… Rome, à la fois énigmatique et sous le sceau de la solitude de Léo, mais demeurant le point d’ancrage de la dérive du narrateur et du roman. La Ville Éternelle saura-t-elle pour autant sauver du naufrage Léo Gazzara ? À moins que ce ne soit la belle mais tout aussi énigmatique, imprévisible et évanescente Arianna ? Mais, l’auteur sait qu’un récit n’est jamais aussi simple, que la marquise sort toujours à cinq heures… Et si la fantasque Arianna bouleverse le morne quotidien de Léo, c’est aussi pour mieux savoir en disparaître. « Elle est belle, très cher, et les gens beaux sont toujours imprévisibles. Ils savent que quoi qu’ils fassent ils seront pardonnés. », lui avait pourtant dit Viola. Faudra-t-il renoncer pour autant à cet amour éperdu ? Y survivra-t-il ? Un récit où l’amour côtoie le vide existentiel, une lutte sans merci entre désœuvrement et boutades exquises que livre un roman ayant, presque 50 ans après, gardé toute sa plaisante et puissante force d’attraction. L.B.K.	André Suarès : « Ariel dans l'orage » ; Préface de Stéphane Barsacq, Editions Le Condottiere, 2025. L’écrivain André Suarès (1868-1948) peut parfois donner l’impression d’être un disciple de Protée. Mais, au-delà, les nombreuses facettes de sa personnalité et de son œuvre masquèrent difficilement son amour inconditionnel de la liberté qu’il chérissait plus que tout. Les ports (il est né à Marseille) et les rivages qui avaient bercé son enfance l’encouragèrent très tôt à regarder vers les lointains. Tout était motif de son intarissable soif de connaissances, la poésie et les lettres, bien sûr, mais aussi l’art et la musique, sans oublier les voyages et la mer omniprésente ayant contribué à sa notoriété avec son incontournable ouvrage : Le voyage du Condottière… Cette plume, appréciée des plus grands écrivains tels André Gide, Paul Claudel, Stefan Zweig, James Joyce, Rilke, André Malraux, Roger Nimier et bien d’autres encore, allait tout au long de sa vie signer bien des ouvrages, plus d’une centaine, sans oublier de nombreux articles publiés dans des revues, des carnets ainsi qu’une abondante correspondance. Malgré cette profusion connue et diffusée, il demeure – chose inconcevable, mais bienheureuse ! - quelques inédits, fort heureusement rassemblés aujourd’hui par les éditions bien nommées « Le Condottiere » sous l’initiative de Stéphane Barsacq qui en signe la préface. Le lecteur y retrouvera le style inimitable d’André Suarès qui n’a d’égal que sa discrétion, sans omettre le caractère quelque peu farouche d’un oiseau crépusculaire. Ainsi que le relève Stéphane Barsacq : « Chez lui, tout n’est que parfums, sensations directes, noces avec l’esprit et la lumière ». Cette âme éprise de pèlerinages goute le primitivisme et déteste le maniérisme. À la manière du grand Léonard, Suarès suit la voie de l’homme de la Renaissance, épris de tous les horizons… Et, c’est selon cet éclairage qu’il faudra goûter à ces petits textes réunis par Stéphane Barsacq. Tout fait signe en effet dans ces pages inédites quant à cette insatiable curiosité d'André Suarès. Et si le volume débute par ces mots programmatiques : « Être vrai avec soi-même : peut-être n'y a-t-il pas une autre règle d'or ». L'auteur de ces lignes tempère immédiatement : « être vrai avec soi-même : ne pas être dupe du rôle que l'on joue ». Lucide, Suarès ? Notre écrivain est trop conscient de ce qui habite l’homme pour méconnaître les illusions de la gloire, oripeaux de la vanité... Ce qui ne justifie pas pour autant qu'un critique puisse tout se permettre, surtout s'il s'agit d'une question de personne et non de création. Bas les masques ! recommande Suarez, ce qui vaut aussi bien pour le domaine de la critique littéraire que pour la Raison d'État qui, selon les termes du célèbre juriste autrichien Hans Kelsen, cache la face hideuse de la Gorgone… Suarez n'est pas plus tendre, lui qui estime que : « Là-dessous, ce vieux cadavre pourri cache son horreur séculaire et ses flétrissures. » Le ton est donné, l’écrivain sait garder le cap sur ces flots « intranquilles » qui rappellent, par certains de leurs sombres aspects, notre époque « moderne », un siècle plus tard. L'homme de lettres visionnaire a su, en effet, repérer bien des évolutions avant qu'elles ne jettent leur fiel ; ces populismes bientôt destructeurs dont il eut très tôt le funeste pressentiment… Notons, cependant, pour terminer que ce délectable volume se conclut heureusement par une entrée plus qu'inspirée « Sur la grâce », quelques lignes ciselées selon le miroir de l'âme et qui, plus que la beauté, peut-être, pourra sauver le monde… Philippe-Emmanuel Krautter Gabriella Zalapì : "Ilaria ou la conquête de la désobéissance", Zoé Editions, 2024. Ce troisième roman signé Gabriella Zalapi emportera son lecteur dans les tourbillons non seulement de l’enfance bouleversée, mais plus largement de l’identité. Dans ce récit aux accents autobiographiques, la jeune Ilaria se trouve embarquée avec son père dans un road movie malgré elle, alternant entre appréhension causée par cette fuite et construction de soi. Du nord au sud de l’Italie, les paysages défilent à la vitesse des sentiments complexes et chaotiques des protagonistes où la complicité laisse place à l’incompréhension de cette jeune enfant bien trop mûre pour son l’âge. Mais, cette distanciation, loin d’être une indifférence, devient le rempart de cette âme blessée par la séparation de ses parents, le père apparaissant souvent plus infantile que sa fille portée par une tragique lucidité. Ce regard, rapporté par l’auteur en une écriture parfois acérée, ou tout au moins incisive, porte droit au but : l’issue ne semble guère faire de doutes dans cette course-poursuite de l’identité où les affects souvent contradictoires se succèdent au fil des paysages italiens. Une évocation de l’errance, aussi prenante que poignante, signe de la qualité de ce roman que l’on imagine sans peine porté à l’écran… Philippe-Emmanuel Krautter Friedrich Dürrenmatt : « La Panne » ; Traduit de l’allemand par Alexandre Pateau, Zoé Editions, 2025. Voici une bien curieuse histoire que celle née de la plume de Friedrich Dürrenmatt, intitulée La Panne, et qui a contribué à la célébrité de l’écrivain suisse au siècle dernier. Un soir d’été, le représentant de commerce Alfredo Traps tombe en panne. Confiant son automobile à un garage, il trouve une chambre d’hôte chez un juge à la retraite… Ce qui pourrait sembler n’être qu’une histoire banale va progressivement s’emballer en un récit abasourdissant. Voici que notre homme, que l’on devine ordinaire, se retrouve sujet d’un jeu des plus singuliers : le juge à la retraite et ses amis, réunis pour l’occasion lors d’un dîner, proposent en effet à notre commis voyageur de se prêter à un procès « privé »… le sien ! À partir de cette intrigue originale, Dürrenmatt fait preuve d’une force d’écriture impressionnante avec ce court récit conçu à l’origine pour une radiodiffusion. Du jeu, le récit passe rapidement à la vivisection de l’âme humaine et de ses travers les plus sordides. Chaque heure passée lors de cette soirée abondamment arrosée, présentée sur le ton de la plaisanterie, se métamorphose en un redoutable huis clos révélant les instincts les plus sombres des êtres. Cette nouvelle traduction d’Alexandre Pateau restitue à merveille l’écriture incisive de l’écrivain suisse. Dürrenmatt a d’ailleurs livré plusieurs versions de ce texte, certaines à la conclusion encore plus sombre, tandis que celle de la présente édition offre une fin moins cruelle. Reste, cependant, que le lecteur ne sortira pas indemne d’une telle lecture : ces quelques soixante pages équivalent à un lourd traité sur les tréfonds de l’âme humaine… Philippe-Emmanuel Krautter Virgile : « Le souci de la terre (Géorgiques) » ; Traduit du latin et présenté par Frédéric Boyer, Poésie Gallimard, 2024. « Le souci de la terre », c’est un titre inspirant qu’a retenu Frédéric Boyer pour cette belle traduction des « Géorgiques » de Virgile. Cette œuvre bien connue des amoureux de la littérature classique antique, plus souvent citée que lue, pose en effet un regard à la fois tendre et rigoureux, ému et réaliste sur les rapports entretenus entre la nature et l’homme. Bien plus qu’un traité agronomique, cet éloge du sensible ne se transforme pas pour autant en vision béate, Virgile étant bien trop conscient que la nature peut offrir des faces aussi sombres que radieuses. Frédéric Boyer a su se saisir de la poésie omniprésente née des vers de Virgile, une poésie offrant des respirations indispensables après les terribles guerres civiles ayant fragilisé la République romaine. Les épisodes sombres ne manquent pas en effet en cette fin de régime qui connaîtra l’assassinat de César et les premières années troublées de l’ère augustéenne. Aussi, ainsi que le souligne justement Frédéric Boyer dans sa préface, cet éloge de la terre italienne a valeur métaphorique, ce souci des choses, le soin à apporter à ce qui importe, loin des fastes inutiles de la cour. Beauté, fugacité, caractère éphémère de la vie rejoignant par certains aspects les préoccupations des stoïciens, tout fait signe dans la poésie de Virgile jusqu’à la métaphore finale de la société des abeilles. Le travail gigantesque réalisé par Frédéric Boyer entravé par des deuils personnels prend ainsi valeur initiatique, son élan étant de proposer une forme moderne de lecture sans pour autant renier le souffle virgilien. Autant dire que l’entreprise est réussie, la présente traduction instaurant dès les premières pages un lien étroit entre le lecteur contemporain et la poésie classique, à l’image de ce « Printemps neuf – Quand fond l’eau glacée des montagnes blanches – Le vent défait le sol poudreux »… Ce long poème de près de 2 000 vers commandé par l’ami de Virgile, Mécène, nous invite à méditer sur la vie, la mort, les liens entre la nature malmenée par les guerres et les hommes. Une réflexion poétique servie par une traduction inspirée qui trouvera bien entendu de nombreux échos contemporains auprès du lecteur. Philippe-Emmanuel Krautter Mark Haskell Smith : « Mémoires »; Traduit de l’américain par Julien Guérif, Editions Gallmeister, 2024. « J’essaye de me convaincre que le changement est la seule constance de l’existence – Héraclite » écrit Amy Elshof, à la fin d’une lettre destinée à Olivier, son éditeur. C’est à cette journaliste sans gros revenus, un peu déprimée, à qui cet Olivier a confié l’écriture de la biographie de Mark Haskell Smith, lui-même, auteur peu connu, taiseux et semblant être agoraphobe, vivant en Grèce ou ailleurs, dont la vie pourrait ne pas sembler très intéressante du point de vue d’un lecteur potentiel. Tout ceci pouvant se discuter, mais au-delà de cette commande, Amy accepte surtout pour l’argent et pour voyager sans frais aussi ! « Les écrivains ont toujours besoin d’argent ? C’est notre talon d’Achille », dira-t-elle. Là commence alors un polar déjanté, drôle et haletant, fourmillant de personnages connus, de références de lecture, citations tombées à pique, de dialogues envolés et caustiques, de situations à rebondissements surprenants. Enlèvements, courses à travers l’Europe, services secrets ou pas, CIA ou pas, grands plans de la Tech ou pas, noms familiers des puissants du web, affaires louches, rumeurs louches, tentatives d’assassinats… Meurtres… Qui manipule qui ? « J’ai toujours su repérer les signes avant-coureurs et les mauvais présages. Je sens venir l’orage, et je m’attends souvent au pire… Dans la vie, on n’est jamais sûr de rien. », pensera-t-elle aussi. Qu’Amy n’ai pas suivi son intuition nous régale en tant que lecteur, car sans sa soif de curiosité et de l’appât du gain, Mark Haskell Smith n’aurait pas pu nous embarquer comme auteur et sujet dans cette fiction qui prend intelligemment en compte certains paradoxes actuels de nos sociétés. Donc qui est ce Smith ? Que cache-t-il ? Qui sont ceux qui le poursuivent et pourquoi ? Jusqu’où Amy est-elle prête à aller pour atteindre ou pas son objectif et acceptera-t-elle les paramètres et dégâts collatéraux ? Le lecteur suit l’enquête journalistique que mène Amy pour la biographie commandée mais la bobine du fil de cette histoire lui échappe et le dérapage semble inévitable… « Mais prenons un peu de recul et pensons à ce que Nietzsche aurait eu à dire du dilemme auquel je me trouvai confrontée. Il se demandait si ce qu’on appelle quelqu’un de bien est l’opposé de quelqu’un de mauvais. S’agit-il de deux caractéristiques distinctes ou de deux facettes d’une même personne ? Il n’est pas absurde d’admettre que les gens sont à la fois bons et mauvais… » CQFD non ? « Avez-vous déjà entendu votre cœur battre à l’intérieur de votre tête ? C’est exactement ce que j’ai ressenti. J’ai cru que ma vie était terminée. Ce n’était manifestement pas le cas. » Sylvie Génot-Molinaro Yannis Ritsos : « Grécité » ; Édition définitive ; Texte français de Jacques Lacarrière ; Illustrations d’Alecos Fassianos. 40 p., 14 x 22 cm, Editions Fata Morgana, 2023. La poésie de Yannis Ritsos (1901-1990) ne peut laisser indifférent quiconque aspire à la liberté, celle des mots et de l’esprit. Tendu vers une quête perpétuelle d’amour et de fierté, héritée de ses ancêtres, Ritsos ne livre pas une poésie de combat même si un grand nombre de ses vers ont été repris par le grand musicien Theodorakis comme refrain de la lutte contre l’oppression, mais bien une ode à l’insoumission. Le verbe de « Grécité » n’échappe pas à ce souffle libertaire où « ces cœurs ne peuvent se rassasier que de justice ». Mais réduire le poète à cette seule dimension – essentielle malgré tout chez lui – serait encore lui faire injustice, les images retenues, les associations rapprochées concourent à un souffle unique de la poésie grecque conduisant à ce chant puisé à l’antique. « Grécité » se veut la réaction poétique de Ritsos à la dictature des colonels de 1967 à 1974, régime pourtant si opposé à la démocratie née sur ces rivages et qui le conduira à être déporté dans les îles de longues années. Le soleil, la chaleur, la lumière aveuglante bannissent tout entre-deux : « Ce pays est aussi dur que le silence » et « Quelle épée tranchera le courage / Quelle clé fermera le portail de ton cœur / Le portail grand ouvert sur les jardins étoilés de Dieu ? ». Chaque vers de « Grécité » trouve un écho dans la musicalité des images admirablement bien rendue par la traduction de Jacques Lacarrière, hellène de cœur sinon de sang. Nul étonnement dès lors que le rébétiko – ce chant plaintif né dans les années 20 du siècle passé – ne se soit saisi de cette poésie pour en tirer de magnifiques mélodies. Un souffle à découvrir dans cette belle édition illustrée par les dessins du grand peintre grec Alecos Fassionos. Philippe-Emmanuel Krautter Frédéric Wandelère : « Divers ennemis du réveil - Dix-sept poëmes pour Martin Steinrück », Editions Arcades Ambo, 2024. Le poète suisse Frédéric Wandelère dont nous avions déjà pu apprécier en ces colonnes « La Compagnie capricieuse » parue à La Dogana, réunit aujourd’hui « Dix-sept poëmes pour Martin Steinrück » aux éditions Arcades Ambo. Goûtant aux instants transitoires entre songes et éveil, l’auteur explore ces sensations qui rôdent près du sommeil, sans que l’on sache si elles relèvent du rêve ou de la conscience : « Dans un demi-sommeil, je rêve et je ne rêve pas ; Je tiens un livre en main, relâché ce n’est rien ; La chose évanouie je la retrouve telle De l’autre côté de mes yeux clos. » Sa poésie sait se saisir de cette fugacité qui sied tant à son auteur, Frédéric Wandelère, et dans laquelle il excelle à rendre les nuances d’un thé ou d’une porcelaine avec cette même acuité qu’il convoque pour observer un nuage ou des fleurs. Cette vision ne se veut pas bucolique pour autant, ce qui pourrait sembler trop convenu, mais privilégie plutôt un art de l’incertitude propice aux « choses transitoires » chères à Robert de Montesquiou : « Durer, ne pas durer ; s’éteindre, s’oublier, renaître. »… L’éphémère onirique scruté par une attitude vigilante, tel pourrait être l’un des maîtres mots de ce recueil d’une sobriété secrète. Ces vers sont telle une armée des songes qui sollicite le poète comme tenterait de le faire un peintre sur sa toile ; touches discrètes, lavis discrets, effleurements des mots à la surface des pages. Philippe-Emmanuel Krautter Chateaubriand : « Voyage en Italie », Coll. Folio Classique, Editions Gallimard, 2024. Chateaubriand a laissé des pages inoubliables nées de ses multiples voyages, pour certains au long cours (Amérique, Jérusalem…), d’autres plus proches tel celui effectué en Italie de 1803 à 1804. Ce sont ces pérégrinations, toujours inspirées, que l’écrivain livre en ces pages en des notations souvent prises sur le vif – mais aussi parfois héritées de ses prédécesseurs… Nature, art et société se conjuguent souvent en des réflexions alternant entre méditations philosophiques et remémorations historiques. La solitude pointe de temps à autre dans cette campagne romaine que l’on croirait désertée des ses habitants et où sourdent ici ou là quelques mélancolies propres à Chateaubriand et voilant quelque peu le soleil d’Italie. Les ruines omniprésentes, si elles savent encore parler à l’érudit de la langue latine qu’était Chateaubriand, accentuent encore ce sentiment de solitude et de silence oppressant. Le voyageur s’émeut à l’approche de la Ville Éternelle : « la multitude des souvenirs, l’abondance des sentiments vous oppressent ; votre âme est bouleversée à l’aspect de cette Rome qui a recueilli deux fois la succession du monde, comme héritière de Saturne et de Jacob ». Nul effroi pourtant quant à cette sourde impression, mais plutôt un contraste saisissant entre la grandeur passée omniprésente rapportée à sa découverte vingt siècles plus tard. La poésie récurrente dans ces pages atténue cependant les notes pessimistes qui, à l’image de l’Ecclésiaste, soulignent la vanité humaine qui ressort de ces ruines… Quelques belles pages encore, moins sombres, lorsque Chateaubriand entrant dans une petite chapelle esseulée bâtie sur les ruines de la villa de Varus se mit à prier en silence en communion avec un autre homme qui lui sembla si malheureux qu’il ne se hasarda à aucune parole. Chacun de ces pas en terre italienne convoque les siècles révolus tout autant que les années passées de l’écrivain, une longue marche initiatique à laquelle Chateaubriand convie son lecteur entre mélancolie et joie esthétique. « Pierre loti – Mon mal j’enchante – lettres d’ici et d’ailleurs (1866-1906) », éditions établie et présentée par Alain Quella-Villéger et Bruno Vercier, Éditions La Table Ronde, 2023. Plaisir que de voyager avec Pierre Loti (1850-1923) au travers de ces « Lettres d’ici et d’ailleurs », sous-titre de cette belle édition établie et présentée par Alain Quella-Villéger et Bruno Vercier. Une édition des plus soignées réunissant un choix de lettres, pas moins de 360 allant de 1866 alors que Loti est encore jeune adolescent chez ses parents jusqu’en 1906, année à partir de laquelle ses courriers se font plus rares et essentiellement liés aux affaires. Des lettres qui livrent - ainsi que le soulignent les auteurs en leur introduction, un saisissant autoportrait ; et quel plaisir, en effet, pour le lecteur que de suivre au fil des années et voyages, d’abord Julien, puis Julien Viaud ou J. Viaud, avant que naisse pleinement à l’écriture Pierre, et enfin Pierre Loti ou P. Loti. Après quelques lettres de jeunesse, c’est très vite à partir de la capitale, puis de l’école navale que commence cette vie faite de voyages, d’écriture et de poésie… La correspondance de Pierre Loti est indissociable de sa vie d’écrivain, et ce, de son tout premier livre « Aziyadé » en 1879 aux « Désenchantées », son dernier ouvrage. Il faut dire que l’exercice épistolaire était pour Pierre Loti, né au XIXe siècle, « une habitude, un rite, une sorte de religion même », notent encore à juste titre Alain Quella-Villéger et Bruno Vercier. L’écrivain n’hésitera d’ailleurs pas à redemander ses lettres pour les insérer ou les intercaler dans son journal intime (également publié à La Table Ronde). Aussi, le lecteur retrouvera-t-il en ces lettres les proches, les amantes et amis de l’écrivain, croisant Sarah Bernard, Élisabeth de Roumanie ou encore Émile Zola et bien d’autres encore, partageant ses sentiments, émotions, tristesses ou deuils… Par cette belle édition et choix de lettres, c’est non seulement toute la vie de l’écrivain, de Pierre Loti qui se trouve ainsi donnée à lire, mais surtout un homme complexe qui se dévoile. L.B.K. Mario Rigoni Stern : « Histoire de Tönle » ; Nouvelle traduction de l‘italien par Laura Brignon, Coll. « Totem » n°233, Editions Gallmeister, 2023. Si le nom de Mario Rigoni Stern est injustement peu connu en France, l’Italie a depuis longtemps, en revanche, célébré cette plume unique que salua en son temps le grand Primo Levi : « Le fait que Rigoni Stern existe est en soi miraculeux »… D’où vient ce miracle né ? À la fois d’une expérience de la vie et d’une sensibilité à fleur de peau qui transparaît à chaque page de « Histoire de Tönle » dans cette nouvelle traduction de Laura Brignon. Et c’est avec une plume affinée que l’écrivain explore en ces pages autant les tréfonds de l’âme humaine que les moindres aspérités du paysage montagneux de cette province de Vicence en Vénétie, où il naquit en 1921 à Asiago, et qu’il connaît intimement. Engagé volontaire en 1938 dans les chasseurs alpins de l’armée italienne, Mario Rigoni Stern fera, en effet, rapidement corps avec cette montagne dont il livrera les sentiers et secrets dans ses romans notamment dans cette « Histoire de Tönle » qui comporte de nombreux éléments autobiographiques. À l’image du vieux berger, l’auteur s’échappera d’un camp de prisonniers et rentrera à pied dans son village natal par ces temps de guerre qui bouleversent les équilibres ancestraux. Ce qui était naguère acquis est remis en question par la folie des hommes alors que la nature, imperturbable, perpétue cet éternel cycle des saisons dont l’auteur livre toute la poésie. Ce premier opus d’une trilogie du haut plateau saisit littéralement le lecteur non seulement pour l’évocation de cette nature sublime, mais également pour les liens puissants qu’elle suscite et fait naître entre les hommes malgré l’adversité. Un témoignage fort et sensible, rendu avec poésie par cette nouvelle traduction. Philippe-Emmanuel Krautter « Mademoiselle Julie » d’August Strindberg ; Traduction et notes d’Alain Gnaedig ; Présentation de Ulf Peter Halberg ; Préface d’August Strindberg ; Coll. « folio Théâtre », Folio, 2023. Nous ne pouvons que recommander cette nouvelle édition dans la collection « folio Théâtre » de la célèbre pièce « Mademoiselle Julie » du dramaturge suédois August Strindberg (1849-1912). Outre la riche présentation signée Ulf Peter Halberg, le lecteur appréciera également la traduction inédite et les notes d’Alain Gnaedig pour cette œuvre écrite en 1888. Huis clos dramatique jugé tout d’abord subversif, la pièce connaîtra un succès croissant au XXe siècle jusqu’à aujourd’hui et donnera lieu à de belles représentations, mais aussi à de nombreuses adaptations, ballets, cinéma ou encore TV ; on songe, bien sûr, à Juliette Binoche dans le rôle de Julie… Aussi, est-ce avec profit que le lecteur trouvera en fin de volume un riche dossier concernant notamment l’« historique et (la) poétique de la mise en scène », ainsi qu’une préface signée de la main même d’August Strindberg exposant sa propre conception du théâtre. Influencé par Zola, l’auteur a souhaité faire de « Mademoiselle Julie » une « tragédie naturaliste » ; Grinçante et glauque, la pièce met, en effet, en scène trois protagonistes dans des dialogues forts et tendus lors de la nuit de la fête de la Saint-Jean dans un château en Suède : Mademoiselle Julie, jeune aristocrate, fille du comte, emportée après sa rupture de fiançailles par les chants de fête entend séduire le domestique de son père, Jean ; ce dernier succombera-t-il, lui qui fut depuis toujours amoureux de Mademoiselle ? Enfin, pour témoin, Kristin, la cuisinière au cœur penchant pour Jean… Séduction, confrontations de classes, illusions et désillusions et sa fin tragique font de cette pièce une œuvre forte qui mérite à plus d’un titre d’être redécouverte. L.B.K. Sylvain Tesson : « Avec les fées » Collection Littérature, Éditions Des Équateurs , 2024. Si Sylvain Tesson confesse ne plus croire aux fées, il leur consacre cependant ce dernier essai, sous forme de balade celtique poétique. Paradoxe ? Esprit de contradiction ? Point du tout, mais une quête inassouvie de ce Graal éternel, celui de la beauté et de ces nuances qui irisent notre quotidien, quotidien que nous ne savons plus voir, ainsi que le confiait le poète Maeterlinck cité en exergue : « C’est bien curieux les hommes… Depuis la mort des fées, ils n’y voient plus du tout et ne s’en doutent point. » Armé de sources classiques, celtiques et poétiques, d’un navire et de fidèles compagnons, notre Ulysse des temps modernes part à la recherche des fées, depuis la Galice espagnole jusqu’au sommet de l’Écosse en un arc bandé vers ce qui n’a pas encore totalement été dévasté par la modernité. Avec cette « qualité du réel révélée par une disposition du regard », l’auteur embarque pour une odyssée qui tient à la fois de l’introspection et de l’altérité, en un va-et-vient semblable à celle du reflux marin. C’est en cabotant de criques en falaises, à la manière des anciens Celtes, que Sylvain Tesson part à la rencontre du surgissement du merveilleux, ces fées témoins d’un monde encore préservé de la dévastation. Dans ces pérégrinations qui tiennent à la fois de la confession poétique et de la quête éternelle de liberté, l’homme retrouve la beauté et l’adversité, le saisissement de forces qui le dépassent et simultanément cette osmose avec les éléments, seul moyen d’échapper au naufrage. Alors que très souvent les côtes dévastées par la « modernité » rendent impossible toute évasion de ce genre, c’est sur le fil séparant falaises et flots qu’évolue Sylvain Tesson en équilibriste du merveilleux… Cet ouvrage nous emporte avec lui entre embruns marins, quelques rares rencontres humaines et surtout cette symphonie de varech, basalte, granit et iode qui ne cesse d’amplifier les accords au fil des pages. Philippe-Emmanuel Krautter Honoré de Balzac : « Honorine » dans une édition établie par Jacques Noiray, Coll. « Folio Classique », Éditions Folio, 2023. « Honorine » est une captivante et longue nouvelle écrite par Balzac en 1842 et qui sera publiée dans « La Condition humaine » en 1845. Retenant, une nouvelle fois comme dans « La Femme abandonnée », la technique d’un récit dans le récit, Balzac tient son lecteur en haleine… avec l’histoire de l’étrange personnalité du Comte Octavio donnée à entendre lors d’une belle soirée genevoise, à ses hôtes, par son ancien secrétaire, devenu Consul de France. Il est vrai que le Comte Octavio suscite la curiosité, lui si calme, muré dans sa droiture et rigueur légendaire telle une ramure inviolable. Mais le lecteur apprendra grâce au récit de son ancien secrétaire, Maurice de Hostal, qu’il a été abandonné par sa belle et jeune épouse, partie pour un fugace amant qui l’a délaissée très vite à son tour… Histoire presque banale, me diriez-vous, si ce n’est que le Comte, inconsolable, prêt à tout pardonner pour qu’Honorine revienne, s’ingénie à la suivre et à lui faciliter la vie en arrangeant et payant sous couvert de prête-noms sa « liberté ». Jusqu’où sera-t-il prêt à aller pour qu’elle revienne ? … ira-t-il jusqu’à envoyer auprès d’elle son secrétaire, Maurice de Hostal, pour la convaincre de revenir ? Et quelle sera l’issue de ce récit que nous a donné à entendre le consul durant cette douce soirée genevoise ? « Honorine » demeure un récit romanesque réjouissant de par la description de la personnalité des différents protagonistes : Le Comte Octavio, sombre et haut magistrat, intrigue et retient l’attention de son secrétaire par la préciosité de sa droiture et son inconsolable obstination ; la Comtesse fascine, quant à elle, par sa jeunesse, sa sensibilité et beauté, mais aussi par son orgueilleux effacement, se croyant libre, et jusqu’à la fin, cet infaillible honneur ; enfin, Maurice de Hostal, ce secrétaire, devenu consul, notre narrateur, et dont on ne pouvait prévoir un tel dévouement et fidélité. Balzac joue avec son lecteur, brouillant les sentiments et multipliant les angles. On y retrouve, certes, la hauteur d’âme, l’honneur, mais aussi la passion, la possession, la rigidité des sentiments et des jugements… Et si, comme toujours, Balzac éblouit par la finesse et la profondeur de sa plume, « Honorine », ainsi que le souligne d’emblée Jacques Noray dans sa préface, demeure « sans doute un des textes les plus riches, les plus ambigus, les plus étranges, les plus inquiétants aussi de « La Comédie humaine » (…) ». Balzac se vantera d’avoir composé cette longue nouvelle en seulement trois jours. L.B.K. Pierre Bouretz : "Sur Dante", Coll. « NRF Essais », Editions Gallimard, 2023. C’est à une lecture de Dante – qui n’aurait pas déplu au célèbre compositeur Frantz Liszt ! - à laquelle nous convie le philosophe Pierre Bouretz en un essai aussi passionnant qu’exigeant paru aux éditions Gallimard. L’auteur nous rappelle que si le grand poète florentin s’inscrit dans le Moyen Âge (XII°-XIII° siècles), son oeuvre et sa pensée se projettent, quant à elles, bien au-delà préfigurant en cela déjà les Temps modernes. La Comédie n’est pas seulement, en effet, qu’un chef-d’œuvre poétique, ce que l’on retient habituellement, mais bien le fruit de la pensée d’action de son auteur prônant, à l’opposé des théologiens de son temps, « une humanitas universalis » définie par l’unité d’un intellect qui le rapproche de l’héritage aristotélicien, ainsi que le souligne Pierre Bouretz. La Comédie peut être ainsi comprise comme un voyage dans l’au-delà où serait éclairé tout ce que ses contemporains souhaitaient découvrir à partir de cette expérience dans le pays des morts : « Auteur impliqué dans son récit, il promettrait enfin de tout raconter de la façon la plus exacte, établissant un régime de vérité sans exemple dans le registre de la fiction poétique », relève encore Pierre Bouretz. Avec cette grande œuvre, il n’est plus question de fiction ni de mythe, mais de déployer l’éventail des passions : amour, politique, philosophie… Cette « expérience » proposée par le grand poète italien se veut la plus étendue possible, et pour cela Dante retient la langue vernaculaire et non point le latin usuel à son époque parmi les élites. Grâce à des procédés comme l’emploi de terza rima conférant une musicalité au texte propice à sa meilleure réception, Dante élargit ainsi encore le cercle de ses lecteurs. Mais c’est surtout quant à la manière employée pour dévoiler ces vérités de l’au-delà que réside l’originalité de l’œuvre en ayant recours à un poète païen en la personne de Virgile, ce qui n’était guère attendu en son siècle chrétien… L’essai de Pierre Bouretz montre combien Dante par la forme poétique et la fiction cherche en fait à transposer les thèses défendues dans ses écrits politiques et philosophiques (« Banquet », « Monarchia »). Cette pensée résolument hostile aux abus du pouvoir de l’Église et opposée à cette ingérence du pape Boniface VIII sur les communes toscanes ne pouvait que susciter une réaction violente puisque Dante sera condamné à l’exil et ses biens confisqués. Aussi le legs de Dante doit-il tout aussi bien s’entendre sur le plan poétique avec la Comédie le classant parmi les plus grandes œuvres du Moyen Âge, mais également sur le plan philosophique et politique justifiant selon Pierre Bouretz que le poète soit ainsi placé « au début d’une histoire des Lumières » pour sa clairvoyance. Un ouvrage qui invite donc son lecteur à une lecture instructive et vivifiante de Dante. Philippe-Emmanuel Krautter Julien Gracq : « La Maison », postface de Maël Guesdon et Marie de Quatrebarbes, Coll. Domaine français, 84 p. Editions Corti, 2023. Un inédit de Julien Gracq demeure toujours un évènement, surtout lorsqu’il s’agit d’un manuscrit travaillé selon la légendaire rigueur de son auteur, en témoignent les deux versions successives en fac-similé qui accompagnent cette publication aux éditions Corti. Celui qui avait refusé le prix Goncourt qu’on souhaitait lui décerner en 1951 pour « le Rivage des Syrtes » a probablement rédigé ce court récit dans les années d’après-guerre, mais celui-ci semble n’avoir trouvé place dans les publications envisagées alors par Gracq, ainsi que le relèvent dans leur postface à l’ouvrage Maël Guesdon et Marie de Quatrebarbes. Les éditions Corti ont historiquement accompagné l'auteur qui avait refusé que ses livres paraissent en format poche, aussi n’est-il pas surprenant que ces dernières publient aujourd’hui ce court récit d’une trentaine de pages enfoui jusqu’à présent dans les archives de l’écrivain. Un texte court, mais qui concentre de manière serrée et diablement efficace cet art de la contemplation unique dans lequel excellait l’auteur de « Au château d’Argol » paru en 1938. En un récit passant progressivement d’un certain réalisme à un univers presque onirique, Gracq transporte son lecteur en un cheminement étrange fait d’attractions et de répulsions entremêlées. À l’image de cette végétation retournée à l’état sauvage, le contraste saisissant de cette maison que le narrateur pensait abandonnée surprend tout autant qu’il intrigue. En une conjugaison d’images associant attirance, effroi, curiosité, sensualité et émoi, « La Maison » déploie un éventail de sensations dont le lecteur ne ressortira pas indemne, à l’instar du narrateur… Philippe-Emmanuel Krautter Geneviève Haroche-Bouzinac : « Madame de Sévigné », Coll. « Grandes Biographies », Editions Flammarion, 2023. C’est une biographie fort plaisante et des plus informées consacrée à Madame de Sévigné que signe Geneviève Haroche-Bouzinac aux éditions Flammarion. L’auteur n’en est pas à son premier coup de maître, et a déjà publié de nombreuses biographies notamment « La vie mouvementée d’Henriette Campan » ou encore « Louise de Vilmorin, une vie de bohème », Grand Prix, entre autre, de la biographie littéraire de l’Académie française en 2020. Professeur émérite de l’Université d’Orléans, Geneviève Haroche-Bouzinac est directrice de la revue Epistolaire, c’est donc à une plume aisée et avertie que s’est vue confiée Marie de Rabutin-Chantal, marquise de Sévigné. Et il faut le reconnaître, l’histoire de France, de la Cour et des campagnes de ce XVIIe siècle prend dans ces jeux d’écriture et de miroirs des siècles un relief tout particulier plein de saveurs. Il est vrai que si la marquise de Sévigné eut, par choix après un veuvage précoce, une existence rangée avant tout tournée vers ses enfants et plus particulièrement sa fille, Françoise, sa vie n’en fut pas pour autant terne ! Cette grande épistolière qui sut si bien alterner vie de Cour et vie de château à la campagne, exerça déjà en son temps par son charme et son style une fascination constante, multipliant les prétendants et non des moindres, admirée par les peintres et plus encore célébrée par les poètes, amie de madame de Lafayette, de la grande Mademoiselle, etc. Comment une telle fascination pouvait-elle ne pas perdurer jusqu’à nos jours enchantant par ses lettres des générations ! En compagnie de celle qui naquit le 5 février 1626 à Paris et qui s’étreindra un 17 avril 1696 au château de Grignan, le lecteur traverse ainsi véritablement le Grand Siècle, guerres et révoltes, mais aussi dîners, théâtres, opéras et vie littéraire ou encore entend vanter les vertus du chocolat ou de l’eau de Vichy… Ce sera surtout lors du mariage et de l’éloignement de sa fille que le rôle d’épistolière à la fois intime et publiquement célébré prendra dans la vie de la marquise de Sévigné toute son importance. Et si ses lettres se voulaient des divertissements, cette biographie en garde le caractère avec ses précieuses précisions, ses digressions parfois cocasses, ses « menus faits et anecdotes » pour reprendre un de ses sous-titres. Bref, c’est un régal, un voyage dans le faste du Grand Siècle et cette France du XVIIe siècle ; Mais, comment pouvait-il en être autrement en si bonne compagnie ! L.B.K. « La Vie de Léon Tolstoï ; Une expérience de lecture » d’Andreï Zorine, traduit du russe par Jean-Baptiste Godon, 250 p., Editions des Syrtes, 2023. A noter cette biographie inspirée consacrée à « La vie de Léon Tolstoï » et signée d’Andreï Zorine aux éditions des Syrtes, première biographie depuis la fin de l’Union soviétique à être traduite en langue française – ici, par Jean-Baptiste Godon. Un ouvrage allant à l’essentiel sans pour autant omettre les parts sombres de cette vie faite de convictions et de passions que fut celle de Lev Nikolaïevitch Tolstoï (1828-1910). L’auteur, spécialiste de l’histoire de la culture russe, a fait choix à juste titre de ne pas distinguer le « Tolstoï écrivain » du « Tolstoï homme » ou du « Tolstoï spirituel ». Personnalité complexe, changeante, mais aussi sensible qu’engagée et passionnée, Tolstoï mérite en effet d’être découvert tant en sa qualité de grand écrivain russe que l’on connaît qu’en sa qualité d’homme, de philosophe et d’homme spirituellement engagé qu’il était aussi ; lui, qui perçut « l’absurdité de l’existence », Tolstoï ne pouvait se résigner à une vie rectiligne sans doutes ni questionnements ou remises en cause. L’auteur, conscient des difficultés biographiques que revêt cette vie tumultueuse faite d’élans, de tournants, d’introspection et de dépressions, a su éviter bien des écueils en multipliant et croisant ses sources, pour nombres d’entre elles peu connues, voire inédites. C’est donc toutes les facettes, et par là même, toute la richesse de l’un des plus grands écrivains russes, personnalité entière, que le lecteur découvrira en ces pages : un enfant sensible, mais anxieux, un jeune homme aristocrate ambitieux et versatile, un époux et père aimant mais difficile, un homme plus qu’engagé aux gouffres profonds, écrivain novateur et génial, auteur d’une œuvre protéiforme – « La Guerre et la paix » ; « Anna Karénine » ; nouvelles, contes, etc., pédagogue plus que de raison, philosophe et prophète controversé. Un Tolstoï qui tenta tant de fois de s’enfuir et qui s’est « enfui », pour de bon, un jour de novembre 1910... C’est cette incroyable, bouillonnante et passionnante vie, « cette pensée continuellement en mouvement » que nous donne à lire dans un style clair et concis Andreï Zorine, un défi plus que réussi ! L.B.K. Blaise Cendrars : « Trop c’est trop » ; Edition présentée et annotée par Claude Leroy, Folio, Editions Gallimard, 2022. Les amateurs de Blaise Cendrars apprécieront assurément cette parution en FOLIO de ces nouvelles réunies sous le titre « Trop c’est trop » présentées et annotées par Claude Leroy. Pas moins de dix-sept histoires, plus vraies que natures, articles de presse, contes, nouvelles et portraits, un recueil publié au début de 1957 et que l’auteur lui-même qualifiait de « presse-papier ». On y retrouve ce voyageur infatigable et ce non moins intarissable conteur que fut Blaise Cendrars. « Au début de 1957, toute la presse s’accorde (…) pour saluer le retour du Cendrars de l’Homme foudroyé ou de Bourlinguer, tel qu’on l’attendait, fidèle à sa réputation d’aventurier, d’arpenteur du monde entier et de chercheur d’or. » écrit Claude Leroy dans sa présentation au recueil. Et c’est si vrai ! Le lecteur, en effet, s’il est curieux, se laissera volontiers entraîner dans ces contrées de littérature, ces théâtres notamment emplis de couleurs que sont les paysages du Brésil ou encore ces Noëls des quatre coins du monde… Aussi curieux qu’attentif à son époque, de Brasilia, de Rio à Paris, Blaise Cendrars joue et se joue, enjambant frontières et espaces, tel un magicien n’ayant qu’une préoccupation celle de captiver, de transporter et de faire voyager en sa compagnie son lecteur. « Le voici de retour, tel que l’a façonné une légende de poète-voyageur…» écrit encore en sa présentation Claude Leroy. L.B.K. Yves Bonnefoy : « Œuvres poétiques », Édition d'Odile Bombarde, Patrick Labarthe, Daniel Lançon, Patrick Née et Jérôme Thélot, Bibliothèque de la Pléiade, n° 667, 1808 p., Editions Gallimard, 2023. Yves Bonnefoy qui nous a quittés en 2016 (lire l’interview accordée à notre revue) compte parmi les poètes majeurs des XXe et XXIe siècles. Poète incontournable mais aussi traducteur apprécié, sans oublier sa plume d’essayiste aussi exigeante qu’inspirée, Yves Bonnefoy trouve sa pleine consécration avec la parution de ses Œuvres poétiques dans la collection de La Pléiade aux éditions Gallimard à laquelle il attachait une grande importance ; une édition établie par Odile Bombarde, Patrick Labarthe, Daniel Lançon, Patrick Née et Jérôme Théolot et à laquelle le poète collabora lui-même au seuil de sa vie. Daniel Lançon et Patrick Née rappellent en avant-propos cette polarité entre deux lieux qui conduisit Yves Bonnefoy à cet attrait pour l’ailleurs, « j’ai souvent éprouvé un sentiment d’inquiétude à des carrefours » confiait-il dans l’incipit de L’Arrière-pays. « Cette idée d’une réalité supérieure, je la crois inhérente à tout commencement poétique, en effet. Et plus vite et plus fortement on la forme, et plus facilement on a chance d’en faire cette critique qui est le sérieux de la poésie » confiait-il encore lors de notre entretien. Son attirance pour une autre façon d’appréhender et de vivre la réalité humaine allait désormais nourrir sa poésie en un perpétuel rêve d’essence métaphysique tout en insistant sur le fait que « ce rêve n’est pas la vérité, et la poésie, qui le subit de plein fouet, a pour vocation de percer à jour cet illusoire. De reconnaître qu’est plus haute lumière ce que Rimbaud nommait la « réalité rugueuse » ; ou ce que Baudelaire vivait dans la misère des jours avec celle qui « essuyait son front baigné de sueur et rafraîchissait ses lèvres parcheminées par la fièvre ». Cette image d’« un homme au rêve habitué » en référence à Mallarmé sied particulièrement à la personnalité d’Yves Bonnefoy selon l’essai ciselé d’Alain Madeleine-Perdrillat en introduction. La lecture de la chronologie du poète donnera le vertige au lecteur, défilent les années et les centres d’intérêt multiples du poète, de l’essayiste, du traducteur, du critique d’art et tant d’autres contributions encore au monde de la culture et de la pensée. Adoptant une présentation chronologique des œuvres, le présent volume de La Pléiade fort de plus mille huit cents pages permet de suivre la maturation du poète, même si ce choix conduisit à « éclater » certains recueils de temporalités différentes. Le lecteur pourra ainsi découvrir en ces pages toute la force poétique de la parole, cette unité de la poésie comme expérience du monde chère à Yves Bonnefoy, qu’il s’agisse des premiers recueils « Le Cœur-espace » (1945 et 1961), « Traité du pianiste » (1946) jusqu’à ses derniers livres « Ensemble encore » et « L’Écharpe rouge » publiés l’année de sa disparition en 2016. A leur lecture, l’unicité et le multiple sous-tendent la poésie de Bonnefoy en de nombreux plans intriqués : « Et de qui aima une image, Le regard a beau désirer, La voix demeure brisée, La parole est pleine de cendres. » (« Une pierre » 1993 p. 682) Ou encore : « Qui désespère, qu’il entre ici, c’est plus qu’un dieu Cet absolu qui erra dans la flamme. Ce fut presque de l’être, ce vent qui prit Dans la calcination d’une lumière. Aimez ce sanctuaire, mes amis, Où se dénouent les signes, c’est presque l’aube ». (« Après le feu » 2016, p. 1058) La prose, enfin, accompagnera également les découvertes dans ce précieux volume ainsi que ses traductions qui sont considérées de nos jours comme incontournables et dont on se délectera en compagnie de Shakespeare, Celan, Yeats, Leopardi, mais aussi Pétrarque ou Emily Dickinson, reflets de l’immense culture et sensibilité du poète au service des autres poètes. En ce perpétuel travail de résurrection des mots, Yves Bonnefoy nous invite à cette lucidité créatrice dont il fut le représentant le plus sensible. Philippe-Emmannuel Krautter « Kokin waka shû - Recueil de poèmes japonais d’hier et d’aujourd’hui » ; Introduction et traduction de Michel Vieillard-Baron, 520 p., Éditions Belles Lettres, 2022. Classique parmi les classiques, le Kokin waka shû remonte aux origines de la poésie japonaise puisque ce recueil fut commandé par l’empereur Daigo au tout début du Xe siècle… Les éditions Les Belles Lettres et le traducteur, Michel Vieillard-Baron, professeur à l’Inalco ont eu l’heureuse idée de rendre disponible cette somme incontournable au lecteur français. Ce fort volume constitue en effet l’une des premières compilations de poésie japonaise réalisée par quatre des plus éminents poètes de cette époque à savoir: Ki No Tomonori, Ki no Tsurayuki, Ōshikōshi no Mitsune et Mibu no Tadamine. Par cette décision à la fois culturelle et politique, l’empereur souhaitait en cette période de renaissance de la poésie nationale (waka) en souligner l’héritage classique sur laquelle elle reposait depuis le milieu du VIIIe s. Ce ne sont pas moins de mille cent onze poèmes qui se trouvèrent dès lors réunis dans ce recueil répondant pour la plupart d’entre eux à la forme tanka de 31 syllabes. Fait original à relever, parmi les cent vingt-deux poètes présents dans ce volume, vingt-six femmes y figurent en bonne place, signe de leur importance dans le monde lettré à cette lointaine époque. Contrairement à ce que la forme d’anthologie pourrait laisser penser, ce recueil répond à une certaine organisation et logique interne, abandonnant la présentation chronologique pour lui préférer des sections thématiques telles les saisons si chères à la sensibilité japonaise ; sensibilité encore extrêmement présente aujourd’hui, ainsi que le relève Michel Vieillard-Baron dans sa préface. Le lecteur remarquera également la proximité qui réunissait poésie chinoise et japonaise, le Kokin waka shû ayant été introduit à l’époque par deux préfaces, l’une rédigée en chinois par Ki No Yoshimochi et l’autre en japonais par Ki no Tsurayuki. Pour mieux apprécier la richesse et les évolutions successives de cette poésie exigeante et néanmoins si inspirante, le lecteur lira avec profit la très complète étude préliminaire préfaçant le recueil. Un ouvrage indispensable non seulement à la découverte de la poésie japonaise mais également à la pleine appréciation de la culture japonaise d’hier et d’aujourd’hui. Kamo no Chômei, Urabe Kenkô Cahiers de l’ermitage, Trad. du japonais par Sauveur Candau, Charles Grosbois et Tomiko Yoshida. Édition et préface de Zéno Bianu Extrait de Les heures oisives suivi de Notes de ma cabane de moine (Connaissance de l’Orient) Collection Folio Sagesses (n° 7159), Gallimard, 2022. Ce petit recueil paru dans la collection Folio sagesses livre en seulement une centaine de pages un concentré de méditation et d’ascèse bouddhique remarquable. En réunissant en effet les deux maîtres Urabe Kenkô et Kamo no Chômei, Zéno Bianu qui signe ici une passionnante préface, offre en effet une belle leçon sur la voie du renoncement menée par ces deux grands poètes ermites. Abandon des passions, mépris de la haine tout autant que de la crainte, imaginer sa vie aussi éphémère que la forme d’un nuage dans le ciel, telle est la précieuse leçon livrée en ces pages inspirantes. Il ne s’agit pas d’un éloge d’une vie creuse, mais bien du plaisir éprouvé par la richesse d’une pleine conscience de tous les instants ainsi que le rappelle Kamo no Chômei : « Depuis que j’ai quitté le monde, et que j’ai choisi la voie du renoncement, je me sens libre de toute haine comme de toute crainte ». Place est alors faite à la contemplation du quotidien, ces petits riens que les deux poètes exaltent et posent au-dessus de tous les tracas du monde. Des instants précieux pour la plupart du temps constitués de contemplation de la nature, de gestes du quotidien telle l’édification pour le moins minimaliste de la fameuse cabane du moine… Cet ascétisme que l’on retrouve dans le bouddhisme zen n’est pas non plus sans rappeler celui prôné par le stoïcisme à maintes occasions notamment dans ce passage où Urabe Kenkô dédaigne ces lieux avec « trop d’objets autour de soi, trop de pinceaux sur l’écritoire, trop de bouddhas sur l’autel domestique, trop de pierres, de plantes et d’arbres dans le jardin… » Antidote à notre quotidien anxieux et surabondant de biens matériels, cette lecture devrait apporter un vent d’air frais et bien venu... Robert Desnos : « Poèmes de minuit, inédits 1936-1940 » ; Préface de Thierry Clermont, Coll. Poésie Seghers, 176 p., 135 x 210 mm, Editions Seghers, 2023. C’est par une confession de Robert Desnos (1900-1945), étonnamment lucide, que débute la préface de Thierry Clermont aux Poèmes de Minuit (1936-1940), des poèmes inédits du poète et publiés aux éditions Seghers. Quelque temps seulement avant d’être arrêté par la Gestapo, puis déporté avant de mourir du typhus un mois après la libération du camp de concentration de Theresienstadt, Robert Desnos faisait ainsi remarquer : « Ce que j’écris ici ou ailleurs n’intéressera sans doute dans l’avenir que quelques curieux, espacés au long des années. Tous les vingt-cinq ou trente ans on exhumera dans des publications confidentielles mon nom et quelques extraits, toujours les mêmes » ! Espérons que la publication de ces inédits datés des dernières années du poète invalideront ce jugement sévère et permettront à un plus grand nombre de découvrir le grand poète que fut Robert Desnos. La découverte de ces inédits inattendus mais si bien venus est due à la sagacité du passionné des lettres Jacques Letertre qui dirige aujourd’hui la Société des Hôtels Littéraires. Ce collectionneur et bibliophile impénitent a acquis de manière quelque peu fortuite ces manuscrits contenant ces trésors, pas moins de 123 poèmes autographes dont, découverte incroyable, 86 inédits, sans titres et accompagnés de dessins du poète. Desnos s’était astreint dans ses dernières années à composer un poème chaque soir avant son sommeil. Dans ces pages souvent sombres et pourtant enclines à l’ironie, on trouvera aussi quelques saillies prémonitoires tel ce poème du 9 janvier 1936 : « Sur cette terre Moi j’aurai bien rigolé Pas autant cependant si je ne meurs avant » Parmi ces traits d’humeur, ou d’humour, c’est selon, cet éternel amoureux des calembours goûte les évocations farfelues où quelque bizarre animal débarque soudainement dans un beau salon pour y semer une belle pagaille : « Fait son entrée – Se vautre sur les canapés – Attise le feu – Détraque la pendule »… « Drôle d’animal - Joli Salon », conclut Desnos, un portrait du poète ?... Des questionnements épars rythment ces pages où animaux, personnages fantasques ou à peine masqués composent un panthéon éclectique dans lequel le poète puise son inspiration et se délecte. Ce panthéon s’avère en effet bien particulier où dérision rime avec émotion, gravité avec légèreté. Au terme de ce trop court parcours sur terre, le poète notera en guise d’épitaphe annonciatrice dans l’un de ses tout derniers poèmes : « Moi, incapable de reculer – Capable de me faire tuer – Plutôt que de céder un pouce – Pouce Pouce – Je ne joue plus »… Une spontanéité réfléchie qui séduit et attire irrésistiblement, magie de Desnos ! Philippe-Emmanuel Krautter François Gibault : « Céline », Nouvelle édition revue et corrigée, Collection Bouquins, 2022. Les récents développements apportés par la redécouverte pour le moins rocambolesque des manuscrits disparus de Louis-Ferdinand Céline ainsi que le décès de Lucette Destouches son épouse en 2019 imposait assurément une actualisation de la principale biographie parue à ce jour en langue française et consacrée au célèbre écrivain. François Gibault proche de Lucette Destouches et exécuteur testamentaire de l’écrivain était mieux placé que quiconque pour présenter ce long parcours de Louis-Ferdinand Destouches depuis son plus jeune âge au passage de Choisel jusqu’à ses dernières années passées, reclus, sur les hauteurs de Meudon avec perroquet, chiens et épouse… C’est à un monstre sacré des lettres françaises auquel s’est attaché Gibault dans cette nouvelle biographie revue et corrigée qui n’écarte aucun sujet fâcheux comme les accusations de collaboration et autres pamphlets antisémites que le biographe – avocat convaincu des causes tendancieuses – souhaitait voir republier par les éditions Gallimard… La documentation de première main en raison de sa proximité immédiate du cercle de l’écrivain constitue en premier lieu l’intérêt de cette biographie des plus complètes avec plus de 900 pages. Mais l’intérêt de ce fort volume ne tient pas qu’à la qualité de ses sources tant le biographe tente à faire ressortir toute la cohérence du parcours de Céline en rapport avec son œuvre, et ce, malgré les impasses empruntées par l’écrivain et ses contradictions. Souhaitant faire la part des choses entre l’homme et l’écrivain, François Gibault dresse le portrait d’une personnalité à la fois complexe et plus humaine que ne l’ont souvent laissé les impressions rapides de ses caricatures. Resituant les outrances de l’homme à son époque, Guibault tente d’esquisser la personnalité de celui qui était à la fois capable de soigner les plus démunis sans contrepartie financière tout en étant capable de verser dans les délires antisémites les plus abjects. Céline dans ces pages apparaît avant tout comme l’un des écrivains majeurs du XXe siècle, ses romans demeurant le cœur névralgique de ces multiples développements biographiques auxquels ils sont intimement entremêlés. Philippe-Emmanuel Krautter Aldo LEOPOLD : « Almanach d’un comté des sables », Editions Gallmeister, 2022. « Il y a ceux qui peuvent vivre coupés de la nature et ceux qui ne le peuvent pas.» Aldo Leopold est de ces derniers. Impossible pour lui de vivre hors du système qui nous maintient en vie, ce grand écosystème, et que l’homme se complait à rendre invivable. Pourtant, la nature se défend contre cet homme mécanisé et destructeur. Est-ce là un scénario pour un film ou un livre de fiction ? Est-ce la réalité de notre monde actuel et à venir… Ce pourrait être une posture de militant écologiste d’aujourd’hui, et pourtant c’est Aldo Leopold, né en 1877 et décédé en 1948, considéré comme le père des politiques de protection de l’environnement, qui écrivit ces textes réunis sous le titre « Almanach d’un comté des sables ». Il se lève tôt, vit dans la nature, observe tout, des plantes aux animaux, des étoiles aux levers de soleil et tente de situer la véritable place que devrait occuper l’homme dans ce monde, en toute modestie, alors que le grand siècle de l’industrialisation se plaît à l’exploiter et le vider de sa substance. L’écologie n’est pas une question de petites fleurs. C’est tenter d’empêcher l’extinction du vivant. Observer, décrire, philosopher pourquoi pas, écouter, rendre compte, percevoir, contempler et espérer qu’une véritable prise de conscience mènera sur des chemins plus respectueux du vivant et par ricochet de nous même, c’est ce que l’on ressent au long des pages de cet almanach atypique. Ces textes se lisent comme un traité de non-agression envers la nature et sous la plume d’Aldo Leopold transpire la poésie, le respect de la nature pleine et entière, de la plus petite créature jusqu’au cosmos, ressenti dans chaque cellule de nos corps poussières d’étoiles comme les physiciens le qualifieront plus tard. Que de résonnances actuelles ! Que de connaissances et de conscience écologique jamais entendues et considérées par les politiques, que de temps perdu qui ne se rattrapera jamais. La lucidité calme de l’auteur invite à réfléchir sur l’orientation hyper matérialiste de son époque et à opter pour réorienter ses besoins ou à détourner les biens matériels pour revenir à une meilleure compréhension de cet équilibre fragile du monde. Il s’avère plus qu’urgent de mettre en place une éthique solide et rigoureuse pour ne plus jamais avoir à lire des phrases telles « la protection de l’environnement marque le pas parce qu’elle est incompatible avec notre concept abrahamique de la terre. Nous maltraitons celle-ci parce que nous la regardons comme notre propriété. Le jour où nous la verrons comme une communauté à laquelle nous appartenons, peut-être commencerons-nous à en user avec amour et respect. Il n’est pas d’autre alternative pour qu’elle survive à l’impact de l’homme mécanisé… Le fait que la terre est une communauté est le concept élémentaire de l’écologie, mais le fait qu’il faut l’aimer et la respecter est un prolongement de l’éthique. Que la terre produit une moisson esthétique est un fait connu de longue date, mais souvent oublié. » Sylvie Génot Molinaro « L’art du livre par André Suarès », Editions Fata Morgana, 2022. C’est un délicieux opuscule signé André Suarès que nous livrent dans une édition des plus soignées, avec une typologie choisie et des lettrines retenues par Louis Jou en 1928, les éditions Fata Morgana. En de petits chapitres plus réjouissant les uns que les autres, l’auteur y fait l’éloge de « L’art du livre » ; avec cette passion incommensurable du beau et cette vison élitiste qui le caractérisent, comparant le livre à une œuvre architecturale des plus hautes, c’est une réflexion élégiaque sur le livre que le lecteur savourera ; remontant à la spécificité et beauté des incunables, soulignant l’évolution inévitable de l’imprimerie et du livre, c’est aussi une pensée visionnaire des plus surprenantes que nous donne à lire l’auteur. Un petit bijou pour amoureux patenté de beaux livres, pour artisans imprimeurs et éditeurs sincères ! L.B.K. Philippe Sollers "Graal" Collection Blanche, Gallimard, 2022. Ni disciple des Monty Python, encore moins un vénérateur des Chevaliers de la fameuse table, Philippe Sollers, ou tout au moins le narrateur de son dernier roman, ne part pas en quête du Graal, mais l’a trouvé depuis bien longtemps… C’est en terre atlantide, jadis prospère et de nos jours cachée sous des immensités d’incertitudes et de révisionnismes, que se trouve la source de ce continent disparu « mais toujours actif atomiquement, et génétiquement dans l’ombre ». Comme à l’accoutumée, Sollers avance dans l’ombre, en plein soleil. Ce nouvel Atlante amoureux des îles sait que ces dernières sont reliées à ce royaume éternel, source vitale où puise ce jouisseur absolu. Mais nulle trivialité dans ces évocations – même si quelques détails dont Philippe Sollers a le secret pourront émoustiller ou choquer, c’est selon. Le propos est ailleurs et sert une voie, la fameuse voie, non rectiligne qui mène à la mort après avoir vraiment vécu. Être « l’unique roi de son royaume », avoir cette chance de parler une langue intérieure à l’heure de l’assourdissement général, sans oublier les initiations matriarcales, telles sont les directions qui mènent à ces continents disparus, éternel retour. Le roman confie à qui peut encore entendre et surtout lire : l’Atlante se ressent comme immémorial et cultive le secret comme le silence sans oublier son immense mémoire, qualités qui font cruellement défaut à notre amnésique quotidien. L’amour comme la foi composent ces espaces où le verbe se fait chair et habitavit in nobis ainsi que le rappelle saint Jean. Cette présence nourrit les plus grands artistes depuis les premiers temps de l’humanité, dès les premières grottes ornées. Nulle bondieuserie dans la pensée de Sollers, mais dans notre monde « dégraalisé », un mystère joyeux demeure que cultive l’auteur, ces pages en témoignent. Philippe-Emmanuel Krautter Jean-Yves Tadié : « Proust et la société », Éditions Gallimard, 2021. C’est à la recherche d’un Proust dans son temps, dans sa société auquel nous convie Jean-Yves Tadié avec cet ouvrage « Proust et la société » qui vient de paraître aux éditions Gallimard. L’auteur nous dévoile, tour à tour, un Marcel Proust sociologue, géographe, historien ou encore psychologue. Le lecteur retrouvera ainsi Proust dans son milieu avec ses domestiques mais aussi le dandy regardant la société et « le peuple ». En ce tournant du siècle, on découvre également un Proust bien ancré dans le monde de la finance même si ses placements seront souvent malheureux et que l’écrivain se dit plus d’une fois exagérément ruiné… L’auteur revient ainsi sur les rapports que l’écrivain entretenait avec l’argent. Mais, pour cet ouvrage, Jean-Yves Tadié ne s’est pas limité à nous révéler un Marcel Proust en son temps, il a également entendu faire dialoguer cette société contemporaine avec celle-là même de A la Recherche du temps perdu. Ce monde que dépeint et fit vivre avec sa sensibilité et ses émotions l’écrivain en des pages mémorables, modifiant, changeant noms et lieux tout en leur laissant une certaine part de réalité. Ce n’est pas un regard, mais des regards que livre la Recherche. Ainsi, Jean-Yves Tadié analyse-t-il « La France de 1871 et la famille de Marcel Proust » ou ces « Figures de la modernité », que l’on retrouve tout au long de la Recherche et que Marcel Proust, Alfred Agostinelli, mais aussi Albertine, connurent en leur temps. L’auteur ne souligne-t-il pas en son introduction que Marcel Proust fut « un prodigieux observateur, et, d’après les souvenirs de ses amis, dans les salons, les restaurants, voire les maisons closes, un enquêteur infatigable ». La Recherche rend compte d’une société, celle dans laquelle l’écrivain non seulement évolua, celle qu’il observa, scruta, mais aussi celle qu’il écrivit et imagina. Or, « la société décrite et analysée par Proust, parce qu’elle est représentée de manière symbolique, est encore vivante, et même « créatrice ». Les structures profondes échappent au temps et aux modes. Il y a une mode des modes qui, elle, ne se démode pas. », ajoute Jean-Yves Tadié. Qu’il soit boursicoteur peu chanceux, technophile amoureux, géographe des lieux…, c’est le portrait d’un Marcel Proust moins connu, parfois inédit que convoque en ces pages Jean-Yves Tadié, et ce, pour le plus grand plaisir du lecteur. L.B.K. « André Suarès – Ports et rivages – Anthologie » ; Edition établie, présentée et annotée par Antoine de Rosny, 384 pages, « Les cahiers de la NRF », 2021. Ravissement que de trouver réunis dans ces « Cahiers de la NRF » les écrits ayant pour fil directeur les « Ports et rivages » dans l’œuvre d’André Suarès. Deux mots qui à eux seuls évoquent bien des facettes de l’écrivain ; Les ports comme liens d’attache, telle Marseille, sa ville natale à laquelle il restera attaché, mais aussi les rivages, inséparables des ports, appels du large et de liberté. Suarès n’eut de cesse affectivement de chérir cette liberté dont il paya lourdement le prix toute sa vie. Si André Suarès fut épris de connaissances, d’art, de livres, s’il fut portraitiste, essayiste, visionnaire, s’il eut aussi pour passion la musique, l’écrivain - bien qu’établi à Paris, voua également un amour immodéré pour la mer. On songe, à l’Italie avec « Le voyage du Condottière » et à Venise ; On songe à la Bretagne avec « Le Livre de l’Émeraude » et, bien sûr « Marsiho », sa ville natale. N’a-t-il pas écrit « La mer est mon horizon : ailleurs je ne respire plus ». Et ne se définissait-il pas dans « Le voyage du Condottière » comme un « homme de la mer avant tout ». Mais, cette quête de beauté si chère au poète, d’horizons et d’infini, d’indépendance qu’offrent « Les Ports et les rivages » ne saurait se limiter à ses œuvres les plus connues, l’écrivain fut en effet l’auteur sous divers pseudonymes de plus d’une centaine de livres, d’écrits publiés dans des revues, sans oublier ses carnets et une abondante correspondance. Aussi est-ce tout le mérite de cette belle anthologie, présentée et annotée par Antoine de Rosny, professeur de lettres classiques et membre du comité d’André Suarès que de mettre en valeur et nous encourager à découvrir ces joyaux de l’écrivain. Ce sont des « Ports et rivages » célébrés, contrastés, opposés, mais aimés ; Bretagne et Provence… Mais, aussi des ports rêvés, ceux des mers grecques et de la Sicile… Des textes et poèmes choisis et accompagnés d’un riche appareil critique dans lesquels le lecteur retrouvera ce style inimitable qui fut celui d’André Suarès (1868-1948). Cette incomparable « sensibilité mise à peindre le vert Océan breton ou à décliner à l’envi l’inégalable bleu méditerranéen ! » écrit Antoine de Rosny dans sa présentation. L.B.K. Sibilla Aleramo : « Une femme », Éditions des Femmes, 2021. « Depuis que j’avais lu une étude sur le mouvement féminin en Angleterre et dans les pays scandinaves, ces réflexions se développaient dans mon esprit avec insistance. J’ai immédiatement éprouvé une irrésistible sympathie pour ces créatures exaspérées qui protestaient au nom de la dignité de toutes, jusqu’à supprimer en elles les instincts les plus profonds : l’amour, la maternité, la grâce. Presque sans m’en apercevoir, mes pensées s’étaient arrêtées jour après jour sur ce mot : émancipation… » Une vie se dessinait avec une certaine évidence pour cette jeune fille mais un événement totalement involontaire de sa part va tout bouleverser, l’amour inconditionnel qu’elle portait à son père et réciproquement, ses relations avec sa fratrie, son avenir même. Elle si curieuse de tout et qui semblait ne surtout pas vouloir répéter le schéma de vie de sa mère, qui doutait de la réalité de dieu dans une Italie du nord du début du XXe siècle, elle qui comprend vite que dans son milieu provincial et étriqué, aucune chance d’indépendance ne lui sera accordée. Cela lui prendra des années et des années, luttant contre un mari tyrannique et élevant au mieux son fils, des années de soumission et de révolte, des années de dépendance et de soif de liberté, des années de réflexion pour arriver à écrire. Et écrire lui fut salutaire, lui fit même gagner sa liberté totale certes au prix d’un sacrifice énorme, d’un renoncement innommable, d’un abandon dans la souffrance. Mais lorsque la vie lui souffle à l’oreille que sa place n’est pas dans ce modèle et que seule elle peut défier et s’émanciper de celui des hommes, alors il n’y a plus une minute à perdre, la vie trop courte lui montre la voie, celle qui fera de son avenir celui d’une femme autrice, politisée, d’une liberté intellectuelle qui la portera au rang international par ses écrits et ses luttes sociales. « Mon passé me semblait désormais avoir été commandé par une volonté impitoyablement sagace. Tout n’avait-il pas été disposé en effet pour préparer l’avenir ? » Cette autobiographie publiée en 1906 après avoir quitté son mari et son fils prouva à chaque lectrice – et lecteur - que la liberté de pensée et d’agir en son âme et conscience pouvait être une véritable révolution et un mouvement réellement féministe en marche. « Qui avait donc le courage d’admettre certaines vérités et d’y confronter sa vie ? Pauvre petite vie mesquine et aveugle, à laquelle on tenait tant !… Chacun tenait son mensonge avec résignation…Les révoltes individuelles étaient stériles ou pernicieuses : les révoltes collectives étaient encore trop faibles, presque ridicules face à l’effroyable puissance du monstre à abattre ! Puis je commençais à me demander si la femme n’avait pas une part active à la misère sociale… » Sibilia Aleramo (1876/1960) est devenue une femme libre et active dans un homme exclusivement masculin et a ouvert, très certainement, la porte à bien d’autres femmes qui ont pris acte que l’émancipation était une volonté personnelle à mettre en marche quoi qu’il arrive. Sylvie Génot Molinaro « La Grande Grammaire du français » ; Sous la direction d’Anne Abeillé et Danièle Godard, Éditions Actes Sud - Imprimerie Nationale Éditions, 2021. Véritable évènement dans le paysage éditorial français, la sortie de la Grande Grammaire du français (GGF) marque une étape essentielle quant aux outils disponibles sur ce sujet toujours délicat. Il n’est en effet un secret pour personne que la langue française s’avère complexe à maîtriser. Qu’il s’agisse de sa langue maternelle ou d’une langue secondaire, le français fourmille de subtilités délicates à mémoriser et autres pièges rendant son apprentissage souvent difficile. Mais ce sont ces difficultés qui ont concouru à sa richesse et ces multiples finesses autorisent une variété infinie de nuances dont la littérature s’est saisie avec la réussite que l’on sait. Fort de cette importance, les contributeurs de cette imposante grammaire en deux forts volumes sous la direction d’Anne Abeillé et Danièle Godard, en collaboration avec Annie Delaveau et Antoine Gautier offrent pour la première fois aux amoureux de la langue française un outil suffisamment ample et vaste expliquant toutes les virtualités de la syntaxe de la langue écrite, mais aussi parlée et contemporaine. L’ouvrage n’a pas exclu parallèlement aux règles classiques les usages plus originaux constatés, faisant ainsi de cette recherche collective un véritable conservatoire de la langue. La GGF, ainsi qu’il faudra désormais la nommer, établit avec brio un état des lieux de la recherche et des usages depuis le milieu du XXe siècle jusqu’à nos jours, les débats ne manquant pas actuellement quant à certains usages en cours… Aussi la manière d’écrire des SMS, des billets d’un blog ou encore les diversités régionales sur l’usage du français sont des points abordés sur ces 2 628 pages en 20 chapitres. 30 000 exemples offrent un ensemble d’une étonnante richesse sous la forme de glossaire, index, tableaux, schémas, fiches et autres courbes mélodiques. La version numérique parallèle permet même d’écouter des exemples sonores ! Le lecteur ne lira bien évidemment pas cet ouvrage en deux volumes de la première page à la dernière, mais on ne saurait lui recommander de découvrir l’introduction passionnante consacrée à cette vaste question : « Qu’est-ce que le français ? ». Il découvrira alors le vaste rayonnement de cette langue très largement employée au-delà de l’Hexagone et de l’Outre-mer. Cette richesse posant une autre question « le » ou « les » français ? Les variations régionales et sociales peuvent laisser pencher vers une vision plurielle à partir de racines communes. Autre découverte, la version numérique parallèle à l’édition papier. Disponible soit en version eBook enrichies (ou PDF Web) soit en ligne, la GGF pouvant être consultée sur smartphone, tablette et ordinateur dans la mise en page originale de la version imprimée. La recherche d’un mot ou d’une notion rend bien entendu cet outil particulièrement précieux pour les étudiants, chercheurs et tout amoureux de la langue française. Fruit d’un travail d’une trentaine d’années d’un collectif de 59 linguistes français et étrangers, la GGF établit ainsi pour la première fois en France un véritable outil scientifique de la langue française.

BEAUX LIVRES

et CATALOGUES D'EXPOSITION

« Nicolas-Guy Brenet 1728-1792 » de Marie Fournier, Editions Arthena, 2023.

Voici un peintre injustement méconnu et pourtant emblématique de la transition entre la fin de règne de Louis XV et la Révolution de 1789. Cette période, bien que troublée sur un plan social et économique, fut néanmoins l’occasion pour certains artistes de développer un style néoclassique, souvent sous-estimé, malgré le rayonnement du peintre Jacques-Louis David. Marie Fournier dans cette brillante monographie établie à partir de sa thèse remarquée a décidé de sortir de l’ombre Nicolas-Guy Brenet ; un peintre dont l’œuvre se dévoile par le truchement de la peinture d’Histoire dans le style de l’Académie royale de peinture et de sculpture qui contribua à former ce jeune artiste issu d’un milieu modeste de graveurs. Ses prestigieux maîtres, Charles Antoine Coypel, François Boucher et Carle Vanloo, contribueront à lui transmettre une technique picturale irréprochable. Cette composition formelle rigoureuse ouvre parfois même à certaines introspections étonnantes comme sur cette solennelle toile « Honneurs rendus au connétable Du Guesclin » où un jeune page laisse percevoir un touchant désarroi accentué par son habit éclatant…
Brenet sera également un professeur éminent ainsi qu’un théoricien de l’art apprécié. Le grand Diderot ne s’était pas trompé lorsqu’il avait dit du peintre : « J’aime Brenet et je vous demande grâce pour lui ; il la méritera peut-être un jour ». Et même si sa gloire ne rayonna pas autant qu’il l’aurait mérité, le présent ouvrage démontre de très belle manière que cet oubli peut être rattrapé. Il suffira pour cela de dépasser nos réticences encore présentes à l’égard de la peinture historique, souvent considérée comme trop figée et convenue, pour entrer dans l’œuvre de Brener ainsi que nous y invite Marie Fournier. Le lecteur y découvrira une profondeur certaine, qui s’exprime, certes, dans les conventions du style classique, mais laisse également poindre, à travers quelques interstices annonciateurs, le romantisme à venir. Certains regards dont la force imprime non seulement le respect, mais également le doute, certaines charges dramatiques où l’inquiétude se dispute à la foi comme pour ce superbe « martyre de saint Denis et ses compagnons » (Basilique Saint-Denys d’Argenteuil) attestent de la valeur du peintre. La puissance évocatrice des grands mythes laisse également place à de charmantes conversations entre Vénus et Amour.
Les éditions Arthena proposent avec cette monographie remarquable de redécouvrir un peintre injustement méconnu et dont les illustrations de qualité ainsi que les analyses de l’auteur achèveront de convaincre de l’intérêt de redécouvrir Nicolas-Guy Brenet.

« Ikebana – L’art floral au Japon » de Frédéric Girard, Editions Citadelles & Mazenod, 2024.

L’art de l’Ikebana directement venu du Japon a su ces dernières décennies séduire l’occident au même titre que celui du bonsaï ou des arts martiaux au point que, parfois, son essence et sa raison d’être a pu quelque peu se diluer… C’est tout le mérite de ce beau livre de Frédéric Girard, grand spécialiste du Japon, que de nous rappeler les origines de la doctrine de l’ikebana qui trouve sa source dans le bouddhisme qu’il sublime.
98 planches d’arrangements floraux de style rikka datant du XVIIe siècle et conservées à la New York Public Library servent d’illustration à cette belle étude qui convie le lecteur à mieux connaître cette philosophie de l’être où chaque composition répond à des équilibres précis. La citation de Takada Anryubo Shugyoku placée en exergue de l’ouvrage résume bien toute la complexité de l’art de l’ikebana : « S’emparer des mérites du Ciel et, de la Terre dans ses mains et, dans son esprit, distinguer la totalité des plantes et des arbres… Qui ne reçoit pas la tradition héritée des maîtres, comment pourra-t-il connaître le principe selon lequel on apprécie en l’affectionnant, une plante ou un arbre ? ».

Tout fait fleur dans la société japonaise, il suffira pour s’en convaincre de se rendre au Pays du Soleil Levant au printemps à l’époque de la floraison des cerisiers. Véritable engouement collectif, l’ikebana participe de ce rapport étroit entre la pensée japonaise et le végétal, végétal qui, il y a encore un siècle, était omniprésent dans le quotidien de ses habitants. À l’heure où l’urbanisation s’est emparée plus que de raison de l’île où 80% du territoire est occupé par des montagnes, la place et le rôle de ces compositions florales sont plus que cruciales. La pratique n’est cependant pas récente et puise ses racines entre le XIVe s. et XVIIe s. À l’origine exclusivement le fait d’une aristocratie élitiste, l’art de la composition florale s’étendra à la bourgeoise montante pour finalement se généraliser au grand public.
Ainsi hier et aujourd’hui encore, assembler au Japon quelques branches et fleurs dans un vase ne se réduit pas qu’à un seul souci esthétique, mais constitue bien un art en tant que tel sur un fond bouddhique venant du Zen ainsi que le rappelle l’auteur.
Le lecteur découvrira toute cette évolution avec ses règles rigoureuses et ses différents styles institués en école, ce dont témoignent de manière somptueuse les planches reproduites en première partie de l’ouvrage.

"Châteaux, villas et folies – Villégiature en Île-de-France" de Marianne Métais et Roselyne Bussière ; Photographies de Laurent Kruszyk, Stéphane Asseline et Philippe Ayrault ; Lieux Dits Editions, 2024.

L’Île-de-France regorge de trésors, fruit de l’histoire ancienne de la région et de sa richesse, qui, dès l’Antiquité, a su attirer les plus belles villégiatures. L’ouvrage proposé aujourd’hui par les Éditions Lieux Dits vient confirmer à merveille cet héritage foisonnant en dévoilant des trésors souvent méconnus dans ces pages enchanteresses.
Les abords de la capitale furent, très tôt, prisés pour échapper à une ville de plus en plus densément peuplée et générant des désagréments que nous connaissons plus encore de nos jours… Verdure, air pur et tranquillité devinrent alors des refuges privilégiés recherchés par l’élite royale, l’aristocratique, puis la bourgeoise. De superbes « Châteaux, villas et folies », ainsi que le souligne le titre même, virent ainsi le jour, fruits de ces désirs d’évasion que cet ouvrage richement illustré met en lumière.

La diversité et l’originalité des choix architecturaux s’invitent pour séduire le lecteur. Il suffit, pour s’en convaincre, d’admirer le château de Champs-sur-Marne ou celui d’Asnières-sur-Seine, véritables témoins du goût français transmis à travers les siècles. La singularité s’invite également avec des surprises inattendues : chalets pittoresques ou encore la maison d’Émile Zola à Medan, qualifiée par l’écrivain lui-même de « cabane à lapins ».
Les sites naturels rivalisent souvent de beauté avec ces édifices, instaurant une véritable culture de la villégiature qui contribuera à l’aura unique de ces résidences d’exception.

« France 1900 » de Marc Walter et Sabine Arqué ; Version trilingue, français/anglais/allemand, 636 p., ill. couleur, Editions Taschen, 2024.

C’est à une fabuleuse et bien douce escapade à laquelle nous invitent les éditions Taschen avec cet ouvrage « France 1900 » sous la direction de Marc Walter et Sabine Arqué. Dans son grand format XL, l’ouvrage livre, en effet, au regard dès les premières pages la France de « La Belle Époque », cette France d’avant la Première Guerre mondiale et offrant au monde entier le visage de la paix et de la prospérité. Par le filtre des couleurs de photochromes, des affiches ou encore des cartes postales recolorisées, le lecteur s’évade dans le bleu azur de la Côte d’Azur ou dans les décors exotiques de l’Exposition universelle, sans oublier, bien sûr, l’incontournable Dame de fer encore toute jeune en ces années et qui allait devenir avec 330 mètres de hauteur l’emblème que l’on sait de la capitale...

Région par région, Normandie, mais aussi la côte Atlantique ou encore la Champagne, ce voyage dans cet espace- temps de la France enchante… Anciennes affiches des Chemins de fer ou réclames pour de prisées stations balnéaires, Trouville ou Biarritz, le voyageur est grisé… C’est toute l’atmosphère de douceur et de joie, mais aussi d’espoir et de progrès de la France et de son art de vivre au tournant du début du XXe siècle – vacances, stations balnéaires et loisirs, art, gastronomie… - que le lecteur ébloui ou nostalgique parcourt au fils de ces 636 pages et 800 illustrations. Véritable portrait tout en couleur d’une France inoubliable, celle de 1900, il y a déjà certes plus d’un siècle, mais encore si présente…
Un ouvrage XL aussi extraordinaire que son thème, celui de la « France 1900 ».

« Bonnard » d’Isabelle Kahn, Citadelles & Mazenod, 2024.

L’historienne de l’art Isabelle Kahn avec cette monographie consacrée au peintre Pierre Bonnard est parvenue à circonscrire l’art d’un peintre souvent jugé comme paradoxal et insaisissable eu égard à l’extrême subjectivité de son art. En retenant l’œuvre radieuse de « L’Atelier au mimosa » pour la jaquette et le coffret de ce somptueux ouvrage paru aux éditions Citadelles & Mazenod dans la collection Les Phares, l’auteur nous introduit immédiatement dans le mystère de la lumière que l’artiste sut si harmonieusement saisir par le truchement des couleurs de sa palette. La spécialiste des Nabis et du postimpressionnisme souligne en effet dès son introduction le caractère énigmatique du peintre, aussi discret que célèbre de son vivant, âme réservée à l’abri des objectifs qui étaient braquaient pourtant vers lui. C’est vers d’autres lumières que se tourna Bonnard si inspiré par la peinture de Claude Monet.
Son rapport particulier au temps, ces césures initiatrices de nouvelles révélations des beautés du monde, la fragilité des êtres et une sensibilité exacerbée vont concourir à cet éventail de couleurs propres aux lieux qu’il parcourra comme au temps qu’il décomposa. Ainsi que le relève Isabelle Kahn : « Il choisit une troisième voie, celle de l’abstraction décorative qui le conduit aux frontières de l’informel ». Ce sont ces sensations que notera l’artiste toute sa vie en observateur attentif de la réalité par le filtre de sa subjectivité. L’ouvrage débute ainsi par la fameuse période des Nabis, essentielle à la naissance de l’artiste qui sera surnommé le Nabi « très japonard » en référence à son goût pour les estampes japonaises, suivant en cela l’exemple de Monet et de Manet (cf « Paysage stylisé » musée d’Orsay, v. 1890). Puis viendront d’autres expériences, celle de la lumière de Normandie, puis le triomphe de la couleur avec la découverte du Sud de la France, ses premiers paysages de Saint-Tropez, Grasse… qui le conduiront à ses « visions arcadiennes » renouvelant l’héritage de Poussin.
Enfin, il n’était pas possible de retracer l’œuvre de Bonnard sans évoquer sa passion pour le corps des femmes avec ces innombrables variations d’études et de peintures représentant son épouse Marthe, une autre part lumineuse de son œuvre mais qui se teintera progressivement de couleurs plus froides laissant présager de plus sombres inspirations…

« Le Réalisme » de Bertrand Tillier, Editions Citadelles & Mazenod, 2024.

S’il y avait bien un courant artistique qui manquait cruellement d’étude de fond récente, c’est assurément le mouvement réaliste, demeuré souvent parent pauvre dans l’histoire de la peinture. C’est aujourd’hui un manque enfin comblé avec cette remarquable étude signée Bertrand Tillier, historien d’art et professeur d’histoire contemporaine à l’université Paris 1 Sorbonne-Panthéon, et publiée aux éditions Citadelles et Mazenod. En huit grands thèmes majeurs, cette splendide parution tant par sa vaste et incomparable iconographie que par la richesse de son analyse donne, en effet, à voir et surtout à appréhender l’ensemble du « réalisme en son histoire ». Comme souvent, et ainsi que le souligne d’emblée l’auteur en son introduction, le « Réalisme » au titre de courant artistique puise ses racines dans la critique d’art et la réception houleuse de la peinture de Courbet, considéré de nos jours comme le père fondateur de ce mouvement qui devait s’imposer au XIXe siècle. Que recouvre, cependant, ce terme même de « Réalisme » ? Plus qu’une stricte définition, l’auteur insiste sur « Les conditions du réalisme » entre le goût de la réalité, la reproduction du réel et la quête de vérité. C’est dans la Révolution de 1848 que ce mouvement trouve un terreau plus que favorable, y puisant ses « aspirations modernes » et « s’appuyant sur la vie ». Courbet et Millet notamment furent alors « saisis par le spectacle de la vie contemporaine, par sa rudesse pittoresque ou par sa bonhomie, par sa nouveauté, par les grandeurs et les servitudes de la Plèbe » souligne Bertrand Tillier citant Focillon.

À ces peintres incontournables peuvent être encore ajoutés Géricault, Le Nain, La Tour… Présent dans bien des domaines que ce soit en littérature, en sculpture ou encore en sociologie, le réalisme doit être conjugué au pluriel. Mais, pour autant, il ne semble pas pouvoir être délimité comme étant le successeur du romantisme préludant le naturalisme, ainsi qu’en témoigne la subtile transition entre le réalisme et le naturalisme de Zola, thème que développe l’ouvrage dans son chapitre consacré « Aux mondes sociaux : du réalisme au nationalisme ». De même, le réalisme ne saurait être délimité à la France du XIXe siècle, ce dernier ayant su non seulement s’internationaliser avec nombre d’artistes dont Adolph von Menzel ou Wilhelm Leibl pour l’Allemagne ou encore W.Homer ( qui illustre notamment une des faces du coffret) pour les États-Unis, mais ayant su également largement déborder sur le XXe siècle. L’ouvrage se referme ainsi sur cette toile d’André Fougeron « Retour du marché » de 1955 ou encore cette toile représentant « Louis Aragon et Elsa Triolet » de Boris Taslitzky également de 1955.
C’est cette belle complexité et mise ne perspective que nous propose justement de découvrir par cette captivante publication Bertrand Tillier.

« Marco Polo, Le Livre des merveilles » ; Sous la direction de Marie-Thérèse Grousset, Marie Hélène Tesnière et Jean Richard ; Cartonné, 24.5 x 32 cm, 240 p., 150 ill., Éditions In Fine, 2024.

« Marco Polo, Le Livre des merveilles », un titre loin d’être usurpé car c’est sans conteste un ouvrage aussi magnifique que passionnant qui vient de paraître aux éditions In Fine à l’occasion du 700e anniversaire de la mort du célèbre voyageur vénitien (1254-1324). Le lecteur y découvrira, ainsi que l’annonce son titre, un des ouvrages enluminés les plus merveilleux et célèbres du Moyen-Âge : Ce fabuleux livre (inséré dans le « Livre des merveilles ») écrit et enluminé au XIIIe siècle et qui conte les extraordinaires voyages et surtout découvertes de Marco Polo en Orient.
L’auteur, Rustichello da Pisa, compagnon de captivité du célèbre explorateur, fut fait prisonnier par les Génois à la toute fin du XIIIe siècle. Il est vrai que la vie du célèbre marchand et diplomate vénitien, haute en couleur puisqu’il fut le premier à ouvrir la voie vers l’Asie dans le dernier quart du XIIIe et première moitié du XIVe siècle, se prête particulièrement bien tant au récit qu’à son illustration.
C’est la transcription intégrale de ce manuscrit avec ses enluminures extrait du « Livre des Merveilles » dont l’original est conservé actuellement à la BNF de Paris (Ms.fr.2810) que le lecteur pourra, émerveillé, découvrir en ces pages dans une traduction de Marie-Hélène Tesnière, conservateur général au département des Manuscrits de la Bibliothèque nationale de France ; un récit captivant digne des plus grandes épopées – mais pouvait-il en être autrement !, présenté, ici, par Marie-Thérese Gousset, chargée de recherche au service des manuscrits médiévaux du Département des manuscrits de la Bibliothèque nationale de France.
L’ouvrage publié aujourd’hui aux éditions In Fine offre également une description des 84 scènes enluminées réalisées par le non moins célèbre maître Boucicaut et son atelier, suivi d’un instructif essai de Jean Richard, historien et archiviste paléologue, Professeur à l’Université de Dijon. C’est donc un beau voyage que nous proposent avec cet ouvrage les éditions In Fine car, ainsi que le souligne Jean Richard : « Marco Polo, toutefois, ne propose pas seulement d’émerveiller ses lecteurs – ou auditeurs – en les éblouissant par l’énumération de tout ce qui peut paraître étonnant. Il veut aussi leur faire connaître la réalité du monde qu’il a lui-même découvert. D’où le titre qu’il a donné à son livre : « le Devisement du monde ».
Une belle initiative de publication qui enchantera bien des lecteurs et qui ne peut qu’être saluée.

« Miró, un brasier de signes » ; Catalogue officiel de l’exposition éponyme au musée de Grenoble en partenariat avec le Centre Pompidou sous la direction de Sophie Bernard et Aurélie Verdier, Éditions In Fine, 2024.

À retenir le riche catalogue officiel accompagnant l’exposition consacrée à Joan Miró (1893-1983) au musée de Grenoble en partenariat avec le Centre Pompidou. Intitulé à juste titre « Un brasier de signes », reprenant ainsi l’expression de son biographe le poète Jacques Dupin, l’ouvrage sous la direction des deux commissaires Sophie Bernard et Aurélie Verdier livre tant au regard qu’à la lecture une très belle mise en perspective de l’œuvre de l’artiste catalan. Jean-Christophe Bailly revient dès les premières pages dans sa contribution sur cette origine : « Brève excursion au Pays de Miro », avant qu’Aurélie Verdier ne s’attache, pour sa part, à l’enfance de l’artiste et les premières années de son parcours artistique entre Barcelone, Montroig et Paris.
Le lecteur découvrira, ainsi, au fil des chapitres et pages l’extraordinaire liberté créatrice de l’artiste. C’est dans le milieu des années 1920 que Joan Miró trouvera au contact des surréalistes notamment Robert Desnos et Michel Leiris avec ses « Peintures de rêve » la reconnaissance artistique et développera toute sa poétique avant le tournant décisif de 1956 avec son installation à Palma de Majorque ; Sophie Bernard retient notamment pour sa contribution cet angle original et fécond du « Langage d’Éros – Surréalisme, inconscient, élan vital et féminin dans l’œuvre de Miró », alors que Juan José Lahuerta offre, quant à lui, un beau focus sur « « Anti-peinture et « danseuses espagnoles » de Joan Miró ».
À partir de 1960, enfin installé dans son atelier de Majorque, Miró renouvelle alors son langage plastique et poétique ; c’est dans ces années 1960-1961 que seront peints les trois grands « Bleu » I, II et III. Habité d’une grande puissance intérieure créatrice, il n’aura alors de cesse de créer, peindre, mais aussi sculpter, appréhendant la céramique, la résine ou encore les vitraux, etc., avec cette extraordinaire énergie tellurique ou cosmique, une énergie comme puisée de l’île… et qu’il le mènera à enchaîner jusqu’à sa disparition à Palma de Majorque en 1983 les expositions tant nationales qu’internationales.
L’ouvrage donne, enfin, à voir en seconde partie l’ensemble des œuvres de Joan Miró provenant de la collection du Centre Pompidou, offrant ainsi au regard et à l’analyse les grandes périodes et l’évolution créatrice de l’artiste. Un catalogue aussi riche qu’incontournable.

« L’art des icônes » de Tania Velmans, Citadelles & Mazenod éditions, 2023.

Un ouvrage incontournable signé de la spécialiste internationale de l’art byzantin, Tania Velmans, vient de paraître aux éditions Citadelles & Mazenod. Ce sera l’occasion de comprendre combien le mot icône se laisse plus difficilement appréhender qu’il n’y paraît de prime abord. Son orthographe, en premier, marque sa singularité par rapport à la peinture. Ce substantif féminin peut revêtir un accent circonflexe lorsqu’il est écrit par les académiciens, mais le perd aussi vite chez de nombreux auteurs qui n’hésitent pas à l’omettre suivant en cela la réforme de l’orthographe ! L’étymologie nous apprend, en revanche, sans équivoque que le mot vient du grec eikôn qui renvoie à l’idée d’image, de statue ou de portrait. L’icône est ainsi une représentation religieuse sous forme picturale déposée sur un panneau de bois (ce qui la distingue des fresques également peintes), représentation qui acquière alors une valeur symbolique et sacrée.
Mais l’auteur dans cette somme didactique remarquable souligne dès les débuts de son propos combien il est nécessaire d’entrer dans la compréhension de cet art bien particulier au risque de perdre des pans entiers de sa signification. Si au 1er siècle de notre ère, et probablement à l’époque même de Jésus, des icônes auraient commencé à circuler représentant le Christ et par la suite la Vierge, ces images ne nous sont malheureusement pas parvenues, non seulement en raison de la fragilité même de leur support, mais surtout en raison de l’iconoclasme. Ainsi que le rappelle Tania Velmans dans un chapitre consacré à cette question, cette doctrine s’opposera farouchement au culte des icônes aux VIII° et IX° siècles et conduira à la destruction d’un très grand nombre de peintures sacrées.

Ces pratiques iconophobes démontrent ainsi que cette création laisse rarement indifférent. Ferveur pieuse devant laquelle le croyant se signe, porte même parfois des gants pour la toucher, l’icône est beaucoup plus qu’une représentation religieuse, attitude vénérée dans la tradition orthodoxe, plus éloignée de la sensibilité catholique et protestante.
L’auteur explore ainsi la sacralisation progressive de cette image mobile byzantine tout en rappelant ses fonctions. Les plus anciennes icônes parvenues jusqu’à nous remontent au VI° siècle, c'est-à-dire au Bas-Empire et correspond à la fin de l’Empire romain. Les références littéraires que l’on peut retrouver avant cette date semblent plus concerner des icônes « descriptives » que réellement sacrées. C’est donc à partir du VI° siècle que l’art de l’icône prend son essor avec un culte de plus en plus marqué. Elles ne sont plus des objets de mémoire mais de véritables entités de dévotion à part entière. Elles pourront même être miraculeuses dans certains cas, notamment celles qui sont estimées comme n’étant pas faites de la main de l’homme (acheiropoiètos). Le christ pantocrator (tout puissant) ou encore la Vierge Hodigitria (qui montre le chemin) entreront dans les canons les plus anciens de l’art de l’icône. Après la période macédonienne caractérisée par des canons artistiques très stricts, le XI° siècle va en effet glisser vers un style plus austère, chargé d’accentuer l’aspect spirituel des représentations peintes. Le XII° siècle infléchira cette évolution avec des représentations plus chaleureuses telle la très belle Vierge Eléousa peinte à Constantinople, si célèbre par les nombreuses reproductions qui en seront faites et qui évoque une mère pleine de tendresse à l’égard de son petit enfant lové entre ses bras. La solennité de la représentation s’efface en effet pour ouvrir à une dimension de miséricorde particulièrement émouvante. Le styles des Comnènes analysé par l’auteur souligne combien l’art des icônes en ce XIIe s. connaît un style délicat et une force d’expression encore jamais réalisés ainsi qu’il ressort de l’icône « Le Miracle de Chonae » appartenant au monastère Sainte-Catherine du Mont Sinaï.
Au terme de cette somme remarquable, le dernier chapitre retrace le rayonnement de l’icône non seulement dans l’espace mais aussi selon les siècles, témoignant ainsi de l’importance de cet art trop souvent méconnu.

« Poésies d’Emily Dickinson – Illustrées par la peinture moderniste américaine » ; Edition bilingue anglais/français ; Traduction et notes de Françoise Delphy ; Préface de Lou Doillon ; Direction scientifique de l’iconographie et introduction d’Anna Hiddleston ; Relié sous coffret illustré, 412 pages, 24.5 x 33 cm, Editions Diane de Selliers, 2023.

Quel plus grand plaisir que de retrouver la poésie d’Emily Dickinson dans cette magnifique édition illustrée par les plus grands artistes de la peinture moderniste américaine de la première moitié du XXe siècle. Quels artistes pouvaient, en effet, mieux dialoguer avec l’une des plus grandes poétesses américaines du XIXe siècle ? À cette poésie empreinte à la fois de légèreté et de profondeur, d’audace et de mélancolie, d’irrévérence et d’éternité, c’est effectivement avec la même musique, rythmes, mais aussi silences que viennent répondre ces immenses paysages, l’éternité de ces ciels et larges horizons dans ce bouleversement des couleurs… Des œuvres signées, ici, par plus de 60 artistes américains dont Edward Hopper, Charles Burchfield, Georgia O’Keeffe ou encore Charles Burchfield dont l’aquarelle « Butterfly Festival » aux milles papillons multicolores offrent un écrin de choix pour le coffret de cette édition d’exception : « Au nom de l’Abeille – / Et du Papillon – / Et de la Brise – Amen ! ».

Rockwell Kent, « Azopardo River », 1922,

huile sur toile, 86,7 × 111,8 cm The Phillips Collection, Washington

Une poésie de lumière et d’ombre, ainsi que le souligne dans son avant-propos l’éditrice Diane de Selliers : « L’aube, le crépuscule, la vie et la naissance, les saisons, les vagues de l’âme, la mort, l’aspiration à l’éternité. » Le lecteur retrouvera, en effet, dans ce dialogue œuvre / Poésie toute l’irrévérencieuse sensibilité et modernité de la poésie d’Emily Dickinson dans un choix de pas moins de 162 poèmes présentés en anglais et traduits pour cette édition avec cette même sensibilité par Françoise Delphy, spécialiste d’Emily Dickinson. Un merveilleux et fructueux dialogue que relève d’emblée Anna Hiddleston dans son introduction « Des mots à la peinture : Emily Dickinson et le modernisme américain ».

Georgia O'Keeffe, Grey Blue and Black - Pink Circle, 1929,

huile sur toile, 91.4x121.9 cm, Dallas museum of art, Dallas

Au fil des pages, c’est en effet toute l’émotion de l’univers d’Emily Dickinson que le lecteur ressentira ; cette étrange intensité que traduisent les majuscules intempestives, les tirets et les merveilleux vers courts mêlant légèreté et d’éternité de cette poétesse dont nous connaissons en fait si peu de choses, relève encore Diane de Selliers : « Tant de mystères planent sur la vie et la personnalité d’Emily Dickinson, femme hors du commun recluse dans la petite ville de Amherst à l’ouest de Boston, dans le Massachusetts, où elle mourut en 1886… ».

Edward Hopper, Railroad Sunset, 1929, huile sur toile,

74.5x122.2 cm, Whitney museum of American art, New York

C’est un monde singulier, une vision propre à elle seule que nous offre, en effet, Emily Dickinson, mais qui paradoxalement résonne et trouve cet étrange écho en chacun de nous… « C’est comme si je demandais l’Aumône, / Et que dans ma main étonnée / Un Étranger mettait un Royaume / et que j’en sois abasourdie - / C’est comme si je demandais à l’Orient / s’il y avait un Matin pour moi / Et qu’il lève ses Digues de pourpre / Et me fracasse l’Aube ! »
Ainsi que le note Lou Moillon en sa préface : « Lire Emily Dickinson, c’est découvrir un monde auquel on n’a pas accès, qu’on a le sentiment d’avoir connu, d’avoir perdu, un éden duquel nous avons été bannis. »

“ Werner Bischof - Unseen Colour » ; Edition établie par Ludovica Introini and Francesca Bernasconi; Version anglaise, 184 p., 102 illus. couleur, 21 x 24 cm, en collaboration avec MASI Lugano et Fotostiftung Schweiz, Winterthur, Scheidegger & Spiess, 2023.

Les éditions Scheidegger & Spies offrent avec le présent volume consacré au grand photographe suisse Werner Bischof (1916-1954) un aperçu représentatif et complet de son travail allant de la photographie de mode jusqu’aux prises de vue des plus déshérités, sans oublier ses fameux reportages en noir et blanc d’après-guerre et guerre d’Indochine… L’ouvrage réalisé avec soin met en avant ses premières photographies couleur pour lesquelles le photographe aborde un autre aspect de son œuvre où pointent les meurtrissures de l’après-guerre, mais aussi quelques rayons de couleurs au détour d’un champ ou d’une encadrure de porte… Bischof dans ses négatifs laisse percevoir à la fois un monde en dévastation mais également toutes les espérances d’un lendemain meilleur.

La photographie de mode, bien sûr, est annonciatrice d’un monde que le photographe ne connaîtra pas (il disparaît en 1954) mais dont ses œuvres sont la préfiguration en jouant des effets de cadrage et de luminosité sortant du classicisme et saturant avant l’heure les couleurs. L’ouvrage est éclairé par de passionnantes études signées Clara Bouveresse, historienne de la photographie française, Peter Pfrunder, directeur du Fotostiftung Schweiz à Winterthur, et Luc Debraine, directeur du Musée de la caméra suisse à Vevey.

Le lecteur pourra ainsi découvrir la manière dont le photographe avait recours à divers types d’appareils ainsi que leurs différentes techniques. Mais l’ouvrage séduira également pour ces univers à jamais révolus, des témoignages sensibles d’une époque en transition et que Bischof sut saisir avec une rare acuité artistique à la fois remarquable et inoubliable.

« Zao Wou-ki – Catalogue raisonné des peintures – Volume II – 1959-1974 », Co-édition Fondation Zao Wou-ki / Editions Flammarion, 2023.

On ne peut que souligner et se réjouir de la parution du deuxième volume du catalogue raisonné des peintures – 1959-1974 - de Zao Wou-ki sous la direction de Françoise Marquet-Zao et Yann Hendgen. Un volume plus qu’attendu depuis 2019, date de parution du premier volume couvrant les années 1935 à 1958. Absolument splendide, avec une iconographie exceptionnelle qu’exigeait assurément la création du célèbre artiste chinois, ce beau livre offre en première partie un riche corpus des œuvres de cette période accompagné de fructueuses contributions signées notamment Melissa Walt, Yann Hendgen, directeur artistique de la Fondation Zao Wou-Ki, ou encore Stephen Chao, neveu de l’artiste. Des textes offrant pour chaque période de 1959-1974 des éclairages passionnants et parfois inédits.
1959-1974, quinze années marquées par la reconnaissance internationale de l’artiste et durant lesquelles « s’exprimant désormais dans un langage pictural cohérent et mature, élaboré au cours des décennies précédentes, il occupe une position stable sur la scène mondiale. », écrit Ankeney Weitz dans sa préface. Âgé de 40 ans, marqué par la rupture avec sa première femme et rentrant d’un tour du monde, c’est en effet la reconnaissance qui désormais l’attend dans son nouvel atelier de Paris.
Ce sont des œuvres exceptionnelles que cet ouvrage donne à voir, souvent sur de pleines pages ; des œuvres puissantes tels cet « Hommage à Henri Michaux » de 1963 ou encore cette toile de 1973, « Hommage à René Char ». Des toiles dans lesquelles l’énergie semble capturée non seulement à jamais, mais à l’infini. Zao Wou-Ki dira n’avoir maîtrisé la peinture à l’huile que dans ces années 1960… Reste que l’artiste n’aura eu de cesse de chercher cette vision métaphysique du monde propre à lui, faite de souffle, de vibrations et de poésie… Une œuvre qui fera de Zao Wou-Ki l’un des plus grands représentants de l’abstraction.

« Louis Lagrenée (1725-1805) » de Joseph Assémat-Tessandier, Editions Arthéna, 2023.

Le peintre français Louis Lagrenée couvrant de son art tout le XVIIIe siècle fait l’objet d’une belle publication aux éditions Arthéna sous la plume de Joseph Assémat-Tessandier, auteur lui ayant consacré une thèse remarquée. Il fallait, il est vrai, une monographie captivante afin de mieux faire connaître cet artiste souvent injustement méconnu et pourtant à la belle carrière officielle, peintre d’Histoire, reçu à l’Académie royale et directeur de l’Académie de France à Rome. C’est ainsi vœu exaucé !
Louis Lagrenée connaîtra, en effet, un parcours « classique » avec un Prix de Rome en 1749 et plus de 150 tableaux présentés au Salon du Louvre de 1755 à 1789. Cette carrière florissante en tant que peintre, mais aussi décorateur et portraitiste s’inscrivit dans le mouvement rococo qui s’imposa sous le règne Louis XV et qui se caractérise par son raffinement et ses thèmes de prédilections pour les sujets galants et autres évocations pastorales. Le classicisme et l’antique tiennent, cependant, également une place importante dans l’œuvre de l’artiste où portraits, scènes mythologiques et autres allégories sont l’occasion pour ce dernier de déployer son art à la fois délicat et raffiné ainsi que le lecteur pourra le constater et l’admirer dans ces pages avec des œuvres notables telles « Les Amours de Psyché et de Cupidon » ou encore « Mars et Vénus ».
Soulignons encore que le rayonnement de Louis Lagrenée dépassera largement les frontières du royaume pour s’élargir jusqu’à la Cour de Russie où l’artiste connaîtra également la consécration en devenant le peintre officiel de la tsarine Catherine II. Sa longévité le portera à peindre jusqu’au terme de sa vie et à transmettre son art à de jeunes générations d’artistes.
Surtout, et ainsi qu’il ressort de ce riche ouvrage exhaustif, de nouvelles et belles découvertes ces dernières années d’œuvres considérées comme perdues, mais aussi des études préparatoires et autres carnets de croquis ont permis de préciser et d’augmenter encore l’ampleur de son catalogue.
Artiste à la renommée internationale et emblématique du XVIIIe siècle, Louis Lagrenée compte assurément parmi les artistes majeurs de ce siècle et cet ouvrage permettra au lecteur d’en apprécier toute la richesse notamment grâce à une iconographie remarquable accompagnant un catalogue complet.

« Le Lin, fibre de civilisation(s) » sous la direction d’Alain Camilleri, Editions Actes Sud, 2023.

Voici un bel hommage rendu au lin, cette plante également synonyme du fil et du tissu auxquels elle donne naissance après un long processus de culture et de techniques. Comment cette frêle plante aux teintes bleutées si caractéristiques en plein cœur de l’été dans nos campagnes a-t-elle plus se frayer un tel chemin au fil des millénaires et des civilisations ? C’est le sujet de ce livre aussi beau qu’informé grâce à la collaboration des meilleurs spécialistes sur la question. À l’heure des multiples questionnements sur une agriculture raisonnée, le lin occupe une place de choix tant ses multiples vertus font de lui une plante d’avenir. Et pourtant, son histoire ne date pas d’hier si l’on songe à son importance déjà dans l’économie égyptienne pharaonique. Chaque pan de l’histoire a su tisser un maillage séré avec le lin ainsi que le découvrira le lecteur dans ces pages allant de la préhistoire jusqu’à nos jours. Mais cet ouvrage ne se veut pas qu’une seule histoire du lin – ce qu’il offre déjà avec réussite – mais entend aussi livrer une réflexion actuelle sur l’engouement que le lin suscite auprès des créateurs, stylistes et designers sans oublier l’art de vivre qu’il véhicule. Un bel ouvrage informé et captivant retraçant les enjeux que cette petite plante dénommée le lin n’a pas fini de susciter !

« Noël Coypel - Peintre du roi » sous la direction de Guillaume Kazerouni & Béatrice Sarrazin, 28 X 24 CM, 352 p., Snoeck éditions, 2023.

C’est au peintre du XVIIe siècle, quelque peu tombé dans l’oubli, Noël Coypel qu’est consacrée cette vaste somme aux éditions Snoeck à l’occasion des expositions qui lui sont consacrées au Château de Versailles et musée des Beaux-Arts de Rennes. Ainsi que le relève en préface Laurent Salomé, Directeur du musée national des châteaux de Versailles et de Trianon : Si Coypel fut négligé, ce n’est cependant ni en raison d’un talent médiocre, ni d’un rôle secondaire dans les chantiers monumentaux entrepris durant le règne du Louis XIV qu’il servit fidèlement. Il fut, il faut l’avouer, injustement éclipsé par Le Brun et peu aimé de Mansard. Son style bien différent de ses contemporains tout en s’inscrivant dans l’air du temps, celui de à l’école de Bologne et de l’influence du grand maître Nicolas Poussin, n’est pourtant pas dénué de paradoxes et de singularité, ainsi qu’il ressort de la lecture de ce riche ouvrage collectif réalisé sous la direction des spécialistes de Coypel, Bénédicte Sarrazin et Guillaume Kazerouni, également co-commissaires des expositions.
En retraçant, en premier lieu, le cercle du peintre académique et ses années de formation, le catalogue souligne l’héritage du paysage bolonais – et ses couleurs – ainsi que l’influence de Charles Errard qui repèrera rapidement le talent et la propension du jeune artiste à s’inscrire dans la politique de grands décors du Grand Siècle. Ainsi vont se succéder de grandes commandes auxquelles Coypel participera activement : le parlement de Rennes avant de s’illustrer par les grandes réalisations des différentes demeures royales (Tuileries, Versailles, Meudon…) que Béatrice Sarrazin analyse dans le détail de ces pages.
La dimension religieuse fait l’objet également d’une section passionnante sous la plume de Guillaume Kazerouni avec une impressionnante série d’œuvres développant un traitement original de la transcendance tout en s’inscrivant dans des critères formels traditionnels.
Le catalogue se termine par une section consacrée à une part méconnue et néanmoins importante de l’artiste à la manufacture des Gobelins, Coypel ayant également consacré son art à celui de la tapisserie avec des cartons et maquettes somptueux analysés par Clara Terreaux et Arnaud Denis. Enfin, Guillaume Kazerouni vient conclure cette somme indispensable à la compréhension de Noël Coypel avec des pages dédiées aux dernières années de sa vie, années qui malgré les relégations seront marquées par des œuvres brillantes et loin d’être mineures faisant de cet artiste une personnalité bien singulière et d’une longévité artistique exceptionnelle.

« Passion Partagée - Une collection d’art africain constituée au XXIe siècle », Bruno Claessens, Michel Vandenkerckhove , Didier Claes, Hughes Dubois (photography) ; Relié, 384 p., 31 x 28 cm, Fonds Mercator, 2023.

L’art africain fait l’objet ces dernières décennies d’une exploration et belle mise en valeur tendant à lui restituer toute sa richesse et ses multiples variations. Car l’appellation même au singulier « d’art africain » demeure encore bien trop réductrice ainsi qu’en témoigne ce somptueux livre d’art paru aux éditions Fonds Mercator et réalisé par Bruno Claessens, Michel Vandenkerckhove , Didier Claes et Hughes Dubois pour la photographie. La rencontre de passionnés, celle du collectionneur Michel Vandenkerckhove et du marchand d’art Didier Claes, a en effet donné naissance à cet ouvrage servi par une iconographie remarquable signée en noir et blanc par Hughes Dubois. Les œuvres dialoguent entre elles, une conversation qui n’aurait pas déplu à un certain André Malraux…

Si les traces écrites de la culture africaine font souvent défaut, les multiples œuvres d’art ainsi présentées et qui ont su tant inspirer les artistes au début du siècle passé forment le musée témoin de la grandeur de ces civilisations pour nombre d’entre elles disparues. Ces quelque deux cents objets réunis dans ce livre d’art révèlent en effet au-delà de la collection d’Anne et Michel Vandenkerckhove les richesses encore insoupçonnées du continent africain, au-delà des clichés encore trop présents des arts dits « traditionnels ».

Cette statue Mumuye en bois du Nigeria à l’équilibre parfait, cette figure de reliquaire Mahongwe en bois et métal du Gabon à l’ovalité matricielle renvoient aux notions les plus sacrées de ces civilisations dotées d’une si riche cosmographie. Les masques, les fétiches sans oublier les sublimes sculptures des Lega de l’est de la République du Congo manifestent non seulement la dextérité de leurs artistes mais témoignent également de la richesse de la pensée symbolique africaine. Raffinement artistique et mythologies constitutives se conjuguent avec un rare bonheur au fil des pages de cette collection inspirée.

« Portraits : architectural parables » de François Charbonnet et Patrick Heiz, 656 pages, Editions Park Book, 2023.

Première parution consacrée au célèbre cabinet d’architecture Mad In, cet ouvrage signé François Charbonnet et Patrick Heiz, les fondateurs, devrait être fortement salué, et ce à plus d’un titre !
En premier lieu, « Portraits : architectural parables » offre une mise en perspective originale des idées et perceptions en matière d’architecture et de design au fil du temps ayant influencé ou orienté les nombreux projets et réalisations du célèbre cabinet d’architecture et design suisse. L’ouvrage est, en effet, parti du postulat que tout projet repose avant tout sur les pensées ou perceptions visuelles l’ayant précédé. Ce sont ces extraordinaires métamorphoses qu’ont souhaité retracer les auteurs et fondateurs, François Charbonnet et Patrick Heiz, au travers de multiples et riches thèmes porteurs.
Aussi n’est-il pas étonnant, en deuxième lieu, que « Portraits : architectural parables » offre une extraordinaire iconographie des plus variées mariant plans, photographies et célèbres toiles en passant même par des extraits de la Recherche ! L’ouvrage de plus de pages 650 fait appel et s’appuie, en effet, sur une incroyable documentation et information issues aussi bien de projets architecturaux, de l’histoire de l’art, de la littérature ou encore de notre cadre vie au quotidien…
Surtout, à la lecture de ce fort volume, à la présentation, reliure et format allongés, sobres et originaux, le lecteur découvrira l’ensemble ou plutôt la méthodologie et process de penser protéiformes retenus par le célèbre cabinet d’architecture et design suisse Made In. Refusant tout système fermé et approche exhaustive, l’ouvrage a fait choix de donner à lire une façon de penser et de concevoir foisonnante et des plus fécondes. Une approche et méthodologie de conception que François Charbonnet et Patrick Heiz ont su développer et transmettre dans leur enseignement au Département d'architecture de l'ETH Zurich ainsi qu’à l'Accademia di architettura de Mendrisio.
Pour toutes ces raisons, cet original, riche et fertile ouvrage devrait retenir l’attention de plus d’un professionnel ou curieux et figurer au titre de livre de référence dans toute bonne bibliothèque !

« Chess Design » de Romain Morandi, Norma Editions, 2022.

Véritable hommage esthétique au noble jeu dont les origines se perdent dans la nuit de temps, « Chess design » présente une documentation exceptionnelle sur le jeu d’échecs avec près de 300 échiquiers parmi les plus précieux ou célèbres. En couvrant de manière exhaustive plus d’un siècle de création de l’Art nouveau dès 1895 à l’an 2000, Romain Morandi, historien de l’art et propriétaire de la galerie portant son nom, signe un ouvrage que ne pourra que faire date. L’ouvrage présente en effet l’évolution des formes et des designs de ce jeu réunissant un échiquier et 16 pièces par joueur de formes aussi variées que celle de la créativité des artistes présentés en ces pages. Chess Design fait ainsi la preuve que l’art a su s’inviter dans cette pratique souvent jugée élitiste jusqu’au siècle dernier et qui par sa démocratisation a autorisé une multiplicité des formes et même des couleurs dans un univers pourtant singulièrement codifié. Ainsi que le relève Romain Morandi dans sa préface : « l’échiquier symbolise la prise de contrôle, non seulement sur des adversaires et sur un territoire mais aussi sur soi-même ».
Fort de ces enjeux, les plus grands artistes allaient s’emparer de cette discipline mondialisée et souvent représentée par des personnalités qui deviendront des stars. Bois, verre et céramique se verront compléter par des matériaux inusuels en ce domaine tels l’acier, le plastique et même des matériaux composites, sans parler bien entendu du numérique. Les plus grands noms de l’art et du design laisseront le témoignage de leur créativité, on pense bien entendu à Marcel Duchamp et Man Ray, mais aussi Calder, Vasarely, et plus proche de nous Damian Hirst.
Les passionnés d’échecs ou amateurs de beaux objets jetteront assurément leur dévolu sur cette mine d’information aussi plaisante à regarder grâce à sa riche iconographie que passionnante à lire !

« HIROSHIGE - Les éventails d'Edo - Estampes de la collection Georges Leskowicz » ; Textes de Christophe Marquet avec la collaboration de Toshiko Kawakane ; Fondation Jerzy Leskowicz ; 288 p., 198 illus., 35 x 24 cm ; Reproduction des estampes au format d’origine, In Fine Éditions, 2022.

Le maître de l’estampe japonaise Hiroshige (1797-1858) est passé à l’immortalité depuis le milieu du XIXe siècle pour son habileté à saisir tout aussi bien des paysages qui l’ont rendu célèbre que de courtes scènes que nul autre artiste ne réussira à concurrencer. Les estampes pour éventails constituent une part souvent méconnue et plus rare de l’œuvre de ce grand artiste. Aussi est-ce avec curiosité et plaisir que le lecteur pourra découvrir cet ouvrage paru aux éditions In Fine consacré aux éventails d’Hiroshige dits « d’Edo » offrant de magnifiques reproductions d’estampes au format d’origine.
Ce livre d’art restitue toute la magie des éventails plats en bambou (uchiwa) du dernier imagier d’Edo avec cette habileté à se saisir d’infimes scènes, règne de l’éphémère si cher à l’esprit japonais. Ces estampes faisant partie de la collection Georges Leskowicz sont présentées en ces pages pour la première fois par Christophe Marquet et Toshiko Kawakane, ces spécialistes replaçant ici ces œuvres précieuses et rares dans le contexte de l’histoire de la gravure pour éventails au Japon.
Que l’on retienne la lecture savante proposée par ces auteurs ou bien une découverte au fil des pages en un plaisir purement esthétique, le lecteur appréciera le raffinement du trait, l’équilibre toujours saisissant des couleurs, cette habileté à suggérer un quotidien transcendé par la beauté de la nature en autant de scènes délicatement composées…
Si nous pensions bien connaître l’œuvre du grand maître de l’estampe japonaise de la première moitié du XIXe s., cet ouvrage se chargera de manière esthétique de nous faire la preuve du contraire !

« African Modernism - The Architecture of Independence. Ghana, Senegal, Côte d'Ivoire, Kenya, Zambia » ; Sous la direction de Manuel Herz avec Ingrid Schröder, Hans Focketyn and Julia Jamrozik ; Photographies de Baan et Alexia Webster ; 640 pages, 23,5 x 32 cm, 2nd édition, Park Books 2022.

Rapidement épuisé après sa sortie en 2015, cet ouvrage consacré à la modernité africaine fit l’objet d’un accueil unanime et reçut de nombreuses récompenses : Lauréat du FILAF d'or, premier prix des meilleurs livres sur l'art en 2015 au FILAF (Festival international du livre et du film d'art), désigné également comme étant l’un des plus beaux livres suisses de 2015, lauréat du DAM Architectural Book Award 2016… Cette reconnaissance justifiait ainsi une nouvelle édition sur un sujet souvent méconnu et donnant à lieu à bien des réductions postcoloniales. Car, ainsi que le démontrent les auteurs de cette somme remarquable, le continent africain recèle des trésors d’architecture des années 50 et 60, période clé de son histoire caractérisée par l’accès à l’indépendance de la plupart de ces États.
Contrairement à l’idée reçue, ces pays et notamment ceux faisant l’objet de ces analyses – à savoir le Ghana, la Côte d’Ivoire, le Kenya et la Zambie – ont su exprimer leur identité par des créations architecturales d’envergure. Ce modernisme africain s’est ainsi manifesté de la manière la plus créative qui soit par des bâtiments aussi ambitieux que talentueux, point de rencontre entre ce nouvel élan et les cultures locales. Les auteurs présentent et analysent dans ces pages abondamment illustrées une centaine de réalisations avec leur descriptif, images, plans de sites et d’étage. Les prises de vue réalisées par Iwan Baan et Alexia Webster sont pour la plupart d’entre elles récentes et permettent de se faire une idée du projet initial sans pour autant en masquer leur état actuel, souffrant souvent de l’épreuve des temps à l’image de biens de nos édifices occidentaux…
Véritable somme consacrée à l’urbanisme et l’architecture postcoloniaux, « African modernism » fait entrer de plain-pied le lecteur dans un univers foisonnant de créativité ne donnant qu’une envie, celle de découvrir ces réalisations sur site !

Les auteurs :

Manuel Herz dirige son propre studio de design et d'urbanisme à Bâle et à Cologne. Il est professeur assistant à l'Université de Bâle. Ingrid Schröder est architecte et directrice du programme MPhil en architecture et design urbain à l'Université de Cambridge. Elle a été nommée directrice de l'École d'architecture de l'Architectural Association à Londres en mai 2022 et assumera ce poste en août 2022. Hans Focketyn dirige sa propre agence d'architecture à Bâle et enseigne en tant que professeur à l'école d'architecture, de bois et de génie civil de l'Université des sciences appliquées de Berne à Berthoud, en Suisse. Julia Jamrozik est architecte et professeure adjointe à l'École d'architecture de l'Université de Buffalo à Buffalo, NY. Conçu par Marie Lusa.

« Jean Bardin (1732-1809), le feu sacré » ; Catalogue sous la direction d’Olivia Voisin, 304 p., Editions Le Passage, 2022.

Le présent catalogue publié par les éditions Le Passage propose au lecteur une découverte, celle d’un peintre du XVIIIe siècle trop souvent injustement méconnu, et pourtant auteur de nombreuses œuvres d’art déterminantes à la veille de la Révolution. Accompagnant l’exposition du musée des Beaux-Arts d’Orléans, cet ouvrage nous fait entrer au cœur même de la création artistique en cette fin du XVIIIe siècle dans le contexte des Lumières et d’un Ancien Régime qui s’estompe. Jean Bardin, peintre de talent et reconnu à son époque sait également dispenser son art au plus grand nombre, notamment dans le cadre de l’École gratuite de dessin à Orléans alors qu’il avait atteint l’âge de 53 ans. Ce pédagogue hors pair, ainsi que le souligne les nombreuses études que le catalogue réunit, sut en effet transmettre non seulement l’art de la peinture d’histoire que nous retrouvons dans les nombreuses reproductions couleur qui ornent avec bonheur cet ouvrage, mais également de magnifiques évocations d’art sacré dans lequel le peintre excellera également. Remportant le prix de Rome, Bardin dont le goût assuré correspond aux standards de son époque saura aussi réaliser des toiles prestigieuses telle sa grande œuvre, le cycle monumental des sept Sacrements pour la chartreuse de Valbonne, dans le Gard. Virtuosité, précision du trait et magnificence de la couleur dans l’esprit de Nicolas Poussin qu’il vénéra sa vie durant caractérisent l’art de Bardin ainsi qu’il ressort de ce riche catalogue qui aura entre autres mérites – et non des moindres - de rappeler la mémoire d’un peintre qui inventa un nouveau langage préfigurant le siècle à venir.

Jean-David Jumeau-Lafond : “Martine de Béhague, une esthète à la Belle Époque”, Flammarion, 2023.

Le Nirvana, yacht privé de Martine de Béhague, 80 m de long, a sillonné les mers lointaines afin d’assouvir cette soif d’absolu qui anima toute sa vie cette richissime collectionneuse d’œuvres d’art. On prêtait à la Comtesse Martine d’acquérir une œuvre d’art par jour au temps de la Belle Époque… Cette passion remonte à loin, sa mère comme son père ayant eu également un goût de la beauté, legs précieux pour leur enfant. Tout est objet, pour cette femme curieuse et intrépide, de découvertes au fil de ses multiples voyages : tableaux, archéologie, bibliophilie, architecture… La Méditerranée formera notamment l’un de ses champs de recherche, avec une attirance certaine pour l’antique. Tout en connaissant les grands de ce monde, artistes et écrivains tels Henri de Régnier, Marcel Proust ou encore Paul Verlaine, cette personnalité atypique cultivait les contrastes. Éprise de beauté, elle aimait à préserver sa solitude et appréciait par-dessus tout un cercle restreint d’habitués. Cette quête d’esthète constituait la raison même de sa vie ainsi que le souligne Jean-David Jumeau-Lafond. Peut-être a-t-elle recherché dans ces œuvres d’art ce qu’elle n’avait su préserver de son mariage qui fut un échec ? Sa fantaisie la poussait à chérir cette liberté qui devait primer sur tout, et sa curiosité s’étendait à un large registre de créations, sans pour autant être une collectionneuse invétérée. Son hôtel particulier rue Saint-Dominique était le symbole de ses multiples attirances et abritait différents salons consacrés à ses nombreuses passions où l’antique se disputait aux beaux arts. Son rapport aux œuvres n’était pas celui du spécialiste, mais relevait plus d’une quête d’absolu jamais atteint. Ainsi que le relève Valentine de Ganay en préface, Martine de Béhague n’a jamais cessé de faire des choix très personnels, qualifiés pour certains d’éclectisme, choix qui pourtant ont composé un ensemble certes subjectif mais qui a cependant rejoint celui des grands passionnés de l’art depuis l’aube des temps. Cet ouvrage refait vivre cette véritable odyssée grâce aux très nombreux documents inédits réunis par la sagacité de l’historien de l’art Jean-David Jumeau-Lafond, une pérégrination aux multiples visages qui ne pourra que susciter la curiosité et l’intérêt du lecteur.

« Martine Martine » Yves Gagneux – Catalogue raisonné tome II, 24,5 x 31 cm, 280 pages, Éditions du Regard, 2022.

Avec ce deuxième tome paru aux éditions du Regard, Yves Gagneux, conservateur général du patrimoine et directeur de la Maison Balzac, et Guillaume Daban nous convient à cette belle découverte l’œuvre de l’artiste Martine Lévy. Née à Troyes en 1932 dans une famille de collectionneurs, c’est très tôt qu’elle se trouve initiée à l’art auquel elle consacrera toute sa vie. Plus connue sous son nom d’artiste Martine Martine, son œuvre sera protéiforme, qu’il s’agisse des médiums employés allant du dessin au pastel, en passant par la gravure et l’huile sans oublier la sculpture, des thèmes multiples qui inspireront un catalogue impressionnant dont ce deuxième volume venant compléter l’inventaire.

Comment caractériser le travail de Martine Martine avec ce deuxième opus du Catalogue raisonné servi par une édition soignée et remarquable ? Par delà la diversité des thèmes et des séries, Martine Martine appréhende ses sujets dans sa globalité, avant d’en livrer par de multiples séries un nombre impressionnant de facettes tel qu’il ressort de ces premiers carnets traitant des portraits de sumotori dont la rondeur et la vigueur des visages ont su capter l’œil de l’artiste.

À la manière du théâtre kabuki, Martine Martine esquisse quelques traits marquants qui parviennent à restituer la vitalité et la profondeur de ces instants saisis presque sur le vif. En autant de petites vignettes, ces carnets déstructurent le sujet afin de se l’approprier et de donner vie à une nouvelle représentation. Les carnets III & Mémoires III allant de 2003 à 2013 prolongent cette démarche et prennent comme nouveau champ de recherche Balzac dont Martine Martine livre une multitude de portraits et de lavis, répétant inlassablement cette exploration de la physionomie, devenant elle-même œuvre d’art. Tenant presque de la démarche initiatique, ce geste quasi obsessionnel envoûte le lecteur et le conduit à une certaine extase, à l’image des compositions d’un Philip Glass ou de Steve Reich. Au terme de ce parcours singulier et fascinant, le lecteur aura le sentiment d’entrer dans l’intimité de la création de Martine Martine, ce qui n’est pas le moindre des attraits de ce superbe Catalogue raisonné.

« Maurice Calka – Le sculpteur du design » de Xavier de Jarcy, Editions Albin Michel, 2022.

C’est avec un vif intérêt que le lecteur découvrira cette belle et première monographie consacrée à Maurice Calka (1921–1999) et signée par le journaliste Xavier de Jarcy aux éditions Albin Michel. De ce « sculpteur de design » ayant marqué l’histoire de l’art de la deuxième moitié du XXe siècle, chacun a bien entendu à l’esprit son fameux bureau « boomerang », objet du design pop iconique des années 1969, tout en couleurs et rondeurs et qui illustre la couverture de ce beau livre. Mais, Maurice Calka est aussi et surtout un génial artiste pluridisciplinaire donnant à voir une variété de réalisations et matériaux incroyables allant de la sculpture au design urbain ou encore à l’architecture. Qui ne se souvient également, à la simple évocation de son nom, de ces fameux papillons géants de Vanves venus si agréablement égayer le « périph’ » parisien en 1981 ?
Véritablement artiste inclassable, sculpteur, designer, dessinateur, architecte et urbaniste, l’œuvre de Maurice Calka ne saurait laisser indifférent. Aussi, est-ce avec bonheur que les amateurs de design, mais aussi tout collectionneur ou curieux d’art découvriront cet ouvrage soigné avec son format carré et ses couleurs acidulées. Devant tant d’expériences, de matériaux et de réalisations, l’auteur, Xavier de Jarcy, a fait choix d’une approche chronologique allant des jeunes années de l’artiste à « L’école Calka »… Des places ou bâtiments publics aux intérieurs plus intimistes, l’artiste n’a eu, en effet, de cesse d’innover et de surprendre. Remportant le Premier Grand Prix de Rome de sculpture en 1950, Maurice Calka se fait connaître avec un nouvel art urbain dès les années 60. Optant pour une « Sculpture pour tous », l’artiste saura s’imposer avec des sculptures, bas-reliefs ou encore fresques que ce soit à Clamart ou encore Reims. Les multiples places publiques réalisées par l’artiste retiendront également, bien sûr, l’attention, tant ces dernières s’enchaînent avec une diversité et couleurs à couper le souffle ; on songe à Saint-Louis de La Réunion, à Paris, à la place des Gradins de Torcy en 1975… Et puis, comment oublier, Maurice Calka, architecte ou designer ? Comment oublier cette fabuleuse Renault 5 Cacharel de la fin des années 1970 ?
Et, oui, Maurice Calka, c’est tout cela et il fallait assurément une telle monographie complète et incontournable pour rendre hommage à ce grand artiste de la deuxième moitié du XXe siècle.

« Proust, la fabrique de l'œuvre » sous la direction d’Antoine Compagnon, Guillaume Fait et Nathalie Mauriac Dyer, catalogue d’exposition BNF, 240 pages, Gallimard, 2022.

Vaste entreprise que d’explorer la fabrique de l’œuvre de Marcel Proust ! Mais, une heureuse initiative entreprise aujourd’hui sous la direction d’Antoine Compagnon de l’Académie française à l’occasion de l’exposition éponyme actuellement à la BnF. A l’image d’un abécédaire littéraire des plus nourris, le présent catalogue présente de A à Z, la création littéraire proustienne avec des entrées aussi variées et pittoresques que « Water-closet », « Zut, zut, zut, zut » ou « Kapitalissime »… Derrière l’apparent farfelu de certaines de ces thématiques se trouve cependant développé avec brio et passion le véritable laboratoire d’écriture de l’auteur de La Recherche. Ainsi que le relèvent Antoine Compagnon, Guillaume Fait et Nathalie Mauriac Dyer « la vision de l’écrivain au travail dans ses manuscrits s’impose aussitôt au lecteur », évoquant les fameuses paperoles qui accompagnaient ce travail souvent long et répété de rédaction se nourrissant de multiples références croisées. Comment cependant recoller tous ces morceaux accumulés par ce long processus de composition ? Quelle relation entretenait l’écrivain avec le temps, ce fameux « Temps », tout au long de la genèse de l’œuvre à accomplir ? Comment avons-nous reçu ce legs un siècle après et que faire de ces multiples manuscrits constituant la création proustienne ? C’est à ces questions auxquelles répond avec précision et clarté ce riche catalogue illustré, bien sûr, par de nombreuses reproductions des manuscrits de Marcel Proust, mais aussi de photographies d’époque et autres œuvres d’art. Pour les amateurs du célèbre écrivain, mais aussi pour les esprits curieux souhaitant vagabonder de page en page dans l’immense laboratoire de la création littéraire d’A la recherche du temps perdu, cet abécédaire réservera bien des agréments et exquises surprises.

« L’Épopée de Gilgamesh » illustrée par l’art mésopotamien, direction scientifique de l’iconographie et introduction d’Ariane Thomas, photographies de Jean-Christophe Ballot, traduction de l’arabe d’Abed Azrié, volume relié sous coffret, 24,5 x 33 cm, 280 pages. Éditions Diane de Selliers, 2022.

Les éditions Diane de Selliers offrent au lecteur l’un des plus anciens témoignages de l’humanité avec « L’Épopée de Gilgamesh », une source antique de plus de quatre mille ans et dont certains épisodes tel celui du Déluge, du passeur ou encore celui du serpent ont été repris par nombre de civilisations antérieures. Nous sommes en Mésopotamie, berceau de notre humanité avec l’agriculture et l’écriture, et ce héros légendaire que fut Gilgamesh, roi de la dynastie d’Ourouk, qui connaît par delà les multiples aventures affrontées toutes les émotions d’un mortel aspirant à l’immortalité…
Ainsi que le souligne la spécialiste Ariane Thomas, directrice du département des Antiquités orientales du musée du Louvre, cette geste remarquable se divise en deux parties, celle d’un roi jeune et intrépide, ami indéfectible d’Enkidou, auquel arrivent toute sorte d’aventures, puis une deuxième partie avec la mort de son ami, une période marquée par le chagrin et les doutes avant de partir en quête de l’immortalité…

Cette épopée incroyable concentrant un éventail saisissant de sentiments, reliant passé et présent, propose ainsi une lecture universelle du destin humain et de la quête du sens de la vie. À la différence du mythe qui développe le caractère surhumain de ses personnages, l’épopée retient quant à elle le caractère humain – trop humain – du personnage de Gilgamesh qui sera soumis à un parcours initiatique tel celui d’Ulysse dans l’Odyssée. Véritable genèse de la philosophie dans ses derniers développements, « L’Épopée de Gilgamesh » anticipe par certains de ses aspects ce que les philosophies hellénistique et romaine développeront notamment avec le stoïcisme.

Au terme de son parcours, Gilgamesh atteint une certaine sérénité, celle d’un homme qui a compris que le destin n’appartient pas aux rêves futurs et incertains ainsi que le soulignera plus tard le philosophe Sénèque, mais dans cette vie à l’instant présent dont il nous faut cueillir les fruits, ici et maintenant…
Il fallait pour ce récit si précieux un écrin à la hauteur et, comme à l’accoutumée, Diane de Selliers a réuni un trio de choix notamment en la personne de Jean-Christophe Ballot qui livre en ces pages de véritables œuvres d’art photographiques accompagnant le texte de l’Épopée. Ses prises de vue en noir et blanc révèlent et accentuent la richesse des œuvres millénaires des antiquités orientales notamment du musée du Louvre et autres collections mondiales grâce au savant éclairage sur ces œuvres apporté par Ariane Thomas. Gabriel Bauret, auteur de plusieurs livres sur la photographie, souligne cette double richesse du texte et de l’image, richesse qui peut s’apprécier simultanément ou bien successivement. Enfin, palme doit être rendue à la belle traduction offerte par le poète et chanteur Abed Azrié, né à Alep, qui a su se saisir à partir de traductions arabes du souffle épique de ce texte immémorial.
Un voyage au long cours proposé par les éditions Diane de Selliers et dont les étapes initiatiques ne manqueront pas de passionner les lecteurs de cet ouvrage qui rend un bel hommage à cette civilisation qui inventa l’écriture.

« Wang Keping » de Virginie Perdrisot-Cassan, Aline Wang et Anne-Laure Buffard ; Relié, 224 pages, 23 x 30 cm, 250 illustrations, Editions Flammarion, 2002.

Beaucoup se réjouiront de cette première monographie en français consacrée au sculpteur chinois Wang Keping. L’ouvrage co-écrit par Virginie Perdrisot-Cassan, historienne de l’art, Aline Wang, directrice du studio Wang Keping, et Anne-Laure Buffard, directrice adjointe de la galerie Obadia, offre au regard et à l’analyse une riche et belle mise en perspective de la carrière et de l’œuvre de Wang Keping avec un éclairage en particulier sur ses œuvres de maturité.
Les sculptures de Wang Keping livrent un langage singulier autour de thèmes et de formes qui se jouent, se nouent et s’enroulent tels ces « couples » ou ces oiseaux aux formes épurées et arrondies. Mais, « Mes oiseaux ne sont pas des oiseaux – souligne Wang Keping – se sont du bois, des sculptures. Mes oiseaux sont des contes, de l’imagination.»
Affichant une nette préférence pour le bois, il fut très tôt surnommé « Le Maître du bois ». Cette prédilection pour le bois, quelle que soit l’essence, ne le quittera plus, et se retrouve encore dans ses œuvres de maturité, des sculptures monumentales en bois, donc, mais également en bronze telle cette sculpture « Lolo » en bronze pour la fondation Camignac de 4 mètres de hauteur. L’ouvrage revient également sur ce choix du bronze dès la fin des années quatre-vingt par l’artiste ; Wang Keping que le lecteur retrouvera notamment dans la fonderie suisse en 2009.
Aujourd’hui internationalement reconnu, rappelons que Wang Keping fut un des fondateurs du mouvement d’avant-garde chinois, The Stars Art Group, à la fin des 1970. L’artiste, exilé politique, arrivé en France en 1984, acceptant les influences respectives de Brancusi, de Zadkine mais aussi de Zao Wou-Ki ou encore de Gao Xinglang, a su très tôt imposer son propre style, cette profonde force de vie aux variations infinies.

« Monet » de Ségolène Le Men, 320 illustrations couleur, Relié sous jaquette et coffret illustrés, 29 x 33,5 cm, pages 456, Editions Mazenod & Citadelles, 2022.

Cette somme unique en langue française consacrée à l’ambassadeur de l’impressionnisme que fut Claude Monet ne pourra que réjouir les amateurs d’art et amoureux du peintre de Giverny. Tout ou presque a été réuni en cet ouvrage d’exception de taille imposante (456 pages) afin de retracer la longue vie fertile de celui qui à juste titre a été présenté comme le père de l’art moderne. En ces pages illustrées avec soin par une abondante iconographie de plus trois cents illustrations couleur, Ségolène Le Men, professeur émérite d'histoire de l'art a l'université Paris Nanterre et membre senior de l'Institut universitaire de France, parvient à se saisir de cette immense icône de la peinture en une approche renouvelée et convaincante.
L’ouvrage retrace en effet les tout débuts du jeune artiste au Havre lorsqu’il signait encore Oscar ses caricatures, pan méconnu de l’art du futur maître et qui témoignait déjà de l’acuité de son regard… Ségolène Le Men insiste justement sur ces premières années souvent passées sous silence et qui ont eu pourtant leur importance pour l’évolution ultérieure de l’artiste. Notamment les influences de Boudin et Jongkind, les premières impressions laissées par la nature saisies dans ce dessin annonciateur « Les Bords de la Lézarde » où le crayon noir sur papier gris anticipe les futures inspirations du peintre dans son traitement des ondes et du végétal. Les fameuses Marines de Boudin, ce jeu subtil des nuages et de la mer concourront eux aussi à ce rapport unique que Monet entretiendra entre sa main le paysage et la toile. Ces initiations tissent en effet progressivement un maillage complexe de références que l’artiste usera à l’envi dans de multiples séries passées à la postérité depuis : les Meules, la gare Saint-Lazare, la cathédrale de Rouen avant les hypnotiques variations de Giverny.
Ce regard formé aux multiples effets et impressions du plein air sera par la suite enrichi d’autres rencontres et sources d’inspirations ainsi qu’il ressort de son attrait irrépressible pour les arts de l’extrême orient sans oublier la photographie et les premières heures du cinéma… Cet ouvrage se trouve également éclairé par la confrontation de sources multiples grâce à l’abondante correspondance du peintre, les témoignages de ses contemporains, l’ami de toujours, Georges Clemenceau, sans oublier Mirbeau, Zola, Proust.
Au final, c’est un Claude Monet plus familier que nous livre Ségolène Le Men, mais aussi un artiste inaccessible lorsque son art le transporte en d’infinies variations. Une somme indispensable pour mieux approcher non seulement Claude Monet, mais également de manière plus générale l’Impressionnisme auquel il a livré ses plus belles œuvres.

« Albrecht Dürer – Gravure et Renaissance » ; Collectif, Château de Chantilly / BNF, Editions In f=Fine, 2022.

Le fort riche catalogue qui accompagne l’exposition consacrée à Albrecht Dürer (1471-1528) au Jeu de Paume du Château de Chantilly entrainera son lecteur non seulement dans l’immense œuvre de l’artiste, mais aussi sur les routes de la Renaissance ; car, admirer l’œuvre gravée du Dürer qui fut également orfèvre, dessinateur et peintre, c’est aussi parcourir l’Europe de la Renaissance en ce tournant du XVe au XVIe siècle. L’artiste dut, en effet, toute sa vie durant non seulement parcourir les chemins et cours d’Europe pour trouver commanditaires et commandes, mais eut également un goût personnel prononcé pour le voyage. C’est donc une belle mise en perspective que livre l’ouvrage replaçant l’immense créativité de l’artiste au cœur des échanges et changements, non seulement artistiques mais aussi politiques et religieux, de son époque.
Ainsi, après les années de formation de l’artiste dans l’effervescence artistique de Nuremberg - « La fabrique d’un artiste », à l’aube de 1500, le lecteur découvrira-t-il un premier et long chapitre consacré à « Dürer en Italie à l’heure de la gravure » : Dürer et l’artiste Jocopo de Barbari qu’il admire et rencontrera probablement à plusieurs reprises. L’artiste vénitien transmettra à Dürer la passion de l’étude des proportions, mais aussi Dürer et Raphaël, Dürer et Leonard de Vinci, ou encore l’artiste à Venise où il rencontra un véritable succès ; « Ici, je suis un prince », écrira-t-il… Venise marquera effectivement un tournant dans l’œuvre de l’artiste avec des œuvres exceptionnelles telles « la Fête du Rosaire ou « le retable Landauer »…
Dans un deuxième temps, le lecteur découvrira le graveur, « chez lui » dans son atelier, une étape essentielle ouvrant sur les maîtres allemands notamment Martin Schongauer mais aussi sur les artistes issus de son atelier notamment Hans Baldung Grien, Hans Wechtlin ou encore Lucas Cranach. Dürer maîtrisera toutes les techniques de la gravure (bois, burin, eau-forte et pointe sèche).
Mais surtout, avant de se refermer sur l’artiste aux Pays-Bas notamment lors de son établissement à Anvers, ce riche catalogue de plus de 280 pages et largement illustré s’arrête sur la reconnaissance du graveur de son vivant - « Dürer à son sommet », avec cette représentation du monde qui lui fut si chère ; Une représentation du monde qui fit de lui ce graveur incomparable et universel et qui marqua à jamais non seulement son époque mais sut rayonner jusqu’à nous…

« 6 Months in the fridge – Travels throught Northern Europe » ; Photographie de Michael Königshofer ; Relié, 208 pages, Version anglaise, Éditions teNeues, 2021.

C’est à un fantastique voyage dans le Grand Nord de l’Europe, en Scandinavie, auquel le photographe Michael Königshofer nous invite avec bonheur. « 6 months in the fridge » précisément ! Une aventure avec pour seule étoile, l'étoile Polaire et le cercle polaire de l’arctique…
Le lecteur suit ainsi avec plaisir et curiosité cet extraordinaire photographe australien en Norvège, en Islande, en Écosse jusqu’au Groenland. La splendeur des paysages émerveille, Michael Königshofer ayant su, en effet, restituer par son objectif toute la beauté et magie de ces somptueuses terres du nord de l’Europe.

Pour Mikael Königshofer comme pour son lecteur, chaque jour ou page de ces contrées lointaines enneigées et glacées offre son lot de découvertes et surprises. Car au-delà de la beauté des paysages, c’est aussi un lointain habité fait de rencontres que nous conte Mikael Königshofer. Habitants, traditions et cultures y sont également capturés et racontés avec passion par ce talentueux photographe qui avoue avec humour avoir toujours froid même en Australie !
Appuyé par un riche texte et de cartes, pêcheurs, artisans ou encore surfers, mais aussi art et architecture s’y dévoilent, parfois en de saisissants contrastes, dans de grandioses et époustouflants paysages de Scandinavie. Tout le talent du photographe Michael Königshofer au service de la splendeur du grand froid du nord de l’Europe.

« Simon Hantaï » - Catalogue de l'exposition Fondation Louis Vuitton sous la direction d’Anne Baldassari, 29 x 30.5, 370 pp., Fondation Louis Vuitton / Gallimard, 2022.

Avec cet impressionnant catalogue consacré à Simon Hantaï et publié à l’occasion de l’exposition qui se tient à la Fondation Louis Vuitton, Anne Baldassari offre une somme inégalée sur l’artiste dont nous fêtons cette année le centenaire de la naissance. L’impressionnante rétrospective qu’abrite la Fondation Vuitton méritait effectivement un tel hommage. L’ouvrage au format généreux réunit non seulement deux entretiens précieux pour entrer dans l’œuvre de l’artiste avec les témoignages de son épouse Zsuzsa Hantaï et de Daniel Burren, mais aussi de nombreuses contributions notamment de Jean-Luc Nancy, Georges Didi-Huberman, Jean Louis Schefer ainsi qu'une chronologie de la vie de Simon Hantaï par Anne Baldassari.
Né en 1922 en Hongrie et naturalisé français, ce « Souabe errant » ainsi qu’il se qualifie fréquemment n’aura de cesse de partir à la recherche de significations, une errance toujours questionnée au fil de son riche parcours évoqué en ces pages. C’est en France qu’il réalisera l’essentiel de son oeuvre dont plus de 130 sont reproduites, ici, en un large format. Suivant un parcours chronologique, l’ouvrage défile une à une les pages des grandes évolutions marquant le travail de cet artiste insatiable et au regard scrutateur. « On ne peint que pour Dieu » aimait à rappeler le peintre d’origine catholique, une ferveur et un élan qui se matérialisera par de larges aplats et « déplis » de couleurs profondes et éclatantes. Ainsi que le souligne Georges Didi-Huberman, Hantaï déploie dans ses œuvres une mémoire familiale profonde, élargie par le recours à la couleur, anamnèse par des surfaces successives de couleurs.
Ce catalogue nous fait entrer de manière éclatante dans la richesse de cette œuvre protéiforme, peintures à signes, monochromes, mariales, Catamurons, Panses, Meuns, etc. Un véritable parcours initiatique éclairé par des œuvres d’autres artistes ayant compté dans le développement de Simon Hantaï tels Henri Matisse ou Jackson Pollock.
Nombreuses seront les découvertes à la lecture de ce précieux catalogue qui complètera idéalement la remarquable exposition actuellement à la Fondation Louis Vuitton Paris.

« Tokyo pourpre – Une nuit dans le Tokyo undergroud » de Jean-Christophe Grangé avec les photographies de Patrick Siboni, Éditions Albin Michel, 2021.

C’est une poésie pourpre et singulière qui est née de cette féconde rencontre entre le célèbre auteur français de thriller Jean-Christophe Grangé et le photographe Patrick Siboni. Cette étrange atmosphère pourpre est celle d’un Tokyo underground que l’écrivain, passionné par le Japon, a découvert lors de ses recherches pour la « La terre des morts ». « La nuit, Tokyo est rouge » écrit l’auteur, et c’est ce Tokyo rouge, écarlate, qu’arpentent chacun avec leur sensibilité Jean-Christophe Grangé avec sa plume et Patrick Siboni avec son objectif.

C’est, en effet, à la rencontre d’un Tokyo moins connu auquel nous convie tant l’écrivain que le photographe avec cet ouvrage. Tokyo de la fin de journée lorsque la nuit s’avance doucement et offre les « Premières rencontres », la femme japonaise, la table, etc. Puis, lorsque la nuit d’Extrême-Orient enveloppe la ville, la pluie, les lumières qui s’allument et le dernier train qui s’éloigne… Car Tokyo jamais ne dort et se révèle encore tard dans la nuit au-delà des clichés ; lorsque s’ouvre un autre monde, lorsque néons, enseignes, stations de métro s’illuminent tout de rouge et se répondent tel « Un battement sourd, un murmure organique, un magnétisme intime, qui vous attire et vous effraie à la fois » écrit encore Jean-Christophe Grangé.
Un ouvrage livrant en un format à l’italienne un étrange Kaléidoscope de Tokyo du crépuscule jusqu’à l’aube dans une envoûtante déclinaison du rouge avec ses secrets et passions ; sourde alors le rouge écarlate, cogne et bat le rouge sulfureux et éclate ce rouge d’un « Tokyo pourpre » profond et secret, car « Tokyo la nuit recèle de milliers de secrets, et parcourir ses rues, jusqu’au bout de l’aube, s’apparente à une quête de tous les extrêmes, envoûtante, inouïe, inoubliable. » écrit Jean-Christophe Grangé livrant un « Tokyo pourpre » underground jusqu’au bout de la nuit.

« Modigliani »de Thierry Dufrêne ; Relié sous coffret illustré, 330 illustrations, 29 x 42 cm, 324 pages, Editions Citadelles & Mazenod, 2022.

Les qualificatifs ne manqueront pas pour évoquer la toute dernière parution « Modigliani » aux éditions Citadelles & Mazenod. Exceptionnelle, cette biographie de Thierry Dufrêne l’est assurément à plus d’un titre, à commencer pour son généreux format 29x42 et la richesse de l’iconographie rassemblée. Mais l’ouvrage consacré à l’un des plus grands artistes du XXe siècle apparaît, dès les premières pages, comme l’une des synthèses les plus inspirées sur le peintre et le siècle dans lequel il s’est inscrit.
Thierry Dufrêne revisite le mythe de l’artiste maudit qui a longtemps caractérisé le parcours et l’œuvre d’Amadeo Modigliani. Le biographe a multiplié les questionnements sur la genèse de son œuvre, réinterrogeant non seulement ses origines italiennes, mais également ses sources d’inspirations allant de Michel-Ange aux masques africains.

Si, bien entendu, la place et le rôle joués par les artistes de Montmartre et de Montparnasse sur le jeune Amedeo seront déterminants, l’admiration pour Toulouse-Lautrec mais aussi les approches de Gauguin, Degas et encore Cézanne ne sauraient être négligés. Le lecteur comprendra rapidement que le musée imaginaire de Modigliani est complexe et touffu, à l’image de la société qui se dessine, progressivement sous ses yeux, au tournant du siècle. Paris et les femmes resteront au cœur de son œuvre, ses portraits « sculptées » sur la toile révélant – sans s’y soumettre pour autant – toutes les influences artistiques de ses aînés, Picasso en tête.

L’ouvrage parvient à force de démonstrations éclairantes appuyées par une iconographie convaincante à faire surgir l’extrême originalité et complexité de l’œuvre de Modigliani. Nombreux sont les courants de l’histoire de l’art qui trouvent en l’artiste une convergence lumineuse, renouvelant les thèmes abordés en de multiples inspirations. Tels ces inoubliables portraits de femmes, Jeanne, Hanka ou encore Lunia dont les reproductions en grand format soulignent la luminosité de la palette de Modigliani. Les réalités sociales de son époque se trouvent ainsi sublimées par le regard posé par l’artiste, un regard métamorphosé pour sa dernière période (1918-1919) après un long séjour sur la Côte d’Azur…
Un ouvrage d’exception qui ne pourra que faire date dans la bibliographie de Modigliani, autant pour la force rhétorique de ses développements que pour sa beauté de livre d’art.

« Far Far East – A tribute to faraway Asia”; Textes d’Alexandra Schels ; Photographies Patrick Pichler ; 272 pages, Version : Anglais / Allemand, Éditions teNeues, 2021.

C’est une splendide invitation au voyage que nous proposent Alexandra Schels et Patrick Pichler avec « Far Far East », un ouvrage nous entraînant sur les chemins de huit pays d’Extrême-Orient : Sri Lanka, Chine, Mongolie, Japon… Le lecteur parcourt ainsi en compagnie des auteurs les nombreux chemins et paysages de l’Asie, chaque pays dévoilant ses espaces, sa culture et ses traditions.
Que ce soit les textes d’Alexandra Schels ou les magnifiques photographies de Patrick Pichler, chaque chapitre invite, en effet, à la découverte, à la curiosité avec pour fil directeur cette « Ode au ralentissement ». Car, en ces pages, aussi belles les unes que les autres, ce sont des traditions différentes, des contrées lointaines, déserts ou métropoles que nous découvrons avec émerveillement. Sur plus de 260 pages avec des photographies souvent époustouflantes pleine-page ou double page, chaque pays révèle ainsi sa singularité ; hautes montagnes du Népal, métropoles de la Corée du Sud, nomades de Mongolie…
Que cela soit à pied ou par train, c’est l’Asie avec ses sentiers de montages, ses rivages et baies, ses villes et habitants au travers huit pays différents qui livre en ces pages toute sa beauté et ses secrets… Un bel hommage à l’Asie.

« Beatriz Milhazes » ; Sous la direction de Hans Werner Holzwarth ; Edition trilingue français/anglais /allemand ; 26 x 34 cm, 580 pages, Éditions Taschen, 2021.

Comment résister à cet univers d’explosion de couleurs ? C’est, en effet, une magnifique invitation à entrer dans cette fabuleuse galaxie de couleurs brésiliennes que propose cette splendide monographie consacrée à l’artiste Beatriz Milhazes et parue aux éditions Taschen. Cette somme de plus de 500 pages sous la direction de Hans Werner Holzwarth offre au regard toute la puissance de lumière et de couleurs du pays natal de cette artiste brésilienne hors du commun.
Alternant entre abstraction et symboles ou scènes de vie brésiliennes, les toiles de Beatriz Milhazes transmettent une énergie rare, une force de vie incroyable qui la caractérise et a fait la signature de l’artiste. Nées sous l’influence d’Henri Matisse ou encore de Bridget Riley, ces œuvres livrent en effet une exubérante chorégraphie envoûtante de couleurs. Mais, l’œuvre de Beatriz Milhazes sait aussi se faire plus musique et s’assombrir sous le vent de la mélancolie. C’est cette richesse et complexité que le lecteur découvrira dans ces merveilleuses pages, l’ouvrage actualisé réunissant pas moins de 300 œuvres de l’artiste jusqu’aux plus récentes. Explorant les différentes étapes de la carrière de Beatriz Milhazes, les multiples motifs ou encore les matériaux auxquels elle a eu recours, l’ouvrage propose une analyse approfondie de l’œuvre de cette artiste brésilienne qui a su s’imposer dès les années 1980.
Un travail mis en perspective par de riches contributions, notamment celle de l’historien d’art David Ebony, mais aussi par un entretien accordé par l’artiste elle-même à Hans Werner Holzwarth, entretien dans lequel Beatriz Mihlazes dévoile ses méthodes de travail ou revient sur le contexte culturel de ses œuvres. Une belle analyse complétée par un dictionnaire des principaux motifs de Beatriz Milhazes réalisé par Adriano Pedrosa auquel vient s’ajouter une biographie complète et actualisée par Luiza Interlenghi.

« Antoine Schneck » de Pierre Wat ; Relié cartonné, 25 x 32 cm, 180 illustrations, 292 pages, Éditions In Fine, 2021.

C’est un très bel ouvrage que consacrent les éditions In Fine à l’artiste français Antoine Schneck. Signé de l’historien d’art Pierre Wat, également critique d’art et professeur d’université, l’ouvrage tout de noir vêtu, ainsi qu’il se devait pour Antoine Schneck, livre une splendide mise en perspective de son travail et réalisations. Antoine Schneck, photographe plasticien, a en effet toujours privilégié pour ses dernières à la fois les fonds noirs et les séries. Ainsi concernant son travail sur les portraits, ce dernier a-t-il toujours retenu au-delà du fond noir une approche directe du visage lui permettant une extrême expressivité et une parfaite mise en lumière. L’artiste avoue s’être souvent inspiré pour ses techniques de l’histoire de l’art, et plus particulièrement de l’histoire même de la peinture.
Mais, ses recherches ne se sont jamais enfermées dans le seul travail du portrait, si expressif soit-il. Antoine Schneck a également, au gré de ses voyages et pérégrinations, consacré de célèbres séries aux oliviers millénaires, mais aussi aux fleurs, aux arbres ou encore aux carburants.
Pour son travail, l’artiste souligne avoir très tôt adopté le numérique lui offrant à la fois un large potentiel et une grande qualité, n’hésitant pas à retravailler la palette graphique. N’ayant de cesse de renouveler recherches et trouvailles, Antoine Schneck a ainsi eu recours pour ses derniers travaux notamment au collodion humide.
Et, c’est justement « A Rebours », d’aujourd'hui à 2006 que le plasticien photographe a souhaité revisiter son travail. Un choix révélant, ainsi que le souligne Pierre Wat dans son introduction, que « le fil directeur qui unit tant de pratiques et de lieux, c’est Antoine Schneck lui-même, autrement dit la vie d’un homme qui vient s’incarner en autant de pratiques, des déplacements, et d’expériences vécues. » L’ouvrage s’ouvre ainsi en 2021-2020 sur le studio de l’artiste et cette série de portraits lors de son voyage au Kenya jusqu’à 2006. Plus de 15 ans d’un beau chemin fait de rencontres, d’altérité et de photographies captivantes voire fascinantes.
Les investigations de l’artiste et son chemin de vie de photographe plasticien offrent, il est vrai, au regard une large et belle diversité de séries – allant des chiens célèbres aux gisants de la Basilique Saint-Denis en passant par les soldats de la Première Guerre mondiale du sommet de l’arc de Triomphe. Portraits, animaux et objets se côtoient ainsi dans cette splendide monographie dans un savant bonheur, celui des rencontres, voyages et expériences de l’artiste, des séries toujours marquées par la griffe même d’Antoine Schneck, par la force et l’acuité de son regard.

« L’art des jardins à travers l’Europe au Siècle des Lumières » de Jean-Marc Schivo, Editions Dervy, 2024.

Avec ce splendide ouvrage, Jean-Marc Schivo nous propose de (re)découvrir « L’art des jardins à travers l’Europe au Siècle des Lumières » en nous ouvrant les portes de trente-cinq jardins emblématiques de cette époque. Que cela soit, bien sûr, Versailles, mais aussi le Désert de Retz ou encore Bagatelle, tous ces lieux, encore connus de nous, nous rappellent qu’en ce siècle des Lumières, en ce XVIIIe siècle, les jardins deviennent dans toute l’Europe de véritables carrefours de sciences, de philosophie et de culture à ciel ouvert. A l’initiative de propriétaires fortunés et des hommes qui les ont réalisés, on songe à Hubert Robert pour la France ou le Prince de Ligne pour la Belgique, ces espaces privilégiés européens laissent en effet transparaître toute la philosophie des Lumières, s’enrichissant de symboles, d’allégories et d’innovations architecturales ; grottes, temples de l’amour, pyramides et obélisques marquent ainsi de leur puissance évocatrice ces espaces naturels à l’instar des œuvres d’un Jean-Jacques Rousseau. Mais sait-on encore les lire ou les décrypter aujourd’hui ?
Magnifiquement illustré et commençant par « Une promenade initiatique », ce sont les clés et les secrets de ce symbolisme et philosophie traduisant tout « L’art des jardins à travers l’Europe au Siècle des Lumières » que nous transmet dans cet ouvrage de plus de 450 pages Jean-Marc Schivo. Nous dévoilant ainsi toutes les subtilités des jardins et parcs du XVIIIe siècle, entrelaçant alchimie, esthétique et nature, l’auteur nous invite dès lors à franchir leur seuil et à parcourir , en second lieu, l’Europe, de l’Angleterre avec des Jardins fabuleux tels que ceux du Castle Howard ou encore de Stourhead… à l’Italie avec notamment Caserte en passant par l’Allemagne, la Belgique, mais aussi la Pologne, la Suède ou encore la Russie sans oublier, bien sûr, la France avec également Monceau ou Ermenonville…
Mêlant lettres, arts et philosophies, la splendeur des jardins des Lumières méritait assurément une telle somme à la fois riche et parfaitement accessible.

« Artemisia Gentileschi » sous la direction d’Asia Graziano, traduit de l’italien par Renaud Temperini et de l’anglais par Jean-François Allain, Éditions Citadelles et Mazenod, 2025.

C’est une superbe monographie qui vient de paraître aux éditions Citadelles et Mazenod consacrée à l’artiste peintre Artemisia Gentileschi (1593- vers 1654) sous la direction d’Asia Graziano, historienne de l’art et docteur de l’université de Pérouse. Artemisia, l’une des premières femmes peintres célébrées de l’histoire de l’art, ainsi que le souligne l’auteur, méritait une telle étude tant les découvertes et réattributions quant à ses œuvres ont été nombreuses ces dernières décennies et ont permis de redécouvrir tout son talent, audace et singularité. Asia Graziano souligne dès les premières lignes de son introduction « la personnalité aussi complexe que fascinante d’Artemisia Gentileschi » qui demeure « un cas unique, inassimilable à celui de ses consœurs peintres, Giovanna Garzoni, Lavinia Fontana, Elisabetta Sirani ou Fede Galizia, qui lui sont souvent associées (…) ».
Née à Rome à la fin du XVIe siècle, fille du non moins célèbre peintre Orazio Gentileschi, elle sera formée dans l’atelier de son père avant d’être admise à l’Académie de dessin de Florence. Le talent précoce de la jeune fille sera reconnu très tôt par son père admiratif. Asia Graziano revient sur ces années décisives que ce soit sur « La formation romaine de la peintre talentueuse » ou sur l’ « Affirmation et [sa] reconnaissance dans la Florence des Médicis ». Artemisia sut relever, en effet, bien des défis et sa vie fut marquée par des tragédies ; rappelons que la jeune fille fut violée par un ami de son père et dut subir un procès traumatisant puisqu’elle fut torturée pour savoir si elle disait la vérité. À la suite de ce scandale, Artemisia quitta Rome pour Pise, Florence, Venise ou encore Naples. Au cours de ces voyages et séjours qui la menèrent jusqu’en Angleterre, Artemisia connut la reconnaissance des plus grandes cours européennes avec de prestigieuses commandes d’aristocrates et de collectionneurs. Nombre de ses toiles, pour certaines de grands formats, d’inspiration notamment caravagesque, en témoignent : « Judith décapitant Holopherne » ou encore « David et Goliath ».
Avec une iconographie remarquable, s’appuyant sur les archives (voir la contribution de Sheila Barker) ou encore des lettres de l’artiste, l’ouvrage revient longuement sur cette belle notoriété qu’Artemisia su conquérir de son vivant dans « Ombres et lumières du séjour vénitien » ou encore « La consécration napolitaine ». Mettant en avant de grandes œuvres, pour certaines très récemment authentifiées, et même un inédit – « La Charité romaine », l’amateur d’art découvrira en ces pages combien cette femme artiste sut, en effet, faire preuve de courage et d’audace. Gregory Buchakjian revient dans sa contribution – « Nos vies avec Artemisia », sur cette singulière trajectoire artistique ; Que ce soit son talent pour les portraits pour lesquels elle fut une des rares femmes peintres à en recevoir officiellement commande, pour ses autoportraits, mais aussi et surtout par la délicatesse et sensibilité de son art. Artemisia n’hésita pas effectivement à peindre avec beaucoup de sensualité le corps des femmes offrant ainsi à la postérité de véritables chefs-d’œuvre. Claudio Strinati souligne : « Il ne fait aucun doute qu’Artemisia Gentileschi fut l’une des premières artistes à avoir donné à ses créations une signification ouvertement autobiographique ».
C’est cette audacieuse singularité de cette artiste du XVIIe siècle que fut Artemisia Gentileschi que nous propose de découvrir cette riche et somptueuse étude.

« Alpine Passes of Switzerland - Journey to Modernity », Editions Scheidegger & Spies, 2024.

L’ouvrage Alpine Passes of Switzerland, paru aux éditions Scheidegger & Spies nous invite à redécouvrir toute la majesté des Alpes suisses par le truchement de photographies exceptionnelles. Véritable chant d’amour à la splendeur de ces cols alpins, ce bel ouvrage atteste de la place et de l’importance de ces témoins silencieux dans la culture et l’histoire du pays. Page après page, le lecteur pourra ainsi arpenter ces chemins sinueux, à l’ombre de ces cimes vertigineuses où la neige se dispute avec les nuages pour envelopper les sommets.

La grandeur de ces paysages alpins a de tout temps inspiré poètes, artistes et penseurs tel le penseur et philosophe Nietzche qui leur vouait une admiration sans limites.
Les illustrations remarquables retenues pour ce beau livre témoignent de la majesté de ces paysages, alternant clichés anciens et 80 photographies contemporaines grand format de Richard von Tscharner d’une rare qualité, et font idéalement écho aux nombreux textes explorant le lien intime unissant les Suisses à leurs montagnes.

Pâturages alpins et cimes vertigineuses se succèdent dans ce livre inspirant, laissant au lecteur le sentiment d’un paysage encore préservé des ravages de la modernité. Entre éloge des pionniers des générations précédentes qui permirent cette ouverture de la montagne au plus grand nombre et réalités du présent, l’ouvrage n’écarte aucun sujet, y compris celui du fameux tunnel du Gotthard.
Une somme indispensable à tous les amoureux de la Suisse et de la montagne, synonyme de voyage sur les plus hauts sommets !

"Revoir Cimabue. Aux origines de la peinture italienne", sous la direction de Thomas Bohl, Editions Silvana Editoriale – Le Louvre, 2025.

Le catalogue paru aux éditions Silvana Editoriale/Musée du Louvre consacré à Cimabue fera entrer le lecteur au cœur même d’une période cruciale dans l’histoire de la peinture occidentale, à savoir le XIIIe s. florentin. Accompagnant l’exposition éponyme actuellement au musée du Louvre du 22 janvier au 12 mai 2025, cette somme dirigée par Thomas Bohl, commissaire de l’exposition et Conservateur au département des Peintures du musée du Louvre, explore en effet les profonds changements introduits par l’artiste, une évolution picturale qui aura une influence déterminante sur ses contemporains, et surtout sur les siècles à venir.
Dès l’introduction, Thomas Bohl nous présente Cimabue – dont nous n’avons guère d’informations biographiques – dans le contexte culturel et religieux de l’Italie du XIIIe siècle, un contexte essentiel non seulement à la compréhension de son œuvre, mais de manière plus générale pour appréhender la société de cette époque. L’ouvrage, à défaut de nous faire connaître qui était Cimabue, invite son lecteur à découvrir son œuvre au travers notamment des nombreuses et riches contributions de spécialistes réunis à l’occasion.
Ainsi, la « manière grecque » et la peinture sur bois au XIIIe s. dans la Toscane de cette fin du XIIIe s font-elles l’objet d’analyses détaillées. L’intérêt se portera bien sûr sur l’impressionnante restauration réalisée sur la célèbre Maestà du Louvre, souvent présentée comme l’œuvre emblématique de la naissance de la peinture occidentale, voie prolongée par son élève Giotto, et plus tard par les artistes de la Renaissance. Après avoir enquêté sur l’emplacement originel de la Maestà, les auteurs décrivent comment ont été retrouvés les délicates couleurs originelles et certains détails comme ces étonnantes inscriptions pseudo-arabes jusqu’alors masquées par les vernis successifs. Un autre point d’importance est également abordé dans le catalogue avec la récente acquisition par le musée du Louvre de La Dérision du Christ, ce panneau inédit redécouvert en France en 2019 et acquis en 2023 par le musée parisien. Si l’on considère le peu d’œuvres connues de Cimabue, une quinzaine seulement, cette acquisition exceptionnelle permettra d’enrichir ce que nous savons de l’artiste et de son œuvre dans le conteste du franciscanisme dans lequel il travaillait. Enfin, l’ouvrage explore en conclusion les nombreuses novations apportées par Cimabue, innovations picturales qui révèlent toute sa modernité et que Giotto et Duccio développeront vers plus de naturalisme à l’aube d’un nouveau monde.

"Pierre Subleyras (1699–1749)" de Nicolas Lesur ; Préface de Pierre Rosenberg de l'Académie française ; Relié, 24 × 32 cm, 556 p., 889 ill., Editions ARTHENA, 2023.

Le nom de Pierre Subleyras – guère familier au grand public aujourd’hui – renvoie pourtant à l’une des figures majeures de la peinture du XVIIIᵉ siècle, un artiste au sommet de sa gloire à Rome, où il fut adoubé de son vivant. Avec sa grâce singulière dans l’art du portrait, son aptitude à exprimer avec justesse les émotions religieuses et son sens des couleurs à la fois subtil et puissant, Subleyras s’inscrit en effet comme un artiste incontournable de son époque. L’édition de la magistrale monographie de Nicolas Lesur, parue aux éditions Arthéna, rend hommage à cet artiste, un bel hommage à la hauteur de son talent.
L’ouvrage, préfacé par l’académicien Pierre Rosenberg, replace la carrière de Subleyras dans une perspective historique et artistique ambitieuse. Rosenberg n’hésite pas à comparer sa position à Rome à celle de Nicolas Poussin un siècle auparavant : « La position de Subleyras à Rome est en quelque sorte comparable à celle de Poussin un siècle plus tôt. Sans guère de lien avec les peintres ses contemporains, mais protégé par un pape – Benoît XIV (1675-1758), que l’on reconnaît sur L’Atelier –, Subleyras mena la carrière qu’il voulut sans trop se soucier de ses rivaux. » Le soutien de Benoît XIV s’avéra effectivement déterminant dans le rayonnement de l’artiste, qui, à l’instar de Poussin, sut conjuguer indépendance créative et reconnaissance institutionnelle.
Ce bel ouvrage n’est pas cependant qu’une pure réhabilitation ; il est également une exploration d’un artiste dont la postérité, bien que plus discrète, a toujours été vive parmi les amateurs et les collectionneurs italiens. Nicolas Lesur souligne, dans une introduction rigoureuse, que Subleyras ne saurait être considéré comme un peintre oublié, mais plutôt comme une figure appréciée de son temps et au-delà. L’intérêt pour cet artiste reçut une confirmation importante dans la grande rétrospective que lui consacra le musée du Luxembourg en 1987, une exposition qui permit au grand public de redécouvrir l’ampleur de son génie.
L’ouvrage de Lesur ne se contente pas, non plus, d’énumérer les chefs-d’œuvre de Subleyras. Il en détaille aussi les nuances, en explorant notamment les dimensions spirituelles et émotionnelles de ses œuvres religieuses. Que ce soit dans Saint Camille de Lellis intercédant pour les victimes de la peste ou dans ses portraits pleins de majesté et de tendresse, le peintre excelle à traduire l’intensité des sentiments humains. Sa maîtrise des textures et des jeux de lumière témoigne d’une subtilité qui continue de fasciner les experts.
Cette monographie est également, enfin, une invitation à replacer Subleyras dans le contexte plus large de l’histoire de l’art européen. En rendant hommage à cet artiste franco-romain, l’ouvrage contribue en effet à enrichir la perception d’un XVIIIᵉ siècle foisonnant où se croisent influences et talents. Pierre Subleyras trouve ainsi toute sa place aux côtés des plus grands, entre son héritage français et son rayonnement italien.
Par la richesse de ses analyses, la beauté des illustrations, cette monographie s’impose comme un hommage vibrant et nécessaire à un artiste qui, comme Poussin avant lui, incarne l’un des plus beaux dialogues entre la France et l’Italie.

« Mode et estampe japonaise » d’Anna Jackson et Masami Yamada, Citadelles & Mazenod Editions, 2024.

Ce sont les trésors de la riche collection du Victoria and Albert Musuem que nous propose de découvrir les éditions Citadelles & Mazenod avec ce beau livre « Mode et estampe japonaise » signé par Anna Jackson et Masami Yamada. Il est bien connu dorénavant en occident que l’univers chatoyant de l’ukiyo-e s’est très tôt saisi des modes vestimentaires japonaises de l’époque, motifs infinis des plus belles estampes réalisées par les grands maîtres du genre, même si les riches collections du musée anglais demeurent plus confidentielles. Aussi, le présent ouvrage lève-t-il le voile sur les splendeurs conservées en ces lieux avec plus de 200 estampes des grands maîtres tels Utamaro, Hiroshige, Kunisada, Kuniyoshi, Keisai Eisen…
Après avoir rappelé en introduction l’émergence de l’ukiyo (monde flottant) dans le milieu dynamique des citadins, Modes et estampe japonaise explore le riche lien entre mode japonaise et art de l’estampe, un lien essentiel dans la diffusion des styles et représentations de la culture japonaise depuis le XVIIIe siècle. Par le truchement de l’estampe et des maîtres de l’ukiyo-e (notamment Hokusai et Hiroshige), de nouvelles tendances apparaissent et ces gravures colorées sur bois surent se saisir des pratiques vestimentaires de l'époque. Parallèlement aux inoubliables paysages ayant inspiré les plus grands maîtres, les vêtements font l’objet de descriptions particulièrement détaillées et minutieusement colorées ainsi qu’il ressort de cet ouvrage abondamment illustré.

Ces estampes sont les témoins privilégiés de l’évolution de la mode japonaise au fil des époques Edo et Meiji, ainsi que le soulignent les auteurs. Ces derniers insistent également sur l’influence internationale de ces œuvres, notamment sur les artistes et créateurs européens à partir du XIXe siècle, lorsque les estampes deviendront populaires en Occident et contribueront notamment au mouvement du japonisme. Cette somme sur le sujet explore encore les symboles, matériaux et techniques propres aux vêtements et aux imprimés de cette époque. Le lecteur sera ainsi à même de mieux en saisir leurs significations sociales et culturelles, qu’il s’agisse du monde du théâtre essentiel pour l’estampe japonaise, mais aussi dans la vie quotidienne.

« Venise vue d’en haut » de Riccardo Roiter Rigoni et Debora Gusson,

Éditions Jonglez, 2023.

Si pour Casanova, « Venise n’était pas là-bas, mais là-haut ! », avec Riccardo Roiter Rigoni et Debora Gusson, la Sérénissime est plus haute encore puisque c’est vue des nuages, du ciel même, que ces auteurs nous proposent de la découvrir ! Une découverte de Venise insolite d’autant plus originale et plaisante que ce voyage de haut vol nous entraîne non seulement à la rencontre de la célèbre cité, de ses toits et campaniles, mais également de sa lagune et de ses si nombreuses îles, tel un astre précieux et majestueux entouré de ses satellites. Des îles et îlots à l’histoire, au passé et présent aussi divers que leur forme vue d’hélicoptère. Bien sûr, nous avons tous en tête « San Michele, l’un des plus beaux cimetières du monde », Le Lido avec son « Charme liberty de l’Île d’or », Burano ou Murano ; mais de si haut que savons-nous vraiment de ces îles ? Et que dire de ces îlots perdus ou esseulés parfois, on songe à Madonna del Monte ou encore à Torcello, des îles souvent méconnues voire négligées du tourisme et dont le temps semble s’être arrêté... Que nous racontent encore, piqués par notre curiosité, Lio Piccolo au clocher arménien ou La Salina, cet ancien archipel d’Ammiana ? Venise et sa lagune sont inscrites depuis 1987 par l’UNESCO au patrimoine mondial et que de beauté, curiosité et étonnements nous offre, tant par ses splendides photographies signées Riccardo Roiter que par ses textes, cet ouvrage au format italien. Comment, en effet, résister à un tel dépaysement, à un tel vol d’oiseau ? Alors, et ainsi que nous y invitent Riccardo Roiter Rigoni et Debora Gusson, « Prêts pour le décollage ? ».

Jean-Jacques Audubon : « Le Grand Livre des Oiseaux », Sous la direction de Roger Tory Peterson et Virginia Marie Peterson ; 30,5 x 38,1 cm, Éditions Citadelles & Mazenod, 2023.

Lorsque l’on évoque les plus belles représentations des oiseaux du monde au XIXe siècle, le nom de Jean-Jacques Audubon (1785-1851) vient immédiatement à l’esprit, cet artiste français nous ayant laissé d’admirables – et si reconnaissables – planches ornithologiques uniques en leur genre. C’est à ce prestigieux legs que s’est attaché cette publication monumentale des éditions Citadelles & Mazenod sous la direction de deux spécialistes, Roger Tory Peterson et Virginia Marie Peterson, avec cet ouvrage exceptionnel de près de 700 pages en un généreux format XXL. Cette remarquable somme regroupe 554 illustrations couleur sous étui illustré et est accompagnée d’un portfolio très soigné de 5 reproductions d’Audubon.

Les « Oiseaux d’Amérique », car tel est son titre, compte parmi les fleurons du genre, l’artiste ayant de 1827 à 1838 publié ces 435 planches passées depuis à l’immortalité. Bien entendu, de nos jours, c’est avant tout la qualité esthétique qui retiendra l’attention, avec des planches d’une grande précision aux délicates couleurs chatoyantes, chaque animal étant replacé dans son cadre naturel tel ce flamand rose s’abreuvant au bord de l’eau ou encore ces chouettes Harfang perchées sur leur arbre… La qualité d’exécution force l’admiration avec ce regard porté notamment sur certaines espèces aujourd’hui disparues, rendant ce témoignage encore plus précieux.
Audubon livre ainsi un somptueux ouvrage réunissant 1065 oiseaux de la Floride à l’Arctique, oiseaux des mers comme des marais, impressionnants ou très discrets. L’artiste a souhaité à l’époque qu’ils soient représentés à taille réelle et ce souci d’exactitude confère à cet ouvrage une dimension scientifique de premier plan pour cette époque où la photographie n’existait pas encore, les premiers daguerréotypes n’étant datés que 1839… Le lecteur découvrira également grâce aux nombreuses notices préparées avec soin les habitudes de vie de ces oiseaux marins, charognards et autres plongeurs des lacs, sans oublier les oiseaux des forêts et prairies…
Une somme aussi belle à admirer que passionnante à lire.

« L’Olympisme. Une Invention moderne, un héritage antique. », Collectif, catalogue Officiel de l’exposition « L’Olympisme. Une Invention moderne, un héritage antique. » au Musée du Louvre., Co-édition Musée du Louvre / Editions Hazan, 2024.

C’est un réel plaisir que de découvrir aux éditions Hazan « L’Olympisme – Une Invention moderne, un héritage antique », le catalogue officiel de l’exposition éponyme présentée au musée du Louvre jusqu’en septembre 24. Cet ouvrage sous la direction des trois commissaires de l’exposition – Christian Mitsopoulou, Alexandre Farnoux et Violaine Jeammet – offre, en effet, un bel éclairage alliant histoire et enjeux de l’Olympisme d’aujourd’hui, cette « invention moderne, un héritage antique », ainsi que l’annonce son titre. Appuyé par une vaste iconographie, l’ouvrage de plus de 300 pages livre une analyse moderne, dynamique et actualisée des Jeux olympiques, une étude loin d’être dénuée d’intérêts notamment de par la découverte d’archives inédites.
Le premier volet de l’ouvrage est consacré aux symboles des Jeux (couronnes, anneaux, drapeaux…) et aux acteurs – comment ne pas rappeler, en effet, la figure la plus emblématique des Jeux : Pierre de Coubertin ? – Patrick Clastres revient avec passion dans une première contribution sur cette « Genèse de l’idée olympique chez Pierre de Coubertin », suivent des figures également incontournables telles que Michel Bréal pour le marathon, Gilliéron ou encore D. Vikélas. Après avoir rappelé que Paris fut trois fois capitale olympique en moins de 125 ans, Christian Le Bas ferme ce tout premier chapitre en faisant de Paris, capitale des sports, le berceau même de cet olympisme moderne avant que ne s’ouvre le deuxième volet, cœur de cette riche étude : « Olympisme entre invention et héritage ».
Un chapitre majeur et captivant couvert par plus de vingt contributions et abordant des thèmes aussi originaux que porteurs tels les timbres édités à l’occasion des jeux, les affiches, cartes postales, mais aussi, bien sûr, les trophées, médailles, les hymnes ou encore des sujets certes plus classiques, mais tout aussi passionnants notamment l’ « Athlétisme et entraînement militaire dans le monde grec : complémentaires ou antagonistes ? » ou « Gestes antiques en scènes »… De riches contributions que vient illustrer idéalement une iconographie des plus soignées et choisie.
Le catalogue se referme sur un dernier chapitre consacré à l’ « olympisme et politique » avec, bien sûr, « Berlin 1936 », mais également des contributions venant souligner la place des femmes hier et aujourd’hui dans les jeux Olympiques. Un ouvrage aussi riche que passionnant.

« Chagall – La Fontaine – Les Fables » par Ambre Gauthier ; Relié, 26 x 31 cm, 240 pages, 100 illustrations, Editions Hazan, 2023.

Comment ne pas succomber à cette belle publication en grand format parue aux éditions Hazan des Fables de Jean de La Fontaine illustrées par Marc Chagall ? Un bijou de l’édition que l’on doit initialement au célèbre marchand d’art, Ambroise Vollard ; ce dernier réalisa, en effet, en 1926 l’une de ses « plus tenaces ambitions d’éditeur » en demandant au non moins célèbre artiste russe d’illustrer ce monument du patrimoine littéraire français, les Fables de La Fontaine. Pour cet ambitieux projet, Marc Chagall réalisera alors plus d’une centaine de gouaches en couleurs préparatoires au travail sur gravure, offrant ainsi un véritable et incomparable dialogue inédit ! Car, il s’agit bien d’un magnifique dialogue à nul autre pareil entre l’un de nos plus célèbres poètes et fabulistes et le non moins reconnu artiste russe que fut Marc Chagall.

C’est cette fabuleuse rencontre que nous offrent aujourd’hui les éditions Hazan au travers de gouaches, gouaches et crayons, gouaches et aquarelle, avec pour certaines, et ce pour la première fois, leur correspondance en gravure. Comment en lisant chaque fable ne pas, dès lors, laisser son imagination s’envoler vers ces ciels d’un bleu infini avec ces animaux multicolores, ce « Coq et le Renard » tout de couleur ou encore ce loup rose à pois blancs du « Loup et la Cigogne » ? Des couleurs qui éclatent comme pour ce « Lion amoureux » et que les aplats gris griffés des gravures viennent rehausser plus encore. Les Fables trouvent un écrin fabuleux à leur dimension dans cette nature singulière et omniprésente. Une nature qui « unifie les compositions, légère et subtile comme l’air ambiant, permettant aux espaces et aux temps de fusionner, de glisser paisiblement d’un tableau à l’autre, d’un univers à l’autre » note en son introduction « Les vibrations multicolores du noir et blanc » Ambre Gauthier, spécialiste de Marc Chagall.
Une splendide publication qui se veut, à juste titre, un très bel hommage à cette rencontre.

« Jean Delpech – L’œuvre de guerre » sous la direction d’Hélène Boudou-Reuzé ; Préface d’Arianne James-Sarazin ; 28 x 22 cm, 328 p., Editions InFine, 2023.

C’est un bel ouvrage dédié à l’œuvre de guerre de Jean Delpech (1916-1945) que nous proposent les éditions InFine. Un ouvrage long format exceptionnel réunissant l’ensemble de ses gravures et dessins consacrés à la Seconde Guerre mondiale. Jean Delpech, graveur de renom, a en effet représenté de manière quasi-obsessionnelle de 1938 à 1945 toutes les images de guerre, mais aussi d’occupation et de libération qui se sont imposées à lui durant ces années de conflit. Delpech observe tout, regarde et regarde encore... C’est un véritable témoignage d’une époque sombre et déchirée qu’a entendu laisser par une œuvre atypique l’auteur, Jean Delpech, et sur laquelle reviennent dans de riches contributions Hélène Boudou-Reuzé, assistante de conservation et chef de projet au musée de l’Armée, et Laétitia Desserière, chargée des collections de dessins au département iconographie du musée de l’Armée. Foisonnement de détails, mais aussi d’associations et de traumatismes, ces œuvres retiennent indéniablement longuement l’attention… Une « Obsession du dessin » et un « infatigable graveur », des thèmes incontournables pour appréhender l’œuvre de guerre de Jean Delpech que développe également dans deux essais Laétitia Desserrière.
Né au Viêtnam au début du siècle dernier, les œuvres de Jean Delpech retracent ses années où il sera, d’abord, lors de son service militaire, soldat dans le 15e bataillon de chasseurs alpins de 1938 à 1939, puis soldat dans l’armée française durant la guerre, avant de devenir correspondant de guerre en Allemagne en 1945 ; une personnalité complexe et un parcours sur lesquels revient Brigitte Delpech.
Le lecteur découvrira, en seconde partie de l’ouvrage, un catalogue de l’ensemble de cette œuvre graphique de guerre – plus de 700 estampes et dessins conservés au musée de l’Armée. Un catalogue ordonné de manière thématique et qu’accompagnent encore de nombreux textes dont « La guerre imaginée », « Trophées et monuments », « Delpech reporter de guerre » ou encore « œuvres d’après-guerre » ...

« L’Album de Marie-Antoinette – Recueil des vues et plans du Petit Trianon – 1781 », « Étude et commentaires » par Elisabeth Maissonier, coédition Château de Versailles / Éditions In fine , 2023.

Quelle plus belle présentation pouvait-on souhaiter pour ce merveilleux « Album de Marie-Antoinette » dédié aux Petit Trianon et à ses jardins que celle des éditions In Fine !
Parcourant du regard, le coffret cartonné de cet « Album de Marie-Antoinette » orné d’un dessin représentant le belvédère du Petit Trianon et la grotte du jardin anglais, le lecteur songe déjà… avant d’ouvrir et de découvrir d’un côté le « Recueil des vues et plans du Petit Trianon » de 1781, et de l’autre, à droite, une « Étude et commentaires » réalisés par Elisabeth Maisonnier.
Rappelons que c’est en 1774 que Louis XVI devenu alors roi de France offre à Marie Antoinette le Petit Trianon commandé par son grand-père Louis XV et achevé moins de dix années auparavant en 1768. Marie-Antoinette entreprendra de suite d’en redessiner les jardins. Ce sera alors une succession de véritables décors végétaux dans l’air de la Cour qu’elle fera exécuter ; des jardins dans le style « anglo-chinois » dans lesquels prendront vie grottes, temples, belvédère et l’émerveillement des fêtes royales… Marie-Antoinette commandera à Richard Mique, son architecte, plusieurs grands recueils. C’est la splendide reproduction de l’un de ces recueils aquarellés et illustrés par les aquarelles de l’artiste Claude Louis Châtelet, celui précisément personnel de Marie-Antoinette, que le lecteur aura le plaisir de parcourir …
Un voyage dans le temps, au Petit Trianon, à Versailles et même au-delà dont Elisabeth Maissonier, conservatrice au Château de Versailles, nous livre une étude aussi riche et passionnante que merveilleuse par sa vaste iconographie. Aquarelles, dessins, plans et œuvres peintes viennent continuer le plaisir des yeux. Une étude, plus-value indéniable et des plus fructueuses, permettant au lecteur de comprendre et d’appréhender pleinement tout le symbolisme et la place du Petit Trianon et de ses jardins en cette fin de XVIIIe siècle.

« Peintures chinoises » de Xinmiao Zheng et Hongxing Zhang, 32 x 42 cm, 210 illustrations, 272 pages, Editions Citadelles & Mazenod, 2023.

Rares sont les beaux livres sur la peinture chinoise en langue française, les estampes japonaises accaparant souvent plus l’attention. Et pourtant, la présente publication aux éditions Citadelles & Mazenod, « Peintures chinoises », offre une splendide démonstration de la préciosité et somptuosité millénaire de cet art trop souvent ignoré des occidentaux. Un de ses meilleurs spécialistes, Xinmiao Zheng, directeur du musée du Palais à Pékin, accompagné de Hongxing Zhang, signe cet ouvrage exceptionnel tant par son iconographie que sa mise en page avec pas moins de 210 illustrations, sans oublier le large éventail couvert allant du début de notre ère jusqu’au XIXe s.

Monde lettré et artistes noueront rapidement au cours de cette longue de l’histoire des liens si étroits qu’ils influenceront la réalisation même de ces œuvres raffinées où chaque détail fait signe. Véritable cheminement intérieur et spirituel, ces peintures manifesteront ainsi très tôt les traits caractéristiques de la peinture chinoise où calme et sérénité s’immiscent au sein même de la nature en de multiples symboles. Le pin, les montagnes, les barques esseulées sur un lac prendront ainsi autant de valeur, si ce n’est plus, que la représentation souvent discrète de personnages, exception faite des peintures de personnage et hauts dignitaires de la cour.
Avec un généreux format et sa somptueuse présentation, cet ouvrage en reliure chinoise et sous coffret satin illustré convie le lecteur à entrer dans un monde feutré et délicat à nul autre pareil où l’art de la peinture suggère également un art de vivre.

« Le Nu » d’Alexis Merle du Bourg ; 26 x 37,5 cm, 320 ill., 352 p., Editions Citadelles & Mazenod, 2023.

Le nu compte assurément comme l’une des représentations les plus anciennes dans l’histoire – et même de la préhistoire - de l’art. Parfois privilégié au dépend du paysage et de la nature, d’autres fois vilipendé au nom de valeurs s’y opposant, le nu laisse rarement indifférent, suscitant convoitises, passions, haine ou encore détestations… Sujet passionnant auquel est justement consacré ce monumental ouvrage tant par ses dimensions que par l’impressionnant grand angle retenu.

Cette somme remarquable signée par l’historien de l’art Alexis Merle du Bourg étudie en effet les origines de cet art et ses mythes fondateurs, la nudité de l’Eden et celle prisée des Grecs venant en premier à l’esprit. Formes originelles encore pures mais déjà non dénuées d’enjeux comme pour Aphrodite et Phryné, sans oublier le fameux Jugement de Pâris… Chaque époque antique porte un nouveau regard sur la nudité, qu’il s’agisse de la période hellénistique, bientôt touchée par les influences de l’orient ou de celle du christianisme et des ambivalences dans la représentation du corps dans la Bible.

L’ouvrage somptueux par le choix de sa riche iconographie offre un dialogue toujours renouvelé entre le texte d’une clarté lumineuse et les plus belles œuvres d’art retenues par l’auteur, qu’il s’agisse de la sculpture ou de la peinture. Chaque période ouvre sur une réflexion portant sur l’homme, les artistes traduisant la plupart du temps l’esprit qui prévalait en leur temps ainsi qu’il ressort de cette renaissance humaniste ou encore de ce baroque revisitant l’antique en d’incroyables audaces. Les pages consacrées à Rubens et à Poussin passionneront également le lecteur tant l’interprétation de l’auteur concourt sans hésitation à ce que le lecteur redécouvre ces œuvres. Nombreuses seront encore les découvertes avec cet ouvrage passionnant tel le Nu à l’épreuve de la modernité qui témoigne de la richesse de ce sujet qu’explore avec brio cet ouvrage de référence.

« L’art des jardins en Europe » de Yves-Marie Allain et Janine Christiany, 24,5 x 31 cm, Ouvrage broché avec rabats, 632 pages, 544 illustrations, Citadelles & Mazenod, 2023.

C’est une véritable somme sur l’art des jardins en Europe que nous proposent Yves-Marie Allain et Janine Christiany avec cette publication exceptionnelle de plus de 600 pages. L’ensemble du continent européen se trouve appréhendé en un seul ouvrage à la riche iconographie (544 illustrations) par ces deux spécialistes offrant chacun une analyse propre à leur parcours professionnel. Le jardin est depuis la nuit des temps l’objet d’une riche symbolique – le fameux jardin d’Eden – et n’a cessé depuis ses origines d’être l’objet de réflexions, passions et pouvoirs… Ce sont ces intrications complexes qu’analysent les auteurs du présent ouvrage aussi beau qu’instructif sur cet art des jardins que l’on pensait à tort bien connaître et qui, après lecture, révèlera bien des facettes méconnues. L’histoire, la philosophie, la religion tout autant que les sciences ont été depuis longtemps convoquées parallèlement aux connaissances scientifiques requises pour concevoir un jardin. Cette symbolique manifeste dans bien des jardins de l’Ancien Régime tel celui incontournable du Château de Versailles traduit les enjeux réunis dans un grand nombre de conception de jardins en Europe. L’ouvrage aborde en premier lieu l’ensemble de ces aspects de l’art du jardin où architectes, jardiniers, pépiniéristes, horticulteurs mais aussi théoriciens sont convoqués par les commanditaires, qu’ils soient officiels ou privés. Quelle évolution peut ainsi être soulignée entre les jardins de la Renaissance et ceux des années 1930 ! Car il est possible de parler de style ainsi que le soulignent les auteurs à l’image de la mode vestimentaire ou alimentaire. Le jardin forme un univers éphémère qui demeure rarement identique quelques décennies après sa création, s’il ne disparaît pas peu après… Aussi, ce tour d’Europe des 170 jardins d’exception qui ont bravé le temps apparaîtra pour le lecteur qu’il soit amateur ou professionnel un témoignage rare et précieux, des fameux jardins d’Alhambra au non moins fabuleux de Claude Monet à Giverny, sans oublier bien entendu Versailles, Lisbonne et le palais Fronteira, la villa Borghèse à Rome et bien d’autres écrins uniques et oubliables qu’il sera loisible de visiter en feuilletant les pages de ce remarquable et inspirant ouvrage.

« Turner » de John Gage, traduit de l’anglais par Hélène Tronc et Odile Menegaux, Coll. « Les Phares », Editions Citadelles et Mazenod, 2023.

Sublime, tel est incontestablement le qualificatif qui convient !
Sublime, bien sûr, par son sujet, puisque entièrement consacré à l’un des plus grands artistes anglais du XIXe siècle, le peintre, aquarelliste, dessinateur et graveur, J.M.W Turner.
Sublime, également, par la qualité de l’ouvrage lui-même, tant par sa remarquable iconographie que par sa mise en page avec son grand format et ses multiples et appréciables pleines voire doubles-pages.
Sublime, enfin, par la qualité du texte de cette monographie signée John Gage et traduite de l’anglais par Hélène Trone et Odile Menegaux.
Comment, en effet, ne pas succomber à la beauté et richesse de l’œuvre de Turner ? Comment, face à des toiles telles que « Fusées et signaux de détresse pour prévenir les vapeurs des bas-fonds » de 1840 ou encore « L’incendie des Chambres des Lords et des Communes » de 1834, ne pas ressentir ce sentiment d’infinité ?

L’auteur a retenu pour cet ouvrage une approche thématique permettant de cerner, mieux qu’une stricte chronologie ou biographie, les traits marquants révélant tant l’évolution de l’œuvre que le caractère même du peintre anglais. Le lecteur découvrira ainsi un Turner paysagiste et théoricien de la couleur incontestable, une spécificité que le peintre a développée tout au long de sa vie au travers de ses nombreux voyages, mais qu’il a également su imposer à la Royal Academy. Turner, largement soutenu par son père, fut introduit très jeune, en effet, dans les cercles influents de la peinture anglaise et entra à un âge précoce dans cette haute institution. Appuyé par de nombreux mécènes, cela lui valut une réputation largement saluée de son vivant notamment par le célèbre critique d’art Ruskin, mais aussi, ainsi que le souligne J. Gage, enviée en retour par de nombreux rivaux.
Il en fallait, cependant, plus pour décourager ce peintre au caractère certes introverti mais trempé, surtout doué d’un sens de l’observation rare et d’une curiosité insatiable, « Un esprit merveilleusement divers », selon les mots de son contemporain Contestable et titre du dernier chapitre de cette dynamique monographie. La richesse de l’œuvre de Turner est, il est vrai, incomparable, lui qui sa vie durant n’eut de cesse de rendre au mieux la lumière et l’atmosphère, une quête de liberté qui marqua par son œuvre autant le romantisme qu’il annoncera l’impressionnisme ou encore l’abstraction. Cependant, à ce constat, J.Gage ajoute malicieusement et à juste titre : « L’interprétation moderniste de Turner est devenue courante et même une tradition bien établie. Elle est pourtant bien insuffisante pour saisir l’ampleur et l’originalité de son art ». Que dire de plus ?

« Histoire & médecine » d’Alexis Drahos, relié sous coffret, 352 p., Editions Citadelles & Mazenod, 2022.

Livre d’art ? Livre de sciences ? Le dernier ouvrage paru aux éditions Citadelles & Mazenod conjugue avec un rare bonheur et sous la plume d’Alexis Drahos les deux approches en une synthèse des plus éclairantes sur les origines de la médecine depuis l’Antiquité vue par l’art. En un véritable parcours au fil des siècles illustré par les plus grandes œuvres d’art, « Art & médecine » explore en effet pour la première fois en langue française les liens entretenus entre les deux arts. Le corps humain, tour à tour secret puis dévoilé au gré des découvertes anatomiques, n’a cessé de fasciner les artistes qui ont cherché à en capter les mystères dans leurs créations. Le lecteur apprendra ainsi que des scènes de dissection avaient déjà été saisies par des artistes dès l’Antiquité et bien avant les fameuses études de Léonard de Vinci…

L’œuvre d’art n’a pas qu’une fonction esthétique dans ses rapports à la médecine et bien souvent elle a été un moyen de consigner les connaissances et d’en diffuser les savoirs. Rivalisant de dextérité avec les médecins, ces artistes œuvrent, pour certains d’entre eux, selon une véritable démarche scientifique dans leurs représentations du corps humain, même si les sciences invalideront seulement ultérieurement certaines de leurs conclusions. Ce sont toutes les disciplines médicales dont nous pouvons ainsi suivre les évolutions au fil des dessins, gravures, peintures et autres écorchés en cire… Les pathologies s’invitent également en ces pages parfois dérangeantes, mais révélant les progrès des sciences. Que de chemin parcouru en effet entre les redoutables saignées de l’Ancien Régime et nos transplantations cardiaques !

L’un des multiples intérêts de cet ouvrage passionnant sera d’offrir une sélection des plus inspirées des œuvres maîtresses de l’histoire de l’art, l’auteur étant sur le sujet intarissable qu’il s’agisse de Léonard de Vinci ou de Damien Hirst, d’Erasistrate de l’école d’Alexandrie ou des leçons d’anatomie sous le pinceau de Rembrandt. Chaque siècle témoigne de son rapport au corps et à ses pathologies – une mise à jour des plus actuelles inclut même la terrible Covid-19, l’acuité du regard de l’artiste n’étant souvent pas moindre que celui de l’homme de sciences ainsi qu’en témoigne ce bel et riche ouvrage qui n’aurait probablement pas déplu à Nicolas Bouvier, fasciné par de telles représentations, ni au grand historien de la pensée, Jean Starobinski, qui sut si brillamment lier les arts.

« The Magic of Japanese Zen Gardens » de Thomas Kierok ; Avant propos de Shunmyo Masuno ; 160 p., 110 Illustrations, 23,5 x 23,5 cm, Editions Benteli, 2022.

C’est bien de « magie », de notre point de vue occidental, dont il s’agit lorsque nous contemplons la perfection d’un jardin zen japonais. Cette harmonie conjuguée à une précision infaillible de chaque détail conduit à une sérénité difficilement comparable aux créations paysagistes occidentales. Il est vrai que vu d’un esprit japonais, tel celui du grand moine bouddhiste zen japonais Shunmyo Masuno qui signe la préface de ce bel ouvrage, il ne suffit pas de dresser quelques pierres entourées de sable ratissé et bordées d’érables pour parler de jardin zen… Cela demeure plus complexe que cela et c’est tout le mérite de cet ouvrage et de son auteur, le photographe Thomas Kierok d’avoir perçu cette dimension spirituelle et d’avoir su la restituer avec bonheur et beaucoup de talent sur la pellicule.

En conjuguant philosophie japonaise et aménagement paysager, le jardin zen cherche à atteindre cette pleine conscience et accomplissement que l’on retrouve dans la méditation zen sur un zafu. Au fil des saisons, Thomas Kierok s’est imprégné de ces véritables jardins zen à Kyoto pour en suggérer les impermanences et variations subtiles chères à tout méditant zen. La nature pour le bouddhisme est censée contenir Bouddha lui-même ainsi que ses enseignements, ce qui laisse une petite idée de l’importance de leur ordonnancement… En rapprochant ces photographies des plus inspirantes d’un florilège délicat de la poésie zen, et grâce à une conception tout autant irréprochable du livre relié japonais, Thomas Kierok parvient à nous faire partager cette « magie » des jardins zen d’une splendide manière !

« Textiles africains » de Duncan Clarke, Vanessa Drake Moraga et Sarah Fee, traduit de l’anglais par Jean-François Allain et Christian Vair, Éditions Citadelles & Mazenod, 2022.

Absolument magnifique ! Tel est ce superbe volume consacré aux « Textiles africains » paru aux éditions Citadelles et Mazenod. Avec son large format, ses plus de 440 pages et ses 300 illustrations pour beaucoup pleines pages, l’ouvrage sous la direction de Duncan Clarke avec Vanessa Drake Moraga et Sarah Fee offre une réelle mise en lumière de cet art du textile inégalé. Une mise en lumière inédite et de toute beauté qui ne pourra que réjouir et combler collectionneurs et curieux. Des textiles présentés géographiquement tous plus époustouflants les uns que les autres issus de collections publiques ou privées et pour beaucoup d’entre eux jamais montrés. On s’émerveille de tant de couleurs si chatoyantes, de tant de motifs, de variété de matières et de techniques…

Mais cet ouvrage à nul autre pareil ne se limite pas par son incomparable iconographie à flatter l’œil et les sens, il livre aussi au lecteur une belle analyse appuyée par des notices, photographies et cartes, que ces textiles soient anciens, de collection ou plus récents, que ce soient des vêtements du quotidien, des parures talismaniques ou encore des tentures nuptiales… Parcourant l’Afrique d’ouest en est jusqu’à Madagascar, ce sont les particularités de tissage de chaque région, de chaque peuple, qui y sont ainsi, page après page, dans toute leur beauté déployées.
Coton, laine, soie, mais aussi perles ou écorces, couleurs et matières les plus diverses se font, ici, tableaux. Une créativité ayant influencé bien des artistes peintres ou plasticiens - on songe à Klee, bien sûr, ou encore à Matisse, mais aussi et surtout aux plus grands couturiers…
Un art du tissage africain unique et éblouissant que l’on parcourt et découvre émerveillé de tant de créativité, de couleurs et de motifs.

« Poussin & l’amour - PICASSO | bacchanales | POUSSIN » ; Catalogue sous la direction de Nicolas Milovanovic, Mickaël Szanto, et Ludmila Virassamynaïken, In Fine Editions, 2022.

Le catalogue « Poussin & l’amour » paru aux éditions In Fine est assurément à la hauteur du peintre et de l’exposition qui lui est actuellement consacrée au musée des Beaux-Arts de Lyon. Cette monumentale somme dirigée par les trois commissaires fait, en effet, l’objet d’une présentation originale avec sa conception recto verso.
D’un côté, le lecteur découvrira la remarquable exposition « Poussin & l’amour », exposition qui a retenu un angle original et pourtant omniprésent dans l’œuvre du peintre français. En effet, dès son arrivée à Rome en 1624 - et même quelques années auparavant – Poussin vouera une part importante de son art à de majestueuses toiles développant tous les thèmes possibles de l’amour, certains dépassant largement les standards de la morale de l’époque au lendemain de la Contre-Réforme. Nicolas Milovanovic, Mickaël Szanto, et Ludmila Virassamynaïken, les auteurs de ce riche catalogue et commissaires de l’exposition ont entendu retracer de manière éclairante toutes ces facettes méconnues et sous-estimées du peintre souvent présenté comme le peintre philosophe. Si cette dimension initiale ne saurait lui être enlevée, il s’avère à la lecture des captivantes contributions réunies en ces pages que Nicolas Poussin tout en approfondissant œuvre après œuvre l’analyse de ses sujets a su également se saisir d’une certaine légèreté appréciée de ses richissimes clients romains dont certains d’entre eux comptaient de prestigieux princes de l’Église… C’est ainsi un Poussin dévoilé que Pierre Rosenberg commente dans sa contribution soulignant qu’avec cette dimension méconnue le peintre entendait tout de même renouer avec le monde du passé, mythologie et éros réunis ! Cette toute puissance de l’amour intègre ainsi une palette étendue d’affects allant de l’érotisme des corps lascifs livrés au regard jusqu’à la passion folle conduisant à la mort. Le catalogue analyse tour à tour ces multiples facettes de l’œuvre de Poussin avec ces corps désirés, l’ivresse dionysiaque, l’amour et la mort, un voyage étonnant et palpitant au cœur même de l’atelier de l’un des plus grands peintres dont ce remarquable ouvrage dévoile un pan méconnu de la créativité.
Le revers de ce monumental catalogue, comme un « autre côté du miroir », est consacré à la seconde exposition du musée des Beaux-Arts de Lyon , « PICASSO | bacchanales | POUSSIN ». Un regard mettant en lumière l’influence majeure qu’eut le peintre du XVIIe siècle, Poussin, sur le peintre espagnol du XXe s. Un prolongement offrant une belle ouverture et réflexion.

« Raphaël. L’œuvre complet. Peintures, fresques, tapisseries, architecture » de Michael Rohlmann, Frank Zöllner, Rudolf Hiller, Georg Satzinger ; Relié, avec pages dépliantes, 29 x 39,5 cm, 720 pages, Editions Taschen, 2023.

Raphaël (1483-1520), surnommé le « Prince des peintres » par Giorgio Vasari, fait l’objet d’une exceptionnelle parution dans la collection XXL des éditions Taschen. Il fallait en effet une publication de taille pour rendre le plus bel hommage qui soit à cet artiste italien réputé pour le raffinement de son trait et la précision de ses dessins. Après avoir bénéficié de l’apprentissage de deux maîtres de choix, Le Pérugin et Pinturricchio, ainsi que de son propre père Giovanni Santi, le jeune Raphaël, disparu trop tôt à l’âge de 37 ans, allait participer à la transformation de l’art de la Renaissance par des œuvres éclatantes. Très rapidement, Raphaël saura, en effet, se distinguer de ses sources d’inspiration notamment de son maître Le Pérugin, mais aussi de Léonard de Vinci et de Pinturicchio, pour être la source première de lignes harmonieuses d’inoubliables « Vierge à l’enfant », et ce dès son séjour florentin ; Des représentations qui contribueront à bâtir sa réputation. Le génie de Raphaël allait s’exprimer en effet durant toute sa vie d’artistes auprès des plus grands mécènes et protecteurs avec cette quête incessante de perfection de dessins soignés ce dont témoignent les œuvres réunies par cette exceptionnelle édition grand format.

Des plus grands formats avec ses immenses décors romains pour le pape Jules II, puis Léon X, dans les chambres du Vatican réalisées à la fin de sa vie jusqu’au plus petit tableau tel les « Les Trois Grâces » (17 x 17 cm) du musée Condé de Chantilly, chaque création de l’artiste met en œuvre un processus inlassable d’essais successifs pour parvenir à la composition future. Pour ces raisons, Raphaël gagnera la réputation d’être le peintre du détail par excellence dont le génie resplendira par cette harmonie irréprochable née de cette combinaison du trait, de la géométrie, de l’espace et de la lumière.

Cet équilibre caractérise cette grâce inimitable et ce style Raphaël identifiable immédiatement, et qui devait à jamais marquer l’histoire de l’art. Incontestablement l’un des artistes majeurs de la Renaissance italienne, Raphaël fait ainsi l’objet d’une parution tout aussi exceptionnelle qui fera date avec la réunion en un seul volume de toutes ses peintures, fresques, projets architecturaux et tapisseries.

Cet ouvrage XXL, rend ainsi hommage au créateur de la fameuse Madone Sixtine, et autres inoubliables fresques du Vatican, un catalogue raisonné établi par une équipe d’experts de l’œuvre de l’artiste replacé dans le contexte de la Renaissance italienne. Incontournable !

« Intérieurs : chez les plus grands décorateurs et architectes d’intérieur » ; Collectif sous la direction de William Norwich ; Relié, 250 ill. couleur, 25 x 29 cm, 272 pages, Editions Phaidon, 2022.

Passionnant ! Qui n’a jamais, en effet, rêvé d’entrer subrepticement chez les plus grands décorateurs et architectes d’intérieur de notre époque? Ce souhait, c’est William Norwich qui l’exhausse en dirigeant cet ouvrage dénommé « Intérieurs » aux éditions Phaidon. Sous sa direction et introduction, ce sont, en effet, pas moins de soixante intimités de décorateurs ou architectes d’intérieurs contemporains réputés internationalement qui sont dévoilés ainsi au lecteur.
De Jacques Garcia, chez lui, à Paris, à Teo Yang en passant par Charlotte Moss ou encore Joy Moyler ou Joseph Dirand, que d’idées, créations et inventivité ! Une diversité de personnalités et de lieux inouïs propices assurément à l’inspiration que l’on soit professionnel, amateur de décoration ou tout simplement curieux… Avec plus de 250 illustrations couleur, c’est en effet une multitude d’art de vivre, d’élégance et d’intimité que ce bel ouvrage livre au regard indiscret du lecteur. Camaïeux et foisonnement d’objets à Los Angeles chez Jeef Andrews, foisonnement de matières chez Paola Navone à Milan, matériaux nobles et style épuré chez Teo Yang ou à Milan encore chez Vincenzo de Cotiis…
Maisons de rêve ou rêvées telle celle de Michèle Nussbaumer, chaque découverte d’intérieur s’accompagne pour plus de précisions d’opportuns éléments biographiques, d’analyses ou commentaires. Qu’il s’agisse d’appartements ou de Palazzo, de lofts ou vieilles bâtisses, chaque intérieur offre en ces pages curieuses et indiscrètes son intimité et ses secrets… Styles, couleurs et goûts se côtoient dans une impressionnante et passionnante palette. Monocouleur, blanc pour Will Cooper (ASH NYC), noir chez William Sofield à New York, ou chatoiement des couleurs chez Laura Sartori Rimini à Londres. Lieu secret ou ouvert, expérimental, laboratoire ou strictement privés, surprenants ou prévisibles, chaque personnalité, chaque architecte et décorateur de notre siècle se révèle au travers de ses choix de style, de couleurs, d’objets et associations.
Un réel régal d'intimité !

Meret Oppenheim : « Mein Album", broché, 324 pages, 22 x 33 cm, Version All. /Anglais, Editions Scheidegger, 2022.

Si l’artiste suisse-allemande Meret Elisabeth Oppenheim (1913- 1985) est mondialement connue pour ses œuvres créées à partir de détournement d’objets, sa vie et intériorité – pourtant d’une richesse incroyable – sont demeurées plus secrètes jusqu’à la publication de ce bel ouvrage par les éditions Scheidegger à partir d’un album que tint l’artiste intitulé « Depuis l’enfance jusqu’à 1943 » ainsi que de quelques notes privées.

Ce document exceptionnel reproduit avec soin pour cette édition permet d’entrer dans le laboratoire de la création d’Oppenheim, cette plasticienne issue du mouvement surréaliste aux côtés d’André Breton à partir des années 1920 ; un laboratoire composé de situations du quotidien tel « Le déjeuner en fourrure », fameuse sculpture surréaliste passée à la postérité. La présente publication tient à la fois du journal et de l’œuvre d’art en tant que telle. En ces pages labyrinthiques, l’artiste réunit photographies, objets et notes en compagnie de pensées et de concepts qui préluderont à de nouvelles créations. Cet atelier en album permet d’entrer pleinement dans la pensée créatrice de cette femme hors du commun.

Reproduit dans son intégralité et dans son format original, cet album a fait l’objet d’une traduction en langue anglaise pour cette édition. De touchantes évocations des premières années de jeunesse, les premiers dessins enfantins avant ceux d’une artiste en devenir, et déjà cette propension à questionner les formes et à remettre en question les conventions… Puis viennent les premières rencontres à Paris avec André Breton, Max Ernst avec qui elle entretiendra une liaison pendant une année, la découverte du haschich et de la vie d’artiste durant son séjour à l’hôtel d’Odessa…
Chaque page remarquablement reproduite en fac-similé redonne vie à ces années de créativité sans limites, un document vibrant et essentiel à la compréhension de cette artiste jusqu’alors secrète.

Leonhart Fuchs : « Le Nouvel Herbier » ; Relié avec livret, 23 x 37 cm, 892 pages, Editions Taschen, 2022.

Exceptionnelle que cette nouvelle édition du mythique Herbier de Leonhart Fuchs en un impressionnant format (23 x 37) livrée par les éditions Taschen ! Le célèbre botaniste bavarois avait en effet réalisé une véritable somme en réunissant pas moins de 1543 plantes décrites par le détail et illustrées par des planches inoubliables, aujourd’hui disponibles grâce à cette édition de près de 900 pages. Soulignons encore que cette luxueuse réédition à partir de l’original possédé par Fuchs en personne et mis en couleurs à la main réunit plus de 500 illustrations, unique témoignage de cet inventaire fabuleux réalisé par le botaniste présentant notamment des plantes et fleurs encore inconnues du Nouveau Monde tel le fameux tabac appelé à un avenir certain en occident…

Dans un opuscule joint au fac-similé du Nouvel Herbier, Klaus Dobat introduit l’apport de Fuchs pour la science en montrant combien son travail méticuleux fait de lui le précurseur de la botanique moderne tout en soulignant son rôle essentiel pour la médecine de son temps, Fuchs ayant été un professeur de médecine réputé. Gagné aux thèses de la Réforme, il dut quitter la ville de Munich où il exerçait pour se réfugier à Ingolstadt. Son œuvre maîtresse, Das Kraüterbuch, conjugue botanique et médecine, les deux disciples étant considérées alors comme proches.

Werner Dressendörfer analyse quant à lui l’apport des plantes médicinales décrites par Fuchs au regard de la médecine des plantes modernes. Mais le plaisir le plus manifeste résidera sans conteste pour le néophyte à feuilleter page après page cette somme incomparable pour la beauté de ses planches, l’harmonie des couleurs apposées par la main de l’auteur et le soin apporté à chaque infime détail des plantes décrites, faisant de cet Herbier non seulement l’auguste témoin d’une époque mais également une œuvre d’art à part entière…

Stephane Mirkine : « Mirkine par Mirkine - Photographes de cinéma », 400 pages, 251 x 317 mm, Editions Flammarion, 2022.

Lorsque le 7e art rencontre l’art de la photographie, cela donne un beau livre, celui de Stéphane Mirkine parti à la redécouverte de son grand-père Léo, le photographe des stars, sans oublier son père Yves ayant repris lui-même l’héritage de Léo en poursuivant son travail. C’est cette belle affaire de famille qui se trouve à la une d’une exposition au Musée Masséna de Nice et de cette œuvre unique élaborée à partir de près de 200 films des années 30 aux années 80.
Les portraits des stars les plus en vue pris sur le vif comme sur les plateaux font revivre les grandes heures du cinéma au XXe siècle. Après avoir rappelé le parcours de cet émigré russe parvenu en France à l’âge de 9 ans, ce sont les années 30 qui verront les débuts de la carrière de Léo Mirkine avec Abel Gance, Autant-Lara, Duvivier et autres Jean Renoir. Les grands noms du cinéma commencent à imprimer sa pellicule à un rythme effréné, von Stroheim, Michel Simon, Mistinguett… Chaque décennie apportera son lot de clichés de légende, le photographe ayant une capacité à saisir non seulement la beauté rayonnante de nombre de ses actrices et acteurs mais surtout d’en révéler les multiples facettes qui inscriront leur nom en lettre d’or au grand écran.
Ce beau livre de 400 pages réserve ainsi d’inoubliables pleines pages avec des photographies remarquables pour leur maîtrise du noir et blanc et des contrastes. Qu’il s’agisse de portraits étudiés ou de clichés pris sur le vif, l’art des Mirkine, père et fils, rayonne tout au long de ces pages dont leur descendant peut s’enorgueillir d’avoir honoré la mémoire !

« Face au soleil – Un astre dans les arts » ; Collectif, catalogue officiel de l’exposition « Face au soleil » du 14 septembre au 29 janvier 2023 au musée Marmottan Monet, Paris ; Relié, 22 x 25.5 cm, 140 ill., 240 pages, Editions hazan, 2022.

Voilà un bel ouvrage d’art propice à illuminer et réchauffer notre hiver ! Le catalogue « Face au soleil – un astre dans les arts » paru aux éditions Hazan et qui accompagne l’exposition éponyme actuellement au musée Marmottan Monet propose, en effet, ainsi que son titre le suggère, de contempler le soleil dans la vaste galaxie des arts. Un programme ambitieux remontant le temps depuis l’antiquité jusqu’à nos jours et livrant les multiples représentations de cet astre à nul autre pareil.
Avec une présentation d’Érik Desmazières, directeur du musée Marmottan Monet, et sous la direction de Marianne Mathieu, directrice scientifique du musée Marmottan Monet de Paris, et de Michael Philippe, conservateur en chef du musée Barberini de Posdam, l’ouvrage collectif nous entraîne dans un voyage interstellaire inédit. Marianne Mathieu retrace cette représentation dans le cours du temps et des siècles de l’art et souligne combien c’est une « longue histoire qui lie les artistes à l’astre qu’ils n’ont cessé de représenter, pour de multiples raisons depuis la plus haute antiquité. » Et effectivement, de l’Égypte au XXIe siècle que d’années-lumière parcourues !
Mikael Philipp s’arrête en introduction précisément sur cette « Physionomie du soleil de l’antiquité au XVIIIe siècle ». Proposant de riches contributions et analyses, l’ouvrage souligne également, sous la plume d’Hendrik Ziegler, combien la métaphore solaire a pu revêtir bien des dimensions politiques avant que Michael F. Zimmermann laisse le lecteur voir tout de face le soleil avec pour point d’orgue, bien sûr, la célèbre et incontournable toile de Monet, « Impression, soleil levant » datée de 1872. Un tournant majeur dans l’histoire de l’art et du soleil que Marianne Mathieu approfondira également avec cette approche spécifique - « Monet / Fromanger, poétique de la couleur » - ou encore Marianne Alphan avec un focus tout particulier sur l’artiste contemporaine américaine Vicky Colombet.
L’ouvrage offre ainsi une belle place à la représentation du soleil au XXe siècle. Un éblouissement notamment au tournant du XXe siècle que le lecteur retrouvera développé sous la plume d’Oliver Schuwer, mais aussi sous celle de Sarah Wilson avec des noms aussi prestigieux que Signac, Derain, Maurice Denis, Munch, Miro, mais aussi Kupka, Sonia Delaunay, Calder…
Un beau et riche catalogue d’art complété par des pages consacrées à « L’évolution de l’astronomie et système solaire du XVIe siècle à nos jours » signées Donald W. Olson et Marilynn Olson.

« Faces Of Africa », Photographies de Mario Marino ; 27.5 x 34 cm, Editions teNeues, 2021.

Avec ce dernier ouvrage, le photographe Mario Marino, internationalement primé, livre au plaisir du regard de splendides et époustouflants visages de l’Afrique. Non un visage, mais bien des visages au pluriel, « Faces of Africa », révélant toute la spécificité et beauté de régions reculées de l’Afrique, d'Éthiopie, de Tanzanie, du Soudan et du Kenya. Des corps magnifiques ornés de bijoux, habillés de peintures, des visages aux regards saisissants… C’est un travail de longue haleine que nous offre Mario Marino avec cet ouvrage ayant exigé de nombreux voyages sur plus de huit ans ; Chaque peuple que ce soit d’Ethiopie, du Kenya, qu’il s’agisse des Karo, des Arbore ou encore des Borana, offre à chaque fois pour le photographe une véritable rencontre, une rencontre singulière avec l’Afrique.
Pas moins de 200 photographies, couleurs ou en noir et blanc ainsi rassemblées viennent souligner de la plus belle manière les traditions et cultures de ces peuples et tribus d’Afrique aujourd’hui toujours plus menacés par le tourisme et le monde moderne. Des portraits pour la majorité pleine page et révèlant cette beauté altière à nulle autre pareille. On y retrouve ce merveilleux dialogue entre cette Afrique, berceau de l’humanité, et le photographe Mario Marino ; L’objectif de ce photographe hors pair sachant mieux que quiconque capter ces sourires, regards, visages, corps et silhouettes de cette Afrique encore vivante. Un dialogue, érigé en signature, et que le talentueux photographe entend en ces magnifiques pages partager. Un plaisir inégalé.

« Fernand Léger ; La vie à bras-le-corps » » ; Collectif, Catalogue officiel de l’exposition éponyme du musée Soulages Rodez, Editions Gallimard, 2022.

Avec sa couverture jaune, le catalogue d’exposition consacré à Fernand Léger (1881-1955) attire immanquablement et à juste titre l’attention! En effet, c’est un beau et riche catalogue qui accompagne en cette année 2022 l’exposition consacrée à ce grand peintre de la révolution cubiste par le musée Soulages à Rodez. Divisé en trois judicieuses et porteuses thématiques, l’ouvrage offre une belle mise en perspective de l’œuvre peint de cet artiste hors-norme ayant marqué le XXe siècle.
En premier lieu, « La ville moderne » avec son machinisme retiendra, bien sûr, l’attention avec ces grandes toiles incontournables du peintre des années 20, lui qui découvrit la capitale en pleine effervescence de ce début de siècle. Un attrait et une époque analysés par Julie Guttierez. Le deuxième volet de ce catalogue largement illustré de reproductions et photographies revient sur les liens rattachant Fernand Léger au « Monde du travail » et à son engagement. « Mécanicien », ainsi que le souligne Ariane de Coulondre dans sa contribution en référence à la célèbre toile du peintre de 1918 ; « Un chef d’œuvre de composition synthétique, buste arrondi et tubulaire, géométries en aplats de couleurs, expression décomplexée du travailleur de force » écrit dans sa préface Alfred Pacquement, Président du musée Soulages. Fernand Léger est effectivement avant tout le peintre de son temps, lui qui réalise la célèbre affiche de l’exposition de 1951 au musée d’Art moderne de la Ville de Paris, « Les constructeurs ».
Le troisième tempo du catalogue est, quant à lui, consacré aux loisirs, « Au temps des loisirs » pour reprendre le titre de l’écrit de Maurice Fréchuret, un riche chapitre très largement appuyé par les œuvres de l’artiste avec notamment le thème récurrent du cirque ou encore celui des cyclistes…
Enfin, cette riche étude se poursuit avec une analyse signée Benoit Decron et mettant judicieusement en parallèle les œuvres de Fernand Léger et de Pierre Soulages. Deux artistes majeurs qui se sont rencontrés à la sortie de la Seconde Guerre mondiale et dont les œuvres – ainsi qu’en témoigne ce catalogue, traversent le temps, nous étonnant toujours par leur force et leur modernité. Une belle mise en perspective qui se referme sur la vie et le parcours du peintre normand qui gagna la capitale à dix-neuf ans, s’exilera aux États-Unis avant de revenir en France… Une vie aux « Couleurs de la vie », ainsi que le souligne Nelly Maillard, ou « La vie à bras-le-corps », titre évocateur de ce riche catalogue.

Jacques Mercier : « L'Art de l'Éthiopie » ; 334 pages, 26,5 x 31,2 cm, Editions Place des Victoires, 2021.

Alors qu’ils sont incontournables et remontent à l’aube du christianisme, les arts de l’Éthiopie ne disposaient curieusement pas de monographie retraçant de manière exhaustive leur importance. C’est chose faite – et bien faite – dorénavant avec l’ouvrage réalisé par Jacques Mercier.Ce spécialiste a en effet mené depuis plus d’un demi-siècle des études sur plus de 350 églises, sans oublier les riches collections de ce pays souvent méconnues de l’occident. Le résultat s’avère éblouissant dans tous les sens du terme et étonnera très certainement plus d’un lecteur. Toute personne ayant eu la chance de se rendre dans ce beau pays a pu se re rendre compte de la prégnance et de la force du christianisme dans cette société.

Associant origines légendaires et avérées, cette riche histoire se conjugue à une foi toujours aussi fervente puisant à des racines millénaires notamment celles de la légendaire reine de Saba à la source de la Bible éthiopienne. Entre légende et histoire, l’Ancien Testament évoque ainsi le fameux épisode de la reine de Saba, nommée Melket Hava (1 Roi 10, 1-13), Reine de Midi dans l’Évangile de Luc (11, 31), et Balkis dans le Coran. Conquise par la sagesse du légendaire roi Salomon, cette reine décida d’abandonner les dieux qu’elle vénérait jusqu’alors et rapportera dans son pays, la future Éthiopie, le culte du Dieu d’Israël et peut-être même l’Arche de l’Alliance. La légende veut, par ailleurs, qu’elle eut un enfant de Salomon nommé Ménélik 1er, premier empereur d’une longue dynastie qui ne s’éteindra qu’au XXe s.
Mais, c’est véritablement au IVe siècle de notre ère que le christianisme deviendra en cette contrée africaine la religion prédominante. Au milieu du IVe siècle, l’empereur Constance II demanda, en effet, aux rois d’Axoum de présenter officiellement leur évêque nommé Frumentius à Alexandrie afin de vérifier que leur foi était bien conforme au reste de l’Empire romain. Le royaume d’Axoum se situait sur les hautes terres du plateau abyssin, à la croisée des riches routes commerciales entre l’Inde et la Méditerranée.

L’hellénisme et la langue grecque étaient parvenus jusqu’en ces lieux au sud de l’Égypte et des croix retrouvées datant du IVe siècle confirment le développement de la religion chrétienne en ces terres reculées, même si les divinités traditionnelles resteront cependant toujours présentes, soit concurremment ou le plus souvent associées à la nouvelle religion. Depuis cette époque, bien que l’histoire du développement du christianisme en Éthiopie demeure quelque peu méconnue, l’Église chrétienne éthiopienne fut rattachée à l’Église d’Alexandrie, un rattachement qui perdurera jusqu’au XXe s. La langue éthiopienne conservera jusqu’à nos jours cette mémoire biblique et sera souvent à l’origine de nombreux traits culturels de ce pays africain riche de légendes et d’histoire en nourrissant largement l’inspiration d’artistes offrant de splendides peintures religieuses abondamment illustrées dans cet ouvrage d’art (la période couverte allant des origines jusqu’au Siècle d’or). De nos jours encore, le christianisme en Éthiopie demeure très actif, particulièrement depuis la fin de la dictature militaire en 1991, et représente 60 % de la population. À ce titre seul et sans oublier la remarquable somme réunie par Jacques Mercier, cet ouvrage ne peut que prendre place parmi les sources de référence sur l’Éthiopie.

« The Jaguar Book » de René Staud ; 304 pages, Editions teNeues Verlag, 2022.

C’est un hommage mérité adressé à l’une des marques iconiques des voitures de luxe que publient les éditions teNeues avec cet ouvrage somptueux. Le seul nom de Jaguar évoque, en effet, instantanément des carrosseries rutilantes, des intérieurs feutrés aux fragrances de cuir… Depuis cent ans, la marque britannique est synonyme d’élégance et de raffinement, un raffinement discret et non ostentatoire.
Le photographe René Staud retrace ainsi cette incroyable histoire marquée par des dates clés avec la fameuse Type E des années 30 sans oublier d’autres voitures toutes aussi réputées que la XK 140 ou encore la SS90. Cette aventure relatée par ce passionné de voitures de luxe se trouve mise en scène de manière époustouflante par 175 illustrations aussi somptueuses les unes que les autres, faisant participer le lecteur à cette fascination toujours renouvelée pour la marque Jaguar jusqu’à notre époque contemporaine avec le dernier modèle tout électrique. Dimension sportive et univers du luxe se côtoient dans ces pages de rêves où les fameuses icônes du grand écran avec James Bond viennent encore ajouter au mythe Jaguar.
C’est toute l’aventure de la marque au fameux félin qui se trouve ainsi racontée dans ce livre d’art qui marquera l’histoire de l’édition consacrée au monde automobile.

Texte en anglais et allemand.

« Emma Kunz Cosmos - A Visionary in Dialogue with Contemporary Art » de Yasmin Afschar; Version Anglais / Allemand ; Relié, 248 pages, en collaboration avec the Aargauer Kunsthaus, Aarau, Editions Scheidegger & Spiess, 2021.

C’est à l’univers fascinant de l’artiste suisse Emma Kunz (1892-1963) auquel convie ce remarquable ouvrage paru aux éditions Scheidegger & Spiess et qui a reçu le prix récompensant le plus beau livre allemand de 2021. Ce personnage singulier fut à la fois une artiste et une guérisseuse reconnue pour ses dons de télépathie en Suisse. Cette singularité l’a conduite à exprimer sa sensibilité en d’étonnants dessins géométriques, à l’architecture envoutante et conduisant à une vision dépassant celle du monde sensible. Aux frontières des mandalas ayant inspiré son compatriote et psychanalyste Carl Gustav Jung, son travail ne saurait laisser indifférent. L’iconographie soignée pour ce beau livre réalisé à l’occasion de la grande exposition qui lui a été consacrée à l’Aargauer Kunsthaus en Suisse met en rapport le travail d’Emma Kunz avec celui de nombreux artistes contemporains livrant parallèlement leurs propres créations. Le personnage, secret et vivant retiré à l’écart de la scène artistique a ainsi exploré de multiples sujets dont la médecine, la nature, le surnaturel, l’animisme… Cet intérêt décloisonné l’a conduit à élargir encore ses perceptions et à les traduire en d’étonnantes architectures renvoyant à l’organisation du cosmos tout autant qu’aux méandres de nos cerveaux.
L’ouvrage propose un véritable dialogue entre le travail de l’artiste et celui d’artistes contemporains réunis pour l’occasion tels Agnieszka Brzezan´ska, Joachim Koester, Goshka Macuga, Shana Moulton, Rivane Neuenschwander et Mai-Thu Perret. Accompagné d’essais sur l’ésotérisme dans l’art contemporain, cet ouvrage ouvrira assurément de nouveaux horizons pour le lecteur dans cette remarquable publication.

« Pierre Decker – Médecin et collectionneur » de Gilles Money, Camille Noverraz et Vincent Barras, Édition BHMS, 2021.

C’est un splendide ouvrage – entre biographie, monographie et catalogue – consacré au célèbre collectionneur d’art suisse Pierre Decker (1892-1967) qui vient de paraître aux éditions BHMS. Pierre Decker, chirurgien et professeur d’université de renom qui donna et donne encore aujourd’hui son nom à de nombreux hôpitaux, sût, également et parallèlement à sa carrière, réunir avec passion et un goût très sûr une prestigieuse collection essentiellement constituée d’estampes de Dürer et de Rembrandt. Léguée à sa mort à la Faculté de médecine, cette exceptionnelle collection a été transférée et est aujourd’hui au Cabinet cantonal des estampes de Vevey.
Réalisé par des historiens, Gilles Monney, historien d’art, Camille Noverraz, historienne de l’art et Vincent Barras, historien et médecin, l’ouvrage livre non seulement un catalogue inédit et complet des estampes de cette fabuleuse collection, mais donne aussi un beau portrait de ce personnage hors pair, élégant aux petites lunettes rondes. Ainsi, après avoir fait « Entrer dans la collection », confiant au lecteur notamment la conception de l’art de Decker, une conception inséparable de la beauté, le lecteur pourra-t-il découvrir au travers de nombreux documents pour certains inédits l’extraordinaire fonds Pierre Decker. Car, le collectionneur ne réunit pas seulement de son vivant des œuvres de Dürer et de Rembrandt, mais aussi des artistes contemporains. Cependant, c’est l’ensemble des estampes que le lecteur pourra surtout en ces pages découvrir et admirer en leur format original.
Appuyé également par de riches analyses allant de l’histoire de l’art à l’histoire de la médecine, des études transversales qui assurément n’auraient pas déplu au célèbre et regretté historien de la pensée que fut Jean Starobinski, l’ouvrage offre parallèlement une belle mise en perspective des relations étroites que peut entretenir la médecine avec les collectionneurs et inversement.
Ce sont ainsi de riches et captivants thèmes - « Philosophie de la chirurgie », « La chirurgie, art ou science ? » ou encore « La culture fondement d’un humanisme médical » - que cet ouvrage propose à la curiosité et à la réflexion.
Une analyse faisant de ce bel ouvrage, bien plus qu’un catalogue des estampes de la collection Pierre Decker. Au-delà de cette riche et passionnante étude, l’ouvrage constitue assurément l’un des plus beaux hommages qui puissent être rendus à ce grand homme d’art et de sciences.

« Vincent Peters – Selected works » ; Relié, 160 pages, 177 photographies noir et blanc, Éditions teNeues, 2021.

On ne présente plus le célèbre photographe de mode Vincent Peters. Ses photographies pour Vogue, Dior, Yves Saint-Laurent, Glamour, etc., ont fait depuis longtemps sa renommée. Aussi faut-il saluer l’initiative des éditions teNeues de publier ce splendide ouvrage réunissant une sélection des meilleurs travaux de Vincent Peters. C’est avec un souci méticuleux du détail, de la précision et de l’éclairage que ses photographies ont su non seulement séduire, mais également s’imposer sur la scène internationale. Photographiant les plus grandes stars dont Monica Bellucci, Scarlett Johansson ou Penélope Cruz, recourant parfois à la photographie analogique, ses réalisations sont aujourd’hui incontournables et présentes sur le marché de l’art.
Mais, au-delà de la diversité de ses réalisations, l’intemporel est probablement ce qui caractérise le mieux l’œuvre du photographe. Aussi n’est-ce pas un hasard si ce magnifique et unique volume regroupe des clichés en noir et blanc, un choix de sélection qui vient accentuer plus encore la signature du photographe Vincent Peters. On songe notamment aux portraits de Laetitia Casta ou d’Emma Watson... Des portraits grand format, dont certains ont marqué les mémoires à jamais. Rien de répétitif, mais une recherche toujours renouvelée pour chaque star avec cette distance intimiste, cet éclairage choisi qui ont fait ses meilleurs clichés. Charlize Theron, Carolyn Murphy quelques portraits d’hommes aussi, dont John Malkovich ou encore Edward Burns, un choix de portraits noir et blanc qui témoignent de l’immense talent du photographe Vincent Peters.
C’est une réelle splendide mise en perspective, un angle par lequel le photographe Vincent Peters se révèle dans toute son exigence et rigueur de travail qu’offre cet album. Cette œuvre où « L’inconscient rencontre la conscience dans l’acte même de photographier » souligne Vincent Peters en exergue de cet exceptionnel ouvrage.

« Les Toits de Paris » du photographe Laurent Dequick, 32 x 25 cm, 120 pages, Éditions Chêne, 2021.

On ne résiste pas à ce superbe livre dans son coffret aux pages pliées en accordéon et offrant au regard les plus belles vues sur les « Toits de Paris ». On pourrait passer des heures à les observer, les détailler, les scruter. Entre ciel et terre, « Les toits de Paris » sont inimitables et le photographe Laurent Dequick dans des panoramas grandioses et époustouflants nous les laisse admirer de l’aurore au crépuscule. Des toits bleu-gris, en zinc faisant miroiter leurs reflets sous la pluie ou le soleil, en ardoise se confondant avec l’horizon, les « Toits de Paris » ont inspiré les plus belles chansons et poésies… Il est vrai que « Les Toits de Paris » sont si reconnaissables sans jamais pourtant être tout à fait les mêmes, laissant deviner, çà et là les monuments incontournables de la capitale. Un régal !

« Antoine Coysevox – Le sculpteur du Grand Siècle » d’Alexandre Maral et Valérie Carpentier-Vanhaverbeke ; Relié, 24 × 32 cm, 580 pages, 976 illustrations, Arthena Éditions, 2021.

Antoine Coysevox (1640-1720), d’origine lyonnaise, compte assurément parmi les plus grands noms de la sculpture française du Grand Siècle. À la tête de l’Académie royale de peinture et de sculpture dès 1703, son riche parcours émaillera de ses inoubliables créations les célèbres châteaux de Versailles et de Marly. Au service du roi Louis XIV dont il contribuera à célébrer l’aura par le truchement des arts, Coysevox fait aujourd’hui l’objet d’une superbe monographie sous la plume d’Alexandre Maral et Valérie Carpentier-Vanhaverbeke aux éditions Arthena.
L’ouvrage est en effet à la hauteur de l’artiste avec ses 580 pages et 976 illustrations, pour nombre d’entre elles pleine page. Ainsi que le relève Laurent Salomé en avant-propos, cet ouvrage magistral qui célèbre le trois centième anniversaire de la disparition du sculpteur réussit le tour de force de présenter à la fois l’artiste de la Cour et de la ville, le monumental et le portrait intime. Car Coysevox excelle dans cette diversité, son art ne se limitant pas aux fastes de la couronne et du pouvoir dont il parvient même dans cette magnificence à capter subrepticement certains instants d’intimité (Louis XIV agenouillé à Notre-Dame portant sa main devant son cœur en signe de piété). Geneviève Bresc-Bautier, directrice honoraire du département des Sculptures du musée du Louvre, met en avant dans sa préface cette propension de Coysevox à être le sculpteur de l’art officiel, mais non pas un « sculpteur officiel ». Après François Girardon, c’est ainsi au tour d’Antoine Coysevox de bénéficier d’une étude non seulement exhaustive, mais également passionnante, les auteurs réussissant à saisir et à exposer cette latitude qu’eut le sculpteur à développer son génie tout en s’insérant dans des cadres classiques. Cette liberté étonnante pour l’époque et encouragée par le monarque se développera notamment par le truchement des nymphes et autres faunes de Marly, ces portraits intimes que l’on jugerait animés d’un souffle encore perceptible. Coysevox sait rendre la grandeur du faste royal et des puissants de son temps, mais il parvient aussi à se saisir de ce « je-ne-sais-quoi » qui insuffle vie à ses créations.

« La Genèse de la Genèse », Illustrée par l’abstraction, de la création du monde à la tour de Babel ; Les onze premiers chapitres de la Genèse présentés en français, en hébreu et en translittération. Nouvelle traduction de l’hébreu, notes et commentaires de Marc-Alain Ouaknin ; Introduction de Marc-Alain Ouaknin ; Préface de Valère Novarina, 1 volume relié, 384 pages, 19 x 26 cm, La Petite Collection, Éditions Diane de Selliers, 2022.

Le livre de la Genèse, primus inter pares, jouit depuis les temps les plus anciens de cette importance, prééminence constitutive de la naissance de l’univers, une naissance ou Genèse qu’évoquent en une beauté inouïe ces pages. Premier livre de la Torah et de la Bible, sa poésie n’a d’égale que ses principes qui pendant longtemps ont pris une valeur littérale d’explication du monde. Si, cette conception n’est, certes, plus prise à la lettre (à l’exception de certains regrettables mouvements contemporains créationnistes), ses récits et enseignements demeurent néanmoins enracinés dans l’inconscient collectif de nos contemporains et la source d’eau vive de millions de croyants, Juifs, Chrétiens d’occident et d’orient. Il suffira pour s’en convaincre de revenir à l’étymologie même du mot Genèse, Beréshit ou « Entête » pour les Hébreux, et que saint Jérôme traduira, pour sa part, par « In principio ». Le monde ne se conçoit que par ces principes premiers « à la tête » de toute autre chose ou être…
Aussi, quelle belle et heureuse idée de faire dialoguer ce mystère, inexplicable pour la raison, avec la peinture abstraite, un choix inspiré retenu pour cette exceptionnelle édition de la Genèse à partir d’une nouvelle traduction de l’hébreu signée Marc-Alain Ouaknin.

Ce splendide livre d’art et de foi maintenant disponible dans La Petite Collection des éditions Diane de Selliers rend témoignage à la magnificence du récit unique de La Genèse. La Genèse, texte fondateur des traditions juives et chrétiennes, comprend précisément sept jours pour la création du monde. Si le style et la diversité de ces chapitres laissent plutôt penser à une pluralité de rédacteurs s’échelonnant du VIIIe s. au IIe siècle av. J.-C., la tradition aime à en attribuer la paternité à Moïse… La présente édition a retenu les onze premiers chapitres, un choix judicieux dans la mesure où la composition comme souvent dans la littérature hébraïque part du général vers le particulier avec la création de l’univers, l’humanité, les luttes fratricides, le déluge et le recommencement… Les influences culturelles ont été fort grandes pour la genèse de cette Genèse, s’inspirant de sa proximité avec la culture du Proche-Orient, et dont la Bible recueillera de nombreux traits revisités par l’inspiration de ses rédacteurs, on songe notamment au Déluge trouvant leur antériorité dans la culture sumérienne et l’épopée d'Atrahasis reprise par celle de Gilgamesh.
Fort de cet héritage immémorial, Marc-Alain Ouaknin, philosophe et rabbin, propose pour cette publication d’exception une nouvelle traduction à partir de la langue hébraïque en associant rigueur de la langue et poésie, syntaxe hébraïque et authenticité de la langue biblique.

Cette poésie biblique est encore accentuée par la mise en page retenue et la reproduction du texte hébreu et de la translittération au regard du texte français. Une présentation pensée et des plus soignées offrant une nouvelle poésie, celle de la lettre et de sa graphie, les plus grands calligraphes témoignant qu’il n’est pas nécessaire de connaître une langue pour en apprécier sa poésie… L’impression de dialogues et de liens inextricables qui dépassent leurs auteurs se trouve enfin sublimée par les choix au soin tout aussi méticuleux d’œuvres de l’abstraction, telles ces Constellations de Picasso, Une courbe libre vers un point de Kandinsky, Braque et L’oiseau noir et l’oiseau blanc, Mondrian, Poliakoff et bien d’autres dont, étrangement, les œuvres semblent être « éclairées » par le texte de la Genèse « révélant » ainsi un dialogue des plus féconds . Régulièrement, s’imposent aussi dans cette belle partition des « silences » avec des textes non moins inspirants de philosophes ou d’artistes dont, notamment, Vladimir Jankélévitch ou encore Marcel Duchamp ; Des « reprises de souffle » venant approfondir encore l’appréhension et la lecture du Livre de la Genèse ouvrant ainsi à une des plus belles méditations…
Une « Symphonie biblique », ainsi que la nommait autrefois le grand André Chouraqui et qu’introduit Valère Novarina dès sa préface. Amoureux du mot et de la langue, Valère Novarina explore avec le lecteur ces intrications secrètes qui nourrissent le premier des premiers livres de la Bible. Une lecture par une autre porte, celle de la Parole comme rythme, pulsation universelle qui irradie ce texte premier. Un ravissement !

Philippe-Emmanuel Krautter

« Bonnard – Les couleurs de la lumière » ; sous la direction d’Isabelle Cahn, de Guy Tossatto et Sophie Bernard ; Cartonné, 175 illustrations, 320 pages, Editions In Fine, 2021.

À souligner, la parution à l’occasion de l’exposition au musée de Grenoble consacrée au célèbre peintre Pierre Bonnard d’un fort et beau catalogue intitulé « Bonnard – Les couleurs de la lumière » aux éditions In Fine.
Ce titre approprié « Les couleurs de la lumière » tisse - à l’image du bonheur qui caractérise le peintre - le fil conducteur de cet ouvrage réalisé sous la direction d’Isabelle Cahn, de Guy Tossatto et Sophie Bernard. Appuyé d’une vaste iconographie, reproductions, affiches et photographies, l’ouvrage offre en première partie de riches essais livrant de belles clés de lecture pour appréhender l’œuvre de Bonnard. On songe à ces célèbres toiles aux intérieurs intimes et aux fenêtres ouvertes, aux nus féminins ou encore à ses fameux chats…
Bonnard fut un peintre ayant toujours eu, par le prisme de la lumière et des couleurs, un rapport très subjectif au temps et à l’espace ainsi que le soulignent dans leur écrit tant G. Tosatto qu’Isabelle Cahn avec cet « arrêt du temps » qui le caractérise. Y sont également abordés les thèmes des objets ou du jaune si chers à l’artiste, « Un art du paradoxe » que développe dans sa contribution S. Bernard.
Des textes révélant toute la singularité de Pierre Bonnard, cet artiste qui fut un temps Nabis et qui admirait tant Claude Monet. C’est d’ailleurs, à quelques kilomètres de Giverny - Giverny où il rencontrera à plusieurs reprises le père de l’Impressionnisme, que le peintre achètera une propriété en 1912, à Vernonnet précisément.
L’ouvrage se poursuit, en seconde partie, par le catalogue des œuvres de Bonnard selon « Les couleurs de la lumière » propres aux lieux de sa vie. Ainsi, retrouve-t-on le Grand Lemps et les couleurs pour le peintre des étés en famille, mais aussi bien sûr, les « Lumières de Normandie » ou encore celles « Sous le soleil du midi » notamment du Cannet où le peintre s’établit en 1926. Le Cannet que le lecteur pourra découvrir grâce au porte-folio réalisé par Bernard Plossus.
Lumière, reflets, diffractions et couleurs nimbent, scintillent ou miroitent dans l’œuvre de Pierre Bonnard comme autant de sensations, vibrations et émotions.
Un beau et riche catalogue qui viendra compléter toute bonne bibliothèque d’art.

« Paravents japonais » sous la direction scientifique d'Anne-Marie Christin, édité par Claire-Akiko Brisset et Torahiko Terada ; 35 x 25 cm, 280 pages, 250 illustrations couleur, Reliure japonaise, impression métallisée dorée pour l'illustration de couverture et le coffret à rabats illustré, Citadelles & Mazenod, 2021.

Véritable évènement éditorial, la parution des éditions Citadelles & Mazenod consacrée à l’art des byobu, plus connus sous le terme occidental de paravents devrait non seulement séduire les spécialistes de l’art japonais traditionnel, mais également susciter l’admiration de tout amateur d’art. L’ouvrage réalisé sous la direction scientifique d'Anne-Marie Christin et édité par Claire-Akiko Brisset et Torahiko Terada bénéficie en effet d’une véritable recherche scientifique faisant de cette somme en langue française une référence en la matière. Pour cela, ce sont plus de cent chefs-d’œuvre qui ont été réunis en une splendide iconographie afin de présenter dans toute sa beauté cet art ancestral du Japon.
Cet ouvrage à la présentation luxueuse avec sa couverture métallisée dorée, fruit de l'expertise scientifique d'une équipe franco-japonaise explore, en effet, cet art étonnant qui n’a pas d’équivalent en d’autres pays. À l’image des nombreux arts traditionnels du Japon, le savoir-faire et la minutie des meilleurs artisans ont été convoqués afin d’ériger cet objet initialement pratique en une véritable œuvre d’art, support de la créativité des artistes les décorant. La conception même du paravent offre cette alternance entre plis et déploiements, faces cachées ou visibles, suggérant ainsi tout un jeu de renvois et références complexes.

Dès l’époque Nara au VIIIe siècle jusqu’à nos jours, le paravent au Japon a fait l’objet d’une réflexion à part, bien distincte de celle de la peinture, de la calligraphie ou de l’estampe. Objet incontournable des temples et demeures aristocratiques, le paravent masque autant qu’il suggère en une variété presque infinie de motifs et de représentations au fil des siècles ainsi qu’en témoignent les superbes illustrations présentées en un généreux format 35 x 25. Sur ces mobiliers fruits d’un assemblage de châssis de bois recouverts de papier, les plus grands artistes apposeront leur signature tels Sôtatsu, Kôrin, Rosetsu ou encore Hokusai…

Cet art sera l’occasion également de déployer sur ces larges surfaces de plusieurs mètres parfois de longues évocations d’œuvres littéraires incontournables du Japon tel Le Dit du Genji en une multitude de scènes familières aux lettrés les admirant. Cet art permettra également d’évoquer à l’envi les thèmes favoris du bouddhisme japonais avec ces scènes épurées où pins, bambous, prunus, monts enneigés ou encore de stoïques hérons posent les jalons d’une culture où chaque détail fait signe. Un ouvrage clé afin d’entrer dans l’art du Japon.

Architecture, Urbanisme		Mirella Di Giovine : « Il paesaggio identitario. Roma, l’altra città », (langue : italien) Quodlibet Editrice, 2024. Avec Il paesaggio identitario. Roma, l’altra città, Mirella Di Giovine nous invite à une redécouverte de la Ville éternelle, non pas sous l’angle de clichés monumentaux, mais à travers un prisme inédit, celui de son identité paysagère. Publié par les éditions Quodlibet, cet ouvrage se présente comme une exploration sensible et érudite des lieux et récits qui composent une Rome parallèle, méconnue et pourtant profondément ancrée dans l’imaginaire collectif. L’auteur, architecte et chercheur, estompe l’image figée d’une capitale dominée par ses ruines antiques et ses palais baroques. Elle s’attache au contraire à révéler l’autre facette de la ville : celle des espaces marginaux, des périphéries et des interstices où se jouent les dialogues silencieux entre histoire et modernité, entre abandon et réinvention. À travers une approche pluridisciplinaire mêlant urbanisme, sociologie et histoire culturelle, Mirella Di Giovine esquisse un portrait de Rome qui interpelle autant qu’il fascine. La force du livre réside dans son écriture fluide et imagée, qui parvient à conjuguer rigueur scientifique et sensibilité poétique. Chaque chapitre dévoile des lieux emblématiques d’une Rome alternative : les quartiers populaires oubliés, les jardins secrets, les friches industrielles réappropriées par les habitants ; ces lieux devenant alors les témoins privilégiés d’un paysage identitaire en constante mutation, où cohabitent mémoire collective et aspirations contemporaines. Loin d’être une simple étude académique, Il paesaggio identitario se lit comme un véritable manifeste pour une approche plus inclusive et humaine du paysage urbain. Di Giovine milite pour une reconnaissance des richesses cachées de la ville et appelle à une réévaluation de ce que nous considérons comme patrimoine. Ce livre offre ainsi une vision rafraîchissante et résolument moderne de Rome, en résonance avec les enjeux actuels de durabilité et d’intégration. Que l’on soit passionné d’urbanisme, amateur d’histoire ou simple amoureux de la capitale italienne, cet ouvrage ouvre une fenêtre sur une Rome vibrante et complexe, où chaque espace, même le plus humble, contribue à forger une identité urbaine singulière.
		“Shigeru Ban. Complete Works 1985 –Today” de Philip Jodidio, édition: Multilingue (Allemand, Anglais, Français) ; Relié, 30.8 x 39 cm, 696 p., Editions Taschen, 2024. L’architecte japonais Shigeru Ban est connu internationalement pour ses créations originales à base de carton permettant la réalisation d’habitations d’urgence destinées notamment aux réfugiés de catastrophes (Fukushima, Ukraine…). Alliant engagement certain et véritable implication dans l’architecture urbaine contemporaine, le travail de Shigeru Ban dépasse très largement ces quelques clichés réducteurs de son immense création ainsi qu’en témoigne cette somme inédite qui vient de lui être consacrée. Les éditions Taschen sous la plume de Philip Jodidio rendent hommage en effet au grand architecte avec un ouvrage aussi imposant qu’inspirant. Couvrant tous les travaux de Shigeru Ban de 1985 à nos jours, cet ouvrage explore cette pensée altruiste récompensée par le Pritzker Prize pour «sa curiosité, son engagement, son esprit infiniment novateur, son œil infaillible et sa sensibilité aiguë.» Car, en effet, l’architecte japonais parvient à entrecroiser beauté et nécessités essentielles, fait rare dans le domaine de l’architecture où les ego prennent souvent le dessus. Shigeru Ban depuis ses premiers travaux parvient à se saisir de l’essence des matériaux pour en restituer non seulement les lignes primordiales mais également essentielles à la vie souvent malmenée par la modernité. Il suffit pour s’en convaincre d’admirer ces vues imprenables sur la nature, ses architectures alliant bois et carton, l’omniprésence des lignes primordiales à toute vie… À la fois solide comme un chêne et souple comme le roseau, chaque structure d’une architecture signée Shigeru Ban manifeste cette adaptation au réel, l’architecture redonnant souvent vie à des matériaux jusqu’alors dédaignés par ses pairs. En feuilletant les pages de cette remarquable édition, nous découvrons alors un univers fascinant composé de transparences, de constructions en tubes de papier, de maisons dont les structures traditionnelles s’estompent à l’image de la Curtain Wall House à Tokyo et la Wall-Less House dans la campagne de Nagano… L’ouvrage met en évidence cette extrême créativité au fil des années allant du Campus Swatch-Omega en Suisse à l’Île Séguin en France sans oublier Haesley Hamlet en Corée du Sud et surtout ces toilettes transparentes de Tokyo rendue célèbres par le film Perfect Days ( film chroniqué dans ces colonnes). Shigeru Ban transcende les éléments pour mieux en sublimer leur essence en harmonie avec l’espèce humaine notamment les plus fragiles d’entre eux. Une démarche rare, un esprit inspiré… À noter le 10 juillet 2024 la venue exceptionnelle de l’architecte Shigeru Ban au Taschen Store de Paris pour la signature de son livre de 18h30 à 19h30 au 2 rue de Buci 75006 Paris.
		« Atlas de l’Architecture contemporaine » sous la direction de Chris van Uffelen ; Traduit de l’anglais par Jean-François Cornu ; Editions Citadelles & Mazenod, 2022. Splendide et impressionnant ! Tels sont assurément les meilleurs qualitatifs pour cet « Atlas de l’architecture contemporaine » paru aux éditions Citadelles et Mazenod. Une nouvelle édition, dix ans après la première, toujours plus attendue dans le domaine tant de l’architecture que de l’édition et qu’il convient de saluer. Couvrant les cinq continents regroupés, ici, en trois grands chapitres, de l’Europe-Afrique aux Amériques en passant par l’Asie et l’Australie, cette cartographie de l’architecture contemporaine offre non seulement une vue d’ensemble mais aussi et surtout une riche réflexion sur l’évolution en une décennie de la manière dont l’homme moderne entend habiter la planète terre. « On y retrouve une même diversité de projets et de techniques mais on y retrouve aussi les questions essentielles qui se posent actuellement » souligne Chris van Uffelen en sa préface. Avec une extraordinaire iconographie, photos, plans et pas moins de 280 projets, ce sont ainsi l’évolution, centres d’intérêt, matériaux de nos habitats, lieux publics, religieux ou culturels, mais aussi espaces de travail qui sont, en ces chapitres, exposés et analysés. Soulignons notamment le « 175 Haussmann », cet impressionnant complexe réunissant derrière une façade Haussmann deux immeubles des plus modernes, et ce, à quelques mètres de l’Étoile à Paris. Des réalisations architecturales à la fois spectaculaires, étonnantes ou déroutantes mais reflétant également notre environnement et notre quotidien. Un panorama instructif et époustouflant ! On songe à l’Arena d’Aix-en-Provence, au nouveau campus urbain de l’Université Bocconi à Milan ou encore au Centre culturel de Kadokawa au Japon… (Pour une fonctionnalité optimale, outre un index des architectes en fin d’ouvrage, sont précisés pour chaque réalisation, en haut de page, l’architecte ou bureau d’étude, sa destination, son année de réalisation, ville et pays.) Parcourant ainsi la planète monde et offrant au regard sous la direction de Chris van Uffelen les plus splendides réalisations architecturales de ces dix dernières années, cet « Atlas de l’architecture contemporaine » dans sa nouvelle parution constitue indéniablement une somme incontournable, un ouvrage de référence qui réserve aux lecteurs, professionnels, amateurs, passionnés ou tout simplement curieux de notre monde de bien belles découvertes et surprises.
		« L’architecture moderne de A à Z » ; 696 pages, version française, Editions Taschen, 2022. Incontournable ! Tel est assurément le qualificatif qui sied le mieux à ce fort ouvrage entièrement consacré à l’architecture moderne et paru aux éditions Taschen. Appuyé par une splendide iconographie, l’ouvrage offre aux architectes, professionnels, mais aussi à tout passionné ou amateur d’architecture une vaste connaissance de l’architecture des XIX et XXe siècles. Avec plus de 300 entrées, ce sont en effet à la fois les plus grands mouvements de l’architecture moderne, mais aussi les plus grands architectes des deux derniers siècles que le lecteur retrouvera ou découvrira en ces pages rangés pour une efficacité accrue selon un ordre alphabétique. Et que de découvertes tant pour les yeux que l’esprit ! Cette somme offre, ainsi, pour chacune des figures majeures de l’architecture, une brève biographie et surtout une description des œuvres emblématiques. Des noms internationalement reconnus, mais aussi parfois injustement moins connus. On y découvre aussi avec curiosité pour nombre d’entre eux leur photographie ou portrait. C’est l’architecte Aalto qui ouvre cette bible se refermant presque 700 pages plus loin avec Zumthor Peter. Chaque nom nous entraîne de par ses réalisations d’une capitale l’autre ou encore vers une autre région du monde… Mais le lecteur pourra également se référer selon les différentes entrées aux nombreux courants ou styles ayant marqué l’histoire de l’architecture durant ces deux derniers siècles. Bâtiments publics, institutions, églises ou encore résidences privées cohabitent, ici, soulignant l’extraordinaire essor et dynamisme de l’architecture moderne. Art nouveau, constructivisme, expressionnisme… Des pages magnifiques présentant le plus souvent sur de pleines pages les plus grandes créations architecturales modernes de notre monde. Extraordinaire ! Un ouvrage aussi splendide que complet qui ne pourra que trouver sa place dans toute bonne bibliothèque.
		Jean Dethier et Jean-Louis Cohen : « Habiter la terre L'art de bâtir en terre crue : traditions, modernité et avenir », Nouvelle édition compact - 512 pages, 216 x 279 mm, Couleur, Flammarion, 2022. Le retour à la terre pour la construction de nos habitats ne relève plus d’espoirs, de doux rêveurs et autres post-soixante-huitards en mal d’écologie… Ces aspirations naguère moquées se trouvent fort heureusement depuis plusieurs années enfin prises au sérieux en raison de la prise de conscience des réalités écologiques qui s’imposent, avec plus de nécessité et d’urgence que jamais, à notre époque. Il s’agit toujours d’une action militante qui anime les auteurs Jean Dethier, essayiste, architecte et activiste, et Jean-Louis Cohen, historien de l’architecture, professeur au Collège de France et à la New York University. Certains lecteurs se souviendront de l’impressionnante exposition que Jean Dethier avait consacrée à ce thème en 1981 au Centre Pompidou, mais pour les plus jeunes et curieux ou convaincus, c’est une admirable synthèse de référence qui est aujourd’hui proposée avec ce livre d’art de plus de 500 pages et 800 photos et dessin au format généreux 24 x 31 cm. Le propos est décloisonné, si l’on peut dire, aux cinq continents et à travers les temps puisqu’un chapitre entier est consacré à l’histoire des logiques constructives au fil des siècles. C’est un véritable plaidoyer qui est en ces pages inspirantes ainsi proposé au lecteur, une réflexion qui ne fait pas pour autant l’impasse des difficultés et limites de cet art traditionnel. Car nous réalisons bien rapidement en découvrant ces réflexions que notre époque « moderne » a étonnamment fait l’impasse d’une des techniques les plus anciennes de l’homme pour édifier son habitat, suivant en cela le modèle laissé par un grand nombre d’espèces du monde animal. Or, nos deux auteurs entendent bien réconcilier nos contemporains avec ce génie créatif qui outre ses qualités techniques, esthétiques et économiques, témoigne d’une approche écologique incontestable pour celles et ceux en ayant fait l’expérience. Il suffira pour s’en convaincre d’avoir un jour édifié un mur en torchis au lieu et place de parpaings… Isolant, respirant, recyclable et solide, la terre ne se limite pas à des architectures « frustes » et sommaires, mais s’offre à la créativité des architectes qui ont fait la preuve de leurs créativités contemporaines rappelées dans ces pages superbement illustrées.
		« Carlo Mollino - Architect and Storyteller » ; 24 x 32 cm, 456 pages, 502 color and 45 b/w illustrations, Park Books, 2021. Designer d’intérieur, photographe et architecte réputé, Carlo Mollino a inscrit son nom en lettres d’or dans le design du siècle passé. Le fort et riche volume publié par les éditions Park Books présente la synthèse de son travail en tant qu’architecte sous la plume de Napoleone Ferrari et Michelangelo Sabatino. Enrichi de contributions par Guy Nordenson et Sergio Pace, ce beau livre se veut non seulement instructif sur cette personnalité légendaire mais également des plus esthétiques grâce aux photographies inspirées de Pino Musi. Né en Italie avec le début du siècle en 1905, Carlo Mollino a laissé son nom à la postérité grâce à ses nombreuses créations de meubles de nos jours très recherchées. Ses polaroïds aux photos osées pour l’époque constituent également une autre facette du personnage… Mais le présent ouvrage s’attache à un aspect de la production du designer plus méconnu avec ses multiples contributions à l’architecture. Si l’homme n’a réalisé que peu de projets, ses idées sur l’architecture et ses nombreuses œuvres sur papier laissent imaginer la fertilité de sa pensée créatrice. Grâce à une superbe mise en page et une iconographie impressionnante, la créativité Mollino se dessine page après page et laissera pantois tout amoureux d’architecture. Que dire en effet sinon son admiration pour le fameux Teatro Regio et la Chambre de commerce de Turin ? Mais aussi le Torino Horse Riding Club sans oublier la station Lago Negro dans les Alpes italiennes ? Toutes ces novations surprennent non seulement pour leur modernité, l’architecte appartenant manifestement au courant moderniste, mais aussi pour leurs prouesses témoignant des affinités de Mollino avec le surréalisme. Le lecteur se délectera de ces créations toutes plus étonnantes les unes que les autres si l’on songe aux époques qui les virent naître. À la découverte de ces admirables créations, on ne pourra regretter qu’une chose, que bien de ces projets soient restés à l’état de croquis et de papiers si prometteurs…
		"Archetypes" de David K. Ross ; Photographies de David K. Ross, Sous la direction de Reto Geiser avec les contributions de Reto Geiser, Sky Goodden, Ted Kesik et Peter Sealy ; Relié, 120 pages, 21 x 28 cm, Éditions Park Books, 2021. Les archétypes ne sont plus l’apanage de la psychologie et de la pensée jungienne ainsi que le démontre ce brillant ouvrage réalisé par l’artiste canadien David K. Ross et agrémenté de superbes photographies de l’auteur. Au croisement de la photographie, du film et de l’installation, son travail conduit en effet à la création d’étonnantes maquettes architecturales sublimées par un éclairage nocturne des plus spectaculaires… La pénombre révèle en effet les détails des structures, souligne les effets de matière pour en dégager des signes infimes conduisant à une autre vision primordiale de l’architecture. Ce travail passionnant se trouve ainsi présenté en ces pages étonnantes, des pages qui suscitent l’envie de découvrir ces créations dans la réalité de leur installation. Ces fragments architecturaux constituent dès lors un véritable laboratoire de proto-architecture, témoins silencieux mais néanmoins évocateurs de tout ce que l’homme a su mettre en œuvre dans l’édification de bâtiments liés à son environnement. De manière plus pragmatique, ce travail créatif offre également l’avantage de pouvoir isoler une part infime d’une future réalisation architecturale et d’en présenter les grandes lignes avant sa mise en œuvre. Ces instantanés architecturaux deviennent ainsi autant de réalités en devenir, en alternative aux créations virtuelles qui dominent de nos jours les cabinets d’architecture. Aux confins de l’art et de l’architecture, ces maquettes en préludant aux réalisations à venir constituent de véritables objets de création à part entière, à découvrir dans cet ouvrage assurément novateur.
		Bjarne Mastenbroek : « Dig it! Building Bound to the Ground » ; Relié, 19,3 x 27,1 cm, 1390 pages, Éditions Taschen, 2021. Le rapport étroit et presque intime entretenu entre le sol, les fondations et l’édifice architectural fait l’objet d’une publication remarquable de la part des éditions Taschen sous la plume de l’architecte néerlandais Bjarne Mastenbroek explorant au sens propre et figuré les liens unissant l’architecture et le site qui l’accueille. Partant du principe fondamental de la rareté de la terre, ce dernier demeure persuadé que l’avenir passera par une conception et gestion plus éclairées de cette ressource limitée pour l’avenir de l’humanité. Cette dimension rarement abordée avec une telle acuité conduit ainsi cet esprit résolument tourné vers une architecture écologique à une approche fine et sensible non seulement du sol, mais aussi de son environnement, sa configuration et ses interactions avec le milieu. C’est son riche parcours qui a ainsi conduit Bjarne Mastenbroek à l’écriture de cette somme impressionnante de 1390 pages et 2,5 kg, véritable roc sur lequel l’auteur développe son approche à partir des origines de la construction dans l’humanité. Appuyé par une iconographie tout aussi exceptionnelle grâce aux photographies d’Iwan Baan, cet ouvrage accompagne le lecteur dans cette compréhension globale de l’acte d’édifier que l’homme a depuis l’aube des civilisations initié dans des environnements parfois hostiles ou singuliers. Au fil des pages, quelle que soit la configuration du sol et des lieux, nous réalisons que les architectures du passé ont rarement fait l’impasse de ces « fondations » naturelles que représente l’environnement, tirant parfois profit de situations naturelles défavorables. C’est certainement là, l’apport de cet ouvrage essentiel que de montrer au lecteur du XXIe s. combien l’histoire récente des dernières décennies semble prouver qu’en occultant ou ignorant cette dimension incontournable, l’architecture peut conduire aux pires impasses, si ce n’est à des désastres. En renouant avec cette harmonie des sols et environnements, Bjarne Mastenbroek démontre ainsi avec maestria comment l’architecture de demain pourra renouveler ce lien toujours ténu entre l’homme, son habitat et la terre qui les abrite.
		« Duplex Architects - Rethinking housing » ; 416 pages, Park Books Éditions, 2021. À souligner, en matière d’architecture, la parution d’une riche monographie entièrement consacrée aux conceptions et réalisations des bureaux d’études « Duplex Architects » situés en Suisse et en Allemagne. L’ouvrage sous la plume de Nele Dechmann offre un focus des plus intéressants sur le projet de cinq logements en Suisse, allant du « Studen Housing » au « Living at the Edge of Town » de Limmatfeld en passant par « Vivre avec le Bruit » dans le quartier de Buchegg ou encore « Bien plus que le logement » de l’aire Hunziker. L’approche et la conception particulières propres au bureau d’études « Duplex Architects » créé en 2007 initialement à Zurich sont ainsi, en ces pages, au travers de ces cinq réalisations, largement exposées et détaillées. Appuyée par de nombreuses photographies dont celles de Ludovic Balland auxquelles s’ajoutent de multiples plans et visualisations, l’étude livre au lecteur à la fois une vision globale, précise et innovante de l’approche urbanistique retenue par « Duplex Architects ». À cette approche première de développement urbain, « Duplex Architects » apporte également une forte attention et exigence aux nouvelles formes de vie en commun. Importance de la communauté, importance des lieux de collaborations et de partages jalonnent ainsi les conceptions architecturales résidentielles. Des exigences de conception que viennent avec pertinence souligner de nombreuses contributions d’experts et architectes, dont celles des associés fondateurs du cabinet Anne Kaestle et Dan Schürch. Un ouvrage qui ne peut que retenir l’attention.
		« Contemporary Japanese Architecture » de Philip Jodidio Relié, Édition multilingue: allemand, anglais, français, 24,6 x 37,2 cm, 448 pages, Éditions Taschen, 2021. Le pays du Soleil Levant a démontré depuis plus d’un demi-siècle que son architecture avait su suivre et anticiper les tendances les plus contemporaines de l’architecture moderne. Si l’Exposition universelle d’Osaka en 1970 a en quelque sorte accéléré ce processus, on ne compte plus depuis le nombre d’architectes majeurs japonais ayant signé les plus belles créations tels Tadao Ando, Shigeru Ban, Kengo Kuma ou encore Junya Ishigami… Pas moins de sept architectes japonais ont remporté le Pritzker Prize, signe de la vitalité de l’architecture japonaise contemporaine. Les éditions Taschen publient aujourd’hui un splendide ouvrage signé Philip Jodidio, ouvrage à la hauteur de ces réalisations ambitieuses, véritables traits d’union entre passé et modernité, nouvelles technologies et écologie. Riche d’une créativité qui surprend à chaque réalisation, le Japon fascine toujours autant lorsque l’on fait défiler les pages de ce livre d’art aux généreuses dimensions. Philip Jodidio rappelle les grandes lignes artistiques qui caractérisent les créations de Tadao Ando, appréciées dans le monde entier pour leur synthèse réussie entre orient et occident, de Kengo Kuma (Stade national du Japon pour les derniers JO), Kazuyo Sejima (Musée Kanazawa d’art contemporain du 21e siècle) et bien d’autres jeunes architectes associant avec une créativité désarmante virtuosité et écoresponsabilité. Trouver et exploiter l’espace au Japon, pays dont la majeure partie du territoire est occupé par les montagnes, a toujours été un défi lancé par l’homme. A l’heure de la mondialisation et de la crise écologique, ce questionnement est plus que jamais au cœur de la réflexion des architectes japonais. Une interrogation redoublée par les nombreux désastres qu’a connu le Japon ces dernières décennies, qu’il s’agisse sur le plan sismique tout autant que nucléaire. Comment concevoir de nouvelles architectures en un pays si densément peuplé et touché par la force des éléments ? Tel est le défi relevé avec intelligence et art par ces créateurs des temps modernes et que ce magnifique livre d’art à l’iconographie soignée célèbre de la plus belle manière !
PHILOSOPHIE - SOCIETE - ESSAIS - PSYCHANALYSE		Emmanuel Tresmontant « CLAUDE TRESMONTANT- Un ouvrier dans la vigne », ARCADES AMBO Editions, 2024. Si le nom de Claude Tresmontant n’est guère connu du grand public, les passionnés de philosophie des sciences et d’histoire de la pensée chrétienne conservent encore, à n’en pas douter, le souvenir de cet esprit exigeant. Les éditions Arcades Ambo ont souhaité perpétuer cette mémoire menacée par les oublis de la « modernité » en recueillant les souvenirs de son fils Emmanuel Tresmontant, journaliste ayant embrassé une autre voie que celle de son père, même si le sous-titre de l’ouvrage rapproche les deux hommes… Souvenirs familiaux et lignes majeures de la pensée de Claude Tresmontant tissent le corps de cet ouvrage à la fois spontané et livrant un témoignage original sur une rare intelligence, reconnue par ses pairs. Sa connaissance intime et déterminante de la Bible hébraïque et sa vision métaphysique influenceront ses ouvrages Les Métaphysiques principales, Science de l’univers et problèmes métaphysiques, Le problème de l’âme, ou encore Comment se pose aujourd’hui le problème de l’existence de Dieu. Ses nombreuses recherches le porteront à analyser les rapports entre foi et raison, en digne héritier de Teilhard de Chardin. Ce philosophe de la métaphysique et de la science, professeur à la Sorbonne, n’hésitait pas à soutenir qu’une approche rationnelle pouvait légitimement appréhender la connaissance de Dieu. En alliant, pour cette quête, découvertes scientifiques et héritage médiéval de la pensée thomiste, Tresmontant a mis en œuvre, ainsi que le rappelle son fils, une pensée à la fois exigeante et accessible, à la croisée des disciplines dans lesquelles cet esprit curieux excellait. Ce philosophe de la Création, comme le souligne encore Emmanuel Tresmontant, partait du concept d’information primordiale, une information initiale allant en complexité, pour parvenir à la complexité même de l’univers. Réconciliant l’héritage hébraïque et la théologie chrétienne, cet infatigable chercheur a su poser un regard nouveau sur le christianisme. En filigrane de cette réflexion philosophique, le témoignage d’Emmanuel Tresmontant dévoile aussi un parcours plus personnel, marqué par une relation complexe entre père et fils… Ce qui aurait pu n’être qu’un récit hagiographique de plus prend ainsi une autre couleur avec cette relation singulière qui « unit » ce père ayant quitté le foyer familial et son fils… Face à ce grand vide, le destin va cependant tisser de longs fils et rapprocher ces deux êtres que la vie avait séparés, dont le touchant récit est évoqué pudiquement en ces pages. Entremêlant souvenirs personnels et évocation de la pensée de Claude Tresmontant, cet ouvrage aussi original que sensible retient le lecteur en le faisant entrer dans cette féconde richesse de pensée. Philippe-Emmanuel Krautter
		« Grand Atlas 2025 » de Cécile Marin et Frank Tétart, Éditions Autrement, 2025. Le Grand Atlas 2025 réalisé sous la direction de Cécile Marin et Frank Tétart apportera bien des éclaircissements et réponses aux grandes questions posées par les relations internationales, les sujets sensibles ne manquant pas ces derniers mois… À l’aide de plus de 100 cartes inédites et mises à jour, 50 infographies et documents pour comprendre le monde, ce Grand Atlas va au-delà des ouvrages de ce genre en ajoutant une dimension analytique indéniable afin de mieux discerner les tensions, enjeux et défis internationaux. Réalisé en partenariat avec Franceinfo, ce Grand Atlas permet non seulement de comprendre le monde du XXIe siècle avec un dossier spécial Israël-Palestine posant l’alternative « conflit régional, enjeu mondial », mais offre également des rappels précieux sur l’Histoire telle cette rubrique consacrée aux «150 ans de la conférence de Berli ». Réunissant les analyses des meilleurs spécialistes français (géographes, économistes, politologues…), cet ouvrage abondamment illustré par de remarquables cartes adaptées par Cécile Marin conjugue graphisme didactique et développements analytiques afin de mieux comprendre le monde d’aujourd’hui et celui qui sera le notre demain
		« Contre-offensive - Agir et résister dans la complexité » de Miguel Benasayag et Bastien Cany, Le Pommier éditions, 2024. Comment agir dans la complexité ? Résister lorsque les fondements des sociétés dans lesquelles nous avons eu l’habitude de vivre longtemps sans orages vacillent ? C’est à ces questions et à bien d’autres encore auxquelles cet ouvrage tente d’apporter sinon des réponses définitives – impossibles à poser – tout au moins des pistes d’engagement. Le philosophe et psychanalyste Miguel Benasayag avec Bastien Cany montre combien notre époque se trouve marquée par une complexité qui ne parvient plus à reposer sur le seul postulat du progrès mis à mal ces dernières années. Le chaos tente de se substituer au toujours plus, et le relativisme ambiant ne propose plus de solutions… « La solution devient partie intégrante du problème » soulignent les auteurs alors que l’humanisme hérité de la Renaissance occidentale bute sur de nouvelles concurrences : monde animal, nature, migrations, etc. Face aux relectures souvent masquées d’un capitalisme vertueux épris soudainement d’écologie, une radicalité nouvelle défend une vision plus complexe dans laquelle l’individu ne peut plus être conçu sans les liens dont il dépend. En partant de la proposition du philosophe Rodolfo Kusch sur la manière d’« habiter le présent » ou Estar siendo, l’ouvrage pose la question « Au nom de quoi résister ? », non point dans l’optique d’une contre-offensive révolutionnaire de plus ayant montré ses limites - Miguel Benasayag est bien placé pour les avoir vécues dans sa chair (lire nos entretiens) – mais plutôt d’un « décentrage » sans recherche d’une justice finale. Écartant les courants militants depuis les campus américains pour une déconstruction de l’universalisme colonial, posant ainsi un relativisme culturel caricatural de plus, Benasayag cherche ailleurs les voies de l’agir qui abandonneraient le mythe de l’homme « normal » dont le désir est continuellement marqué par le manque. Son regard le conduit alors à s’écarter de cette pensée de l’ingénieur omnipotent créant encore de nos jours les prisons « sans barreaux » dans lesquelles nous nous jetons volontairement (I.A, smartphones, algorithmes, etc.) pour leur préférer une puissance des savoirs et des expériences situées, à savoir une pensée locale et un agir également local. Nous retrouvons ainsi ce thème fertile chez le philosophe de l’Agir dans la complexité qui écarte toute pensée globale au profit d’une territorialisation des savoirs et des situations concrètes alors que « le scientisme prétend faire de la science une dimension abstraite et déterritorialisée ». Sans adhérer pour autant au mythe du « bon sauvage », Miguel Benasayag souligne combien la situation est beaucoup plus complexe que cette vision béate réductrice. Le cœur de l’action s’articule à partir de micro-résistances au caractère restreint et sans programme global, « ce qui signifie concrètement lutter contre la destruction, sans recours à l’imaginaire d’un modèle alternatif et sans tomber dans l’illusion de vouloir maîtriser le devenir des situations » (p. 141). Se décentrer afin de tenir compte de l’altérité du réel – sans pour autant suivre des cours de chamanisme en 10 leçons – la véritable puissance résidant sur le plan horizontal de la base, à partir d’expériences et projets ainsi que le démontrent le vécu des occupations des terres au Brésil et en Argentine ou encore le troc en pleine crise argentine de 2001. Faire l’expérience d’autres rapports au monde, ici et maintenant, plutôt que de s’enfermer dans les tours de cristal de l’analyse rationnelle, telles sont les pistes de réflexion avancées par cet ouvrage qui propose de « s’engager sans y croire » pour un réel engagement, une « Contre-offensive » et un « Agir dans la complexité »… Philippe-Emmanuel Krautter
		Carl Gustav Jung : « Sur l’interprétation des rêves » et « Rêves d’enfants – Séminaire de 1936-1941 », Collection « Espaces libres », Editions Albin Michel, 2024. A noter dans la collection « Espaces libres » aux éditions Albin Michel ces deux ouvrages consacrés à l’interprétation des rêves issus de séminaires dirigés par Carl Gustav Jung (1875-1961) dans les années 1936-1941 à Zurich. Dans le premier volume présenté par le regretté Michel Cazenave, dénommé « Sur l’interprétation des rêves », l’analyste suisse revient lors de ces séminaires sur l’importance des symboles et des mythes pour l’interprétation des rêves, mais aussi sur sa divergence de méthode d’interprétation quant à celle de Freud. Sans jamais, cependant, rejeter la méthode freudienne qu’il connaissait particulièrement bien pour avoir été le disciple de l’analyste autrichien, ni même celle de son confrère Adler, C. G. Jung précise la sienne en termes de méthode concentrique et par « amplificatio ». Le lecteur retrouvera dans ce volume des parties de séminaires consacrés plus particulièrement aux rêves de personnages antiques dont nous avons encore traces notamment « Le commentaire sur le songe de Scipion » de Macrobe, mais aussi ceux du savant italien Jérôme Cardan à la Renaissance ou encore de la martyre sainte Perpétue. Dans un fructueux dialogue entre ses meilleurs élèves dont Madame Marie-Louise von Franz, le grand analyste affine sa réflexion et méthode tout en constatant et soulignant l’importance déjà également accordée aux mythes et symboles dans l’antiquité jusqu’au XIXe et début XXe siècle pour interpréter des rêves et visions. C’est donc autant une riche étude comparative des méthodes qu’une féconde histoire de l’interprétation des rêves que le lecteur pourra découvrir dans ce volume. Le second volume, également présenté par Michel Cazenave, est quant à lui plus particulièrement centré, ainsi que l’annonce son titre, sur l’interprétation des rêves d’enfants. Réuni pour la première fois en un seul et même volume, l’ouvrage offre une réflexion et analyse également menées par Carl Gustav Jung durant ses séminaires à Zurich de 1936-1941 et mettant en évidence l’importance dès le plus jeune âge des mécanismes et dynamisme de l’inconscient et de l’imagination dans les rêves d’enfant. Le lecteur y retrouvera ainsi analysée selon l’approche jungienne toute la puissance de l’inconscient et des rêves. Un ouvrage ouvrant bien des portes et battant en brèche le présupposé et malentendu selon lequel l’analyste suisse ne se serait occupé que très peu des enfants. L.B.K.
		« René Girard – Quand les Choses commenceront… » - Entretiens avec Michel Treguer, Editions Arléa, 2023. C’est à un riche, passionnant et long dialogue avec l’un des plus grands penseurs, René Girard (1923-2015), auquel nous convie Michel Treguer. Un ouvrage dans lequel le lecteur retrouvera, certes, les thèses majeures du penseur, sa théorie du mimétisme ou celle du bouc émissaire, bien sûr, mais aussi et surtout René Girard en tant qu’homme et croyant. Michel Treger mène à bâtons rompus cette rencontre unique réunissant pour cela deux entretiens qu’il avait lui-même réalisés du vivant du philosophe et qu’il a pour l’occasion récrits, entretiens auxquels ont été ajoutés « d’autres conversations entre René Girard et Jean-Claude Guillebaud » et pour plus de lisibilité encore « des textes (reformulés) anciens ou récents » de René Girard. Au fils des pages, presque trois cents, René Girard accepte volontiers de préciser, nuancer ou encore d’affiner sa pensée, et par là même de se dévoiler – avec, cependant, toujours cette retenue et cet humour qui le caractérisent. Ainsi, revient-il sur les mythes fondateurs, sur le christianisme, le religieux, la transcendance ou la foi, mais aussi sur les victimes, la victimisation, le racisme, etc., explicitant ou ajustant ses thèses au plus près de notre siècle et de l’actualité. Car, Michel Treger, avec courtoisie mais aussi persévérance, le pousse parfois dans ses retranchements… Ainsi, ose-t-il lui demander : « J’insiste : pourquoi votre thèse demande-t-elle l’hypothèse de Dieu ? Je ne suis pas loin de penser qu’elle l’affaiblit ! » Et René Girard s’excusant presque d’avoir peut-être mal formulé sa pensée, reprenant et poursuivant inlassablement son raisonnement, expliquant notamment sa position quant à la Révélation et sa croyance en tant que chrétien catholique… Et c’est bien, au-delà du grand penseur, un René Girard intime, que le lecteur découvrira ; un René Girard acceptant d’éclairer et d’exposer au plus près de sa pensée ses thèses et positions et, plus que tout, de proposer une lecture qui « pourrait se révéler utile le jour où se dissiperont les malentendus dont elle fait l’objet. » ; ce que tente assurément d’atteindre ou de provoquer ce captivant ouvrage, fruit de longs entretiens menés avec René Girard. L.B.K.
		Stephen R. Covey : « Les 7 habitudes de ceux qui réalisent tout ce qu’ils entreprennent », édition enrichie, First Éditions, 2024. Est-il encore besoin de présenter « Les 7 habitudes » de Stephen R. Covey, cet ouvrage best-seller avec plus de 40 millions de lecteurs et qui compte parmi les livres les plus vendus au monde ? Au-delà du succès éditorial et de la reconnaissance internationale de l’auteur, il peut sembler néanmoins nécessaire, voire urgent, de se replonger au cœur de la pensée de Stephen Covey à l’occasion de cette édition anniversaire – trente années déjà ! - enrichie de textes inédits de son fils Sean Covey qui a eu à cœur de prolonger le travail de son père. L’ouvrage part du postulat que nous pouvons en partie diriger notre vie et rendre celle des autres meilleures à partir de la fameuse approche gagnant/gagnant, une approche pas toujours facile à mettre en œuvre, surtout de ce côté-ci de l’Atlantique… Comment se concentrer sur ce qui importe le plus à toute vie ? De quelle manière mener une vie de services tant sur le plan professionnel que privé ? Comment gérer l’adversité sans pour autant perdre sa propre identité ? Toutes ces questions trouvent réponses dans cet ouvrage qui offre une synthèse de pensées souvent millénaires, laïques et religieuses, à partir desquelles l’auteur a proposé une démarche positive et exigeante sur la construction de soi. Tout commence par la détermination de sa mission (le but de chaque vie), la détermination de ses rôles et la conduite de ses priorités en une approche gagnant/gagnant, afin de passer de la dépendance à l’indépendance pour finalement atteindre l’interdépendance. L’auteur nous explique chacune de ces étapes, conciliables avec n’importe quelle conviction religieuse ou laïque, nous offrant de nombreux exemples sur la manière de contrôler notre vie tout en laissant place à la fantaisie et aux découvertes non programmées. Une démarche rigoureuse, certes, mais indispensable à une pleine liberté retrouvée, celle de notre vie…
		« Friedrich Nietzsche - Œuvres - Tome III - Ainsi parlait Zarathoustra et autres récits" ; Édition publiée sous la direction de Marc de Launay avec la collaboration de Dorian Astor ; Bibliothèque de la Pléiade, n° 668, 1376 pages, rel. Peau, 104 x 169 mm, Editions Gallimard, 2023. Il faut (re)découvrir la pensée de Friedrich Nietzsche (1883-1885), ce philosophe trop souvent incompris – voire trahi, cette pensée complexe reposant sur les origines tout en souhaitant se départir des carcans de l’Histoire. Considéré souvent comme antisémite en raison de sa récupération posthume par le régime nazi et des torts causés par sa sœur cédant à ces sirènes brunes, Nietzsche ne cessa pourtant de s’opposer aux ennemis du peuple juif, sa rupture avec Wagner en témoigne ainsi que cette analyse d’une lucidité impressionnante en 1878 : « dans presque toutes les nations actuelles – et cela d’autant plus qu’elles adoptent à leur tour une attitude plus nationaliste – se propage cette odieuse littérature qui entend mener les Juifs à l’abattoir, en boucs émissaires de tout ce qui peut aller mal dans les affaires publiques et intérieures » (Humain, trop humain). Le philosophe est de tous les combats : contre l’héritage platonicien tout en étant un farouche opposant au christianisme et plaidant la « mort de Dieu »… Nous le voyons, cette pensée originale ne se laisse pas appréhender facilement au risque de passer à côté de sa richesse ; c’est justement tout le mérite de ce troisième et dernier volume des œuvres de Nietzsche de la collection La Pléiade sous la direction de Marc de Launay avec la collaboration de Dorian Astor que de nous inviter à ce trésor plus souvent cité que lu. C’est un héritage dont nous n’avons pas encore fini d’apprécier la profondeur ainsi que le souligne Marc de Launay qui dirige cette édition : « Ainsi parlait Zarathoustra inaugure la dernière période de l’évolution philosophique de Nietzsche, et entend être l’amorce d’un nouveau style où l’exposé théorique ne rechigne plus à s’acquitter d’une dette enfin reconnue à l’égard de l’élément poétique qui fait la substance même du langage ». C’est, en effet, le célèbre ouvrage « Zarathoustra » qui ouvre ce volume, un texte majeur du philosophe dont les origines remontent à l’époque de son séjour à Bâle au début des années 1870 avant sa conception dix ans plus tard de 1883 à 1885 après avoir conclu Le Gai Savoir où l’auteur avait pris date avec ses lecteurs sur cet énigmatique Zarathoustra et le concept de l’Éternel retour. Ce texte jugé comme essentiel par Nietzsche lui-même avait été longuement mûri lors de marches interminables, même si sa rédaction témoigne d’une tension et d’une force qui ne pourront que surprendre alors même que ce livre sortit quasiment dans l’anonymat lors de sa parution. Le très vif succès rencontré par « Ainsi parlait Zarathoustra » ne surviendra, en effet, qu’après la mort du philosophe allemand (un texte qui inspirera d’ailleurs Richard Strauss pour son sublime poème symphonique). Anecdote surprenante, Nietzsche aurait achevé sa première partie alors même que son ancien ami avec qu’il s’était violemment brouillé, Richard Wagner, rendit son dernier souffle à Venise… Le présent volume inclut, par ailleurs, concernant cette relation passionnelle deux écrits de Nietzsche : « Le Cas Wagner » et « Nietzsche contre Wagner ». Le « poète-prophète » qu’il souhaitait établir avec le personnage de Zarathoustra fruit d’une « pensée la plus abyssale » selon les termes de Nietzsche fut malgré tout un échec malgré les concepts essentiels qu’il lèguera du « Surhomme », tristement détourné et de l’ « Éternel retour », souvent incompris. Un volume essentiel mettant en valeur toute la richesse des œuvres du philosophe allemand comprenant également : « Par-delà bien et mal », « Pour la généalogie de la morale », le « Crépuscule des idoles », « L’Antéchrist », « Ecce homo ».
		Jean Cottraux : « Sortir des émotions négatives », Editions Odile Jacob, 2023. C’est un véritable et redoutable vadémécum que nous propose Jean Cottraux, auteur déjà d’une vingtaine ouvrages dont le fameux « La force avec toi », avec cette dernière parution « Sortir des émotions négatives » aux éditions Odile Jacob. Dans un premier temps, Jean Cottraux distingue pour plus de clarté et compréhension les émotions des sentiments ; une distinction souvent négligée et qui lui permet de préciser que « le côté obscur des émotions est celui où sont tapis les mauvais sentiments : ceux qui pourrissent la vie et que l’on préfère cacher (…) ». Après avoir ainsi rappelé ce que sont les émotions, les sentiments, passions et humeurs, l’auteur livre au lecteur un réel programme en huit points de gestion des émotions négatives. Dénommé PAEN, ce dernier opte pour une approche dynamique en proposant un programme d’autogestion de nos émotions négatives. Appuyé par de nombreux tableaux clairs et précis, Jean Cottraux précise que ce programme « vise à ce que chacun d’entre vous puisse devenir son propre thérapeute en puisant dans les méthodes bien validées de la thérapie cognitive et comportementale. » Jean Cottraux prend soin de compléter et d’illustrer ce programme par deux autres chapitres, tout aussi majeurs et d’une efficacité certaine exposant, une à une, « les émotions destructrices pour soi » (angoisse, culpabilité, la tristesse, etc.) , ainsi que « les émotions négatives pour les autres » (la colère, l’envie, le mépris, etc.), une approche non autocentrée, donc, et des plus appréciables distinguant notamment l’envie de la jalousie. Dans un style clair et concis et au gré de ces chapitres, le lecteur pourra ainsi pour chaque situation négative envisagée appréhender pleinement point par point la force de celle-ci, son origine, ses conséquences, et surtout les solutions et conseils pratiques et efficients pour y faire face. Car, c’est bien de « Sortir des émotions négatives » dont il s’agit pour pouvoir enfin se tourner et développer de réelles émotions positives telles que la joie, le bien-être, la sérénité, mais aussi la créativité... Un ouvrage qui permettra à chacun de comprendre ses propres émotions négatives - que celles-ci soient strictement personnelles ou suggérées collectivement par des jeux de pouvoir et de manipulation - afin de trouver de nouveaux ancrages, socles d’émotions positives.
		René Girard : « La Conversion de l’art » ; Préface de Benoît Chantre et Trevor Cribben Merril ; Editions Grasset, 2023. Cet ouvrage regroupe des textes du grand et regretté penseur Renée Girard disparu en 2015 ; Huit textes précisément - dont cinq de jeunesse, allant de 1950 à 1980 complétés par deux entretiens (extraits) qu’il accorda. Initialement ce recueil dont R. Girard signa l’avant-propos en 2008 accompagnait une conversation filmée avec Benoît Chantre – « Le sens de l’histoire », réalisée à l’occasion de l’exposition « Traces du sacré » au centre-Pompidou de Paris et envers laquelle l’auteur de « Mensonge romantique et vérité romanesque » entendait se démarquer et opposer une forte réserve. R. Girard souhaitait par cet ouvrage faire entendre, et surtout, comprendre « sa méfiance originaire à l’égard de l’art moderne » dont l’épuisement reposait, selon lui, sur la violence du sacrifice, à l’instar du religieux archaïque. Pour cela, il retint ces huit textes marquant la progression de sa pensée, des écrits pour la majeure partie consacrés à la littérature et allant de son départ d’Europe en 1947 et son arrivée aux États-Unis jusqu’à la fin des années 80. Si avec le texte « Où va le roman ? » publié en 1957, R. Girard semble encore croire à un renouvellement du roman, et au-delà des textes de 1953 consacrés à Saint-John Perse qu’il admire et comprend en arrivant aux États-Unis ou encore celui consacré à André Malraux, le lecteur retrouvera déjà en germe dans ces écrits toute la puissance de sa pensée et de sa théorie mimétique. En ce sens est évocateur ce texte de 1957 consacré à Paul Valéry et à Stendhal dans lequel le penseur souligne déjà ce « Moi-pur » de Valéry et sa préférence pour l’égotisme stendhalien. Girard refuse tout snobisme littéraire ou artistique et, pour l’auteur de « La violence et le sacré », l’artiste moderne est rongé par la rivalité. L’article de 1978 consacré à Proust en fait l’éclatante illustration tant l’auteur de la Recherche est pour Girard « le plus grand théoricien des miroitements du Moi ». Narcissisme, désir et rivalité imprègnent ces pages, mais ce sera, surtout, avec des études consacrées à Hölderlin, à Nietzsche ou encore à Wagner que le penseur confirmera ses intuitions et affirmera sa théorie. « Leur instabilité - étant selon R. Girard, symptomatique de la conscience moderne dans son rapport ambivalent au sacré. » On songe, ici, à l’article de 1986 « Nietzsche et la contradiction ». La littérature romanesque suppose, pour Girard, afin de se détacher de l’esthétique, une « conversion romanesque ». Cette dernière étant, dira R. Girard en 1998, « au cœur de son parcours intellectuel et spirituel ». Celui-ci avait d’ailleurs tenu à refermer son avant-propos en 2008 en ces termes : « Je ne voudrais pas qu’on prenne ce livre pour un simple essai d’esthétique. Cette jouissance m’est étrangère. » Car, ce qui importe à l’auteur de « Mensonge romantique et vérité romanesque », c’est bien cette « conversion de l’art », et ce dernier ajoutera : « L’art ne m’intéresse en effet que dans la mesure où il intensifie l’angoisse de l’époque. Ainsi, seulement il accomplit sa fonction qui est de révéler. » Un propos qui structure toute sa pensée et par lequel Bernard Chantre et Trevor-Cribben Merril ouvrent aujourd’hui la riche préface de cet ouvrage indispensable à la compréhension de l’élaboration et formation de la pensée de ce grand penseur que fut René Girard. L.B.K.
		Bernard Perret : « Violence des dieux, violence de l’homme ; René Girard, notre contemporain », Coll. Seuil La couleur des idées, 368 p., 2023. Un ouvrage incontournable aux éditions du Seuil, tel est assurément l’ouvrage de Bernard Perret, « Violence des dieux, violence de l’homme », consacré au grand penseur Français René Girard (1923-2015), ainsi que l’indique son sous-titre « René Girard, notre contemporain ». L’auteur, auteur déjà de « Penser la foi chrétienne après Girard » (Ad Solem ), conscient de l’immense apport de René Girard, mais aussi de ses limites, n’a nullement souhaité par cette parution proposer une pure synthèse ou même un essai consacré à l’œuvre du penseur, mais bien une réelle mise en perceptive des apports majeurs de Girard que ce soit sa thèse centrale de la théorie du désir mimétique, de la rivalité, de la violence ou encore du sacré… Bernard Perret a opté pour cela pour une approche dynamique par le prisme de la violence en cinq parties, la première étant consacrée, comme il se devait pour une telle étude, à un rappel clair et concis d’une centaine de pages à la progression de la pensée de Renée Girard. Une évolution mise en lumière suivant la chronologie des publications majeures du penseur, allant de « Mensonge romantique et vérité romanesque » (1961) au « Bouc émissaire » de 1982 ou de « Les origines de la culture » de 2015 en passant, bien sûr, par « La violence et le Sacré (1972) ou encore « Des choses cachées depuis la fondation du monde » de 1978 ; Une première approche qui n’entend nullement être une simple brève synthèse des théories girardiennes, mais qui en souligne d’ores et déjà les avancées, revirements ou rejets mais aussi les zones d’ombre ou se prêtant à la critique. Ce n’est qu’après ces mises au point que l’auteur revient sur les points de contact de la pensée de Girard avec d’autres domaines ou sciences, relevant autant les influences du penseur, ses refus ou ses distorsions. Une nouvelle approche avec pour axe la violence et permettant à Bernard Perret d’approfondir ou de préciser certaines prises de position ou nuances de Girard face au jeu des questionnements ou critiques et de proposer une « anthropologie de la théorie mimétique au-delà de Girard ». Balayant les neurosciences avec notamment les neurones miroirs, la psychanalyse et le rejet de la conception objectale du désir de Freud, ou encore la sexualité, l’auteur s’arrête plus spécifiquement sur les grands thèmes girardiens : Ainsi, de la violence du Sacré et de la culture ouvrant un riche dossier ethnologique, « Girard contre le structuralisme » ou encore de la transformation du sacré violent en valeurs transcendantes, un thème également cher à Girard, qui le conduira à souligner toute « la singularité judéo-chrétienne » et à adopter une pensée apocalyptique ; une conversion, critiquée ou dénoncée, mais parfaitement assumée par le penseur, et qu’il convient d’apprécier dans toutes ses acceptions. L’ouvrage se « referme », enfin, sur un dernier et cinquième chapitre soulignant l’actualité et portée de la théorie mimétique girardienne tant pour aujourd’hui que pour demain ; Un chapitre conclusif des plus porteurs…. L.B.K.
		« Jankélévitch », Cahier de L’Herne dirigé par Françoise Schwab, Pierre-Alban Gutkin-Guinfolleau et Jean-François Rey, Editions L’Herne, 2023. C’est un dense et captivant Cahier que nous proposent les éditions de L’Herne avec cette dernière livraison consacrée au philosophe Vladimir Jankélévitch (1903-1985). On y retrouve dès les premières pages un beau portrait « grandeur nature » de celui que ses intimes appelaient « Janké », cet homme à la mèche folle et au timbre de voix si inimitable ; un portrait appuyé par des textes évocateurs signés notamment Mauriac, Françoise Schwab, Pascal Bruckner ou encore Edgar Morin, mais aussi des écrits du philosophe lui-même ou entretiens que viennent également appuyer de nombreuses lettres. Indissociable de l’homme, le lecteur y redécouvrira également le professeur de philosophie qu’il fut et qui marqua cette génération qui aimera tant l’appeler « Maître » ; on songe avec délices au regretté Lucien Jerphagnon dont quelques lettres, aussi courtes que savoureuses, viennent témoigner de ce mélange de respect, de fidélité et de malice qu’ils partageaient… Homme, Professeur, ami, et bien sûr, philosophe : philosophe « des marges ou des à-côtés » ainsi qu’il le soulignait lui-même, parfois donné pour initiés, mais devenu aujourd’hui incontournable tant son absence désole et laisse un vide irrémédiable. Découvrir ou relire Jankélévitch demeure toujours un plaisir inépuisable dont ce Cahier de l’Herne témoigne. C’est ce philosophe de morale aux mille paradoxes, ce philosophe de l’insaisissable, de l’ineffable, du « Je ne sais quoi » et du « Presque rien » que le lecteur découvrira par le prisme de ses thèmes majeurs et privilégiés : la musique, « la moitié de ma vie » dira-t-il – et comment ne pas citer son « Fauré », son « Liszt » ?, mais aussi le temps, l’irrévocable et irrémédiable, l’ironie, la mort, le pardon sans oublier, surtout, l’amour… Des thèmes forts ayant marqué cette vie faite de convictions, de mémoire, de « conscience juive » et d’engagement. Un Cahier de L’Herne qui se laisse dévorer de A à Z ou picorer telle une gourmandise au grès de ses attentes, questionnements ou humeurs. Lui, qui aimait à rappeler que « la vérité est équivoque, contradictoire, elle se dément elle-même. On ne peut l’atteindre, très partiellement, fugitivement, qu’à demi-mot, grâce à une illusion, à une influence de la voix. » Et comment ignorer ou manquer, justement, cette voix inoubliable ? L.B.K.
		« Vivre crescendo » de Stephen R. Covey et Cynthia Covey Haller, First éditions, 2023. Le parcours de Stephen R. Covey peut être synonyme de son approche gagnant/gagnant qu’il a contribué à diffuser dans le monde entier. Sa vie professionnelle tant que personnelle repose en effet sur cette idée que nous pouvons en partie diriger notre vie et rendre celle des autres meilleures. À la fin de sa vie, cet auteur prolifique et mondialement reconnu (lire notre interview) souhaitait parfaire encore sa pensée en abordant quelques questions qui lui tenaient à cœur. C’est le résultat de ces interrogations menées par Stephen R. Covey et complété aujourd’hui par sa fille Cynthia dans « Vivre crescendo ». Un ouvrage comportant de nouveaux paradigmes sur notre retraite de la vie professionnelle qui ne doit jamais être synonyme d’un retrait de la vie. Comme à son habitude, l’auteur part de cas concrets qu’il soumet dans ces pages à notre analyse, des cas qui permettent de se concentrer sur ce qui nous importe le plus à toute vie, à savoir mener une vie de service de la même manière, avec la même implication que celle menée dans une vie professionnelle. Cela ne va pas de soi à l’heure où de nombreux salariés se trouvent « débarqués » la cinquantaine atteinte, engendrant ainsi le sentiment de ne plus servir à rien. Comme à l’accoutumée, Stephen R. Covey nous enseigne qu’il faut avoir une nouvelle vision que l’auteur décrit pour chaque âge et étape de la vie. Le titre même de l’ouvrage est d’ailleurs dérivé de son propre énoncé de mission : « Live Life in Crescendo » c’est-à-dire vivre pleinement sa vie, rejoignant ainsi en quelque sorte le précepte phare des stoïciens. Cette idée de crescendo s’oppose à la tendance commune de repli et d’égoïsme souvent constatée l’âge venant. À l’image des sociétés traditionnelles, les années passant deviennent alors une richesse à faire partager au plus grand nombre. Quels que soient nos compétences et savoir-faire, il est toujours loisible et souhaitable, selon l’auteur, de les partager au plus grand nombre, dans son environnement familial, personnel ou professionnel. C’est à un véritable plaidoyer pour la vie auquel se livre dans ce dernier ouvrage posthume Stephen R. Covey (ici, avec sa fille Cynthia Covey Haller), une belle leçon de vie à partager au plus grand nombre !
		« L'analyse des rêves : notes du séminaire de 1928-1930. Vol. 1 & 2 » de Carl Gustav Jung, collection poche Espaces libres, Albin Michel, 2022. Un petit trésor - étonnement indisponible en français jusqu’à la présente édition - vient de paraître chez Albin Michel : « L’analyse des rêves » notes du séminaire de 1928-1930 » de Carl Gustav Jung. Dans cette somme en deux volumes réunis ici, préfacée et traduite de l’anglais par Jean-Pierre Cahen, la matière vivante du grand psychiatre suisse sur les rêves se trouve livrée sans retenue grâce aux notes réunies et rassemblées par les participants lors de ce séminaire ; notes que Jung accepta de voir reproduites dans un premier temps dans le cercle restreint du Club psychologique qu’il avait créé à Zurich. Alors que le célèbre psychiatre suisse était au fait de sa maturité à l’âge de 53 ans en 1928, ce séminaire fait à la fois figure d’une réflexion « sur le vif » - le grand analyste encourageant son auditoire à s’impliquer dans les commentaires et à apporter à son propre témoignage – mais aussi très aboutie. Aboutie car, une fois de plus, Jung témoigne dans ces pages de sa grande perspicacité et culture dans la manière d’aborder l’analyse des rêves, et ce d’une autre manière que celle qui était jusqu’alors menée sous l’angle freudien. Avec ces deux volumes, le lecteur comprendra progressivement, page après page, la valeur non seulement intrinsèque de chaque rêve, mais surtout sa mise en rapport avec son symbolisme, ses liens avec la mythologie et les religions. Il s’agit, ainsi que le souligne Jean-Pierre Cahen dans l’introduction, « d’un enseignement clinique, pratique, concert, continu, d’une densité exceptionnelle ». Les maladresses des participants, les hésitations et parfois même les impasses ne sont pas expurgées de son contenu, témoignant ainsi de la confiance en soi du grand penseur qui n’avait pas souhaité reprendre la rédaction de ces pages spontanément réunies. Les pages et les pensées défilent ainsi à partir de l’analyse « en direct » des rêves successifs d’un patient suisse que Jung suivait. Se profile alors une évolution, non seulement chez ce même patient, mais également chez les participants du séminaire, preuve s’il en était besoin du bien-fondé de la démarche jungienne démontrée en ces pages de la plus éclairante manière. Une lecture stimulante et déterminante pour toute réflexion sur les fonctions du rêve.
		Gilles Antonowicz : "Isorni - Les procès historiques », 208 pages, Éditions Les Belles Lettres, 2021. Si le nom d’Isorni est quelque peu sorti de la mémoire collective en France, ce défenseur des causes politiques et avocat des communistes sous l’Occupation a pourtant tenu une place privilégiée dans l’univers judiciaire de notre pays. Gilles Antonowicz, lui-même avocat réputé, a su se saisir de cette personnalité hors normes qui accepta tout aussi bien de défendre un personnage comme Brasillach ou Pétain à la Libération que les causes perdues d’avance des minorités pendant la Seconde Guerre mondiale. Jacques Isorni n’a pas cherché le sensationnel en défendant les causes impossibles, mais s’est surtout attaché à se placer « du côté des prisonniers ». Après Maurice Garçon à qui l’auteur a consacré une biographie remarquée en 2019, c’est au tour d’un autre ténor du barreau en la personne d’Isorni de nourrir cet essai haut en couleur qui transportera le lecteur dès les premières pages aux heures sombres de l’Occupation… Au lendemain de la guerre, les difficultés sont loin d’être terminées et le brillant avocat déplacera son champ d’action « de l’autre côté » en prenant la défense de personnalités jusqu’alors victorieuses et soudainement placées au rang d’accusés présumés coupables. Une fois cette période trouble passée, la tension ne se relâchera pas avec les années de décolonisation et la guerre d’Algérie. Chaque décennie offre à Jacques Isorni de plaider les causes impossibles grâce à ses plaidoiries inoubliables et cette conviction indéfectible soulignée même par ses détracteurs. Ce sont ces grandes heures du barreau que Gilles Antonowicz nous fait revivre de manière passionnante, lui qui les connaît de l’intérieur et parvient à les éclairer d’une plume captivante. Philippe-Emmanuel Krautter
		« Héraclite » de Jean-François Pradeau, Collection Qui es-tu ? 136 pages, Éditions du Cerf, 2022. La didactique collection « Qui es-tu ? » des éditions du Cerf parvient à faire revivre en à peine plus d’une centaine de pages Héraclite, un des philosophes antiques dont la pensée ne nous est parvenue que sous forme fragmentaire. L’auteur, spécialiste incontesté du philosophe présocratique, nous fait remonter le temps à une vitesse vertigineuse, près de vingt-six siècles, afin de mieux découvrir ce « marginal illustre » ainsi qu’il le nomme en introduction. Si seule une centaine de phrases d’Héraclite ont pu parvenir jusqu’à nous, ses contemporains, puis les auteurs anciens qui transmettront par la suite son oeuvre, soulignaient déjà la force de sa pensée mais également la complexité de certains de ses discours. Les quelques rares informations dont nous disposions encore de nos jours sur Héraclite proviennent de Diogène Laërce dans ses « Vies et doctrines des philosophes illustres » et qui ouvre ce petit ouvrage d’une clarté remarquable, l’auteur étant professeur de philosophie ancienne à l’université Jean-Moulin de Lyon (Lyon-3) et ayant publié une trentaine de traductions commentées et une dizaine de monographies savantes sur le sujet. Mais que le béotien se rassure, avec ce petit ouvrage, nul hermétisme universitaire, mais une présentation aussi claire que possible sur la nature de l’âme et du primat du feu, essentiel dans la pensée du philosophe ermite, guère compris de ses contemporains. Au terme de cette riche évocation de la pensée d’Héraclite, le lecteur s’approchera au plus près de cette tentative de connaissance totale de la réalité qu’avait recherchée toute sa vie le philosophe, une fin en soi, mais également un moyen à garder tout au long de sa vie afin de vivre au sens plein du terme. Une belle initiation à la sagesse antique !
		« Lucrèce ; La naissance des choses » ; Edition bilingue établie par Bernard Combeaud ; Préface de Michel Onfray ; Editions Mollat / Bouquins, 2021. Plaisir que de lire « La Naissance des choses » ou « De rerum natura » du poète Lucrèce dans cette édition bilingue établie par le regretté Bernard Combeaud (1948-2018) et parue aujourd’hui dans la collection Bouquins. Texte majeur de la littérature antique, Bernard Combeaud a souhaité pour cette édition revenir à sa version originelle et retenir la rigueur de traduction de la métrique latine. Un choix tout à son honneur et qui a reçu le prix Jules-Janin de l’Académie française en 2016. « La Naissance des choses » ou « De la Nature des choses », seul et unique livre connu du poète latin comporte plus de sept milles vers. Bernard Combeaud, bien que reconnaissant qu’il existe de très talentueuses traductions, avoue cependant que « fasciné depuis longtemps par ce génie si proche de Dante ou d’Hugo, j’avais caressé l’idée de traduire sur frais le poème de La Nature », ajoutant : « Rendre en prose un poème étranger est une opération du même ordre qu’adapter un roman pour le cinéma ou que transposer une partition pour un autre instrument que celui pour lequel elle avait d’abord été composée : dans les deux cas, on change alors non de langue seulement, mais bien de langage ». Comment ne pas acquiescer ? De Lucrèce, lui-même, poète-philosophe du 1er siècle avant notre ère, on ne connaît que très peu de choses, si ce n’est qu’il eut pour maître Épicure et que cela est donc toujours une réjouissance extrême que de lire et relire en ces vers les principes d’un monde épicurien selon le poète latin. Une philosophie « praticable » ainsi qu’aime à le rappeler Michel Onfray qui signe, ici, la présentation de cette édition. Une présentation sous forme d’un échange « A bâtons rompus » entre le philosophe normand et Bernard Combeaud, mais interrompu malheureusement par la disparition de ce dernier. Un échange fécond revenant sur les sources, sur Epicure et Lucrèce, sur le poète et les Dieux… Un seul, long et inachevé, poème condamné par saint Jérôme et autres pères de l’Eglise mais qui fut, souligne Bernard Combeaud en son avant-propos, célébré par Cicéron lui-même : « Les poèmes de Lucrèce sont bien ce que tu m’écris : ils brillent de toutes les lumières du génie, sans que l’art y perde, tant s’en faut » écrivait l’orateur romain à son frère. Ce qui conduit Michel Onfray à penser que « La volonté de recourir au miel du vers pour faire passer le vinaigre de la sagesse épicurienne fait philosophiquement sens : Lucrèce s’adresse au plus grand nombre, ce faisant, il élargit avec bonheur le public de la philosophie. » Un bonheur que Bernard Combeaud a par cette traduction su si bien renouveler. Bernard Combeaud a qui nous devons également les « Œuvres complètes » du poète Ausone. L.B.K.
		Frédéric Lenoir « Jung – Un voyage vers soi », Albin Michel, 2021. Frédéric Lenoir signe chez Albin Michel une biographie consacrée au célèbre psychanalyste suisse Carl Gustav Jung (1875-1961) alerte, informée, et surtout, bien venue en France, pays longtemps dominé par le courant freudien grâce notamment à Marie Bonaparte, puis majoritairement lacanien. Au-delà des prises de position, malentendus – et bien qu’un vaste travail d’édition ait été entrepris par le regretté Michel Cazenave, il est heureux que Frédéric Lenoir offre de nouveau aujourd’hui les clés d’entrée nécessaires à l’œuvre de Jung. Car si certains apports du psychanalyste sont connus – on pense notamment aux archétypes, à l’inconscient collectif, son legs demeure cependant riche et complexe, voire ésotérique. C’est là, cependant, confondre ses recherches personnelles et ses découvertes et apports en matière de psychanalyse, alors que le célèbre psychanalyste fut ainsi que l’écrit l’auteur dès son introduction un fantastique « éveilleur et visionnaire », soulignant que « Jung n’a cessé de rappeler que c’est de l’intérieur de la psyché humaine que se trouvent à la fois les solutions d’un avenir meilleur et les pires dangers pour l’humanité et la planète ». Or, en notre période troublée par tant de crises sanitaire, économique, sociale…, les apports et découvertes du célèbre psychanalyste gardent sur nombre de points toute leur pertinence et actualité. Frédéric Lenoir livre, ici, une biographie didactique, distinguant selon les parties et les chapitres les grandes périodes de la vie du psychanalyste, sa rencontre et rupture avec Freud, ses voyages, amours et amitiés, et les points sensibles ou grandes notions de la psychologie analytique : Le Moi et le Soi, l’individuation, l’homo religiosus, synchronicité, des notions également chères à Mircea Eliade. Jung en consommant sa rupture avec Freud fut l’un des premiers psychanalystes à prendre en compte la dimension spirituelle. Cependant, bien que renonçant à être le dauphin de Freud, considérant que la libido ne saurait être réduite à la sexualité, Jung ne reniera jamais – contrairement à ce que l’on pense souvent, pour autant l’apport du père de la psychanalyse. Qui plus est, Frédéric Lenoir n’élude en ces pages aucun point délicat notamment la question de la position de Jung durant la Seconde Guerre mondiale et plus particulièrement durant les années 1933-1939 ; une position demeurée floue et ayant conduit nombre d’analystes à écarter l’apport et l’œuvre de Jung. Indéniablement, Frédéric Lenoir a entendu s’impliquer dans cette biographie n’hésitant pas à plusieurs reprises à donner son opinion et à utiliser le « je ». Tant l’œuvre du psychanalyste que l’homme – et ses indissociables lieux de prédilection, Küsnacht, Bolligen, y sont présentés avec un réel intérêt et une jolie affinité. Un ouvrage plaisant et didactique offrant les clés indispensables pour aborder la pensée du grand psychanalyste Carl Gustav Jung et proposant, ainsi que l’indique son titre, « Un voyage vers le soi ». Parallèlement à cette publication, deux œuvres de Carl Gustav Jung paraissent dans la collection de poche Espaces libres Psychologie des éditions Albin Michel « L’Âme et le soi – Renaissance et individuation » ainsi que « Aiôn – Etudes sur la phénoménologie du soi ». L.B.K.
		Focus Le regard des photographes de l'AFP édition spéciale 2020, La Découverte, 2021. Chaque année l’Agence France Presse rassemble ses photographies les plus marquantes afin de résumer une année. Mais cette année passée n’est assurément pas à l’image des autres années puisque 2020 a connu l’incroyable pandémie du Coronavirus qui sévit encore aujourd’hui. Aussi n’est-il pas étonnant que les premiers clichés marquants soient consacrés à ce qui allait mobiliser la planète entière. Un homme en train d’agoniser sur un trottoir en Chine alors que personne ne souhaite le toucher du fait du virus, le marché « maudit » de Wuhan d’où tout serait parti, un hôpital de campagne « sorti de terre » en quelques jours comme seul peut le faire le pouvoir chinois… Dans ces photos des plus grands photographes de l’AFP, c’est le tragique qui se dispute à la démesure ; des barricades tentent, en vain, de confiner les quartiers, une autre vie s’organise, de manière futuriste sur une planète en apnée, mais devenue pourtant notre quotidien depuis… Alors que se comptent les morts et destins tragiques, la vie continue néanmoins avec parfois ses représentations théâtrales presque surréalistes dans une maison de retraite, des balcons qui dans le monde entier deviennent des lieux de sociabilisation… Esthétiques, éloquentes, étonnantes, stupéfiantes, les qualificatifs pour ces clichés pris par les plus grands photographes de l’AFP ne manquent pas pour cette information en images de tout premier plan d’une année qui aura marqué la planète entière.
		Grand Atlas 2021 sous la direction de Frank Tétart, cartographie : Cécile Marin, éditions Autrement, 2020. Impression d’être perdu dans la multitude des rapports de puissance au niveau planétaire ? Sensation de ne plus percevoir les enjeux de la mondialisation à l’heure du COVID-19 ? Ce Grand Atlas réalisé sous la direction de Frank Tétart apportera bien des éclaircissements et réponses à ces questions légitimes. Avec l’aide de plus de 100 cartes, 50 infographies et documents pour comprendre le monde, ce Grand Atlas va au-delà des ouvrages de ce genre en ajoutant une dimension analytique indéniable afin de mieux discerner les tensions, enjeux et défis internationaux. Réalisé en partenariat avec Courrier international et franceinfo, ce Grand Atlas permet non seulement de comprendre le monde du XXIe siècle mais offre également des rappels précieux sur l’Histoire telle cette rubrique consacrée à la peste noire qui toucha l’Europe au XVe siècle, la guerre de Sécession, la naissance de l’État libre d’Irlande, de l’Europe ou encore la construction du mur de Berlin… Réunissant les analyses des meilleurs spécialistes français dans diverses disciplines (géographes, économistes, politologues…), ce livre abondamment illustré par de remarquables cartes adaptées par Cécile Marin conjugue graphisme didactique et développements analytiques afin de mieux comprendre le monde d’aujourd’hui et de demain.
		« Les nouvelles figures de l'agir - Penser et s'engager depuis le vivant » Miguel BENASAYAG, Bastien CANY, Editions La Découverte, 2021. Le philosophe et psychanalyste Miguel Benasayag vient de publier avec le journaliste Bastien Cany un ouvrage sur « Les nouvelles figures de l’agir » à l’heure des biotechnologies et autres pandémies. Ce thème de l’agir occupe le philosophe depuis longtemps déjà, mais cette notion délicate se trouve posée de nouveau à l’acmé d’un environnement conflictuel. Paradoxalement, alors que les situations qui nous entourent obscurcissent notre ciel de menaçants nuages, nos contemporains semblent pris d’un vent de panique qui les conduit à une paralysie certaine empêchant toute action. Ce n’est pourtant pas les informations – la surinformation même – qui manquent pour éclairer tant soit peu notre entendement. Alors quelle sorte d’entrave retient l’action ? C’est à cette question à laquelle s’attache cet ouvrage exigeant et stimulant, une réflexion qui implique notre manière de percevoir le monde et nos représentations de la réalité, souvent masquées au profit d’une prétendue connaissance technologique et omnisciente. Ni technophobes ni technophiles, c’est une voie médiane pensée que nous suggèrent les auteurs. La voie, non point d’une issue, illusoire, mais d’une réaction à cette paralysie passe par notre rapport aux autres, à la nature et à la culture afin d’accepter la complexité pour mieux composer à partir d’elles. Les liens tissés dans ce paysage sont la plupart du temps ignorés, si ce n’est niés par nos contemporains. Allant au-delà de l’universalisme, mais aussi de tout relativisme, il y urgence à excentrer l’humain ; il y a urgence selon Miguel Benasayag et Bastien Cany à s’engager dans cette démarche au risque de passer à côté de l’humain dans les années à venir. Replaçant sa philosophie de la situation et de l’action dans le contexte exacerbé que nous connaissons ces dernières années, les auteurs démontrent la différence que nous ne faisons pas toujours au quotidien entre information et compréhension, cette dernière impliquant le corps entier, avec toutes ses fragilités. Passant allègrement de la philosophie à la neurobiologie, deux disciplines dans lesquelles l’auteur offre depuis longtemps des analyses aussi vivifiantes que stimulantes, Miguel Benasayag n’est jamais là où on l’attend. Et nous devrions peut-être retenir cette agilité de dépasser les paradoxes pour atteindre cette flexibilité évitant la résignation actuelle. Le progrès n’est plus le maître mot de nos sociétés contrairement à ce que les intégristes des technologies clament de leurs chapelles… Entre catastrophisme convaincu et foi aveugle en un avenir improbable, il existe une voie médiane, transversale, qui passe par une nouvelle prise de conscience de nos corps, avec toutes leurs imperfections, non point par une pleine conscience illusoire, mais en conciliant toutes nos contradictions en une puissance d’agir. Afin d’éviter la dislocation de l’humain, l’écrasement du présent par la tyrannie du smartphone, l’infatuation du je en d’infinis selfies, la voie est loin d’être rectiligne, mais l’incertitude omniprésente de nos quotidiens vaut bien ces stimulants détours ! Philippe-Emmanuel Krautter
		Carl G. Jung : « Les sept sermons aux morts », Coll. Carnets, Éditions de l’Herne. Cet opuscule, « Les sept sermons aux morts », du psychanalyste suisse Carl G. Jung est un écrit personnel s’inscrivant « en marge » de ses ouvrages théoriques sur la psychanalyse. Daté de 1916 et rédigé en trois nuits dans un état extatique, le psychanalyste y décrit ou consigne pour lui-même une expérience intérieure qui fut pour lui d’une force inouïe et qu’il gardera secrète. C. G. Jung écrira à son sujet dans sa biographie « Ma vie » : « Il faut prendre cette expérience comme elle a été ou semble avoir été. Elle était probablement liée à l’état d’émotion dans lequel je me trouvais alors et au cours duquel des phénomènes parapsychologiques peuvent intervenir. Il s’agissait d’une constellation inconsciente et je connaissais bien l’atmosphère singulière d’une telle constellation en tant que numen d’un archétype (…) » Cette expérience d’une force intérieure particulière intervint deux ans après la rupture de Jung avec Freud qui l’amena à faire un important et profond retour sur lui-même et à affronter rêves et inconscient. Dans « Les sept sermons aux morts », Jung relate une vision qu’il eut par le biais d’un philosophe du IIe siècle, Basilide, lui révélant ce qu’est le plérôme ou monde céleste. « Les sept sermons aux morts » peuvent donc apparaître extrêmement étranges et déroutants à celui qui découvre l’œuvre du psychanalyste par ce texte. Ainsi que le souligne l’avant-propos, « De fait, on ne saurait nier qu’ils posent à la compréhension maintes énigmes. » Pourtant, nul doute que cette expérience intérieure, si étrange soit-elle, fut l’une des pierres angulaires de l’élaboration de la psychanalyse analytique. Ce texte fut longtemps considéré à tort comme un écrit d’inspiration purement gnostique. Or, s’il est vrai que C. G. Jung s’intéressera de près aux sources gnostiques (comme à de nombreuses autres sources), cette expérience intime marquera bien au-delà tant l’homme que le théoricien et père de la psychanalyse analytique. En témoigne ce qu’écrivit Jung lui-même au sujet des « Sept sermons aux morts » dans « ma vie » : « Car les questions auxquelles, de par mon destin, je devais donner réponse, les exigences auxquelles j’étais confronté, ne m’abordaient pas par l’extérieur mais provenait précisément du monde intérieur. C’est pourquoi les conversations avec les morts, les « Sept sermons aux morts », forment une sorte de prélude à ce que j’avais à communiquer au monde sur l’inconscient ; ils sont une sorte de schéma ordonnateur et une interprétation des contenus généraux de l’inconscient ». A ce titre, cet écrit personnel ne saurait être aujourd’hui, 60 ans après la mort de Carl G. Jung, occulté de toute approche de la psychanalyse analytique, et il faut saluer les éditions de l’Herne d’avoir eu l’initiative de publier cet écrit. Un texte comportant par ailleurs deux autres écrits « Le problème du quatrième » et « La psychanalyse analytique est-elle une religion ? » également insérés dans cette nouvelle édition. L.B.K.
		« Arthur Schopenhauer – La fin du monde, voilà mon salut. – entretiens » ; Coll. Du côté des auteurs, Editions établie et présentée par Didier Raymond, Editions Le Passeur, 2021. Schopenhauer au faîte de sa notoriété accorda un certain nombre d’interviews. Certes, si elles demeurent moins connues que ses œuvres majeures – « Le monde comme volonté et comme représentation », elles méritent pourtant qu’on s’y arrête. À ce titre, il faut saluer l’initiative des éditions Le Passeur d’avoir publié dans sa collection « Du côté des auteurs » ces savoureux entretiens augmentés de mémoires ou souvenir rapportés par ses disciples ou admirateurs. Ces entretiens et portraits sont d’autant plus intéressants qu’ils offrent au lecteur un autre éclairage, parfois très inattendu, sur la personnalité du philosophe. En ces pages, transparait en effet plus l’homme que le philosophe. Or, ainsi que le souligne Didier Raymond dans sa préface : « Tout ce que l’on peut apprendre sur la personnalité de Schopenhauer peut éclairer certains aspects de son œuvre ». Un point de vue que partageait le philosophe lui-même, la biographie ne pouvant être, selon lui, séparée d’une œuvre. Ainsi, ce dernier écrira-t-il notamment « On peut tout oublier excepté soit même, excepté son propre être. En effet, le caractère est incorrigible. » Un jugement qui influencera Nietzsche, mais que Schopenhauer ne s’appliquera cependant guère à lui-même. Or, ce sont justement des portraits, attitudes et postures au travers d’entretiens et souvenirs rassemblés et révélant chacun à leur façon la personnalité et certains traits de caractère de Schopenhauer que nous donne à découvrir cet ouvrage. Schopenhauer, la célébrité enfin venue, accorda volontiers des interviews et y prit même un certain plaisir. Étudiant ses gestes et effets, il prenait un malin plaisir parfois à effrayer ou choquer ses interlocuteurs. Des postures et prises de position que le lecteur retrouvera dans trois entretiens, accordés deux ans avant sa mort, en 1858. Celui avec C. Challemel-Lacour, tout d’abord, professeur, d’un pessimiste tout schopenhauerien, lors d’une rencontre avec le philosophe à Zurich, suivi de ceux accordés à Fréderic Morin et au conte L.-A. Foucher de Careil. Schopenhauer s’y montre volontiers loquace, alternant entre séduction et provocation et livrant des réponses parfois cocasses ou inattendues. À ces trois entretiens, le lecteur pourra également retrouver avec bonheur, en seconde partie, les mémoires concernant le philosophe de son principal disciple, Frauenstoedt. Ce dernier fut très proche de Schopenhauer, entretient avec lui une correspondance suivie jusqu’à la mort du maître, fit connaître et divulgua largement sa pensée avant que Schopenhauer ne lui lègue l’ensemble de ses manuscrits et lui donne tout pouvoir sur les éditions à avenir. Viennent s’ajouter à ces souvenirs ceux de Karl Boehr, fils d’un ami du philosophe, qui le rencontra à deux reprises en 1856 et 58, et ceux d’un étudiant – Beck – lui ayant rendu visite en 1857. Enfin, des vers inédits du philosophe viennent clore cet ouvrage offrant ainsi bien des facettes, parfois fort méconnues ou inattendues, du célèbre philosophe. L.B.K.
		Platon : « Œuvres complètes » ; Edition sous la direction de Luc Brisson, 2200 p., 168 x 245 mm, Broché, Éditions Flammarion, 2020. Proposer une édition réunissant la totalité des dialogues de Platon est une entreprise suffisamment audacieuse et rare pour être soulignée. Lorsqu’en plus, ces sources essentielles de l’Antiquité et de la culture classique se trouvent être introduites et commentées par un appareil critique de toute première qualité, c’est alors un argument supplémentaire pour faire de cette édition le texte de référence qui fera assurément date en français. Luc Brisson, directeur de recherche au CNRS n’est plus à présenter et ses travaux sur Platon ont contribué à mieux faire connaître le grand philosophe de l’antiquité souvent plus cité que lu… Or, justement, grâce à cette monumentale édition des œuvres complètes de Platon, c’est le geste philosophique par excellence qui se trouve au cœur de ces 2200 pages, à savoir le questionnement incessant sur ce qui constitue l’homme et la cité, ainsi que l’abandon de toutes idées reçues et une critique de la sophistique. À partir de la figure centrale de Socrate qui le conduira à la philosophie - notamment avec son dernier geste face à ses accusateurs - Platon encourage son lecteur à la méthode dialectique, une interrogation et un dialogue ininterrompus sur ce qui semble être acquis. Ainsi que le souligne Luc Brisson en introduction, Platon est « le philosophe par excellence » celui qui donna au terme « philosophie » le sens qu’il a encore de nos jours. L’autonomie de la pensée, l’amour de la sagesse comme quête essentielle de l’individu et fondement de la cité, le dualisme de l’âme et du corps… autant d’idées essentielles parvenues jusqu’à nous et qui trouvent leurs fondements dans la pensée platonicienne. Cette édition réunit non seulement la totalité des dialogues de Platon, mais a également intégré la traduction inédite des œuvres apocryphes et douteuses, des sources également précieuses afin de mieux comprendre comment s’est constituée la tradition platonicienne après la disparition du philosophe en 348/7 alors qu’il travaillait à la rédaction des « Lois ». Soulignons, enfin, que cette édition, loin d’être réservée aux seuls érudits et spécialistes de la philosophie antique, a été conçue, grâce aux introductions à chacune des œuvres, pour s’adresser également à nos contemporains, celles et ceux pour qui l’interrogation sur l’homme et la cité demeure au cœur de leurs préoccupations, une question toujours d’actualité ! Philippe-Emmanuel Krautter
		Jacques Attali : « L’économie de la vie », Éditions Fayard, 2020. C’est un ouvrage d’actualité, comme toujours très informé, des plus instructifs et d’une urgente nécessité que nous propose Jacques Attali avec « L’économie de la vie ». Un ouvrage pour comprendre non seulement le monde d’aujourd’hui, ce qui nous est arrivé, mais aussi et surtout celui de demain, celui encore envisageable ou ceux malheureusement également probables si… Après avoir dressé, de manière concise, l’histoire des épidémies et pandémies d’hier à nos jours, et souligné la multiplication croissante de celles-ci ces dernières décennies faisant non présager, mais bien prévoir une pandémie mondiale – ce que l’auteur avec d’autres n’avait précédemment pas manqué d’avertir – Jacques Attali revient sur ce que l’humanité entière en cette année 2020 a vécu ; sur ce que nous avons réellement vécu, la crise sanitaire, le confinement, et sur un plan économique, cet arrêt brutal et décidé quasi mondial de l’économie et qui aurait pu être selon lui évité à l’exemple de la Corée du Sud, si nombre de gouvernants n’avaient, avec plus ou moins de sincérité, opté pour suivre celui de la Chine. Mais après ? C’est à cette interrogation essentielle, celle du choix encore possible du monde de demain, celui de nos enfants, qui demeure au cœur de cet ouvrage et des préoccupations de l’auteur. Car, s’il est nécessaire de tirer les leçons de cette pandémie ayant bouleversé nos vies, écrit-il, encore faut-il également comprendre ce qui nous attend ; « Une crise économique, philosophique, idéologique, sociale, politique, écologique, stupéfiante, presque inimaginable ; plus grave en tout cas qu’aucune autre depuis deux siècles », souligne Jacques Attali. Il y a dès lors plus que jamais urgence à comprendre les enjeux de ce qu’il nomme « L’économie de la vie ». Ces enjeux qu’impose et imposera le choix – peut-être encore possible - d’un monde vivable ou du moins plus vivable que d’autres. Livrant une vue d’ensemble, il y développe les multiples défis et choix - santé, eau, éducation, choix écologiques… - que suppose dès maintenant ce passage d’une « économie de survie » à une « économie de la vie », de l’économie au social, de l’éducation à la culture, de la nourriture à l’habitat, peu de points essentiels n’échappent à l’acuité de l’auteur. À défaut, ce sont d’autres mondes qui malheureusement sauront inexorablement s’imposer. Jacques Attali n’ignore pas, en effet, ni ne cache ou sous-estime, ce qui nous attend si nous ne prenons conscience de l’extrême urgence de ces choix vitaux, climatiques, économiques, sanitaires et sociaux… de cette « Économie de la vie ». Et « Se préparer à ce qui vient », annonce le bandeau de l’ouvrage, qui peut, en effet, sciemment y renoncer ? L.B.K.
		« Arthur Schopenhauer – Parerga et Paralipomena » ; Edition établie et présentée par Didier Raymond ; Traduction de l’Allemand par Auguste Dietrich et Jean Bourdeau, 1088 p., Collection Bouquins, Éditions Robert Laffont, 2020. S’il y a bien un philosophe qui bouscule, c’est assurément Arthur Schopenhauer. Rares sont ceux qui n’y ont trouvé réponses, échos, oppositions ou franches réfutations à leurs pensées, doutes ou questionnements. Pourtant, la renommée de ce grand philosophe allemand qui ne saurait laisser indifférent, fut, de son vivant, bien tardive. Il lui faudra, en effet, affronter une longue traversée du désert, bien qu’ayant déjà publié la majorité de ses grands ouvrages, avant que le succès ne soit au rendez-vous. Celui-ci lui sera donné, moins d’une dizaine d’années avant sa disparition survenue en 1860, lors de la parution de «Parerga et Paralipomena », soit plus de trente ans après celle sans succès du « Monde comme volonté et représentation ». Ce ne sera, en effet, qu’en 1851, avec la publication de ces deux volumes, sa dernière œuvre, qu’Arthur Schopenhauer sera enfin salué et reconnu à sa juste valeur par ses contemporains. Or, c’est justement cette œuvre foisonnante aux multiples thèmes que nous donne aujourd’hui à lire la Collection Bouquins dans cette édition établie et présentée par Didier Raymond, professeur à l’Université Paris VIII et spécialiste de Schopenhauer. Et si la traduction littérale du titre grec signifie « Accessoires et Restes », il faut avouer qu’il s’agit là de très savoureux suppléments venant compléter son œuvre maîtresse ! « Parerga » s’ouvre par trois livres majeurs – « Les écrivains et le style » ; « La langue et les mots » ; « La lecture et les livres ». D. Raymond souligne combien ces textes « ont exercé une énorme influence sur des auteurs aussi différents que Nietzsche, Proust ou Wittgenstein. ». Suivent les grands thèmes schopenhaueriens, la religion, la philosophie, le droit et la politique, la métaphysique, le beau et l’esthétique… Une philosophie à la fois éthique et métaphysique, « deux choses que l’on a à tort – pour le philosophe – séparées jusqu’ici… » Des thèmes dans lesquels se glissent pêle-mêle des considérations sur le suicide ou sur l’éducation, des pages parfois surprenantes notamment sur le bruit qui lui était insupportable ou encore ce bref « Essai sur les apparitions et les faits qui s’y rattachent ». C’est une philosophie qui se veut praticable – « pour bien s’en tirer » aimait-il à écrire - exposée dans un style clair et accessible que nous propose en ces pages, comme toujours, Schopenhauer en opposition avec les philosophies conceptuelles de ses prédécesseurs. Une philosophie de la vie comme subsistance ou survie pour ce philosophe d’un pessimisme radical et ayant fait sienne la célèbre phrase de Bichat « La vie est l’ensemble des forces qui résistent à la mort ». Schopenhauer offre cette pensée mûrement réfléchie, ne craignant ni les critiques ni les oppositions, en témoignent ces « Remarques de Schopenhauer sur lui-même ». Bataillant contre la haine, la bêtise, l’égoïsme, le désir ou encore la vengeance source d’une plus grande souffrance que celle du repentir, des thèmes forts que l’on retrouvera au XXe siècle brillamment développés par Vladimir Jankélévitch. Certes, si certaines de ses positions peuvent susciter opposition, voire indignation, tel son « Essai sur les femmes », d’une misogynie peu acceptable de nos jours, bien d’autres de ses réflexions demeurent, en revanche, pour cet homme né à la fin du XVIIIe siècle (1788), d’une profonde pertinence, notamment ses prises de position contre l’esclavage et la traite des Noirs ou encore contre la maltraitance des enfants. Rien n’interdit au lecteur, selon les fragments, de hurler, sourire ou de rire aux éclats. Si Schopenhauer est un philosophe génial, nul n’a dit pour autant « parfait » ! Misanthrope à l’excès – il est vrai – (pour qui « l’homme n’est pas seulement un animal méchant par excellence », mais bien une espèce non seulement bestiale mais démoniaque), mais aussi colérique, pessimiste à souhait, intransigeant, méfiant à l’extrême… il a surtout pour lui, en contre point, cette curiosité insatiable et cette fantastique énergie intellectuelle qui en font son charme et en fondent toute sa valeur ; Cette lucidité implacable et sans concessions, fruit d’une féconde réflexion soumise jusqu’à la limite de la contradictio. D’une lucidité tragique mais ne se complaisant nullement dans le malheur, sa philosophie est comme sa « vie dans le monde réel – écrira-t-il – une boisson douce-amère ». Schopenhauer était conscient de sa valeur, celle-là même que nul ne lui conteste aujourd’hui, celle d’être un des plus grands philosophes. Surtout, Arthur Schopenhauer demeure de par la réflexion et les confrontations qu’il peut susciter, un des philosophes les plus stimulants. Comment, dès lors, en ces temps de confinement, y résister ?! L.B.K.
		Jean-Louis Servan-Schreiber : « Avec le temps… », Dessins de Xavier Gorce, Éditions Albin Michel, 2020. Le temps aura toujours été une composante importante dans la vie du patron de presse et essayiste Jean-Louis Servan-Schreiber et, ses 80 ans dépassés, cette acuité ne s’est pas estompée mais affinée. À l’heure où les projets d’avenir ne sont plus la priorité, c’est la vie dans l’instant présent qui compte maintenant dans le quotidien de l’auteur. Cette vie a d’ailleurs toujours été au centre des priorités de Jean-Louis Servan-Schreiber, lui conférant une certaine sacralité et lui faisant détester tout ce qui est susceptibilité de la menacer, ou pire, de la nier. À défaut d’embrasser une transcendance qui lui a semblé toujours lointaine, l’auteur a donc tout misé sur la vie et son pari, c’est de la vivre jusqu’à son terme, bel impératif philosophique ! Pour mener cette mission de tous les instants, rigueur et discipline sont au programme, une exigence que certains pourront trouver certes peut-être trop contraignante, c’est une question de priorités… Car en lisant « Avec le temps… », le lecteur comprendra qu’il faut s’exercer à vivre de peur de laisser ces instants filer inexorablement, sans s’en rendre compte. Or cette leçon ne s’apprend guère sur les bancs de l’école ni dans les universités, mais au quotidien, démarche philosophique s’il en faut. L’injonction socratique « Connais-toi toi-même » invite à prendre le temps de ce discernement. Sénèque ne dit pas autre chose lorsqu’il rappelle : « Être heureux, c'est apprendre à choisir. Non seulement les plaisirs appropriés, mais aussi sa voie, son métier, sa manière de vivre et d'aimer ». Jean-Louis Servan-Schreiber n’a pas oublié ces leçons du passé, tout en s’imposant de vivre au présent, aujourd’hui encore plus qu’auparavant. Face au relativisme ambiant amplifié par les réseaux sociaux et les réactivités de tout bord, et aux processus de déconstruction sapant toutes les repères jugés intangibles jusqu’à récemment, il importe de se retrouver, cultiver cette intimité avec soi-même pour mieux se comprendre ainsi que nos semblables. Distance avec tout ce qui trouble la vie et proximité avec tout ce qui la nourrit, telle est l’attitude encouragée par Jean-Louis Servan-Schreiber à la veille du grand âge, une réflexion livrée avec humilité et qui pourra retenir l’attention de celles et ceux qui n’auront pas encore atteint ce stade de la vie. Philippe-Emmanuel Krautter
		Pier Paolo Pasolini : « Entretiens (1949-1975) », Édition établie par Maria Grazia Chiarcossi, traduit de l’italien par Marie-Ange Patrizio, présentation éditoriale par Aymeric Monville, Éditions Delga, 2019. Les passionnés de l’écrivain Pier Paolo Pasolini se réjouiront de découvrir cette sélection d’entretiens pour la plupart inédits en français dans cette édition établie par Maria Grazia Chiarcossi, grande spécialiste de l’écrivain, ayant notamment préparé son œuvre complète en Italie. Mais ce livre pourra également être une belle porte d’entrée dans l’univers pasolinien pour les néophytes, ces pages abordant les très nombreux thèmes récurrents de son œuvre. Car Pasolini, et c’est un aspect souvent méconnu en France, était très attaché à son statut de journaliste, il contribua d’ailleurs jusqu’à la veille de son assassinat en 1975 à collaborer à de nombreux journaux et revues culturelles, n’hésitant pas à prolonger dans ces articles sa vision engagée du monde et de la société, allant jusqu’à la polémique si nécessaire. Le cinéma sera bien entendu omniprésent dans la première partie, ce qui permettra au lecteur français de placer quelques jalons supplémentaires dans sa connaissance du cinéaste. Mais la politique, sans oublier la poésie, constituent les fils directeurs de sa pensée, une action militante et de résistance face au rouleau compresseur de la pensée unique consumériste qu’il ne cessa sa vie durant de dénoncer et qui lui coûta peut-être la vie. Contrairement à ce qui a souvent été avancé, le polémiste fait preuve d’un grand respect pour son contradicteur, allant même jusqu’à accepter de se mettre à sa place, Pasolini ayant toujours reconnu qu’il était issu d’un milieu petit-bourgeois bien différent des petites gens qu’il décrivit dans ses films et romans. Pasolini surprend, choque, et surtout bouscule nos idées reçues, n’hésitant pas à se placer là où on ne l’attendait guère comme lorsqu’il défendit les policiers d’origine prolétaire agressés par les étudiants bourgeois en 1968… Marxiste et parallèlement fasciné par une certaine transcendance diluée dans les milieux pauvres qu’il décrivit, amoureux du verbe et de la poésie et apôtre de l’argot le plus rude des banlieues romaines, Pasolini suggère une attitude face à ce « rouleau compresseur impérialiste », des interrogations trouvant une actualité la plus sensible aujourd’hui encore, plus de 45 ans après, ainsi que le souligne Aymeric Monville dans sa présentation de l’ouvrage. Philippe-Emmanuel Krautter
		"Dictionnaire amoureux de l'Allemagne" de Michel MEYER, format : 132 x 201 mm, 880 p., Plon éditions, 2019. À l’heure du trentième anniversaire de la chute du Mur de Berlin, il manquait assurément un Dictionnaire amoureux de l’Allemagne. C’est chose faite sous la plume inspirée de l’écrivain et journaliste Michel Meyer. Auteur de nombreux ouvrages sur un pays souvent plus méconnu que réellement familier, Michel Meyer suggère de découvrir « son » Allemagne, celle qu’il a eu l’occasion tout au long de sa riche carrière de parcourir, commenter, dialoguer ; Une Allemagne avec laquelle il a su nouer une histoire de cœur qui débute non loin de ses frontières en France à Schirmeck, petite ville de la vallée vosgienne où il naquit en 1942. Hölderlin et Goethe sont cités en exergue, comme invitation inspirée pour découvrir cette nation à la croisée des chemins depuis la plus haute antiquité. Une Allemagne plurielle, assurément, par ses nombreuses identités remontant bien au-delà des peuples germaniques décrits par Tacite, mais aussi par ses paradoxes et les tourments de sa longue Histoire. Impossible d’échapper aux repères initiaux de l’auteur notamment la Seconde Guerre mondiale vécue en un espace géographique plus que sensible à quelques kilomètres d’un camp de concentration visité quelques années après la chute du nazisme. Malgré cela, l’attraction est intacte. Car même si Michel Meyer s’est posé la question au tournant du dernier millénaire « le démon est-il allemand ? », la sirène de la Lorelei continue à fasciner et à attirer inexorablement vers elle, tous ceux qui cèdent à son chant… Alors consentons sans entraves à découvrir en amoureux cette Allemagne suggérée par Michel Meyer, en commençant cette escapade par l’entrée « Adenauer », premier chancelier d’après-guerre, une lourde responsabilité si l’on songe à ce que l’Europe avait subi du fait de son sinistre prédécesseur. Suivent les fameuses « Affinités électives » chères à tous les lecteurs de Goethe qui sut saisir comme nul autre ce qui fait et défait les unions entre les êtres, des liens ténus et indéfinissables et qu’il parvint pourtant à si bien évoquer. Le lecteur pourra, selon son humeur, poursuivre page après page, avec les « Allemandes » célèbres comme Gretchen, singulière comme Lou Andreas von Salomé. Il pourra aussi ouvrir ce volumineux dictionnaire au gré de son inspiration ou du hasard, et redécouvrir cette incroyable « Chute du Mur » vécue en direct par le journaliste dans la nuit du 9 novembre 1989… Le Dictionnaire amoureux de Michel Meyer réserve également de beaux développements aux artistes, poètes et écrivains qu’il chérit : Hölderlin, Goethe – nous l’avons souligné, mais aussi Rilke ou encore des noms plus proches de nous comme Karl Lagerfeld récemment disparu. Chaque entrée peut être considérée comme une proposition d’appréhender une nation, une civilisation, une culture, avec avant tout cet esprit allemand que ce Dictionnaire amoureux célèbre avec passion. Philippe-Emmanuel Krautter
		Miguel Benasayag « La théorie des algorithmes » conversation avec Régis Meyran, Éditions Textuel, 2019. Ainsi que le souligne Régis Meyran en ouverture de cette conversation avec le philosophe et psychanalyste Miguel Benasayag (voir notre entretien), il existe une autre alternative au « pour » ou « contre » la machine infernale qui s’introduit, aujourd’hui, de plus en plus dans le discours actuel. C’est cette direction d’une autre alternative vers laquelle le philosophe s’oriente, une autre direction, plus urgente encore et sans concessions sur les risques encourus par l’aveuglement du tout technologique, le nouvel âge de l’IA, l’Intelligence Artificielle. Préférant la pensée rhysomique chère à Deleuze et Guattari et les chemins de traverse pour aborder ces questions essentielles, l’entretien part du postulat qu’être pour ou contre est déjà dépassé, les algorithmes étant déjà omniprésents aujourd’hui dans notre quotidien et dictent déjà, moins sournoisement qu’impérieusement, un grand nombre de traits de notre vie… Miguel Benasayag n’hésite pas à rappeler que des études scientifiques ont déjà démontré une « atrophie » de la zone du cerveau correspondant à l’orientation du fait de l’usage intensif du GPS par des chauffeurs de taxi ! La question serait plutôt : que devons-nous faire, à partir de cette réalité, pour préserver notre dimension humaine et celle des générations à venir dans les prochaines années ? Comment ne pas perdre ce qui fait l’humain, fonctionner ou exister ? Le philosophe avertit tout d’abord le lecteur de l’inanité de considérer « intelligent » ce qui n’est que le fruit de calculs programmés. La complexité humaine est ailleurs que dans cette « puissance » élevée au rang de la performance, alors que le propre de l’humain (et du vivant) se situe bien au-delà, avec le désir, l’erreur, les hésitations, passions, sans oublier la conscience et l’inconscience, tout cela s’inscrivant dans un corps, notre corps. « C’est le vivant qui crée du sens, pas le calcul », rappelle Miguel Benasayag. Cette mathématisation du monde est, certes, ancienne dans nos sociétés et s’est introduite avec le rationalisme et les mathématiques concurrençant à l’époque le projet divin. Le philosophe avertit cependant que la complexité du vivant ne saurait être réductible au plus complexe des calculs. Aussi savants et perfectionnés que soient ces algorithmes, il leur manquera toujours une dimension masquée qui leur résistera, cette dimension humaine, singulièrement humaine ; Ce que démontrent et confirment dès à présent déjà un grand nombre d’erreurs reconnues par la médecine moderne notamment dans le domaine des antibiotiques. « Ne pas confondre la carte avec le territoire ! », souligne Miguel Benasayag et jeter à la poubelle 90 % de l’ADN considéré comme inutile car non réductible ou résistant au codage, tel que le souhaitent un grand nombre de biologistes aujourd’hui. Au risque, un jour, de se réveiller et de comprendre (trop tard ?) que cette part « irréductible » de notre ADN avait une utilité, son utilité… Loin de toute pensée organiciste, le lien, la relation et l’interaction sont au cœur du vivant, cette « singularité du vivant » chère à Miguel Benasayag et que n’appréhende pas l’IA aujourd’hui. « Nous sommes les contemporains de la centralité de la complexité […] il nous est impossible de prétendre à une prévision complète », souligne-t-il. Or, aujourd’hui, des responsables de tout bord (économie, science, finance, politique…) sont sur le chemin de déléguer consciemment les fonctions de toute décision à la machine. Or, le présent immédiat n’occupe qu’à peine 10 à 15 % de nos pensées (une latitude qui laisse une grande place au passé et à l’avenir), alors que l’IA promet une efficacité de présence à 100 %, une performance qui ne peut que plaire aux marchés boursiers et aux partisans de l’efficacité à tout prix. Le corps se trouve dès lors pris dans l’engrenage d’un régime immatériel qui lui dicte et impose ses règles. Celles d’un individualisme exacerbé et de relativisme reposant sur l’idée de plaisir poussé à l’extrême. Le danger ne concerne pas seulement que le corps et le vivant, mais aussi le politique et le social, ces domaines étant désormais de plus en plus soumis aux diktats des algorithmes à la disposition du politique et des décisionnaires. À terme, la démocratie se retrouve remise en cause par ce schéma algorithmique donné pour infaillible au profit d’une tyrannie résultante de ce tout pouvoir algorithmique. Les prochains combats à mener par des multiplicités agissantes ne seront peut-être plus sur les barricades, mais dans les arcanes des microprocesseurs de nos ordinateurs… Philippe-Emmanuel Krautter
		Denis Ramseyer : « Les Kouya de Côte d’Ivoire, un peuple forestier oublié. », Co-édition Musée Barbier-Mueller / Editions Ides et Calendes, 2019. C’est au cœur de la forêt ivoirienne à la rencontre du peuple Kouya que nous entraîne avec cet ouvrage enrichissant, et présentant un intérêt ethnologique des plus vifs et urgent, Denis Ramseyer, ethnologue-archéologue et historien, chargé d’enseignement à l’Université de Neuchâtel. Le peuple Kouya est un petit peuple forestier de Côte d’Ivoire. Petit par sa taille, car il ne comporte que vingt milles individus et encore. Mais, petit que par sa taille seulement ! Car s’il demeure peu connu du reste du monde, cette ethnie de Côte d’Ivoire mérite pourtant de l’être tant ses modes de vie, croyances et traditions offrent une belle découverte et étude ethnologique. Fiers de leurs traditions, les Kouya sont avant tout un peuple de forestiers, un peuple parlant une langue comptant parmi les plus menacées, et à ce titre déclarée telle en 2001. Car, l’alerte est donnée. En effet, si le monde fascinant des Kouya a déjà malheureusement en grande partie disparu, ce dernier est aujourd’hui plus encore menacé. Confronté à de nombreuses situations inextricables, ce peuple risque, si nous n’y prenons garde, non plus seulement d’être oubliés, mais bel et bien de disparaître à jamais… Après avoir, en effet, subi l’arrivée des missionnaires chrétiens, les Kouya doivent depuis le début du XXIe siècle, affronter les changements climatiques. À ces changements viennent s’ajouter les nombreux conflits ayant marqué, chaque décennie de notre siècle, la Côte d’Ivoire et plus particulièrement la région au cœur de laquelle vivent les Kouya. À tout cela, s’ajoute, qui plus est, une déforestation dévastatrice due au développement de la culture du cacao, elle-même s’accompagnant de l’arrivée de migrants bouleversant l’équilibre social déjà fragile. Ethnie de forestiers menacée de toute part pour laquelle l’auteur tire depuis de nombreuses années déjà la sonnette d’alarme. Depuis 1971, en effet, année lors de laquelle Denis Ramseyer découvre ébahi la Côte- Ivoire et cet attachant peuple Kouya, ce dernier n’a cessé de réunir, assembler notes, enquêtes, reportages photographiques, des travaux que ce dernier ouvrage donne largement à voir et à découvrir. Aussi, est-ce à une enrichissante, mais aussi urgente rencontre ethnologique à laquelle nous invite l’auteur. Une étude approfondie, richement étayée et illustrée de 150 illustrations couleur, qui ne pourra qu’intéresser ethnologues ou spécialistes de l’Afrique, mais aussi séduire tout amoureux de Côte-d'Ivoire, des Kouya… ou de la terre et de ses habitants tout simplement ! À noter que ce dernier ouvrage vient compléter les précédents travaux de Denis Ramseyer : Reportage photographique en 1972, enquête ethnologique en 1975, étude ethnoarchéologique 1998, étude sur la transformation de la société et de son environnement en 2016. L.B.K.
		Jean-Michel Oughourlian : « Optimisez votre cerveau ! ; Neurones miroirs : le mode d’emploi », Edition Plon, 2019. Un livre instructif, accessible et passionnant, pour ne pas dire indispensable !, sur nos relations personnelles, familiales ou professionnelles, écrit par le Professeur Oughourlain, neuropsychiatre et professeur de psychologie à la Sorbonne. Dans ce livre, tout part du mimétisme. Rien d’étonnant à cela lorsqu’on sait que le Professeur Oughourlian est spécialisé dans la psychologie mimétique. Collège et ami de René Girard, il nous explique dans un langage clair le rôle déterminant du mimétisme (notre cerveau reptilien) en son rapport avec nos deux autres cerveaux, que sont le cerveau émotionnel et le cerveau cognitif. Le cerveau mimétique par un automatisme déconcertant n’a de cesse d’imiter – modèle/rival /rival-obstacle. Qui plus est, ce cerveau mimétique se met en branle au moindre signal perçu, des neurones-miroirs infaillibles et incessants, donc, qui ne nous quittent pas d’un pouce avec plus ou moins d’heureux bonheurs. Une imitation à laquelle notre deuxième cerveau émotionnel, par une impressionnante fidélité, viendra au plus vite emboiter le pas, et renforcer en ajustant notre humeur, nos sentiments et émotions. Notre cerveau cognitif, ce troisième cerveau, viendra, enfin, coiffer le tout. C’est simple. C’est simple, mais n’allons pas si vite pour autant ! Et si on court-circuitait ce processus de base ? Le Professeur Oughourlian nous explique, en effet, que s’il est certes difficile de déconnecter l’automatisme mimétique de notre premier cerveau, reste que « l’on peut toujours choisir le chapeau que prend notre cerveau cognitif ! » ; Haut de forme, casquette de hooligan ou chapeau du rire ? Tel est l’enjeu de cet ouvrage plus que passionnant et que clôt une poste-face d’Emmanuel Gavache tout aussi convaincante… C’est, en effet, par une meilleure compréhension du mimétisme et de son ressort sur l’inter-individualité que l’auteur, en sa qualité de neuropsychiatre, nous explique comment fonctionne le cerveau lors des crises et conflits qu’ils soient familiaux ou professionnels, individuels ou de groupe. Le premier pas consistera à comprendre et démêler ce mimétisme ayant déterminé en quelque sorte les cartes et règles avec lesquelles chacun de nous avance ; Sachant que tout mimétisme ne saurait être, bien sûr, négatif et que les exemples positifs ne manquent heureusement pas. A la base de tout, on l’aura compris, il y a le désir, ce désir mimétique de ce que l’autre a, possède, est, ou même et surtout de ce que l’autre désir. Dans la lignée de René Girard qu’il aime à citer ou de Jean-Pierre Dupuy (« La jalousie ; une géométrie du désir », Seuil, 2016), Jean-Michel Oughourlian nous démêle, de chapitre en chapitre, cet impressionnant écheveau tissé de liens mimétiques. Pouvoir, influence, suggestion, pub, réseaux sociaux, etc., et même mimétisme inversé, jalonnent cet essai. Des mimétismes positifs ou négatifs auxquels personne n’échappe, certes, mais que l’on peut approcher et quelque peu appréhender afin de « supprimer la suggestion, l’asservissement au mimétisme rival », souligne l’auteur. Cela passe avant tout par accepter l’idée que les conflits, maladies, névroses, proviennent de ce mimétisme /rivalité directe ou inavouée avec « son rival », ce modèle inversé qu’il convient de démasquer, et qui n’est pas pour autant et toujours en tant que tel un « ennemi ». Le mimétisme le plus universel engendre, quoique certain en dise, la jalousie avec pour pathologie l’envie lorsque « le rival devient ennemi », suivie de sa mise à mort dans son exacerbation extrême, souligne encore Jean-Michel Oughourlian. Notre cerveau mimétique est, en effet, imperméable, et seule l’intervention raisonnée de notre cerveau cognitif ralliant à lui le cerveau émotionnel parviendra à le canaliser. De là, l’apport essentiel de cet ouvrage : rendre accessible une meilleure compréhension de ce processus mimétique et de ce qui se joue, permettant de dompter ou d’apprivoiser ce fameux cerveau mimétique. Un ouvrage qui se lit d’un trait, et auquel on ne peut souhaiter qu’un mimétisme de bon aloi ; Alors, bonne lecture ! L.B.K.
		« L'Absolue Simplicité » Lucien JERPHAGNON, Michel ONFRAY (Préface), Collection : Bouquins, Robert Laffont éditions, 2019. Faisant suite aux deux précédents volumes parus dans la collection Bouquins, « L’absolue simplicité » offre au lecteur quelques-uns des autres plus beaux livres de l’historien de la philosophie (lire notre interview) bien connu pour la fulgurance de ses analyses et la vivacité de son jugement. Michel Onfray livre en ouverture à ce troisième volume un témoignage sensible et poignant sur son « vieux maître » et sur la magie des enseignements dont il reçut chaque parole comme un legs précieux. La fausse désinvolture des cours de ce grand maître permettait, en effet, de toucher à cœur de jeunes âmes peu versées sur l’Antiquité et ses leçons. C’est ainsi que cette magie Jerphagnon opéra chez tous celles et ceux qui ont eu le privilège de rencontrer ce bel esprit – un brin malicieux parfois !, et que Michel Onfray évoque avec émotion en ouverture à ce beau et riche nouveau volume de la collection Bouquins. La diversité de ses enseignements ne changea en rien la limpidité de ces changements, les saillies de ses analyses et la sagacité de ses témoignages sur cette Antiquité qu’il chérissait tant, jusqu’à ses péplums qui le faisaient éclater d’un rire complice… « L’absolue simplicité » regroupe certains des titres incontournables de Lucien Jerphagnon, tels Julien dit l’Apostat, Les Dieux ne sont jamais loin, Augustin et la sagesse, mais aussi des textes moins connus comme ces transcriptions de certains de ses cours, notamment au Grand Séminaire de Meaux ou encore des conférences ou émissions de radio qui témoignent de l’absence de frontières dans les domaines appréhendés par cette pensée fertile. Sa fidélité indéfectible à son maître le philosophe Vladimir Jankélévitch force également le respect dans ces pages d’« Entrevoir et vouloir » réunies en 1969 et augmentées en 2008 ; des pages magnifiques révélant, à elles seules, tout l’art de son auteur de « livrer » sans altérer une pensée dans toute sa richesse et complexité comme pouvait l’être celle de Vladimir Jankélévitch ; Ce « métaphysicien mystique, comme je suis devenu un agnostique mystique ! » - souligne Lucien Jerphagnon, et de poursuivre : « Peut-être était-ce pour cela que j'avais énormément apprécié « Janké » comme nous l'appelions ! » (entretiens Lexnews)… Peut-on encore être surpris par cette pensée hors-norme et fulgurante de Lucien Jerphagnon ? Une telle question se pose-t-elle en ces décennies d’un nouveau siècle, d’un nouveau tournant ? Les lecteurs de ses chroniques politiques pour la Revue des Deux-Mondes des années 1990 ne pourront, en effet, que retrouver ce rare bonheur de percevoir de nouveau ce léger accent que ce Bordelais impénitent aimait à accentuer d’un clin d’œil complice. Une complicité offerte au lecteur entre deux jugements assénés toujours avec justesse, s’amusant des galipettes de Greenpeace, des gamineries de la presse, et des impôts que le penseur n’a jamais vu baisser de toute sa longue vie… sans oublier cette interminable nuit dont parlait Catulle et que nous fait revivre ce grand maître que fut Lucien Jerphagnon; Un esprit toujours sur la brèche qui poursuit sa quête, ne cessant de susciter de nouvelles interrogations chez ses lecteurs, des questionnement toujours aussi actuels, nécessaires, et peut-être plus urgents que jamais. Philippe-Emmanuel Krautter

Histoire, Ethnologie, Essais...		"L'Odyssée au Louvre - Un roman graphique" de Barbara Cassin, Editions Flammarion, 2024. L’académicienne Barbara Cassin agit depuis longtemps déjà pour que la mémoire des temps antiques ne soit pas limitée aux seuls domaines de la recherche et de l’enseignement, mais puisse s’inviter également dans le quotidien de notre société de plus en plus amnésique. Le présent ouvrage répond à cet élan qui la caractérise, mais également à l’invitation lancée par le Louvre à la philosophe et historienne à tenir la Chaire du Louvre en 2023. Redécouvrant les collections du célèbre musée, notamment la fameuse galerie Campana récemment restaurée, Barbara Cassin a accepté de porter un regard nouveau sur ces témoins qu’elle connaissait pourtant intimement, un exercice à la fois délicat et exigeant. Ainsi que le souligne Laurence des Cars, présidente-directrice du musée, c’est à la question « Comment les œuvres d’art nous changent-elles, et qui sommes-nous qui les vivons » qu’a tenté de répondre l’académicienne dans ces pages stimulantes. Aussi, découvrons-nous, page après page, cette « Odyssée au Louvre » convoquant tout autant les mots et les mythes sous le regard des nombreux artefacts. Le voyage de celui dont le nom était « personne » sert, ici, de cheminement à cette quête d’identité, entre exil et oubli, pour un retour dépassant la temporalité. Barbara Cassin nous invite à ce questionnement philosophique antique, être mortel, avoir un nom, être soi-même, parler et être reconnu… Nous l’aurons compris, cette pérégrination en terres attiques – et même au-delà – suggère une quête bien plus profonde encore, une quête dont le lecteur ressort transformé s’il consent à arpenter ces questionnements fondamentaux tout autant que ces augustes témoins de la galerie Campana. Par le truchement de l’académicienne, Homère dialogue dans ces pages avec les chefs-d’œuvre du musée, là où, la poésie s’entrelace avec l’épique. Par cette invitation, l’auteur nous propose une belle invitation : celle déjà lancée par du Bellay dans son célèbre sonnet, d’un heureux voyage en quête de sens dont nous reviendrons transformés… Philippe-Emmanuel Krautter
		Patrick Boucheron : « Léonard et Machiavel », Editions Verdier, 2024. On ne peut que saluer la réédition dans la collection « Verdier Poche » de l’ouvrage « Léonard et Machiavel » signé Patrick Boucheron. L’auteur, aujourd’hui apprécié et bien connu du grand public, offre en ces pages une captivante étude aussi érudite qu’accessible – dans ce style inimitable qui a fait la réputation de l’historien, avec pour toile de fond l’Italie au tournant des XVe-XVIe siècles, son domaine de recherche de prédilection. Dans cet espace-temps dominé par les seigneuries, les influences et alliances conclues par les princes, condottiere , protecteurs et autres mécènes, Patrick Boucheron explore les possibles rencontres entre Léonard de Vinci et Nicolas Machiavel. Ces deux protagonistes vécurent à la même époque (pour rappel, Léonard naît à Vinci en 1452 et Machiavel à Florence en 1469) et leur notoriété – qu’elle soit de génie pour l’un ou plus « machiavélique » pour l’autre, a largement dépassé les limites de la Lombardie et de la Toscane pour parvenir jusqu’à nous. Certes, et Patrick Boucheron avec la rigueur de l’historien l’admet, on ne sait que très peu de choses sur ce qu’ont pu se dire le vieux maître et le secrétaire de la Chancellerie de Florence, et peu de certitudes semblent venir, il est vrai, en aide à l’historien aventureux… Urbino, en son palais ducal, peut-être, sur fond de cour de César Borgia, en cette année 1502 ? … Mais, contrairement à Léonard ou Machiavel, Patrick Boucheron n’entend pas dévier pour autant le cours de l’Arno, pas plus que celui de l’Histoire pour faire capituler Pise et les dates. Néanmoins, et c’est tout l’intérêt de cet ouvrage, nombre d’éléments et de circonstances, voire de coincidentia, permettent à l’historien de belles conjectures et rapprochements pour ces vies qui se sont assurément croisées, voire entremêlées, entre 1502 et 1504. Et telle « La Bataille d’Anghiari » que Léonard n’acheva pas au Palazzo Vecchio, tel ce seul carton central de l’œuvre laissant entrevoir – comme les illustrations en noir et blanc de l’ouvrage nous le rappellent, ce que purent être à droite et à gauche, le début et la fin de la bataille, il reste également à l’historien ces échos de ce que purent se dire ou se murmurer Léonard et Machiavel ; de ce que peuvent encore nous chuchoter, sous la plume aussi précautionneuse qu’alerte de Patrick Boucheron, les hauts murs des forteresses et palais italiens dans ce canevas inachevé que nous a laissé l’histoire en ce début de XVIe siècle… On l’aura compris : un ouvrage absolument captivant. L.B.K.
		"Dictionnaire des Indiens de l'Amérique du Nord" de Daniel Dubois, 1472 p., 14,5 x 23 cm, Guy Trédaniel Éditeur, 2024. Une telle somme consacrée en langue française aux Indiens de l’Amérique du Nord faisait défaut et c’est tout le mérite de son auteur, Daniel Dubois, que d’avoir avec brio comblé cette lacune. Cet historien et spécialiste des Indiens d’Amérique depuis plus de soixante ans livre, en effet, dans cet ouvrage de plus de 1400 pages une impressionnante synthèse encyclopédique sur les peuples autochtones d’un continent qui n’a cessé de nourrir les mythes et les imaginaires. Grâce à cette somme, présentée sous la forme d’un dictionnaire richement documenté, le lecteur pourra entrer au cœur même de ces cultures, y découvrir de manière détaillée leurs traditions, et retrouver ainsi l’histoire des premières nations nord-américaines. Les multiples entrées de ce dictionnaire exhaustif exposent et développent de manière détaillée tant les nombreux peuples indiens - notamment les fameux Cheyennes, que leurs pratiques guerrières ou religieuses. Que l’on suive cette somme monumentale de la première à la dernière page, ou plus probablement que l’on y puise selon ses centres d’intérêts ou pérégrinations, chaque entrée mettra à la disposition du lecteur une documentation scientifique impressionnante, combinant références historiques, éclairages ethnographiques et anecdotes saisissantes. L’ouvrage est complété de cartes, d’illustrations et de photographies anciennes, qui ajoutent au plaisir de la lecture. Daniel Dubois est parvenu avec ce Dictionnaire non seulement à proposer une synthèse scientifique indiscutable, mais également à transmettre, ici ou là, son propre regard sur ces peuples qui encore de nos jours sont confrontés à de multiples questions identitaires et écologiques. Cinq siècles se trouvent ainsi réunis dans cet ouvrage phare qui renouvellera à n’en pas douter le regard que nous pouvons porter sur ces peuples si différents des caricatures qu’en ont livré les occidentaux, notamment dans le 7e art…
		DDA. Dire le Décor Antique. Textes grecs et latins au miroir des realia (IIIe s. av.-VIIIe s. ap. J.-C.), Nicole Blanc, Marie-Thérèse Cam, Hélène Eristov, Marie-Christine Fayant, Delphine Lauritzen et alii, 1600 p., Les Belles Lettres, 2024. Ne nous y trompons pas, ceci n’est pas un livre d’art (on n’y trouve aucune illustration) mais une somme méthodique et encyclopédique recensant en quelque 1600 pages un peu moins de 1400 textes grecs et latins classés chronologiquement et qui mentionnent, longuement, ou, le plus souvent plutôt brièvement (le cas de Pline l’Ancien auquel on consacre 130 pages est exceptionnel et on aurait pu, tout aussi bien, citer in extenso le livre 35 de l’Histoire Naturelle qui est consacré à la peinture), peintures, mosaïques, statues et décors (par exemple les inscriptions peintes ou les revêtements muraux) dont on trouve trace dans les sources antiques. Les témoignages ainsi recensés grâce aux bases de données vont de Plaute (une citation d’Héraclide antérieure) à Grégoire de Tours et Isidore de Séville, soit du IIIe siècle avant J.-C. aux VIe et VIIe siècles après J.-C. : on mesure la gageure. L’ambition des cinq contributrices et de leurs très nombreux collaborateurs est d’autant plus grande qu’elles ont voulu accompagner les extraits, cités en grec, en latin et en traduction (la plupart du temps empruntées aux éditions existantes), de commentaires et de références bibliographiques. Ce travail de Bénédictines s’enrichit de divers index, lexiques et glossaires construits avec méthode. On a donc avec cet ouvrage un outil de consultation plus qu’un livre d’histoire de l’art. L’ouvrage ne distingue pas, cependant, œuvres d’art réelles et œuvres fictives comme les ekphraseis, ce genre littéraire à part entière qui, dans l’Antiquité, consistait à décrire comme s’ils étaient réels des œuvres d’art qui n’ont jamais existé, ce qui est le cas de la tapisserie qu’est censée tisser Proserpine dans l’épopée du poète latin Claudien ou encore la Description du Tableau cosmique « brossé » par Jean de Gaza au VIe siècle. Il est vrai que la distinction n’est, cependant, pas toujours aisée à établir ; on songe notamment à Callistrate, ce rhéteur du IIIe ou IVe s. après J.-C., et à sa description de quelques statues antiques dont on ne sait si elles sont imaginaires ou non. Le fait que l’ouvrage ne distingue pas œuvres d’art réelles et œuvres fictives pourrait ainsi laisser la porte ouverte à toutes sortes de mauvaises interprétations de la part de lecteurs pressés ou inattentifs qui se contenteraient, sans lire les textes originaux, de penser que ces témoignages, relèvent de realia, de productions picturales ou architecturales réelles alors qu’il ne s’agit que de textes et non de photographies. Il est délicat, en effet, d’attribuer une valeur « documentaire » à des productions qui ne sont que le fruit de l’imagination d’écrivains, de poètes ou d’historiographes. Peut-être, enfin, certains auteurs sont-ils, certes, mieux traités que d’autres. Les extraits de la Galerie de tableaux de Philostrate sont commentés avec passablement plus de détails que d’autres dans le reste du volume. Mais ces tableaux sont eux aussi plutôt fictifs que réels. On sait, en effet, que La Vie d’Apollonios de Tyane du même Philostrate, ce philosophe du IIIe siècle après J.-C., est un pur roman, ce qui devait conduire en toute logique à être méfiant vis-à-vis de la supposée réalité des tableaux dont on parle. Les extraits que l’on tire de l’Histoire Auguste, ce recueil de biographies impériales de la fin du IVe siècle, elles aussi en grande partie romancées, auraient gagné à être mieux contextualisés. Au final, on saluera le travail fourni depuis plus de vingt ans pour ce vaste dictionnaire dans lequel l’érudit ou le simple curieux trouveront matière à de fécondes découvertes. Stéphane Ratti
		Philostrate : « Vie d'Apollonios de Tyane » ; Texte introduit, traduit et commenté par Valentin Decloquement ; Coll. « La Roue à Livres », Editions Les Belles Lettres, 2023. Si les noms de Philostrate et d’Apollonios de Tyane ne sont plus guère connus que des spécialistes de l’histoire antique et autres spécialistes de la philosophie pythagoricienne, la récente parution aux éditions Les Belles Lettres de la « Vie d’Apollonios de Tyane » de Philostrate par Valentin Decloquement devrait permettre de réviser ses classiques et de découvrir les confins de la Méditerranée à partir du témoignage du sophiste athénien Philostrate, au début du IIIe siècle apr. J.-C., sur un grand sage oublié du 1er siècle, un certain Apollonios de Tyane… Ainsi que le rappelle Valentin Decloquement en introduction, ces deux personnages demeurent indissociables malgré les siècles qui les séparent. Alors qu’Apollonios était présenté par ses contemporains comme un charlatan, un mage perse plus ou moins sorcier, Philostrate s’oppose à ce portait réducteur et décide de restaurer la mémoire de ce personnage énigmatique que certains ont rapproché du Christ. Ainsi est-ce plutôt la figure d’un grand sage que privilégie Philostrate en évoquant Apollonios de Tyane, présenté à la fois comme un esprit ascétique et doté d’une dimension divine. L’auteur relate en huit livres un voyage initiatique jusqu’aux limites des frontières connues de la Méditerranée antique, incluant l’Inde ou encore l’Éthiopie… Au lieu et place d’un charlatan, nous découvrons plutôt un philosophe pythagoricien dont la culture grecque le fait remarquer et apprécier de nombreux souverains épris de culture classique alors que d’autres rejettent violemment toute sagesse entravant leur pouvoir. Ce voyage presque romanesque avant l’heure alterne discours philosophique et fiction, poésie et mystique. Indépendamment de la véracité historique toujours difficile à établir en raison du manque de sources, il demeure que ce récit s’avère passionnant en livrant le regard d’un Grec du IIIe siècle sur le monde romain du 1er siècle, fait original à l’époque et qui donne toute sa saveur à ce récit anticipant nos fictions historiques et à découvrir dans cette belle édition ! Philippe-Emmanuel Krautter
		"Pérégrinations dans la Gaule romaine et dans les provinces des Alpes et de Corse" de Jean-Claude GOLVIN et Gérard COULON, 224 p., Éditions Errance & Picard, 2024. L’admirable travail graphique mené sur l’Antiquité par Jean-Claude Golvin depuis de nombreuses années déjà n’est plus à présenter tant il a été plébiscité par la critique et le grand public. Ce nouvel ouvrage vient confirmer une nouvelle fois la qualité et la précision de ses recherches. Premier spécialiste au monde de la restitution par l’image des grands sites de l’Antiquité, Jean-Claude Golvin, architecte et directeur de recherche au CNRS, s’est associé de nouveau pour cet ouvrage avec Gérard Coulon, conservateur en chef du patrimoine et spécialiste du domaine gallo-romain. Ce sont de bien belles « Pérégrinations dans la Gaule romaine et dans les provinces des Alpes et de Corse » que nous proposent ainsi les deux chercheurs aux éditions Errance en une somme aussi agréable à contempler que passionnante à découvrir. Car l’image et le texte se complètent idéalement en se répondant de manière complémentaire avec ces près de 140 aquarelles toujours aussi surprenantes de réalisme et de précision, sans même insister sur leur indéniable qualité esthétique. Nourries d’une impressionnante documentation archéologique, ces restitutions font littéralement revivre ces pages de notre Histoire ancienne en abordant, comme si nous étions un voyageur du jour, les provinces de Narbonnaise, Lyonnaise, Aquitaine, Gaule Belgique, Germanie ou encore Corse Alpes. Les villes défilent, certaines plus impressionnantes que d’autres, telles l’antique Arelate ou Arles moderne avec son fameux cirque restitué par le crayon inspiré de Jean-Claude Golvin… Le fameux Pont du Gard est en construction un peu plus loin, Vaison-la-Romaine (Vasio) affiche une prospérité éclatante quant à son urbanisme. Le lecteur sera bien surpris de découvrir des villes qu’il pensait pourtant bien connaître comme l’antique Lutetia (Paris) ou bien Lugdunum (Lyon) dont seuls quelques vestiges témoignent encore de nos jours de la splendeur de leur architecture antique. Ce sont bien d’inspirantes et passionnantes pérégrinations que nous offrent nos deux auteurs avec ce splendide ouvrage, un livre qui redonne vie à des paysages depuis longtemps disparus, mais bien présents dans notre Histoire et mémoire…
		Mathieu Lours : « Les Cathédrales dans le monde – Entre religion, nation et pouvoir », Folio histoire n°338, 352 p., 2024. C’est une passionnante et riche étude consacrée aux « Cathédrales dans le monde » que livre Mathieu Lours dans ce Folio histoire inédit. L’auteur, spécialiste des cathédrales, de l’histoire des religions et du patrimoine religieux, dresse en ces pages un tableau transversal et complet des fonctions et pouvoirs des cathédrales de par le monde, d’hier à aujourd’hui. Une histoire non seulement religieuse, mais aussi et surtout géopolitique. Si, en tant qu’édifice, la cathédrale trouve ses fondements dans l’antiquité tardive, étrangement, le mot même de « cathédrale » désignant la principale église d’un diocèse n’est apparu dans la langue française que tardivement, bien après ce temps que l’on nomme aujourd’hui « le temps des cathédrales ». Le nom, proprement dit, tel que nous l’employons de nos jours apparaît, en effet, seulement au XVIIIe siècle, et ce n’est qu’à la fin de l’époque moderne que la cathédrale devient un « édifice mémoriel et identitaire », ainsi que le souligne Mathieu Lours dès son introduction. « Dès » et non « dans » son introduction, car l’ouvrage va bien plus loin en déroulant de manière claire et accessible toute l’évolution, le rôle et le poids des cathédrales au fil de l’Histoire et des continents. Que sait-on en effet des cathédrales aujourd’hui au XXIe siècle ? S’élèvent-elles encore ? Reconstruction de Notre-Dame de Paris mise à part, qu’en est-il ailleurs, en Afrique, en Russie ou au Moyen-Orient ? Au-delà du pouvoir et des nations, c’est toute la captivante question de la mondialisation des cathédrales qui se trouve ainsi posée et analysée, un terrain d’étude fructueux et peu exploré jusqu’à maintenant. Le lecteur appréciera tout particulièrement le riche et documenté chapitre venant clore l’ouvrage : « Cathédrale et nations à l’heure des défis du monde contemporain ». L.B.K.
		Patrick Boucheron : « Les colonnes de San Lorenzo », Collection Fléchette, sun/sun éditions, 2024. La collection Fléchette des éditions sun/sun inaugure une série de petits ouvrages, véritables instantanés dans lesquels dialoguent en une mise en page soignée et esthétique des images tirées des Archives de la Planète créée par le célèbre collectionneur Albert Kahn au tournant du XXe siècle et des auteurs contemporains. L’historien Patrick Boucheron déjà présenté dans ces colonnes, notamment pour ses brillantes recherches sur Ambroise de Milan, converse ainsi en ces pages avec cette autochrome des colonnes de la Basilique San Lorenzo au sud de Milan. Cet entretien entre l’image et l’historien tient à la fois de la confession, du dialogue amoureux et de la mémoire. Entrelaçant souvenirs personnels et réminiscences échappées de l’Histoire, Patrick Boucheron fait en effet preuve une fois de plus d’une virtuosité déconcertante, déplaçant son lecteur en ces lieux que l’auteur arpenta tant de fois, lui donnant presque à revivre ces espaces naguère foulés par Ambroise de Milan et Augustin d’Hippone… Au fil des pages quelques portraits s’esquissent, avec délicatesse, tel ce personnage de Rosetta dont nous apprendrons l’identité qu’au terme de ce parcours dans la permanence des lieux malgré les disparitions… Philippe-Emmanuel Krautter
		« Une autre histoire des samouraïs - Le guerrier japonais entre ombre et lumière » de Julien Peltier, 368 pages, Perrin Editions, 2023. Bushido, seppuku, ronin et autres chanbara n’ont guère de secrets pour Julien Peltier, grand spécialiste reconnu de l’histoire des guerriers japonais samouraïs. Si ces termes peuvent nous paraître bien abscons, l’auteur se fait fort dans cette somme de 368 pages de nous initier à leur compréhension en une étude à la fois complète et didactique. Julien Peltier a retenu comme sous-titre « entre ombre et lumière » alors que nous pouvions penser à tort que ces héros du pays au Soleil Levant n’avaient connu que la gloire du fait de leur courage et de leurs nombreux faits d’armes. Mais cette étude a choisi de lever certains mythes et a privilégié une analyse plurielle pour ces soldats d’élite qui pouvaient tout aussi bien servir les volontés autocratiques du shogun que terminer comme d’obscurs hommes de main… L’auteur débute son ouvrage par une très utile chronologie ainsi que par les origines de ces redoutables guerriers, avec Tairan no Masakodo (900 ?-940) que certains considèrent comme le « premier samouraï ». Bras armé de l’empereur, personnage souvent indiscipliné et pourtant doté d’un code de l’honneur infaillible, le samouraï accompagnera longtemps le pouvoir en concentrant en sa personne bien des moyens de contrainte. Si nous avons en mémoire les fameux samouraïs évoqués dans l’inoubliable film de Kurasawa, le cinéma japonais et plus tard le manga présenteront d’autres facettes moins reluisantes de ces guerriers d’élite qui pourront parfois servir aux basses œuvres. Qu’il s’agisse de leur sexualité, souvent masculine, ou de la renaissance le temps bref d’un coup de force tel celui de l’écrivain Yukio Mishima, le mythe du samouraï a encore de beaux jours devant lui ainsi qu’en témoigne cette belle et riche étude proposée Julien Peltier aux éditions Perrin.
		Pindare : « Œuvres complètes » ; Traduction, annotation, présentation et préface de Jean-Paul Savignac ; 564 p., relié 18 x 25 cm, Français, Grec ancien, coll. Classiques favoris N° 10, Éditions Les Belles Lettres, 2023. Qui connaît encore l’œuvre de Pindare, ce poète naguère loué de toute la Grèce, avant d’inspirer la Renaissance ? Les éditions Les Belles Lettres ont confié au grand spécialiste des lettres classiques Jean-Paul Savignac - déjà présenté dans ces colonnes pour ses travaux sur les Gaulois - le soin d’établir les Œuvres Complètes dans la belle édition sur papier bible « Les Classiques favoris » dirigée par Maxence Caron. À l’approche des Jeux olympiques de 2024, il ne sera pas inutile de (re)découvrir ses Odes Victoriales adressées aux vainqueurs des Jeux. Cette poésie lyrique chorale dont Pindare fut l’un des maîtres incontestés plongera le lecteur dans le Ve siècle av. J.-C. de sa Béotie natale aux portes de Thèbes en – 518, puis dans toute la Grèce dont il parcourra les hauts lieux, devenant notamment l’hôte des princes de Thessalie et du roi de Macédoine. C’est l’art du traducteur que de restituer ce souffle antique qui associa naguère le poète à un dieu. L’exercice est plus que périlleux pour celles et ceux connaissant le grec ancien, il relève de la gageure. Comment transcrire vers à vers le texte du poète ? Jean-Paul Savignac a pris le parti de renouveler les précédentes traductions en recourant à toutes les subtilités de la langue française, quitte à bousculer quelque peu l’approche classique et suivre avec quelques hardiesses la progression du discours dans le grec même. C’est ainsi par le truchement d’images qui, pour certains, seront provocations et pour d’autres la « langue du songe » qu’il tente d’approcher au plus près la langue du poète, réputée pour sa complexité. Que découvrirons-nous dans ces pages singulières portées par le souffle de la parole ? La valeur de l’athlète se conjugue à celle des dieux. Plus que la prouesse sportive, les qualités morales du vainqueur l’emportent, ainsi qu’en témoignent ces vers : « Sauveur Haut-nuageux Zeus qui hantes la crête ktonienne et bénis l’Alphée large coulant et la sainte caverne idéenne, suppliant de Toi, je viens à même les lydiennes Te Héler, les flûtes, Te demandant d’armorier de nobles cœurs cette cité, et que toi, Vainqueur Olympique, que les chevaux poseidâniens réjouissent, tu portes ta vieillesse allègre jusqu’à la fin, tes fils, Psaumis, à tes côtés. Que celui qui abreuve bonheur et santé et, content de ses biens, y ajoute l’éloge, Ne cherche pas à devenir Dieu ». Au terme de la lecture de cet ouvrage, jouissive parce que nourrie à ces heures glorieuses où les Jeux n’étaient pas encore devenus ce qu’ils sont depuis un siècle, le lecteur ne pourra que comprendre pourquoi Pindare inspira tant de poètes et fins lettrés tel Ronsard qui le prit pour modèle. Philippe-Emmanuel Krautter
		« Atlas des guerres – Moyen-Âge, Occident, Byzance et Orient du Ve au XVe siècle » de Loïc Cazaux, Coll. « Atlas des guerres », Tome 2, 192 pages, Editions Autrement, 2024. On retiendra volontiers pour ses atouts et qualités cet « Atlas des guerres au Moyen-Âge » signé Loïc Cazaux, agrégé, docteur et professeur en histoire médiévale, et paru aux éditions Autrement. Deuxième titre de cette nouvelle série dénommée « Atlas des guerres », l’ouvrage offre une féconde analyse transversale et comparative pour aborder au mieux cette période allant du Ve siècle au XVe siècle. Prenant appui – comme son titre l’indique, sur de nombreuses cartes, schémas et focus clairs et pédagogiques, l’ouvrage s’ouvre sur « Les nouveaux royaumes germaniques en Europe occidentale à partir du Ve siècle », puis traverse « Les royaumes européens face aux guerres féodales du Moyen-Age central », avant d’envisager « L’expansion de l’Empire turc ottoman du XIIe siècle au début du XVIe siècle » pour se refermer sur la fin de la guerre de Cent Ans. Évitant bien des écueils ou idées préconçues sur cette période incontournable de l’histoire, ni image d’Épinal ni moyen Âge obscur, c’est une analyse, en effet, globale ayant pour clef de lecture la guerre, les batailles et les conflits que ce dernier livre au lecteur. La bataille de Roncevaux, les Vikings, les croisades, la bataille de Bouvines, les chevaliers Teutoniques, la guerre des Deux-Roses, pour ne retenir que quelques titres témoignent et révèlent l’évolution du monde sur plus de dix siècles. Distinguant le haut, moyen et bas moyen Âge, c’est tout autant en effet l’évolution de l’Occident latin, de l’Orient ou encore de Byzance qui se dévoilent ainsi à la compréhension. L’ouvrage propose ainsi véritablement une géopolitique comparée des espaces médiévaux, une approche claire et didactique permettant une meilleure compréhension du monde non seulement d’hier, du Moyen-Âge, mais aussi de celui d’aujourd’hui.
		« Pompéi » de Pascal Charvet, Stéphane GOMPERTZ, Annie Collognat, Bouquins, 2023. Au lecteur qui penserait tout connaître de la légendaire ville sortie des cendres, cet ouvrage lui est destiné ! Les très nombreuses découvertes archéologiques réalisées ces dernières années grâce aux grands travaux entrepris par l’État italien et l’Union européenne révèlent en effet de nombreuses et nouvelles facettes de cette cité plurielle au carrefour de Rome et de l’Orient. La date fatidique du 24 octobre 79 et le témoignage de Pline le Jeune évoquant l’éruption fatale du Vésuve pour la cité romaine, témoignage rappelé en avant-propos de l’ouvrage sont éloquents quant à l’ampleur de la catastrophe : « On voyait des hommes à qui la peur de la mort faisait supplier la mort elle-même »… La luxuriance du paysage idyllique de Pompéi, sa douceur et la clémence de son climat contrastent avec cette tragédie digne de la fin des temps ainsi que la perçurent les contemporains de cette dramatique éruption mettant un terme à l’histoire de Pompéi. Un terme remis fort heureusement en question par ce stimulant ouvrage collectif qui redonne vie à ces habitants et à leur vie quotidienne, à ces ruelles, jardins, thermes et même lupanars dans lesquelles nous pouvons encore déambuler grâce à ces fabuleuses promenades proposées dans cet ouvrage, 37 promenades précisément sans oublier le dictionnaire de vies des Pompéiens qui ajoute encore à cette « proximité » malgré les siècles qui nous séparent d’eux. Vie et non point désastre, vitalité et non destructions, voici ce qu’offre ce fort volume de 1152 pages abondamment illustré et nourri des analyses des meilleurs spécialistes sur la célèbre cité antique. Une promenade hautement dépaysante et instructive dans l’Histoire et la géographie antiques.
		Henri Pirenne : « Histoires de l’Europe - Œuvres choisies », Quarto Gallimard, 2023. Le nom d’Henri Pirenne (1862-1935) est étroitement associé à l’étude des origines de l’Europe et de sa lente construction. Cet éminent historien belge compte parmi les chercheurs incontournables de la fin du XIXe et début du XXe s., ce pourquoi la collection Quarto des éditions Gallimard vient de lui consacrer un fort volume réunissant ses œuvres principales. Médiéviste réputé, formé à l’historiographie allemande, sa méthode l’a porté à renouveler le champ de ses recherches notamment à partir de deux axes essentiels : l’histoire urbaine et la part grandissante de l’Islam à partir du VIIe siècle. À l’image d’un Marc Bloch ou d’un Lucien Febvre, ses contemporains, Pirenne explore avec une puissance de travail phénoménale l’Europe médiévale dans son ouvrage – probablement le plus connu - « Histoire de l’Europe » publié au terme de la Première Guerre mondiale, partant de la fin du monde romain et des royaumes barbares jusqu’à la Renaissance et la Réforme. Avec « Les villes du Moyen Âge » rédigé en 1927, Henri Pirenne retrace en une synthèse particulièrement éclairante l’émergence des villes du Moyen Âge avec ses cités et ses bourgs, la renaissance du commerce avec ses marchands avant la formation des plus grandes villes et l’essor de la bourgeoisie. Mais, le maître ouvrage de Pirenne demeure certainement son « Mahomet et Charlemagne » publié après sa mort en 1937. Avec un angle plus que novateur à l’époque, l’historien étudie un domaine souvent sous-estimé à l’époque à savoir l’expansion de l’Islam dans toute la Méditerranée… D’autres ouvrages complètent ce Quarto notamment « Méthodologie de l’Histoire » réunissant des articles et discours de l’historien allant de 1886 à 1931, « Économie et Société » avec des textes de maturité sur le capitalisme, l’Instruction des marchands au Moyen Âge, les vins de France… Pour finir, des articles et discours sur la Nation belge ont été réunis, témoignant également de l’engagement de l’historien dans son temps.
		« L’envers du Grand Siècle – Madame Palatine, le défi du Roi-Soleil » de Thierry Sarmant, 350 p., Coll. « Au fil de l’Histoire », Editions Flammarion, 2024. Comment ne pas souligner la parution chez Flammarion de ce captivant ouvrage « L’envers du Grand Siècle – Madame Palatine, le défi du Roi-Soleil » signé Thierry Sarmant, historien, conservateur général du patrimoine aux Archives nationales et auteur déjà de plusieurs biographies remarquées. Prenant appui sur les destins croisés de Louis XIV et de Madame, sa belle-sœur, la princesse palatine, l’auteur nous offre un éclairage aussi plaisant qu’instructif. Car, des plus informés, mais loin d’être rébarbatif et non dénué d’humour et de clins d’œil, cet ouvrage livre au lecteur une multitude de précisions et détails sur la vie de Cour sous le règne du Roi-Soleil. Lignées, protocole et intrigues… allant des plus grandes questions du pouvoir et de la puissance du royaume jusqu’aux menus détails des sentiments et vies intimes, nous découvrons en effet par le jeu des destinées et liens croisés du Roi-Soleil et de Madame Palatine bien des enjeux et par, là-même, « L’envers du Grand Siècle ». Mœurs, goûts et divertissements, art, lecture et bibliothèques ou religions, Louis et sa belle sœur, bien que très proches, ont peu de goût ou points de vue communs, sans directement s’opposer, leurs opinions divergent le plus souvent… La seconde épouse de Philippe, duc d’Orléans, frère cadet du roi, est en effet une princesse franche, directe et spontanée ainsi que l’atteste sa correspondance qui fait d’elle l’un des témoins privilégiés de ce règne. Et, si le roi apprécie sa compagnie et aime surtout chasser avec elle, il n’en sera pas toujours ainsi et bien des turbulences et ombrages marqueront cette relation de plus de quarante années… De cette fructueuse confrontation entre les prises de position du monarque français et celles souvent plus tranchées de l’Allemande Élisabeth-Charlotte, c’est véritablement la vie de Cour, de Versailles, Marly ou encore Fontainebleau, celle des salons dorés jusqu’aux antichambres et couloirs dérobés, du faste du règne de Louis XIV aux facettes moins connues de ce XVIIe siècle finissant qui revivent sous la plume de Thierry Sarmant.
		Caroline Fourgeaud-Laville : « Grec ancien express » ; Illustrations de Djohr, Révisions d’Adrien Bresson et de Dorian Flores, Coll. « La vie des Classiques », Éditions Les Belles Lettres, 2023. Avec cet ouvrage « Grec ancien express », la langue d’Homère et d’Eschyle retrouve en quelque sorte vie grâce à une méthode aussi plaisante que rigoureuse. En revisitant l’aspect souvent austère et rebutant de nos grammaires d’antan, l’auteur, Caroline Fourgeaud-Laville, Docteur ès lettres, promouvant l’apprentissage du grec ancien en classes primaires, offre une véritable méthode associant parole et fondamentaux grammaticaux. Progressive et sous forme de leçons (pouvant être menées seul ou avec un enseignant), cette méthode initie également à la culture grecque antique souvent indissociable de la langue même. En 24 étapes de 50 minutes chacune, cet apprentissage répondra aux diverses attentes, qu’il s’agisse d’une démarche de culture générale, d’apprentissage scolaire ou d’une révision de connaissances anciennes. Zoé, Ulysse et Socrate seront les interlocuteurs privilégiés pour des dialogues vivants conçus par l’auteur pour chaque leçon grammaticale, une manière ludique et efficace de se (re)mettre au grec ancien dans la bonne humeur !
		Démosthène : « Discours » sous la direction de Pierre Chiron avec la collaboration de Vincent Azoulay, Matthieu Fernandez, Camille Rambourg et Frédérique Woerther, 1344 pages, Editions Les Belles Lettres, 2023. Beaucoup d’idées préconçues ont circulé - et circulent encore - sur le grand orateur grec Démosthène (384-322 av. J.-C.) La monumentale édition de ses « Discours » qui vient de paraître aux Belles Lettres ( 1 344 pages) sous la direction de Pierre Chiron devrait assurément contribuer à une plus juste évaluation de la place tenue non seulement par l’éminent orateur athénien, mais aussi de son rôle politique, reconsidéré, sans oublier sa dimension philosophique également présente dans son important corpus. Les auteurs ont pour cette nouvelle édition entrepris un important travail de traduction, l’option inédite retenue étant notamment de rendre plus lisible et surtout plus audible le style et la pensée de celui dont l’éloquence est passée à la postérité depuis le IVe siècle avant notre ère. Choix a également été fait de présenter pour cette édition l’intégralité des 63 discours selon un ordre chronologique. Cet angle judicieux présente l’immense mérite de rendre beaucoup plus lisible l’évolution de la pensée de Démosthène, une pensée forcément influencée par les succès mais aussi les vicissitudes qui parsemèrent son parcours. Farouche partisan de la liberté, Démosthène usa de l’éloquence non point comme une fin en soi mais comme moyen de préserver cet espace menacé à l’heure de la conquête de son pays par Philippe de Macédoine auquel il s’oppose dès son premier discours. Contre la servitude et la soumission du peuple, l’orateur souligne les failles de la démocratie à Athènes au IVe siècle. Il est vrai que dès son jeune âge, orphelin, Démosthène eut à lutter contre l’adversité et ses tuteurs qui dilapidèrent ses biens. Il fallut cette pugnacité précoce pour lui permettre de forger progressivement de nouvelles armes sur l’art de convaincre les Athéniens de sortir de leur apathie face au péril macédonien grandissant. Rien n’échappe à sa vigilance et le citoyen lucide incite et encourage ses contemporains à renforcer une armée en déshérence et à combattre la corruption qui gagne même les rangs athéniens. Sa célèbre opposition face à un autre grand et célèbre orateur, Eschine, acquis à la cause macédonienne, demeure un morceau d’anthologie, ce qui n’empêchera pas la défaite des armées grecques à Chéronée. Cet esprit combatif qui fut sa force sera, cependant, également cause de sa chute : Démosthène, alors qu’Athènes subit une défaite cuisante, reconnaît lui-même, en effet, sa part de responsabilité dans le fameux Discours sur la couronne daté de 330, exigeant d’être lu pendant trois heures d’affilée… Le lecteur de cette dernière et remarquable édition pourra à loisir retenir une lecture chronologique ou passer d’un sujet à l’autre. Par ces célèbres Discours, Démosthène a couvert non seulement les thèmes politiques et judiciaires qui ont bâti sa réputation mais également des discours de cérémonies et autres développements philosophiques (grandeur de l’homme et de ses valeurs morales) témoignant ainsi de la richesse de l’oralité de leur auteur. La profondeur de sa pensée n’a d’égal que cet amour fou qu’il ne cessa de porter à sa cité dont la grandeur reste indissociable de la liberté.
		« Aux origines de la monnaie » ; Sous la direction d’Alain Testart, Éditions Errance & Picard. Les éditions Errance & Picard ont eu l’heureuse initiative de publier une réflexion collective à la fois ardue et néanmoins nécessaire sur les origines de la monnaie. Cet élément du quotidien, ô combien trop présent dans nos vies, n’a pas été depuis l’aube de l’humanité de soi, tant s’en faut, et son apparition pose encore aujourd’hui de multiples questions sur son rôle et place. Ainsi que le souligne Alain Testart en introduction, la monnaie a une double nature : son aspect « sonnant et trébuchant », tout d’abord, qui nous est familier et qui l’assimile aux pièces de métal plus ou moins précieuses selon les époques et les lieux. Mais la monnaie peut également prendre la forme des matériaux les plus divers servant à quantifier les échanges entre les hommes, cette dernière forme étant celle qui intéresse plus particulièrement ce passionnant dossier. Nos sociétés modernes ont en effet du mal, même à l’heure des cryptomonnaies, à abandonner toute référence aux valeurs « matérielles » qu’elles fassent référence à l’argent ou à l’or. Ces étalons demeurent ancrés dans nos consciences, signe de la prégnance de la monnaie et de son origine. Cette dernière sous la forme de pièces semble être apparue au VIe av. J.-C. en Lydie en Asie Mineure pour rayonner rapidement en Perse, en Grèce et jusqu’en Gaule. Mais l’ouvrage cherche surtout à explorer ce qu’était la monnaie avant « les monnaies » dites « en pièces », une longue histoire qui se perd dans la nuit de temps et que cette réflexion collective entend remonter. Alain Testart analyse ainsi dans le détail la monnaie non métallique comme moyen d’échange et de paiement dans les sociétés primitives. Jean-Jacques Glassner s’intéresse, pour sa part, à la question d’une monnaie en Mésopotamie au IIIe millénaire avant notre ère, alors que Bernadette Menu étudie sa place dans la société égyptienne sous les pharaons. Un dernier développement sur la monnaie chinoise clôt cet ouvrage passionnant qui nous fera porter un autre regard sur les petites pièces de notre porte-monnaie !
		« Histoire Auguste et autres historiens païens » ; Édition et traduction du latin par Stephane Ratti, 1328 pages, 104 x 169 mm, Collection Bibliothèque de la Pléiade (n° 665), Gallimard, 2022. Le IVe siècle romain de notre ère connaît un tremblement jusqu’à ses fondations. La religion minoritaire, naguère combattue jusqu’en ses catacombes, deviendra l’unique religion officielle de l’empire par volonté de l’empereur Théodose le 8 novembre 392. De Constantin à Théodose près d’un siècle suffira, en effet, à bouleverser les piliers de la culture romaine. C’est dans ce contexte pour le moins troublé que s’inscrivent les historiens antiques du présent volume traduits et édités par Stéphane Ratti, lui-même historien et que nos lecteurs connaissent bien pour avoir collaboré à notre revue. D’emblée, le spécialiste de l’antiquité donne le ton : « Les historiens réunis dans ce volume sont tous païens », une indication précieuse permettant de mieux apprécier le regard et témoignages d’hommes concernés au premier plan par le vacillement des traditionnelles valeurs romaines. Alors que ces lettrés ont été nourris au fond antique de la Rome éternelle, le nouvel ordre chrétien leur impose de nouvelles valeurs et un fondement sensiblement différent de ce qu’ils avaient connu jusqu’alors. C’est sous ces empereurs nouvellement chrétiens – par choix stratégique ou par vertu – que les auteurs antiques réunis dans cet ouvrage occuperont des postes officiels et « s’avancent masqués » ainsi que le souligne Stéphane Ratti en sa présentation. Depuis Hermann Dessau à la fin du XIXe siècle, ce texte énigmatique de l’Histoire Auguste a fait couler beaucoup d’encre, l’élève de Mommsen estimant, en effet, que derrière ces différents auteurs de biographies des empereurs se cacherait un seul et même historien ayant emprunté différents pseudonymes… Stéphane Ratti rappelle que parmi tous les prétendants à la paternité de l’Histoire Auguste, Nicomaque Flavien l’Ancien, aristocrate, préfet du prétoire d’Italie, figurerait en première place, cette plume acerbe et souvent ironique n’hésitant pas à se lancer dans de sévères diatribes, moquant tour à tour les Pères de l’Église et même les Évangiles ! Et c’est peut-être l’un des charmes de ce recueil atypique que d’offrir un regard décentré et critique sur son temps, exercice toujours périlleux pour l’époque. A l’évidence et pour conclure, il ne faudra pas prendre l’ « Histoire Auguste et autres historiens païens »pour un livre d’Histoire au risque de sévères déconvenues, tant les incohérences et anachronismes sont nombreux. Cependant, l’un des attraits d’une lecture contemporaine de cette somme réside certainement – pour les non spécialistes – dans le style littéraire et les frontières ténues entre histoire et écrit romanesque que révèlent ces pages toujours passionnantes qu’a su rendre vivantes et alertes Stéphane Ratti dans cette nouvelle traduction. Philippe-Emmanuel Krautter
		Donatien Grau : « La mémoire numismatique de l’Empire romain », Editions Les Belles Lettres, 2022. Avec cette riche et volumineuse étude, Donatien Grau nous introduit à la découverte d’un monde merveilleux et insoupçonné, celui de l’histoire de l’Empire romain à partir de ses monnaies, véritable source rarement visitée. Alors que les textes littéraires et épigraphiques s’avèrent souvent fragmentaires et sujets à discussion, cette masse monétaire qui dort injustement dans nos musées a pourtant tant à nous dire ainsi que le démontre cette somme d’une remarquable clarté pour un sujet aussi aride. Le grand historien de cette période, Alexandre Grandazzi, qui signe la postface ne s’est pas trompé en relevant combien Donatien Grau, par cette quête historique d’une rare ampleur, parvient à faire « parler » ces multiples pièces de monnaie en un véritable ensemble à considérer dans sa globalité. Fruit de la rigueur romaine, le monnayage provient en effet directement de l’autorité étatique en un temps et un espace donnés évoluant selon les chronologies des conquêtes. Cet ensemble unique peut grâce à l’éclairage donné par l’auteur nous parler et nous apprendre ou confirmer une multitude d’enseignements à la fois économiques, sociaux, mais aussi politiques ou encore culturels. Il apparaît ainsi que la monnaie impériale romaine peut être perçue comme un discours de ce même pouvoir impérial avec ses instruments rhétoriques, tout comme un instrument de mémoire. Conviant pour cela de multiples disciplines telles la philologie, l’iconographie ou encore l’analyse littéraire, cet immense corpus des monnaies impériales, qui à n’en pas douter fera date, livre de nouvelles pages d’histoire avec ses vicissitudes (damnatio memoriae) comme ses heures de gloire (victoires et conquêtes). Un ouvrage qui offre un nouveau et passionnant regard sur les monnaies antiques romaines impériales.
		« Le Grand Atlas des dragons et Chimères » ; Collectif ; Cartonné, 21.5 x 29.3 cm, 176 pages, Coll. Histoire, Editions Glénat, 2021. Les dragons et autres chimères ont de tout temps fasciné les hommes et habité leur imaginaire. Aussi est-ce une heureuse découverte que de parcourir les pages de ce « Grand Atlas » dédié à ces mythiques créatures aux éditions Glénat. Extraordinaires ou réels, les dragons et chimères présents dans la quasi-totalité des civilisations sont multiples, extrêmement variés et sources dès lors de bien des malentendus. Comment les connaître et les reconnaître ? Certains semblent même avoir mis leur légende au service de la ruse pour mieux encore nous tromper et nous dérouter. Ainsi connaissez-vous Le Dragon de Beowulf ou encore le Quetzacoaltl ? L’ouvrage, appuyé par une vaste iconographie, fourmille de légendes et d’informations sur ces fantastiques créatures que sont les dragons et chimères. Mais, ce « Grand Atlas » ne se limite pas à cette seule approche – déjà riche – et a également étendu son étude aux relations étroites qu’ont toujours entretenues les dragons et les hommes. Une deuxième partie instructive dans laquelle on pourra découvrir « Le dragon médecin », mais aussi ceux de la peinture ou encore plus proche de nous « Les dragons de l’heroic fantasy ». Le lecteur pourra même découvrir que certains dragons existent peut-être même pour de vrai ! La dernière partie, enfin, de ce fantastique ouvrage est consacrée à cette histoire souvent méconnue, celle de la « dragonologie ». Eh, oui, les dragons et autres chimères, c’est toute une histoire, une histoire qui méritait bien un « Grand Atlas » !
		Marcel Detienne : « La notion de Daïmon dans le pythagorisme ancien », Les Belles Lettres éditions, 2021. En offrant une nouvelle édition de cet ouvrage désormais classique paru pour la première fois en 1963, les Belles Lettres rendent un hommage mérité au célèbre et regretté helléniste Marcel Detienne disparu en 2019. Cet historien anticonformiste fut très tôt remarqué en analysant la notion de « daïmon » successivement en une dimension initiale religieuse puis philosophique. Cette étude exigeante se trouve être la plus parfaite démonstration de la méthode de l’auteur qui n’hésitait pas à reconnaître la dette qu’il avait contractée auprès de chercheurs guère en vogue dans l’université tel Georges Dumézil. Croisant, comparant et rapprochant des domaines souvent éloignés au regard des disciplines habituellement plus rigides, l’historien et anthropologue comparatiste sut briser les barrières, ce qui lui fit apprécier très tôt la démarche structuraliste adoptée par Claude Lévi-Strauss. En recherchant ce qui rapproche les notions primitives du daïmon – que l’on traduira par facilité par « démon » - de celles du pythagorisme, Marcel Detienne rappelle tout d’abord que cette notion recouvre différentes significations pouvant aller du domaine agricole à celui des rêves en passant par celui de la vengeance, différentes facettes d’une expérience religieuse des vivants à l’égard du monde invisible. L’helléniste dans ces pages érudites analyse cette transition entre un premier plan « mythique » à un stade philosophique et rationnel qui sera le fait des premiers pythagoriciens. Plus que Xénocrate, disciple de Platon et auteur d’un essai sur la démonologie rationnelle, Marcel Detienne souligne combien la pensée religieuse du pythagorisme apportera des développements décisifs sur la question en passant d’une notion équivoque à un concept univoque. Les VIIe et VIe siècles connaitront ainsi une mutation décisive de la conscience religieuse selon l’auteur avec Pythagore et ses disciples. Grâce à ces penseurs, il sera possible de distinguer des démons « bons et pleins d’amour pour les hommes », esprits provenant d’hommes ayant eu de leur vivant une vie vertueuse. Cette pratique de la vertu confèrera à ces entités intermédiaires une force inférieure à celle des dieux mais supérieure à celle des hommes qu’ils pourront guider et aider. Cet essai, incontournable, démontre de manière éclatante comment une pensée philosophique peut s’élaborer à partir d’une pensée religieuse et ainsi modifier « substantiellement » le concept initial.
		John Scheid, Nicolas Guillerat et Milan Melocco : « Infographie de la Rome antique » ; 23 x 29, 128 p., Éditions Passés /Composés, 2020. Impressionnant, tel est le premier sentiment qui gagne le lecteur de cette monumentale « Infographie de la Rome antique » ! En 128 pages, cet ouvrage nourrit l’ambition d’appréhender des milliers de km2 de territoire, des millions d’habitants, ainsi qu’une succession de régimes allant des premières royautés jusqu’à l’empire implosant de son poids à la fin du Ve siècle en passant par la République… Un tel exploit n’eut été possible sans la science du grand historien de la Rome antique John Scheid accompagné pour cette tâche immense par Milan Melocco, et conjugué au génie graphique de Nicolas Guillerat. Combien de générations soupireront de ne pas avoir eu plutôt un tel outil en classe… Fort heureusement, cette didactique entreprise est désormais accessible grâce à ce que l’on nomme la datavisualisation. Derrière ce terme un brin barbare se cache une réalité bien connue, celle des organigrammes et autres représentations graphiques permettant de mettre en évidence les multiples données chiffrées de manière organisée, sous forme de cartes, organigrammes, plans, cartes… L’effet visuel est une réussite, le monde romain lève progressivement le voile de sa complexité, et cette succession de faits et d’évènements trouve une cohérence et un fil évolutif grâce à l’érudition des auteurs. Le plan de la Rome antique laisse apparaître ses monuments les plus célèbres en une vue détaillée, les multiples régimes politiques se trouvent schématisés, alors que les complexes institutions politiques, juridiques et administratives, dont nous avons en grande partie héritées, sont présentées avec clarté. L’ouvrage limité pourtant à 128 pages parvient à entrer dans l’explication détaillée de la composition des fameuses légions romaines, équipements et tactiques. Les commentaires clairs et incisifs soulignent l’essentiel et accompagnent la lecture des données graphiques, page après page. Après une telle lecture, le monde romain antique malgré la complexité du long terme et de ses différentes facettes semble presque familier, une réussite à mettre au crédit des auteurs manifestement inspirés par l’ampleur de la tâche ! Philippe-Emmanuel Krautter
		« Atlas historique du Proche-Orient ancien », sous la direction de Martin Sauvage, XXII + 218 pages, Relié, 30.6 x 38.3 cm, Belles Lettres éditions, 2020. Au regard de la richesse et de l’importance du thème traité, le Proche-Orient, il fallait assurément un ouvrage en conséquence. Un pari que relève avec brio cet « Atlas historique du Proche-Orient ancien » ! Près de 20 000 ans déterminants pour l’humanité sont, en effet, couverts par cet Atlas d’envergure, aussi bien sur la forme que le fond. D’un format généreux (30,6 x 38,3 cm) afin de profiter de la clarté des cartes représentées, mettant en valeur le relief, soulignant les fleuves et frontières, cet Atlas historique fait en quelque sorte revivre l’histoire des hommes et des civilisations dans cette région clé du monde antique. Les sujets de fond abordés sont également à la hauteur de cette présentation, avec le concours d’une cinquantaine de contributeurs, experts reconnus et jeunes chercheurs mettant en commun une somme impressionnante de connaissances, et livrant ainsi le dernier état de la recherche sur ces thématiques riches et fertiles. Il est bien connu de nos jours combien des éléments clés de toute civilisation, telle notamment l’écriture, sont nés dans cette région même du monde, au sud de l’Irak. Ces premiers signes cunéiformes furent en effet conçus afin de comptabiliser notamment les récoltes de céréales, dont le fameux épeautre, nées de la sédentarisation des hommes dans ces régions. Géographie, géologie, météorologie et végétation, tous ces facteurs ont concouru et concourent aux faits historiques et aux développements ultérieurs. C’est l’une des leçons d’ailleurs les plus fascinantes de cet « Atlas historique du Proche-Orient ancien » - en plus de livrer de somptueuses cartes – que d’offrir une réelle mise en relation de disciplines souvent distinctes et encore trop cloisonnées pour le néophyte. À partir de ces fondamentaux parfaitement représentés en des cartes d’une lisibilité exemplaire, le lecteur pourra découvrir la lente constitution de civilisations bâtisseuses avec ses premières grandes villes entraînant conquêtes et empires, dynasties et royautés. Tour à tour macroscopiques ou faisant un focus sur une région bien précise, les cartes de cet Atlas font défiler une à une les pages de l’humanité dans cette région clé du monde, une belle leçon d’histoire et de géographie.
		Susan Woodford : « Comprendre l'art antique » ; Traduction de l’anglais par Camille Fort, Coll. L'art en poche, 176 p., 140 x 216 mm, Couleur, Broché, Éditions Flammarion, 2020. Dans la collection « L’art en poche », Susan Woodford est parvenue avec « Comprendre l’art antique » à concentrer plus de deux mille ans d’art antique, partant des Grecs jusqu’aux Romains. Jetant les bases de l’occident, ces deux civilisations apporteront, en effet, jusqu’à la Renaissance qui s’en réclamera, des créations artistiques incontournables dans l’histoire de l’art. Ainsi que le souligne l’auteur dès l’introduction de cet opuscule très pédagogique, l’art en ces périodes se doit de prendre en compte des nécessités pratiques extrêmement coûteuses, notamment celles qu’imposent la sculpture et la peinture, aussi l’art antique se voit-il réservé à des fonctions importantes liées au pouvoir. L’auteur, Susan Woodford entend surtout démontrer que l’art antique romain ne saurait être ramené sans nuances à l’art grec, un art ayant lui-même emprunté à l’art égyptien... C’est cette compréhension de l’art antique que le lecteur pourra au fil des pages découvrir. Si les Grecs empruntent, en effet, aux Égyptiens leur technique pour sculpter la pierre, c’est cependant pour mieux s’en départir. Progressivement, les formes sculptées s’animent comme pour ces statues de femmes drapées d’étoffes souples, les décors s’organisent pour constituer une narration de plus en plus complexe où l’architecture tient sa place. La peinture s’invite également dans l’art grec, les artistes étant à l’origine de représentations sous la forme de tableaux avec leurs formes arrondies. De nouvelles narrations sont inventées sur les amphores, se faisant souvent l’écho de la poésie orale… Même si certains auteurs ont contesté l’idée d’un art romain en tant que tel en raison de l’importante reprise du modèle grec, il demeure que progressivement, les artistes romains parviendront à imposer de nouvelles créations soulignant les vertus romaines. L’art est en effet accepté chez les Romains à partir du moment où il possède un usage social et moral. De Fabius, premier artiste romain au IIIe s. av. J.-C., aux sculptures de qualité de plus en plus dégradées du IIIe s. de notre ère, l’ouvrage retrace les évolutions, influences et dérives d’un art contrasté selon sa finalité officielle ou privée avec la nobilitas. Dans ce dernier cas, les peintures ornant les villas romaines rivalisent de beauté et de décors somptueux, et dont certaines sont parvenus intacts jusqu’à nous (Pompéi, musée national de Rome,…). De tous les débris occasionnés par les ravages du temps depuis la fin de ces civilisations, il serait trompeur de penser que l’art antique se résume à quelques colonnes ou sculptures, et ce petit ouvrage clair et accessible en fait la plus parfaite démonstration !
		Alain Schnapp : « Une histoire universelle des ruines - Des origines aux Lumières » ; 744 p., Colle. La Librairie du XXIe siècle, Editions Seuil, 2020. Les ruines, pour Alain Schnapp, l’auteur de cet excellent ouvrage, ne sont pas synonymes de désolation, tant s’en faut pour cet historien et archéologue réputé. Le questionnement sur les ruines de l’auteur également d’une remarquable « Histoire des civilisations » présentée dans ces colonnes, trouve son prolongement avec ce fort et beau volume pour le monde ancien. « Une histoire universelle des ruines » explore cette attraction pour notre passé suscitée par ces vestiges de civilisations disparues et dont le rayonnement transparaît encore à partir de ces restes laissés en témoignage. Le goût pour les ruines est fort ancien, et même si le philosophe stoïcien Sénèque avouait au Ier siècle de notre ère un mépris certain pour cette attirance qu’il jugeait inutile. Notre société occidentale dès les humanistes et les siècles suivants voueront, en effet, un culte certain à leur encontre, tel Diderot dans son poème en prose, ou encore les inoubliables descriptions laissées par Chateaubriand. Que nous racontent ou murmurent ces témoignages du passé, souvent rongés par le temps ? En un curieux retour de la culture à la nature, déjà relevé par Georg Simmel, lorsque ces matériaux s’effritent et se confondent aux éléments, les ruines révèlent l’impermanence de notre condition humaine et de ses créations. Le rapport entretenu par les civilisations avec leurs ruines sont sources d’autant de significations et constitue alors un objet de recherche infini pour Alain Schnapp. Ces assemblages de pierre et autres matériaux ont souvent plus à nous dire que leur seule architecture. La ruine ne peut se concevoir que selon le regard que l’on porte sur elles souligne Alain Schnapp, et l’exemple des pyramides d’Égypte ou des alignements de Stonehenge, indépendamment de leur monumentalité, n’ont de sens qu’à partir du moment où il est encore possible de les interpréter. Les différents monuments étudiés dans cet ouvrage aux magnifiques illustrations provoquent chez ceux qui les regardent tout un réseau de dialogues plus ou moins étendus selon leur état. De la ruine aux décombres, en passant par les vestiges, ce sont ces voix si chères à Malraux qui demeurent alors plus ou moins audibles, et que l’historien et archéologue Alain Schnapp explore dans ces pages en de lumineux développements. Chaque époque révèle ainsi, selon le sort qu’elle réserve à ses ruines, son identité. Du Néolithique jusqu’aux confins de la terre, cet ouvrage fait défiler ces témoignages, parfois fugaces, à peine lisibles ou au contraire monumentaux, en soulignant ce qu’ils ont encore à transmettre, un souvenir adressé aux temps présents et futurs. Ce dialogue avec les ruines donne lieu à des paradoxes saisissants comme pour cette première image d’une vue d’un temple d’Angkor enserré par les lianes d’un ficus plus géant que l’édifice, ou encore ces « Méditations sur les révolutions des empires » proposées par Volney en une prière laïque. Cette belle aventure universelle des ruines ne pourra que combler le lecteur, tant pour sa science que sa poésie, un parcours sur le long terme qui suscitera à n’en pas douter à un questionnement quant à notre propre rapport aux ruines, et à celles que nous laisserons aux générations futures… Philippe-Emmanuel Krautter
		« L'Antiquité retrouvée », 4e édition, revue et augmentée, de Jean-Claude Golvin, Aude Gros de Beler, Éditions Errance, 2020. Le travail de Jean-Claude Golvin n’est plus à présenter, lui, ce talentueux architecte et directeur de recherche au CNRS qui a su majestueusement redonner vie de la plus belle manière qui soit à l’Antiquité grâce à ses aquarelles soignées. Il ne s’agit point là de vues d’artistes, plus ou moins romantiques, auquel le passé nous avait habitués. C’est en une véritable connaissance intime et scientifique du terrain – Jean-Claude Golvin a dirigé pendant dix ans le Centre franco-égyptien de Karnak – que son travail trouve ses sources. Alliant rigueur archéologique au talent de dessinateur, l’Antiquité reprend vie sous la plume aquarellée de l’auteur. Approfondissant le concept de « restitution », Jean-Claude Golvin souligne que proposer au XXIe siècle une image la plus fidèle possible du site de Delphes, du temple d’Amon à Karnak ou encore du Colisée de Rome ne peut se réaliser qu’à l’aide de sources fiables et nombreuses telles que des dessins, textes anciens, mosaïques et bas-reliefs, sans oublier les vestiges archéologiques parvenus jusqu’à nous. C’est dans l’appréhension et le traitement de ces milliers de données, forcément parcellaires et souvent dispersées, que réside l’art de synthèse et de rigueur de l’auteur pour ces magnifiques dessins. Sans se perdre dans les méandres des ruelles de la Rome antique, Jean-Claude Golvin parvient cependant à en rendre la richesse. Et si les personnages n’apparaissent que très rarement, et en taille à peine visible, c’est pour mieux mettre en évidence la vie des édifices et des sites qui livrent un témoignage suffisamment évocateur du génie de ces civilisations. « L’Antiquité retrouvée » mérite bien son titre en redonnant vie admirablement à une centaine de sites parmi les plus fameux de l’Antiquité sur près de trente siècles, de 2500 av. J.-C au Ve siècle de notre ère. Le talent de Jean-Claude Golvin, appuyé par les textes éclairants d’Aude Gros de Beler, réside assurément dans cette vision d’ensemble rendant immédiatement lisible la complexité de ces architectures antiques. C’est un fabuleux voyage dans le temps et dans l’espace que nous offre ce passionnant ouvrage ! Philippe-Emmanuel Krautter
		« Tout César - Discours, traités, correspondance et commentaires » Jules CÉSAR, Alessandro GARCEA (Traducteur, Directeur d'ouvrage), Collection Bouquins, Robert Laffont éditions, 2020. Assurément cette dernière publication aux éditions Robert Laffont fera date en langue française car, étonnamment, il n’était pas possible jusqu’à présent de disposer en édition bilingue de tous les écrits de l’un des plus grands stratèges et personnalité politique de l’Antiquité, Jules César. On oublie trop souvent qu’en plus d’avoir été le conquérant de la Gaule et d’une grande partie du monde méditerranéen, à l’image de son illustre prédécesseur Alexandre le Grand, Jules César fut également un historien dont les écrits sont également passés à la postérité. Et, c’est justement l’objet de ce volume de la prestigieuse collection Bouquins que de rassembler en 960 pages l’intégralité des écrits de Jules César, et ce, en version bilingue latin et français. Le lecteur sous la conduite éclairée d’Alessandro Garcea, grand spécialiste de la littérature latine, aura grand intérêt de débuter sa lecture par l’éclairante introduction résumant en une vingtaine de pages les grands traits de celui qui atteint non seulement la magistrature suprême au sommet de l’État, mais eu également l’intuition d’en dépasser les limites. La politique de la ratio anime en effet l’action de Caius Iulius Caesar, né le 12 juillet 100 av. J.-C. d’une famille d’ancienne noblesse. Curieusement, son action sera largement critiquée par des auteurs latins tels Tite-Live, Plutarque, Suétone ou encore Dion Cassius. La personnalité et l’ampleur de l’action de ce personnage hors-norme ne pouvaient, en effet, que susciter l’inquiétude de ses contemporains à l’encontre de celui qui bouleversera non seulement les frontières de l’Empire romain, mais également ses structures politiques et culturelles. Contrairement à l’image laissée par ses détracteurs, César eut aussi à cœur d’ouvrir la connaissance au plus grand nombre et non plus à une seule élite, faisant de Rome un grand centre intellectuel, nous sommes loin de l’image moderne – et trompeuse – d’un dictateur. Ce vaste ensemble réunit, enfin, les Commentaires, extraits des discours, traités et correspondance conservés par les Anciens. Le lecteur pourra bien sûr goûter aux charmes intrinsèques de la « Guerre des Gaules » dépassant en ampleur les plus grandes fresques du cinéma hollywoodien, mais surtout y découvrira la dimension littéraire de celui qui ne fut pas qu’un stratège politique et militaire, en un parallèle saisissant avec le général de Gaulle. La traduction d’Alessandro Garcea met en évidence ce style césarien qui transcende les formules historiques pour atteindre un genre révélant une éthique et une rigueur à la source d’une éloquence stylistique remarquable, ainsi qu’en témoigne cette belle édition. Philippe-Emmanuel Krautter
		"Aux origines, l’archéologie - Une science au cœur des grands débats de notre temps" de Jean-Paul DEMOULE, La Découverte, 2020. Jean-Paul Demoule offre avec ce dernier essai une porte d’entrée idéale et accessible au monde à la fois circonscris mais aussi ouvert de l’archéologie. Circonscris, car l’archéologie est de nos jours une science aux frontières bien précises et aux méthodologies rigoureuses et éprouvées, loin des approximations des siècles précédents. Ouvert également par son champ d’investigation considérablement vaste, étendu à l’exploration et compréhension de notre passé et des sociétés qui l’ont caractérisé. Archéologue réputé, ancien président de l’INRAP et professeur à la Sorbonne, Jean-Paul Demoule milite depuis longtemps pour que sa discipline soit comprise par le plus grand nombre grâce à des publications et interventions toujours saluées pour leur pédagogie et leur engagement. C’est cette même implication qui se trouve au cœur de cet essai passionnant qui intéressera non seulement les puristes de la discipline, mais aussi par son propos élargit un vaste public cultivé qui appréciera cette mise en relation avec les nombreuses problématiques sociétales, y compris idéologiques. Le sous-titre de ce livre s’avère d’ailleurs des plus évocateurs : « une science au cœur des grands débats de notre temps ». Dès l’introduction, Jean-Paul souligne cette double fonction de l’archéologie : scientifique et idéologique. Alors que la théologie n’est plus guère présente que dans les Séminaires et Instituts spécialisés, l’archéologie a été convoquée – souvent même manipulée – à des fins idéologiques et rhétoriques pour mieux justifier tel passé ou telle « identité nationale »… L’auteur, dans un premier temps, s’attache à cette absence de neutralité axiologique manifeste à certains stades de l’archéologie lorsqu’il s’est agi de « manipuler » l’histoire notamment en France avec l’identité nationale, les fameux Gaulois et autres invasions barbares intéressant certains présidents de la République et responsables politiques. À l’image de certaines sciences dures telles la génétique et la médecine qui en d’autres situations plus tragiques ont pu être « manipulées » par des régimes iniques afin de justifier l’idée de race et d’inégalité entre elles, l’archéologie peut également servir des desseins moins nobles que la seule connaissance, ainsi qu’il ressort des nombreux exemples détaillés rapportés par l’auteur. Jean-Paul Demoule élargit son propos également au-delà de nos frontières nationales, en soulignant combien sa discipline peut se trouver déviée de sa mission première par des idéologies ultralibérales mettant souvent en péril non seulement une archéologie préventive manquant la plupart de moyens financiers, mais menaçant également la préservation d’un patrimoine fragilisé par des enjeux qui la dépassent tel qu’il ressort de cet essai vif et engagé. Mais, il n’est pas trop tard pour être optimiste, conclut cependant Jean-Paul Demoule. Et tel est bien le grand mérite de cet ouvrage, soulignant et alertant pour mieux prévenir et enrayer les mauvais usages faits de l’archéologie.
Art, Culture, Essais...		« Turner - Le sublime héritage, en dialogue avec des artistes contemporains » d’Elizabeth Brooke et David Blayney Brown, Editions Hazan, 2024. L’influence de Joseph Mallord William Turner dans l’histoire de la peinture est indéniable, on songe ainsi aux fabuleuses études que lui a consacrées son contemporain John Ruskin, mais connaissons-nous pour autant son héritage aujourd’hui ? C’est tout le mérite de cet ouvrage intitulé « Turner, le sublime héritage » que de mettre justement en perspective son extraordinaire rapport au sublime avec celui d’artistes du XXe et XXIe siècle, de mettre ce grand peintre anglais du XIXe siècle « en dialogue avec des artistes contemporains », ainsi que le précise également son titre. Accompagnant initialement l’exposition éponyme au Grimaldi Forum de Monaco et signé Elizabeth Brooke, conservatrice au Tate Britain, et David Blayney Brown, également ancien conservateur au Tate et spécialiste de Turner, le lecteur découvrira ainsi en ces pages une mise en regard des plus fructueuses des œuvres majeures de Turner avec notamment Mark Rothko ou encore Richard Long… Les éléments, la lumière à l’instar de Claude Monet, bien sûr, ou plus près de nous, avec l’américain James Turrel ; « Ciel et mer » également avec le photographe Wolfgang Tillmans, avec Roni Horn et la nature de l’eau, mais aussi la neige, les glaciers avec Olafur Eliasson, les montagnes avec Peter Doig, et au-delà des éléments et du paysage, toute la grandeur et le sublime… Véritable dialogue avec le génie de Turner, l’ouvrage livre une analyse à la fois chronologique, partant de ses premières œuvres jusqu’à ses dernières années, et thématique retenant notamment pour angle Venise avec pour face à face les contemporains Howard Hodgkin et Laure Prouvost ou encore le thème de la tempête avec Jessica Warboys, mais aussi l’installation de John Akomfrah, sans oublier la photographie en grand format d’Edward Burtynsky... Une étude qui révèle toute la puissance de l’héritage de Turner, non seulement dans le paysage, la mer, le ciel…, mais plus encore dans la représentation du « sublime » dans ce qu’il a de paradoxal, de plus saisissant et d’éphémère.
		Carnet-Expo : « Figure du Fou » d’Elisabeth Antoine-König et Pierre-Yves Le Pogam, Coll. « Découvertes Gallimard », Editions Gallimard, 2024. Que vous l’ayez déjà parcourue ou que vous vous promettiez de la voir, le dernier « Carnet d’Expo » dans la collection « Découvertes Gallimard » accompagnera et complètera avantageusement la fameuse exposition « Figures du Fou » actuellement au Louvre. Avec ses 64 pages et surtout ses illustrations et pages qui se déplient, le lecteur y retrouvera toutes les « Figures du fou » ayant traversé et marqué l’histoire de l’art : « Fous d’amour », « Fous de cour », « Fêtes et carnavals »… Huit thèmes soulignant au travers de la peinture, la sculpture ou objets d’art toute la portée symbolique de la folie. Ordonnée chronologiquement, de la fin du Moyen-Âge au XIXe siècle, la figure du fou apparait ainsi chapitre après chapitre représentée dans tous ses états sous la plume et l’étude d’Elisabeth Antoine-König et Pierre-Yves Le Pogam. Les auteurs ont retenu pour leur analyse un angle étude large aussi bien religieux que profane permettant une approche pluridisciplinaire et des plus dynamiques. Un « Carnet-Expo » qui ravira assurément avec son petit format qui sait se glisser partout, dans la moindre poche ou sac à dos.
		Catalogue Brancusi édité par Ariane Coulondre ; 320 pages, 343 illustrations 19 x 27 cm, Editions Scheidegger & Spiess, 2024. En évoquant le nom du sculpteur roumain Constantin Brancusi (1876-1957), nous avons spontanément à l’esprit cette fameuse tête de la « Muse endormie » posée à même le sol… Mais cette œuvre iconique ne doit pas pour autant réduire l’immense artiste que fut Brancusi dont la diversité et la créativité de son art viennent de faire l’objet d’une exposition au Centre Pompidou, actuellement fermé pour travaux. Le présent catalogue sous la forme d’un original dictionnaire paru aux éditions Scheidegger & Spiess permettra cependant de revivre cet évènement dont Ariane Coulondre était le commissaire assistée de Valérie Loth et Julie Jones. Étonnamment, l’artiste roumain n’avait jamais fait l’objet d’une exposition d’une telle ampleur et ce dictionnaire vient fort heureusement combler cette lacune. L’auteur de la fameuse Colonne sans fin, monumentale sculpture de presque 30 m en fonte dressée vers le ciel tel un axis mundi pouvait tout aussi bien exceller dans la réalisation d’une plus modeste tête de Danaïde d’une trentaine de cm… L’art de Constantin Brancusi est par nature évolutif, tant sur le plan des thèmes retenus (influences notamment de l’Afrique), que sur celui des formes avec une prédilection pour la réduction. La poésie qui se dégage de ses œuvres apparaîtra spontanément en découvrant chacune des entrées de ce catalogue-dictionnaire abondamment illustré. Débutant, comme il se doit, par la lettre A consacrée à l’Afrique si déterminante pour l’artiste, Brancusi fut certainement celui qui parmi ses contemporains sut plus que quiconque se saisir avec la fertilité que l’on sait des modèles des sculptures africaines pour en livrer une réinterprétation des plus créatives. La dernière entrée avec la lettre Z est quant à elle réservée au critique d’art et éditeur français d’origine grecque Christian Zervos. L’éditeur des Cahiers d’art réserva, en effet, bien des études au sculpteur roumain même si leurs relations eurent à souffrir du caractère bien trempé de Brancusi…
		Laurent Bolard : "Les anges dans la peinture" , 26,8 x 31,8 cm, 240 p., Éditions HAZAN, 2024. Laurent Bolard, expert en peinture italienne, nous offre un magnifique ouvrage explorant le monde mystérieux et délicat des anges à travers une sélection de plus d’une centaine de chefs-d’œuvre. Le défi de capturer l'essence de ces êtres immatériels n’était cependant pas mince, représenter l’indicible étant tâche ardue à la fois dans la description et l’image. S’appuyant sur le talent des plus grands maîtres italiens, allant du Moyen Âge, au classicisme en passant par la Renaissance et le baroque, l'auteur parvient à révéler la diversité céleste des anges et la singularité de leur beauté, telle qu’immortalisée par les pinceaux des plus grands artistes, notamment Fra Angelico pour son retable San Domenico, visible au couvent de Fiesole. Avec une inspiration unique, l’artiste italien a su en effet rendre hommage à la pureté et innocence angéliques incarnées dans des couleurs vibrantes et des ailes déployées comme un arc-en-ciel céleste. Ce livre richement illustré plonge le lecteur dans l’univers intime des anges : ceux de l’Annonciation, de l’Apocalypse, témoins de la Passion et de la Résurrection du Christ… Laurent Bolard met en ces pages en lumière les représentations des anges telles que rendues par des maîtres italiens comme Giotto, Botticelli, Titien ou encore Caravage. Ces figures angéliques apparaissent dans les cieux, agenouillées en adoration ou encore sur terre, toujours soumises à Dieu – sauf pour les anges déchus, bien sûr. Comme le rappelle l’auteur, les anges forment ce lien subtil entre le divin et les hommes souffrant sur terre. Page après page, le lecteur est invité à découvrir comment ces êtres célestes viennent par leur grâce et de leurs ailes interférer dans nos vies…
		Roberto Longhi : « Le Caravage », traduit de l’italien par Gérard-Julien Salvy, 272 p., Editions du Regard, 2024. C’est à une remarquable confrontation à laquelle est convié le lecteur de l’ouvrage maître de Roberto Longhi (1890-1970), celle de l’art du Caravage soumis au regard critique du grand historien de l’art italien. Cet éminent spécialiste du peintre lombard lui a en effet consacré quasiment la plus grande partie de son énergie et de ses études et a très largement contribué à livrer le rayonnement de son style sur ses contemporains et successeurs. Cette place du Caravage dans le parcours critique de Roberto Longhi débute avec l’étude sur le « Garçon mordu par un lézard » du peintre qui initie cette passion, ce qui n’empêcha pas parallèlement l’historien de s’intéresser quelque temps au futurisme… A une époque où seules les peintures toscanes et vénitiennes prédominaient, quelle place pouvait dès lors encore occuper un artiste venu de Lombardie ? Ce fut le génie de Longhi de démontrer justement l’intérêt révolutionnaire du maître lombard, en tant que tel, certes, mais surtout et également pour ses successeurs et pour l’histoire de l’art en général. Cet ouvrage essentiel dans la bibliographie de l’historien de l’art - fort heureusement traduit en français par Gérard-Julien Salvy aux éditions du Regard, permettra au lecteur d’observer la manière unique de Longhi d’étudier Le Caravage, le peintre observant, comme cela n’avait jamais été réalisé jusqu’alors au XVIIe s., l’âme de ses contemporains et l’essence des choses. Pier Paolo Pasolini ne s’était pas trompé alors qu’il était étudiant en histoire de l’art à Bologne et suivait avec assiduité les cours de Longhi : « Longhi était nu comme une épée hors du fourreau. Il parlait comme personne ne parlait. […] Pour un jeune garçon opprimé, humilié par la culture académique, par le conformisme de la société fasciste, c’était la révolution. La culture que le maître révélait et symbolisait proposait une voie nouvelle par rapport à l’entière réalité connue à ce jour ». Cet anticonformisme de Longhi qui allait tant séduire et influencer alors le cinéaste et poète se manifestera à de nombreuses reprises dans les études de l’historien de l’art, notamment dans cette magistrale monographie sur Caravage. Il est en effet le premier à souligner le style direct et naturaliste du maître lombard, à mettre en évidence son regard poétique et à analyser la place primordiale de la lumière dans cet ordonnancement novateur, ce dont rendent parfaitement compte ces pages au style souvent polémique. Ce fort et riche volume de 272 pages abondamment illustré des œuvres du peintre regroupe des textes déterminants consacrés tant aux artistes ayant influencé Caravage qu’à sa propre influence sur ses successeurs qui seront rangés dans le courant « caravagisme », qu’il s’agisse des peintres du cercle immédiat de l’artiste à Milan ou des nombreux artistes plus lointains ou postérieurs qui seront influencés par son originalité et modernité, notamment en France. Le lecteur retrouvera en fin d’ouvrage notes, catalogue complet des œuvres du peintre, ainsi qu’une bibliographie et un index qui feront de cette édition une référence incontournable pour toute étude sur le célèbre peintre italien.
		Jean-Pierre Luminet : « Les Nuits étoilées de Vincent van Gogh », 160 p., 2023. C’est un petit livre carré absolument passionnant signé Jean-Pierre Luminet que nous proposent les éditions Seghers. Un ouvrage mené telle une enquête et entraînant son lecteur sur les traces de Vincent van Gogh et du firmament. Eh, oui, rien que cela ! L’auteur a, en effet, souhaité en partant des chefs d’œuvre du peintre célébrant les étoiles tout simplement remonter le temps et retrouver les étoiles de la célèbre « Terrasse de café le soir » ou encore celles de la non moins célèbre « Nuit étoilée », des toiles réalisées à Arles en 1888… Pour ce beau défi, s’appuyant sur la correspondance de l’artiste, l’auteur est retourné sur les lieux mêmes où le peintre avait posé son chevalet, Arles, Saint-Rémy-de-Provence, le Rhône… juxtaposant œuvres, plans et photographies. C’est en 1888 que van Gogh part, en effet, s’installer en Provence. Là, il s’émerveille tant de la lumière du sud que de celle du ciel étoilé de Provence. Mais surtout, et là réside tout l’attrait de cet ouvrage, Jean-Pierre Luminet n’a pas hésité à solliciter le concours de la science et des logiciels pour retrouver les « vrais » ciels que l’artiste a pu contempler et lui ayant inspiré ses plus grands chefs d’œuvres ; d’où le titre de ce captivant ouvrage « Les Nuits étoilées de Vincent van Gogh » ! Il faut dire que l’auteur a plus d’un atout pour surprendre et réjouir son lecteur : astrophysicien, auteur de nombreux ouvrages sur le sujet, il sait de quoi il parle… Mais c’est aussi en poète, avec cette poésie des étoiles et de l’infini, que Jean-Pierre Luminet nous dévoile ces fameuses « Nuits étoilées de Vincent van Gogh ».
		« Modigliani – Un peintre et son marchand » ; Catalogue officiel de l’exposition éponyme au musée de l’Orangerie, Co-édition Musée de l’Orangerie/Flammarion, 2023. Catalogue officiel de l’exposition « Modigliani – Un peintre et son marchand » au Musée de l’Orangerie - Paris, l’ouvrage par son riche contenu réjouira tout autant ceux n’ayant avec regret pu se rendre à cet événement que ceux désirant en garder mémoire et souvenirs. Ainsi, outre le catalogue complet des œuvres exposées et présentées, ici, sur de pleines pages, des portraits essentiellement, le lecteur pourra également découvrir quatre fructueux essais mettant en lumière tant les œuvres de cette période réalisées par l’artiste que sa rencontre et relation avec son marchand, Paul Guillaume, en 1914. Modigliani est arrivé six ans auparavant à Paris et s’est consacré à la sculpture après avoir rencontré Constantin Brancusi. Mais, sous l’influence et les encouragements de P. Guillaume, Modigliani reviendra en fin de compte à la peinture pour s’y consacrer dorénavant exclusivement… Cécile Girardeau, conservatrice au musée de l’Orangerie, revient dans sa contribution « Amadeo Modigliani, un peintre à Paris » sur les débuts de Modigliani et l’influence de l’effervescence artistique parisienne de cette époque, avant que Simonetta Fraquelli, historienne de l’art et commissaire, souligne, pour sa part, les liens privilégiés unissant l’artiste et son marchand. Il est vrai que nombre d‘intérêts artistiques communs liaient les deux hommes notamment la poésie, la littérature ou encore les arts africains auxquels Yaëlle Biro consacre son essai. C’est en 1918 et avec Guillaume Apollinaire que Paul Guillaume lancera la revue « Les Arts à Paris » dont le lecteur retrouvera quelques couvertures et pages, et dans laquelle jusqu’à sa mort, il promut artistes et écrivains. Enfin, dans une passionnante recherche Marie-Amélie Senot a recours à la science pour éclairer et appréhender le projet artistique de Modigliani. Illustré également de photographies d’époque, ce catalogue trouvera à l’évidence bonne place dans toute bibliothèque.
		« Le Musée absolu » ; Relié, 23,8 x 30,5 cm, 1 640 Ill., 584 p., Editions Phaïdon, 2023. Ce n’est pas un musée imaginaire, mais bien plus puisque c’est un musée absolu - « Le Musée absolu » que les éditions Phaïdon nous proposent dans cette nouvelle édition ; un ouvrage remarquablement complet, ordonné et idéal pour permettre à tout à chacun de choisir justement son propre musée imaginaire ! Avec son grand format, ses plus de 500 pages et pas moins de 1 640 illustrations, l’ouvrage réalisé avec le concours de conservateurs, d’historiens de l’art, d’artistes et critiques d’art, nous invite à visiter la collection d’art la plus vertigineuse du monde, allant de « L’art de l’âge de Pierre » à « L’art depuis le milieu du XXe siècle » en passant par les arts de l’Asie, du Japon, les arts de l’Islam ou encore l’Afrique. Divisé en sections selon les périodes ou les domaines, le lecteur pourra parcourir bien des contrées, des espaces temps et des artistes : La Rome antique, la Renaissance italienne ou du Nord, le baroque ou rococo, etc., aucun domaine ne gardera ses secrets et le lecteur aura tout à loisir de choisir au gré des pages ses domaines de prédilection. Avec un plan « de visite » présenté non en chapitres mais en galeries tel un musée, chaque section ou galerie renvoie à une couleur déterminée que l’on retrouvera sur le profil de l’ouvrage en onglet pour plus de facilité. Chaque domaine abordé propose selon sa propre table des matières des présentations et analyses détaillées des arts concernés ; ainsi sous l’onglet rose, le lecteur retrouvera-t-il les arts de la Chine et de la Corée avec des développements sur les bronzes rituels chinois antiques, les bronzes mystérieux de Sanxingdui ou encore les Jades chinois ; au titre « d’expositions » des focus y sont même régulièrement développés parallèlement aux nombreuses œuvres et artistes présentés selon les domaines. Un ouvrage soigné et didactique devenu un classique incontournable et offrant au fil de ses pages ou des salles de ce fabuleux « Musée absolu », une porte d’entrée complète et idéale pour aborder l’histoire de l’art.
		« Yao Jui-Chung » par Sophie McIntyre ; Version anglais, 192 ill. couleur et 27 n&blc, 30 x 24 cm, Editions Scheidegger & Spiess, 2023. C’est une belle monographie consacrée à l’artiste taïwanais Yao Jui-Chung que nous proposent les éditions Scheidegger and Speiss. Artiste aux multiples expressions, mais aussi écrivain et conservateur, Yao Jui-Chung a su s’imposer sur la scène internationale de l’art contemporain et de la photographie ; pionnier dans tous les domaines, que cela soit la photographie, la peinture ou encore les multiples installations, Yao Jui Chung est devenu un artiste incontournable et indissociable de son pays dont la renommée n’est plus à faire. Dans son format allongé, l’ouvrage propose sous la direction de Sophie Mcintyre, spécialiste de l’art taïwanais, une riche mise en perceptive sur les trois dernières décennies de la carrière et de l’œuvre de l’artiste. Avec plus de 200 illustrations et reproductions, le lecteur y retrouvera les œuvres peintes réalisées par Yao Jui-Chung de 2007 à 2022, mais aussi son œuvre photographique et visuelle pour la période 2000-2020, ainsi que nombre de ses expositions. Des œuvres qui retiennent immédiatement l’intérêt tant par leur singularité que par leur engagement. Monde sociétal, politique, historique et religieux jalonnent dans un esprit libre et critique l’ensemble de l’évolution artistique de Yao Jui-Chung. Que ce soit dans son œuvre en noir et blanc, ou dans celle aux couleurs luxuriantes, le regard ne cesse d’être surpris par tant de diversité et de créativité. La dérision y est omniprésente et s’invite dans une créativité aussi bien tournée vers le présent, le politique et la société que vers le passé, la religion et les mythologies ou encore un « pré-apocalyptique futur »… un regard artistique que le lecteur retrouvera développé dans l’entretien de Yao Jui-Chung avec le critique d’art et directeur artistique du MAXXI à Rome, Hou Hanru. Un ouvrage qui ouvrira bien des horizons.
		« Rochus Lussi - Dûnne Haut thin skin » ; Relié, 400 p., 410 ill. couleurs et 34 en N&Blc, 21 x 26.5 cm, Version anglais/allemand, Editions Scheidegger & Spiess, 2023. C’est un fort et très bel ouvrage que les éditions Scheidegger et Spiess consacrent à l’artiste suisse Rochus Lussi. Une œuvre singulière, ouverte, tournée vers l’humain sous toutes ses formes, de la vie à la mort pourrait-on dire. Certes, si quelques œuvres ou installations sont consacrées au règne animal, l’angle de frappe de cet artiste, né en 1965, réside dans la captation de l’humain, de l’existence de l'humain en tant qu’animal grégaire ; L’humain, l’homme, la femme, l’enfant ou le nourrisson pris dans les mailles de l’existence avec ses congénères. Avec une sensibilité à fleur de peau propre à l’artiste, ces œuvres, sculptures, dessins, installations extérieures ou intérieures ne sauraient laisser indifférents. Y sont perceptibles tout autant la solitude, les faiblesses, les désorientations, le mimétisme ou formatage, mais aussi la singularité de ce qui fait l’humain. Personnages en série, visages vides, déshumanisés, mais également divisés, écartelés, la mort y côtoyant la vie, la survie ou l’absence… Évoluant au fil du temps, Rochus Lussi questionne, interroge, scrute plus que le spectateur ne le questionne. C’est un beau parcours ou voyage au sein d’une œuvre de plus de trente années qui mérite amplement d’être connue que nous propose cette belle monographie appuyée par de riches contributions et analyses consacrée à Rochus Lussi.
		« Monet en pleine lumière » ; Collectif sous la direction de Marianne Mathieu, Éditions Hazan, 2023. Accompagnant l’exposition du Grimaldi Forum Monaco, l’ouvrage « Monet en pleine lumière » a souhaité célébrer le père de l’Impressionnisme sous la lumière du fameux rocher de Monaco et de la non moins renommée Riviera lors de son premier séjour, il y a 140 ans. Et quel plaisir jamais tari de retrouver Claude Monet dans cette période essentielle des années 1880 de sa longue carrière, une trajectoire infaillible retracée également en ces pages et offrant au lecteur une belle mise en perspective… Mais, ce sont surtout les jeux de lumière, de bleus et d’azur, ces ambiances à nulles autres pareilles de la Riviera qui retiendront l’attention. Loin déjà de la lumière des plages de Deauville, de Trouville ou des bords de Seine, loin encore des effets si magiques de Giverny, ces toiles des années 1880, quelques peu moins connues, imposent pourtant leurs charmes, beauté et caractères… Sous la direction de Marianne Mathieu, les œuvres de Monet de cette période se laissent, en effet, pleinement apprécier ; des œuvres, en ces pages, appuyées par de riches contributions, des documents d’archives ou encore des photographies d’époque. De Monaco à Antibes en passant par Bordighera, Dolceacqua ou encore Cap Martin, c’est un voyage en compagnie de « Monet en pleine lumière » auquel nous convie ce bel et riche ouvrage.
		« Tiziano 1508. Agli esordi di una luminosa carriera » ; Catalogue de l’exposition Venezia, Gallerie dell’Accademia, sous la direction de Roberta Battaglia, Sarah Ferrari et Antonio Mazzotta, (italien), Editions Mandragora, 2023. La Gallerie dell’Accademia de Venise consacre au peintre Le Titien une exposition majeure quant à ses œuvres de jeunesse. Le catalogue de cet évènement publié aux éditions Mandragora permettra de se faire une idée de l’importance de cet angle original retenu par Sarah Ferrari, Antonio Mazzotta et Roberta Battaglia à partir de l’œuvre emblématique du peintre « l’archange Raphaël et Tobie » datant de 1508, une peinture déterminante pour la suite du brillant parcours de l’artiste. Ces quelques années du début du XVIe siècle à Venise font ainsi l’objet d’analyses approfondies dans ce catalogue en écho avec l’exposition, renouvelant le regard porté sur le jeune Tiziano par le filtre de 17 œuvres autographes confrontées à celles de ses contemporains tels son maître Giorgione, mais aussi Sebastiano del Piombo, Francesco Vecellio ou encore Albrecht Dürer. Ainsi que le soulignent les riches contributions réunies dans ce catalogue, l’an 1508 marque assurément le point de départ de la carrière publique de Titien qui le conduira en quelques années seulement à devenir le peintre officiel de la Sérénissime. L’analyse des œuvres de jeunesse, la décoration du Fondaco dei Tedeschi, les pérégrinations du jeune Titien entre Venise, Ferrare et Padoue sont ainsi étudiées en début d’ouvrage avant de proposer au lecteur des analyses des œuvres majeures présentées de l’artiste, telles la Nativité, le Triomphe du Christ, la Madonna con il Bambino ou encore Judith avec la tête d’Holopherne.
		« L’automne par les grands maîtres de l’estampe japonaise » réalisé par Anne Sefriou ; Coll. « Chefs-d’œuvre de l’estampe japonaise », 17.2 x 24.6 cm, Editions Hazan, 2023. Les éditions Hazan célèbrent les saisons avec les grands maîtres de l’estampe japonaise. L’ouvrage consacré à « L’Automne » offre particulièrement un plaisir inégalé ! Avec son coffret et sa reliure en accordéon, celui-ci livre en effet par le prisme de soixante œuvres signées des plus grands maîtres japonais, non seulement toutes les couleurs chatoyantes de l’automne, mais aussi toute la poésie et symbolique extrême-orientales attachées à cette saison à nulle autre pareille. Les plus grands maîtres de l’estampe, Hokusai, Hiroshige, mais aussi Hasui ou encore Harunobu, signent ces estampes uniques où les couleurs et les « Rafales d’automne », pour reprendre un titre de Sôseki, nous entraînent en une rêverie infinie… Lorsque les érables se parent de rouge ou de jaune, lorsque les kimonos des jeunes femmes se teintent des couleurs des chrysanthèmes et que le vent d’octobre fait ployer les bambous… C’est toute la poésie des songes d’automne que le lecteur retrouvera dans ces pages aux soixante estampes… L’ouvrage est accompagné d’un livret explicatif réalisé par Anne Sefriou, auteur de nombreux livres d’art notamment consacrés au domaine des estampes japonaises.
		PAOLO PORTOGHESI Sguardo, parole, fotografie edizioni dell’Accademia Nazionale di San Luca, 2023. Le catalogue officiel de l’exposition à l'Accademia Nazionale di San Luca sous la direction de Francesco Cellini et Laura Bertolaccini permet de découvrir et d’apprécier les liens intimes qu’entretenait Paolo Portoghesi, grand architecte italien disparu en mai 2023, théoricien et professeur d'architecture de l'université La Sapienza de Rome, avec la culture architecturale internationale, et plus précisément ici son admiration pour le grand architecte baroque Francesco Borromini dont il était l’un des éminents spécialistes. Dès son plus jeune âge, Portoghesi a en effet exploré par ses photographies en noir et blanc - dont 72 sont reproduites dans l’exposition et le catalogue - l’œuvre de Borromini en une passionnante enquête critique. C’est dans les années 60 que Portoghesi débute cette vaste exploration en un nombre impressionnant de clichés à travers de multiples lieux emblématiques tels Sant'Ivo alla Sapienza, San Carlo alle Quattro Fontane, San Giovanni in Laterano, la Casa dei Filippini, Sant'Agnese in Agone, Palazzo Falconieri, le Collegio di Propaganda Fide ou encore l’église de Sant'Andrea delle Fratte… Avec des appareils Rolleiflex ou Hasselblad tenus à la main sans trépied, Portoghesi sut saisir des angles inédits qui étonnent encore de nos jours ainsi qu’il ressort des pages de ce catalogue avec ces contrastes lumineux accentués par les jeux d’ombre. Dans cet ouvrage richement illustré par ces photographies extraordinaires, le lecteur pourra également découvrir l’écriture de Portoghesi révélant toute la richesse de son vocabulaire et la magie opérée par le baroque de Borromini. Une exploration dans l’univers fascinant de la pierre et de l’architecture baroque transfigurée par un de ses plus passionnants analystes ! (Exposition organisée par Francesco Cellini et Laura Bertolaccini, avec la collaboration de Maria Ercadi, sous le Haut Patronage du Président de la République italienne. Toutes les photographies et reproductions du livre Paolo Portoghesi de Francesco Borromini exposées ou publiées dans le catalogue ont été aimablement fournies par Giovanna Massobrio Portoghesi).
		« All Under One Roof - Revolutionising Basel’s Military Barracks” sous la direction de Claudia Mion ; 22.5 x 33 cm, 224 p.; 181 illus. couleur et 50 b/w; Version Allemand / Anglais, Editions Park Books, 2023. Les éditions Park Books livrent avec « Die Revolutionierung der Basler Kaserne » ou « All Under One Roof - Revolutionising Basel’s Military Barracks » une étude complète de la récente reconversion de la caserne militaire de Bâle sur les rives du Rhin par le jeune cabinet d’architectes bâlois Focketyn del Rio. Appuyé par une vaste iconographie, l’ouvrage offre en effet une riche analyse de cette réhabilitation de l’ancienne caserne de Bâle en un centre culturel dynamique et vivant. Achevé en 2022, le kHaus propose aujourd’hui plus de 3 000 m2 qui ont ainsi été aménagés en salle de théâtre, espaces et salles de travail... Une reconversion décidée il y a une dizaine d’années, en 2013 précisément, et menée sous l’élan créatif et dynamique de jeunes architectes, ceux du Focketyn del Rio Studio à Bâle, ce jeune cabinet d’architecture ayant en effet remporté le concours pour cette réhabilitation en 2013, soit tout juste six mois après son ouverture ! Le lecteur pourra par cet ouvrage au format idéalement allongé découvrir l’ensemble du process année après année de cette vaste et belle réalisation architecturale ; Plans d’études, plans extérieurs et plans intérieurs étage par étage, étapes de réhabilitation, photographies et interviews rythment les différents chapitres de cette féconde étude. Aujourd’hui, parfaitement intégrée à la ville de Bâle, cette reconversion offre aussi une belle illustration de ce que peuvent apporter, bien au-delà de Bâle et du Rhin, les diverses réhabilitations urbaines. À ce titre, cette riche étude offre autant une fructueuse mise en valeur qu’une belle mise en perspective.
		Didier Ben Loulou : « Judée », Éditions La Table ronde, 2023. A la seule évocation du mot « Judée », la mémoire se libère avec ces paysages brulés par le soleil, ces peuples de la Bible, Ammonites, Edomites, Samaritains, pour certains disparus, d’autres encore présents, ayant tracé en lettres d’espérance une partie de son histoire… Ce sont ces déserts de Judée où l’ocre se dispute au beige, terre d’ombre, terre de Sienne que le photographe Didier Ben Loulou nous propose de parcourir avec ce dernier album dans lequel la vie, la mémoire, les angles et ces couleurs inimitables font la signature, aujourd’hui internationalement reconnue, du photographe. La pierre omniprésente dans ces espaces comme dans l’œuvre artistique du photographe constitue le sceau du secret, celui qu’il appartient patiemment de comprendre pour mieux saisir le destin de tant de civilisations en ces terres. Un chemin en apparence esseulé, des graminées tendant leurs tiges vers le ciel comme des orants, des ciels chargés annonciateurs de présages, partout une végétation calcinée des attentes des hommes… Et pourtant, parfois, au détour d’un chemin, le photographe capte l’improbable couleur pourpre d’une tunique antique abandonnée, non partagée… Nombreux seront en effet les symboles laissés avec parcimonie par ces photographies inspirées de Didier Ben Loulou, telle cette grenade à la fois synonyme de fertilité et de charité dont les grains se dispersent aux quatre vents. Les éléments sont omniprésents dans ces pages parfois rudes et austères tels ce feu qui dévore les broussailles ou ce vent que l’on devine sur les ramures de ces vénérables oliviers. La Judée ne fait pas que marquer le paysage mais cisèle aussi les corps de celles et ceux qui y vivent depuis l’aube des temps. Peaux craquelées de soleil, regards songeurs en pleine lumière, pieds momifiés par la terre. C’est une Judée habitée, vivante, que nous livre au regard le photographe, terre habitée d’hommes et de femmes, de chèvres, de nuages, du souffle du vent ; terre, surtout, de mémoire, cette mémoire des pierres, quête patiente et inlassable… La Judée de Didier Ben Loulou transporte ses lecteurs plus loin encore que les vastes horizons car l’artiste nous propose par ses photographies un véritable voyage intérieur, quelques fruits sur l’étal d’une marchande, et partout cette vie qui se passe de discours…
		« John Ruskin – Turner » ; Traduction et présentation de Philippe Blanchard, Coll. Studiolo, Éditions de L’Atelier contemporain, 2023. Les passionnés d’art et de littérature, les amoureux de Proust et d’Oscar Wilde, savent combien sont d’une richesse aussi incomparable qu’intemporelle les écrits de John Ruskin (1819-1900) notamment ses écrits sur Turner. Mais comment retrouver ces derniers dans cette incommensurable somme que nous a léguée l’écrivain et critique d’art anglais, auteur des célèbres « The stones of Venice - Les Pierres de Venise » ? Aussi faut-il saluer cette heureuse initiative des éditions de l’Atelier contemporain d’avoir regroupé et agencé en un seul et même volume l’ensemble des écrits de Ruskin consacrés exclusivement à Joseph Mallord William Turner, l’un des plus grands artistes anglais du XIXe siècle avec John Constable. Rappelons que Ruskin voua toute sa vie une passion sans faille pour le célèbre artiste anglais qu’il découvrit à l’âge de treize ans lorsqu’on lui offrit pour son anniversaire un livre de poèmes de Rogers principalement illustré par Turner. Une passion précoce qui fit de lui un collectionneur insatiable ; « Mes folies turnériennes » écrira Ruskin lui-même cinquante ans plus tard dans « Praeterita » ! Et comment ne pas le comprendre face à ces œuvres - dont une trentaine de reproductions jalonne ce « Studiolo » - reconnaissables entre toutes, mais si fugaces ou évanescentes qu’elles en demeurent pour le commun des mortels, au-delà de l’émotion visuelle, indescriptibles… Dans cet ouvrage intitulé simplement « John Ruskin / Turner », le lecteur retrouvera avec ce plaisir toujours renouvelé, bien sûr, de larges passages issus des « Modern Painters – Les peintres modernes », cette somme majeure et unique que Ruskin entreprit initialement pour défendre l’artiste et qu’il n’aura de cesse de compléter, de parachever sa vie durant, mais le lecteur découvrira aussi des textes moins connus, extraits d’essais ou de catalogues également consacrés au peintre. À noter que chaque chapitre, texte ou extrait est introduit, présenté et replacé dans son contexte par Philippe Blanchard préfacier et traducteur des écrits de Ruskin pour cette édition. Agencés, selon un ordre choisi, judicieux, le lecteur percevra ainsi au travers des thèmes de prédilection de Ruskin, la vérité, la nature, l’imitation, le paysage, la mer et les bateaux…, cette spécificité, subtilité et sensibilité qui ont fait le génie du célèbre peintre, aquarelliste, dessinateur et graveur anglais, J.M.W. Turner. Ruskin, lui-même très bon dessinateur, partagea bien des points communs avec Turner : outre leur goût pour les voyages, tous deux présentaient surtout une curiosité insatiable doublée d’une acuité des plus aiguisées. Aussi n’est-il pas étonnant que le critique d’art ait si bien compris la sensibilité du célèbre peintre et qu’il demeure encore aujourd’hui incontestablement, ainsi que le souligne dans sa riche préface Philippe Blanchard, « la voie royale pour accéder à la peinture de Turner ». L.B.K.
		« 300 Femmes peintres – Cinq siècles de femmes peintres » ; Collectif ; Préface de Rebecca Morrill, Simon Hunegs et Maia Murphy ; Editions Phaidon, 2022. Les éditions Phaidon ont eu l’heureuse idée de regrouper en un seul et même volume pas moins de trois cents artistes peintres femmes ayant, chacune à leur manière, marqué l’histoire de l’art ! Couvrant cinq siècles et traversant plus de soixante pays à travers le monde, cet ouvrage demeure une somme unique. Alison M. Gingeras, écrivain, commissaire d’exposition et conservatrice que l’on ne présente plus, se réfère dans son introduction, bien sûr, pour appréhender le rôle et la place des femmes - que cela soit en littérature et surtout en art - à l’une des premières femmes de lettres Christine de Pizan au Moyen-âge ou encore plus proche de nous, au XXe siècle, à l’historienne de l’art Linda Nochlin, auteur notamment, en 1971, du fameux ouvrage « Pourquoi n’y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? ». Issue ou représentant des mouvements ou courants très divers, chaque artiste peintre est présentée en ces pages par un texte clair et concis et une œuvre majeure. On songe ainsi à Mary Cassatt, à Marie Laurencin, à Judith Leyster ou encore Frida Kahlo… Mais, le lecteur découvrira aussi aux côtés de ces femmes peintres célèbres, des artistes reconnues plus tardivement, voire peu connues ou injustement méconnues. Des femmes peintres d’hier qui nous disent par leurs œuvres et vie leur siècle, mais aussi des artistes contemporaines, d’ici ou de l’autre côté du globe, pour certaines à valeur montante et qui nous entrainent à regarder vers demain et l’avenir… Pour plus de facilité, l’ouvrage a retenu un ordre alphabétique complété d’un glossaire par styles, mouvements et termes techniques. Le lecteur sera étonné en découvrant au fil des pages la diversité et créativité ayant animé ces femmes peintres d’hier et d’aujourd’hui, chacune ayant participé et contribué de par son origine, son époque et style à écrire l’extraordinaire histoire de la peinture.
		« Soliloques d’un peintre » ; Édition établie et présentée par Christine Gouzi ; 16 x 20 cm, 1104 p., L’Atelier contemporain Éditions, 2022. Véritable somme réunie par Christine Gouzi sur le peintre Georges Rouault (1871-1958), « Soliloques d’un peintre » prendra une place de choix dans la bibliographie consacrée à celui qui fut le contemporain de Matisse, Derain, Camoin et Manguin, ces « fauves » du Salon d’Automne de 1905. Ce mouvement nommé fauvisme marquera en effet les esprits en ce début du XXe siècle en donnant la primauté à la couleur sur le dessin. Artiste complet, peintre, dessinateur, céramiste, graveur, illustrateur, Rouault sut également tenir une plume et a laissé une production littéraire souvent méconnue que cet ouvrage réunit de manière exhaustive avec ces 1104 pages. Celui qui avait un faible pour les laissés pour compte, les gens du cirque, sans oublier l’univers sacré, a en effet livré de nombreux témoignages sur ses contemporains ; Gustave Moreau, bien entendu qui fut son maître à l’École des Beaux-Arts, mais également Léon Bloy, Suarès, Huysmans. Théoricien de l’art mais aussi poète, cet artiste fut décidément doué en de multiples disciplines où la sagacité de son regard savait dépasser les lieux communs. Christine Gouzi, avec la collaboration d’Anne-Marie Agulhon, a accompli pour cette parution inédite un travail de titan en réunissant l’ensemble de ces articles pour la plupart d’entre eux dispersés et couvrant une période allant de 1896 à 1958. C’est une véritable « rage d’écrire » qu’évoque Christine Gouzi en introduction rappelant que Georges Rouault tenait l’écriture pour une nécessité presque aussi grande que la peinture, ce qui laisse une petite idée de la place occupée par cette nécessité vitale. Écrivant la plupart du temps la nuit alors qu’il était insomniaque, le peintre cherchait ainsi à apaiser ses craintes et doutes grâce à cette écriture cathartique. Laissant ses témoignages sur des papiers épars et de diverses natures, la production littéraire de Rouault n’a pas facilité le présent travail d’édition remarquablement réalisé. Replacés dans leur contexte, ces écrits, dont de nombreux inédits, témoignent de l’engagement protéiforme de cet homme épris d’absolu dont la poésie fut loin d’être la portion congrue. Ces « Soliloques d’une peintre » devraient passionner toute personne éprise non seulement d’art, mais également de découvertes, telles celles qui animèrent toute sa vie cet esprit curieux et engagé que fut Georges Rouault.
		Jean-Gabriel Causse : « L’étonnant pouvoir des couleurs », Flammarion, 2022. L’influence des couleurs sur nos humeurs est aujourd’hui bien connue, mais en connaissons-nous pour autant tous les tenants et aboutissants ? C’est pour répondre à nos multiples interrogations en ce mystérieux domaine que Jean-Gabriel Causse nous livre analyses et découvertes les plus récentes dans ce passionnant ouvrage « L’étonnant pouvoir des couleurs » aux éditions Flammarion. L’auteur, designer, conseiller et membre du Comité Français de la Couleur, a fait choix de proposer une riche approche thématique allant de la relaxation à la mémorisation en passant par le marketing ou encore l’apprentissage... De captivants thèmes savamment développés souvent avec humour et confirmant « L’étonnant pouvoir des couleurs » sur nos comportements et perceptions. Couleurs et pharmacologie, couleurs et odorat, couleurs et vente en ligne sans oublier un chapitre entier consacré au choix des couleurs même. Alors violet, bleu ou orange ? Harmonie, énergie, calme ou liberté ? Eh ! Oui, « voir la vie en rose est une réalité scientifiquement prouvée » et « on travaille mieux dans la couleur » souligne Jean-Gabriel Causse. Préalablement à ces thèmes, l’auteur nous invite à découvrir les couleurs, leur perception, leur nombre et température, sans oublier ces étranges illusions d’optique. Et même si les couleurs n’existent pas en tant que telles, mais par notre regard, que ce soit de A à Z ou en zapping, ce livre regorge d’informations et réflexions étonnantes, ludiques et instructives. Êtes-vous sûr que le rouge soit une couleur chaude ? Et sommes-nous réellement plus forts habillés en rouge ? Et le vert n’est-il pas étonnamment la couleur la plus légère ? Plus de 200 pages, un sommaire riche de plus 40 thèmes pour un captivant ouvrage assurément haut en couleur… De quoi répondre à plus d’une interrogation et bien plus encore !
		« Top secret – cinéma & Espionnage » sous la direction de Matthieu Orléan et Alexandra Midal, 288 p., 176 x 242 mm, Broché, La Cinémathèque française / Flammarion, 2022. Passionné et passionnées d’espionnage et du 7e art, cet ouvrage est pour vous ! Innombrables sont, en effet, les films traitant de ce thème porteur qui ont su réunir non seulement un nombre d’acteurs ahurissant depuis le cinéma muet et noir et blanc jusqu’à nos jours mais également, de l’autre côté de la toile, un nombre non moins croissant d’amateurs du genre… Fort de ce constat, cette publication qui constitue le catalogue de l’exposition se tenant actuellement à la Cinémathèque française jusqu’en mai 2023 transportera le lecteur dans les coulisses de ces films où agents secrets, agents doubles et parfois même triples redoublent de sagacité pour tromper l’ennemi et parvenir à recueillir les informations convoitées par les puissances pour lesquelles ils travaillent en service commandé. La palette du genre apparaîtra impressionnante en lisant ce catalogue plus que complet et réunissant des textes passionnants signés notamment de Pauline Blistène, de Luc Boltanski, Bernard Eisenschitz et bien d’autres encore. « Top Secret » explore ainsi cet univers bien particulier qui possède ses propres codes, parfois totalement fantaisistes au gré des scénaristes, d’autres fois calqués sur la réalité. Impressionnante est la liste des réalisateurs prestigieux qui se sont laissés convaincre par ce genre, parfois considéré à tort comme mineur, Fritz Lang, Alfred Hitchcock, Kathryn Bigelow, Brian De Palma, John Huston ou Laura Poitras feront la preuve grâce à leur art du contraire à travers des films de légende. À souligner enfin que ce catalogue à l’iconographie remarquable a retenu fort à propos la forme d’un abécédaire avec des interviews inédites de cinéastes et d’acteurs, des textes témoignant de la diversité de ces films selon la situation géopolitique qui les a vus naître. Véritable bible du film d’espionnage, « Top Secret » figurera assurément en bonne place dans toute bibliothèque de cinéphile !
		« Dear to Me - Peter Zumthor in Conversation” ; Edited by Peter Zumthor, 18 booklets in slipcase, 444 pages, 9 color illustrations, 12.5 x 21 cm, Editions Scheidegger & Spiess, 2021. Une importante exposition réalisée en 2017 intitulée « Dear to me » et organisée par le célèbre architecte suisse Peter Zumthor a donné lieu à l’édition de cet exceptionnel ouvrage publié par les éditions Scheidegger & Spiess. Exceptionnel quant à la qualité tout d’abord des personnes qui y ont concouru puisque Peter Zumthor a su s’entourer de personnalités aussi diverses qu’avec Anita Albus, Aleida Assmann, Marcel Beyer, Hélène Binet, Hannes Böhringer, Renate Breuss, Claudia Comte, Bice Curiger, Esther Kinsky, Ralf Konersmann, Walter Lietha, Olga Neuwirth, Rebecca Saunders, Karl Schlögel, Martin Seel, Rudolf Walli et Wim Wenders… Cette profusion artistique a ainsi nourri cet ouvrage lui-même original quant à sa forme avec pas moins de dix-sept livrets ou conversations réunies, ici, en un luxueux boitier. L’esthétique sobre et raffinée, enfin, qui préside à cette édition met idéalement en valeur la remarquable qualité de ces conversations qui ont été réunies convoquées, recueillies et rassemblées en ces pages par les soins de Peter Zumthor. C’est dans le cadre alpin de l’atelier du célèbre architecte que ces personnalités de tous horizons du monde de la culture sont venues débattre de thèmes aussi divers que la philosophie, le cinéma, la littérature, l’histoire, l’art, la photographie, etc. Ces dialogues révèlent ainsi les grandes approches contemporaines des arts avec comme fil directeur l’architecture reliant ces diverses disciplines. Les conversations libres et passionnantes stimulent l’esprit et la créativité, ce qu’avait souhaité avant tout le célèbre architecte pour ces rencontres dont le lecteur pourra retrouver l’essence en ces ballades intellectuelles fascinantes servies par une iconographie des plus inspirantes.
		« Vita Nuova - Nouveaux enjeux de l’Art en Italie 1960 – 1975 », MAMAC Snoeck éditions, 2022. La créativité de l’art italien de la deuxième partie du XXe siècle reste encore à explorer en France où elle demeure quelque peu méconnue. L’exposition qui vient de se tenir au musée d’Art moderne et d’Art contemporain (MAMAC) de Nice est venue avec bonheur y contribuer ainsi que le présent catalogue publié par les éditions SnoecK. Deux décennies italiennes - du début des années 1960 jusqu’au milieu des années 70 - ont connu en effet une rare effervescence dans les arts qu’il s’agisse du cinéma, de la littérature, de la peinture sans oublier la photographie et bien d’autres arts encore dont les pages de cet ouvrage abondamment illustrées témoignent. Rome, Milan, Turin, Gênes sont autant de pôles créatifs ayant réuni en ces années foisonnantes de nombreux artistes qui tenteront, chacun à leur manière, de traduire les profondes mutations vécues par la société italienne à cette époque. L’industrialisation, les médias, la société de consommation opèrent en effet des changements radicaux – pour certains irréversibles - dans le quotidien des Italiens, ce que dénonça très tôt le grand intellectuel Pier Paolo Pasolini dans ses multiples créations. Les corps, la nature font ainsi l’objet d’une relecture d’un grand nombre de ces artistes qui proposeront de nouvelles approches tout autant dans la photographie que la peinture, et autres multiples installations qui tenteront d’appréhender ce modernisme envahissant. Au-delà des instabilités politiques et sociales, ces créateurs persistent et ouvrent les portes de la modernité tels Giosetta Fioroni, Mario Schifani, Franco Angeli, etc. Cette vision pluridisciplinaire retenue par l’exposition et le catalogue qui l’accompagne rend parfaitement compte de cette complexité qui s’installe en ces années phares, complexité qui n’a pas fini d’entrelacer ses questionnements…
		« Buchner Bründler—Buildings II » de Ludovic Balland, 528 pages, 295 color and 816 b/w illustrations and plans, 23 x 27 cm, Editions Park Books, 2022. Les noms de Daniel Buchner et Andreas Bründler ont largement émergé dans le monde de l’architecture suisse depuis que ces deux créateurs bâlois ont eu l’heureuse idée de créer leur studio en 1997. Emblématique de la jeune génération suisse d’architecture, Buchner Bründler Architects a su rapidement se distinguer par d’impressionnantes créations, des créations à nulles autres pareilles présentées et commentées dans ce deuxième volume entièrement consacré à la décennie 2010-2020. Une quinzaine de projets font ainsi l’objet d’une analyse détaillée dans ces pages aussi inspirantes qu’instructives et agrémentées de près de 1500 photographies, croquis, plans et visualisations. Qu’il s’agisse de nouvelles constructions ou de restaurations, le style Buchner Bründler se définit et s’impose, page après page, par ses concepts propres aux deux architectes de spiral of Infinity ou encore d’espaces virtuels posant de manière pertinente la question des rapports entretenus par toute construction avec son environnement. Conçu à la manière d’un « cabinet de curiosités », ce fort volume concentre en ses pages toute l’étendue de la créativité des deux architectes, qu’elle s’exprime à petite échelle en des volumes réduits ou au contraire sur une large échelle en Suisse comme en Allemagne. Cette analyse est également complétée par l’étude d’une cinquantaine de projets non réalisés. Ces projets restés à l’état de plans offriront à n’en pas douter une source d’informations et d’inspiration à de nombreux architectes ainsi qu’à toute personne cherchant une voie originale et créative pour un projet de construction. Enfin, ce beau livre sera assurément en tant que tel source d’inspiration et d’esthétique à l’image de cette métamorphose entreprise sur la Casa Mosogno en Suisse au cours des années 2014-2018. Contributions de Tibor Joanelly, Urs Stahel, Franziska Schürch, Oliver Schneider et Ludovic Balland. Préface de Daniel Buchner et Andreas Bründler.
		« Sumi-e » de Koike Shozo, Editions Nuinui, 2019. Véritable bible de la peinture japonaise sumi-e, l’ouvrage consacré à cet art par le maître japonais Shozo Koike (qui vit en Italie où il dispense son art) s’avèrera incontournable à celles et ceux souhaitant s’initier à cette pratique picturale. Épurée et allant à l’essentiel, la peinture sumi-e rejoint les sources du zen dans cet art minimaliste de l’évocation de la nature, faunes et autres objets du quotidien. Pratiquée avec seulement un pinceau, une pierre d’encre de Chine et du papier japonais, celle-ci se trouve en ces pages expliquée en termes clairs et didactiques par l’auteur qui n’hésite pas à en rappeler les étapes, planche après planche. Quelques traits épurés évoquent spontanément une forêt de bambous sous la neige, un prunus en fleurs ou encore des montagnes éloignées en autant de sujets de cet art hérité de la Chine et de la dynastie Tang (618-907). Ce sont les moines bouddhistes zen japonais qui introduisirent cette pratique dans la culture de leur pays, et depuis à l’origine de merveilleuses créations. Tout est question de souffle et de posture mais aussi de tranquillité d’esprit, à l’image d’une méditation zazen. Une pression du bras en trop et le trait s’épaissit excessivement, à l’inverse un effleurement trop léger sera insuffisant pour suggérer le paysage souhaité. Ce sont aux techniques de base de cet art subtil auquel nous convie cet ouvrage très pédagogique et agrémenté de nombreuses illustrations indispensables au pratiquant.
		« L'Impressionnisme » de Valérie Mettais, Coffret l'essentiel, 18,4 x 25,7 cm, 192 pages, Éditions Hazan, 2022. Le coffret « L’Impressionnisme » réalisé par Valérie Mettais est parvenu à concentrer en moins de 200 pages une belle synthèse aussi attractive que didactique de ce courant majeur de la peinture né dans le dernier tiers du XIXe siècle. Poursuivant la présentation originale de la collection en format « accordéon » associant une sélection de 55 œuvres majeures représentatives de l’art de l’impressionnisme, ce coffret est publié à l’occasion de l’exposition « Le décor impressionniste - Aux sources des Nymphéas » au musée de l’Orangerie. Parvenant à évoquer les œuvres de personnalités aussi différentes que Monet et Renoir, Pissarro ou Degas, cet ouvrage toujours agréable à déplier permettra au lecteur de rapidement constater ce qui unit tous ces artistes épris de nature et de couleurs ; Une attraction commune pour la libération des formes et un désir partagé d’évoquer les sensations nées d’impressions au contact de la nature. Ce livre est complété par une notice sous la forme d’un cahier joint détaillant l’origine des œuvres et en rappelant les notions essentielles. Un beau voyage sous la forme d’une exposition temporaire chez soi.
		"Le bonheur dans la littérature et la peinture" de Pascal Dethurens ; 221 x 280 mm, 192 pages, Editions Hazan, 2022. Vaste sujet que le bonheur ! Sujet fécond surtout lorsqu’il est recherché tant dans la littérature que dans la peinture… Une quête pleine de couleurs et de surprises dont s'est saisi Pascal Dethurens et qu’il nous fait partager avec cet attrayant catalogue paru aux éditions Hazan. Le bonheur, cette notion qui a animé les philosophes dès la plus haute antiquité n’a, il est vrai, cessé d’inspirer aussi bien les artistes que les historiens, écrivains, romancier ou essayistes… C’est à cette quête croisée et belle aventure, tâche ardue, cependant, à laquelle s’est attaché Pascal Dethurens, professeur de littérature comparée et spécialiste des liens entre arts et littérature. Ce bel ouvrage servi par un long et riche texte et par une iconographie aussi inspirante qu’évocatrice transporte le lecteur dans ces liens ténus entre sentiment de plénitude prêté au bonheur et création en occident. Convoquant Marc Aurèle, Roger Caillois, Mircea Eliade... en regard de Matisse, Bonnard, Léger et tant d’autres, l’ouvrage s’égrène tel un sablier empli de sable précieux… Instant rare et souvent fugace, le bonheur fait tour à tour l’objet d’adulation ou de méfiance selon les courants de pensée au fil des siècles. La subjectivité entre ainsi au cœur de cet état délicat proche, parfois, de la nostalgie. Réminiscences éparses d’instants précieux, états de plénitude face à l’immensité de la nature, émerveillements du quotidien le plus infime, chaque occasion – grande ou petite – peut ouvrir au bonheur ainsi qu’en témoignent les œuvres d’art et extraits d’œuvres littéraires réunis par l’auteur. Si le lecteur veut un exemple concret, qu’il s’attarde sur ce premier tableau reproduit dès les premières pages de l’ouvrage, une œuvre de Pierre Bonnard, peintre de l’hédonisme et qui parvient à saisir si justement ces quelques fractions d’éternité sur « La Terrasse à Vernonnet » en 1939, plénitude des couleurs et de la lumière dont « La fête de Saint-Nicolas » de Jan Sten à la page suivante constitue l’habile contrepoint avec cette adorable petite fille serrant sa poupée comme un trésor unique… Bonheur d’aimer, plaisir des dieux, intimité ou extase, nature sublimée, plénitude spirituelle, tels sont quelque un des thèmes abordés dans cette réflexion délicatement menée par un auteur lui-même inspiré !
		« Napoli – Super modern »; Sous la direction du LAN - Local Architecture Network, de Benoit Jallon, d’Umberto Napolitano et du Laboratoire R.A.A.R. ; 24 x 30 cm, 232 pages, Éditions Park Books, 2020. Avis aux amoureux de l’Italie, Naples, et bien sûr, aux architectes, la parution aux éditions Park Books de ce riche ouvrage entièrement consacré à l’évolution architecturale moderne de Naples dans les années 1930 à 1960. Un angle de vue architectural rarement étudié et que cet ouvrage sous la direction de Benoît Jallon, associé fondateur du LAN (Local Architecture Network) à Paris et de Umberto Napolitano appartenant également au LAN, révèle avec autant de passion que de précisions. Avec une iconographie exceptionnelle, notamment les photographies du célèbre photographe français Cyrille Weiner, cet ouvrage apporte bien des éclairages sur la construction moderne de cette ville italienne à nulle autre pareille. Ainsi si Umberto Napolitano revient sur la genèse de cette modernité, Cyril Weiner souligne la « Douce assimilation » de cette évolution architecturale des années 1930 à 1960. Avec ses nombreuses contributions, dont celles également de Manuel Orazi et de Guianluigi Freda, ses plans et détails architecturaux, c’est un regard et surtout une riche analyse que propose « Napoli – super modern » sur cet aspect moderne moins connu de cette métropole portuaire unique du sud de l’Italie. Une féconde étude d’ensemble appuyée également par un « Atlas » de dix-huit bâtiments majeurs de Naples datant de 1930 à 1960 comportant plans, élévations et coupes notamment le fameux « Cube d’or » ou encore le Teatro Mediterraneo ; Un « Atlas » accompagné et éclairé par les textes d’Andréa Maglio qui signe également « Of a « Conciliatory » Modernity : Naples 1930-1960 ».
		" Camées et intailles, l’art des pierres gravées " de Philippe Malgouyres, Hors série Découvertes, Gallimard / L’Ecole des Arts Joailliers, 2022. A l’occasion de l’exposition consacrée à l’art des pierres gravées à L’École des Arts Joailliers de Paris, les éditions Gallimard publient sous la plume de Philippe Malgouyres une heureuse synthèse sur cet art trop souvent méconnu. La pratique de tailler une pierre précieuse ou semi-précieuse remonte à la plus haute antiquité et n’a cessé de gagner en raffinement depuis ainsi qu’en témoigne ce numéro Hors-série Découvertes abondamment illustré. L’auteur, conservateur en chef du patrimoine au département des objets d’art du musée du Louvre et spécialiste de la glyptique – art de graver les pierres – souligne combien ces pièces pour certaines exceptionnelles sont nées du dialogue entre la pierre et la main de l’homme. Relevant la difficulté quant à leur classement, souvent fantaisiste et moins rigoureux que pour les espèces vivantes, l’ouvrage rappelle combien ces imprécisions ont su nourrir une poésie certaine dont ces créations témoignent au fil des siècles. Depuis le IIIe millénaire av. J.-C., ces pierres provenant majoritairement d’Inde, feront l’objet de techniques, s’il en était besoin, le degré de maîtrise et d’excellence atteint par de nombreux graveurs. Rappelant les fonctions et usages de ces bijoux dès le Proche-Orient antique, ce petit ouvrage aux inoubliables photographies transportera le lecteur en un délicat voyage où poésie minérale et art ont su composer les plus belles créations.
		« Johan Celsing – Buildings Texts » ; Sous la direction de Pamela Johnson avec les contributions de Claes Caldenby, Johan Celsing et Wilfried Wang ; Photographies de Ioana Marinescu ; Relié, Editions Park Books, 2021. Johan Celsing a su s’imposer comme l’un des plus talentueux architectes suédois contemporains. Une telle monographie entièrement consacrée à Johan Celsing et à l’ensemble de son œuvre était donc vivement attendue. C’est aujourd’hui chose faite avec ce fort volume de plus de 400 pages « Johan Celsing – Buildings Texts » sous la direction de Pamela Johnson et publié aux éditions Park books. Johan Celsing, né en 1955, a, en effet, travaillé sur des créations très diverses, allant de musées, bibliothèques, galeries, institutions publiques à des habitats privés, et même des églises ou lieux de prières. Au fil des pages de ce riche volume, le lecteur découvrira cependant une ligne directrice et une conception homogène que le grand architecte n’a eu de cesse de suivre. Il faut donc saluer cette belle et complète monographie réunissant l’ensemble des travaux de Johan Celsing, aujourd’hui directeur du Johan Celsing Architektkontor comprenant des studios basés à Stockholm et Malmö. Johan Celsing est également professeur d'architecture au KTH Royal Institute of Technology de Stockholm. Appuyés par les photographies de Ioana Marinescu, plans, projets et réalisations – plus de 600 illustrations, se succèdent au grès des nombreuses contributions de ce fort beau volume dont celles de Claes Caldenby et de Wilfried Wang soulignant le caractère intemporel des créations de Johan Celsing. Le lecteur découvrira également des écrits passionnants signés de Johan Celsing lui-même. Une riche monographie incontournable qui devrait s’imposer en ouvrage de référence.
		« L’Art en Mouvement ; Immersion dans le réseau de transport parisien » d’Anaël Pigeat ; Photographies de Philippe Garcia ; RATP / Éditions La Martinière, 2022. Le métro parisien a fait entrer notamment ces dernières décennies l’art. Mais, connaît-on pour autant ces œuvres d’art qui jalonnent, ici ou là, les stations et couloirs de métro de la capitale ? A-t-on déjà pris le temps de les regarder et d’en connaître l’histoire ? C’est pour répondre à ces légitimes interrogations que la RATP en collaboration avec les éditions La Martinière viennent de publier « L’art en Mouvement », un attrayant ouvrage revenant sur une vingtaine d’œuvres présentes sur les lignes du métro d’Ile de France. Des œuvres d’art du passé, emblématiques, telles ces entrées de station dans le pur style Art nouveau signées Hector Guimard et encore tellement aimées de nos jours... Mais, aussi des œuvres proposant « Des dialogues avec la ville » d’artistes français et du monde entier ; on songe à Françoise Schein à la station Concorde, au Nautilus de François Schuiten pour la station des Arts et Métiers ou encore à Carlos Sarrabezollers à la station Richelieu-Drouot. Appuyé par les belles photographies de Philippe Garcia, chaque sous-chapitre consacré à un artiste revient sur plusieurs pages sur l’œuvre, sa genèse et son histoire. Indiquant station et lignes de métro, ces sont de véritables « Voyages intérieurs » et « Ouvertures sur le monde », des mondes à explorer, que livrent au regard ces œuvres d’art signées notamment Hugues Reip sur la ligne 4 ou les « Energies » de Pierre-Yves Trémois dans la gare d’échange du RER de Chatelet-Les Halles ou encore Philippe Baudelocque à la station du même nom. Un séduisant ouvrage offrant une jolie et instructive immersion dans cette culture toute métropolitaine.
		« Milan - Au coeur de la création contemporaine » de MARIE-ASTRID ROY ; Préface de Béatrice Trussardi, Tommaso Trin ; collection 10+100, Ateliers Henry Dougier, 2022. La Collection 10+100 des Ateliers Henry Dougier accueille un nouveau titre consacré à la ville de Milan en Italie signé Marie-Astrid Roy. L’auteur, passionnée d’Italie et vivant dans la capitale lombarde, a décidé pour le plus grand bonheur des amoureux de la ville de la mode et de la culture de nous faire profiter de ses adresses et lieux incontournables à partir de 10 artistes et 100 lieux iconiques de son choix ainsi que le veut le titre de la collection. Avec cet ouvrage passionnant et abordant autant de chemins de traverse que la ville peut en susciter, nous découvrons une autre Milan au fil de ses créateurs tels Stefano Boeri, Giacomo Moor, Anna Franceschini et bien d’autres encore ayant accepté de livrer leur témoignage sur la ville ; des visions non seulement d’artistes mais également de Milanaises et de Milanais d’adoption ou de naissance. Fort de ces témoignages, le guide propose cinq parcours afin de (re)découvrir 100 lieux, pour certains emblématiques tel le Mudec, pour d’autres plus secrets notamment l’Armani/Silos… Dans tous les cas, c’est une autre ville qui s’ouvre au lecteur avec sa modernité et ses traditions cohabitant en une harmonie sans cesse revisitée, l’auteur sachant mieux que quiconque en faire partager la magie et nous donner l’envie de découvrir son charme et ses trésors qui pour certains remontent à la plus haute antiquité. Un guide précieux à emporter sans faute avec soi pour son prochain voyage en Lombardie !
		« Claude Monet – fragments d’une vie » de Gérard Poteau ; Relié, 16 x 22 cm, 200 pages, Éditions des Falaises, 2021. Avec « Claude Monet - fragments d’une vie » Gérard Poteau nous invite à entrer dans l’intimité du Père de l’impressionnisme. L’ouvrage débute avec les quatre-vingts ans de cette stature hors du commun, dans sa demeure, à Giverny. Comment effectivement ne pas entrer dans l’intimité de Claude Monet sans évoquer cette demeure rose ? Giverny avec sa salle à manger jaune, sa cuisine bleue et surtout son jardin, ses ponts japonais et ses fameux nymphéas, aujourd’hui célébrés dans le monde entier. Dans un style très agréable, Gérard Poteau– déjà auteur de récits biographiques, livre ici un intime portrait du peintre : Monet et « Camille et Alice » ses épouses, ses amis et rencontres. Illustré de toiles du maître, mais aussi par de nombreuses photographies, ce récit qui se veut entre biographie et roman s’appuie notamment sur la vaste correspondance de Claude Monet. Le lecteur retrouvera ainsi le peintre dans son atelier, dans son jardin dont il dessina les allées et choisit les essences et presque chaque fleur. On se surprend même à s’inviter à ce fameux « déjeuner » et « à attendre les deux coups de gong qui annoncent l’heure du repas chez les Monet »… Une jolie immersion tant dans l’œuvre que la vie de l’un des plus grands peintres de l’histoire de l’art.
		« Paul Signac – l’air du large » de Marina Ferretti Bocquillon ; Relié, 22 x 16.5 cm, 80 pages, Éditions des Falaises, 2021. Dans le même esprit de jolies escapades, Marina Ferretti Bocquillon nous convie avec ce petit ouvrage à une croisière maritime au grès des toiles et marines de Paul Signac. L’auteur, spécialiste du célèbre peintre, responsable notamment des Archives Signac, sait combien ces thèmes, les ports, la mer et les bateaux ont été des thèmes chers à l’artiste. Un amour de la mer et des couleurs que Paul Signac néo-impressionniste chérira pour ses œuvres toute sa vie, de la Normandie à la Méditerranée, mais aussi la Bretagne ou encore l’Italie et Venise. Fécamp, Port-en-Bessin, Saint-Briac, Portrieux, Concarneau, Antibes ou Constantinople, chaque œuvre surprend par ses variations, ses transparences et jeux de lumière. Antibes sous un arc en ciel, Saint Tropez sous ou après l’orage… Ainsi que le souligne l’auteur : « Apôtre de la pureté des teintes, Paul Signac a dédié son existence à l’étude de la couleur ». Ce dernier signera d’ailleurs un essai et traité chromatiques aujourd’hui conservé aux Archives Signac. Se révèlent ainsi au regard, page après page, toile après toile, toute la subtilité et les variations, reflets et couleurs de la palette de Paul Signac que ce soit en qualité de peintre, d’aquarelliste ou dessinateur. Un bel et agréable « Air du large » !
		« Julie Manet – la Mémoire impressionniste » ; Catalogue de l’exposition éponyme - musée Marmottan Monet sous la direction de Marianne Mathieu ; Relié, 22 x 28.5 cm, 324 pages, 250 illust., Editions Hazan, 2021. « La mémoire impressionniste » ! Quel plus joli et pertinent titre pouvait être retenu pour cette superbe et unique monographie consacrée à Julie Manet (1878-1966), catalogue accompagnant l’exposition éponyme actuellement au musée Marmottan Monet. Julie Manet se trouva en effet au centre même de ce fabuleux mouvement dénommé « l’impressionnisme » qui allait bouleverser l’histoire de l’art. Qu’on en juge ! Julie fut la fille unique de Berthe Morisot et seule nièce d’Édouard Manet, frère de son père Eugène Manet. Elle posera très tôt pour les plus grands peintres de Renoir aux peintres impressionnistes dont Monet ou encore Degas sans oublier, bien sûr, sa mère Berthe Morisot, avant de devenir elle-même une artiste accomplie et une collectionneuse avertie. « Julie rêveuse » ou « Julie Manet au chapeau liberty » peinte par sa mère, Berthe Morisot, en 1894 et 1895 ou par Pierre Auguste Renoir, « Julie Manet à la robe rose et au chapeau à fleurs de pommier » en 1899… « Un art naturel de la pose » que développe Dominique D’Arnoult. L’ouvrage sous la direction de Marianne Mathieu retrace au travers de riches contributions la vie de cette figure incontournable de l’impressionnisme : son enfance, orpheline à treize ans, son mariage, mais aussi sa vie d’artiste et de femme. Julie Manet s’engagea à faire connaître les œuvres de sa mère et de son oncle. Elle voua un amour immodéré à l’art, et c’est avec passion qu’elle réunira une belle et vaste collection avec son mari Ernest Rouart, fils d’Henri Rouart. Son journal qu’elle tiendra de 1893 à 1899 révèle, ainsi que le souligne Claire Gooden dans sa contribution, une belle qualité de jugement. C’est cette vie faite de toiles, tableaux et de dessins que le lecteur découvrira en ces pages. Julie Manet sera, en effet, toute sa vie entourée des plus grands noms et œuvres de l’impressionnisme à commencer par sa mère, Berthe Morisot, première peintre impressionniste. Que de rencontres pour cette femme qui à la fin de vie, toute de noire vêtue, n’aura quasiment jamais quitté l’immeuble familial de la rue Villejuste ! Avec plus de trois cents pages, ce sont ces années et tournant de siècle que l’ouvrage traverse, livrant ainsi au lecteur mille et une facettes de Julie Manet. Appuyé par une vaste iconographie, de nombreux documents et photographies pour nombre inédits, cet ouvrage offrant la première monographie dédiée à Julie Manet ne peut indéniablement que s’imposer au titre d’ouvrage de référence. Incontournable !
		« Comment regarder un tableau » de Françoise Barbe-Gall, Éditions Chêne, 2021. C’est un ouvrage fort utile, voire précieux, que signe Françoise Barbe-Gall aux éditions Chêne : « Comment regarder un tableau ». Qui, il est vrai, ne s’est jamais senti, un jour, dérouté devant une toile ? Or, partant du postulat que regarder et appréhender une œuvre s’apprend, que l’œil et le regard peuvent s’éduquer, l’auteur, historienne de l’art et enseignante, livre en ce fort volume didactique et passionnant de plus de 300 pages une multitude de clés pour mieux regarder et saisir un tableau. Une problématique que l’auteur connaît mieux que quiconque puisque cette dernière a fondé l’association CO.RE.TA , comprenez « COmment REgarder un TAbleau », pour laquelle elle assure et donne de nombreuses conférences. Françoise Barbe-Gall a en effet à cœur de transmettre et de rendre accessibles ces clés de lecture permettant à tout un chacun d’aiguiser à son rythme et selon ses expériences son regard. Car « apprendre à regarder un tableau suppose, avant toute chose, que l’on veuille bien, littéralement, en croire ses yeux. » souligne l’auteur. C’est cette expérience aussi féconde qu’indispensable que nous livre ainsi l’historienne de l’art dans ce captivant ouvrage. Appuyé par une riche iconographie, l’ouvrage propose, en effet, une progression réfléchie en six chapitres allant d’« Une simple réalité » à « La douceur d’un tableau » en passant par « Les déformations du visible » ou encore « La confusion des apparences ». L’auteur n’entend pas cependant, en ces pages, bannir nos impressions premières, mais bien à partir de ces dernières nous apprendre à saisir pleinement le sens d’une œuvre, notamment « Deviner ce qui n’est pas dit », « renoncer aux évidences » ou encore « Prendre le temps de se tromper »... Pour cela, sur le fondement de plus de 40 tableaux et artistes majeurs de l’histoire de l’art (Giotto, Botticelli, Raphaël, mais aussi Bacon, Soulages ou Rothko, etc.), l’ouvrage livre une analyse claire et pédagogique de chaque œuvre allant d’une vision d’ensemble à l’étude des détails signifiants, offrant ainsi au lecteur une fructueuse mise en perspective didactique ou une clé de lecture, tel que « Découvrir l’essence d’un caractère », « Voir naître la lumière » ou « Apprendre l’attente »… À ces thèmes-clés d’étude, viennent s’ajouter en correspondance pour chaque point abordé 42 pages de « Post-scriptum » comprenant repères et tableaux chronologiques, historiques ou culturels permettant au lecteur curieux d’aller plus loin et d’aiguiser plus encore son regard. Un ouvrage aussi riche que plaisant pour accompagner ses escapades culturelles.
		« Impressionnisme ; De Giverny à la Norvège » de Hayley Edwards Dujardin, Collection «Ça, c’est de l’art », éditions Chêne, 2021. Pour une approche toujours plaisante et surprenante, il faut retenir dans la fameuse collection « Ça, c’est de l’art » l’ouvrage « Impressionnisme ; De Giverny à la Norvège. » d’Hayley Edwards Dujardin aux éditions Chêne. Un ouvrage didactique relevant le défi de présenter en 40 notices les plus grands peintres et œuvres de l’impressionnisme tout en offrant au lecteur bien des surprises et étonnements. Hayley Edwards Dujardin, historienne de l’art et de la mode, sait en effet plus que tout autre surprendre et capter la curiosité. Anecdotes, détails, repère chronologique foisonnent à chaque page faisant ainsi revivre l’un des plus grands mouvements artistiques de l’histoire de la peinture. Sait-on par exemple que Pissarro sera le seul impressionniste à participer aux huit expositions des impressionnistes ? En revanche, Manet, bien que désigné par ces derniers de chef de file, ne se considérait pas impressionniste et ne participera pour sa part à aucune de leurs expositions… Des incontournables aux plus inattendus, les thèmes privilégiés (les meules, la plage, les cathédrales, etc.), les lieux (Giverny, La Montagne Sainte-Geneviève, La Ciotat, etc.) et œuvres majeures défilent délivrant à chaque page leurs secrets, précisions historiques, influences ou clins d’œil. Ainsi si l’on retrouve en fin d’ouvrage, en 1895, Monet en Norvège, le lecteur pourra aussi dans ces rendez-vous inattendus croiser dans la « Loge aux Italiens » Eva Gonzalès ou encore à la « Gallery of HMS Calcutta » Jacques Joseph devenu James Tissot… On découvre ou redécouvre, l’œil s’enchante devant cette incroyable lumière à nulle autre pareille, ces couleurs et impressions qui ont fait de ce fantastique mouvement nommé impressionnisme, au-delà du foisonnement des individualités, l’un des courants majeurs de l’histoire de l’art.
		« Rouge : de Pompéi à Rothko » de Hayley-Jane Edwards-Dujardin, collection « Ça, C'est de L'art », Chêne éditions, 2021. Avec ce dernier ouvrage paru aux éditions Chêne, Harley Edwards-Dujardin enquête sur l’une des couleurs les plus anciennes, le rouge. Une couleur associée aux premières représentations de l’homme sur les parois des grottes. Selon une formule déjà classique pour cette collection, grâce à 40 notices, l’auteur retrace le parcours pour le moins singulier de cette couleur la plus éclatante et repérable qui soit. Couleur des passions et des extrêmes, elle fut l’apanage des empereurs romains à partir de la pourpre obtenue à partir d’un coquillage, le précieux murex, tout comme celle des prostituées, un destin décidément à part… Rares sont les artistes à n’avoir pas succombé à ses charmes, qu’il s’agisse des décorateurs des villas pompéiennes ou, plus proche de nous, Rothko. Ses nuances ont laissé des noms poétiques, pourpre, garance, sépia, ocre, cinabre… Son aire géographique couvre le Nouveau comme l’Ancien Monde, les divers continents ayant rapidement perçu ses richesses et promesses. Neuf nuances de rouge sont en ces pages rappelées : écarlate, magenta, vermillon, bordeaux, tomate, garance, carmin, ocre rouge, et bien sûr le pourpre. L’ouvrage abondamment illustré débute par les fameuses mains de Cueva de las Manos en Patagonie qui transporteront le lecteur instantanément 11 000 ans av. J.-C. ! Les belles coupes antiques de la Grèce au VIe siècle av. J.-C. témoignent quant à elles de la virtuosité des artistes athéniens avec ces figures rouges sur fond noir. La peinture plus proche de nous est également abondamment illustrée dans ces pages avec Van Eyck, Van der Weyden, le Titien, Bronzino, ainsi que Georges de La Tour, fameux pour ses rouges flamboyants. Pour chaque artiste, une double page présente l’œuvre retenue, une synthèse complète ainsi que quelques anecdotes toujours instructives et attrayantes, faisant de cet ouvrage une passionnante aventure dans le monde des couleurs.
		"Les Nymphéas de Claude Monet" de Cécile Debray, Collection Beaux Arts, 218 x 312 mm, 208 p., Éditions Hazan, 2020. Porte incontournable afin d’entrer dans l’univers de la création de Claude Monet, les nymphéas – plus communément nommés nénuphars – semblent à la fois familiers et pourtant si complexes sous le regard du père de l’impressionnisme. Cécile Debray s’est attachée à ce monument de la peinture en partenariat avec le musée de l’Orangerie où se trouve conservée la remarquable collection de Nymphéas de Monet. C’est à une vision d’ensemble de ce cycle auquel convie cet ouvrage passionnant qui bénéficie d’une iconographie tout spécialement réalisée à cette occasion. Par un savant jeu d’agrandissements, le regard entre littéralement dans l’intimité de la composition grâce au saisissant travail de Fanette Mellier. La fascination suscitée par ce travail à la limite de l’obsession chez l’artiste a depuis longtemps gagné le public qui ne cesse de se presser à la découverte de cette rencontre à nulle autre pareille entre végétal et univers aquatique. Le foisonnement des formes et des couleurs se confond avec celui de la palette de l’artiste à un point tel qu’il devient difficile de percevoir qui en a été le modèle… Majesté de ces toiles monumentales où l’infime prend valeur de témoignage lorsqu’il pointe à l’occasion d’une discrète floraison. Cécile Debray parvient en introduction à faire partager cette abstraction dans des analyses à la fois accessibles sans leur ôter leur complexité. Les infimes vibrations de la lumière sur le végétal, ses échos sur l’onde et ses innombrables reflets composent une litanie éternelle que le peintre n’aura de cesse d’explorer tout au long de sa vie. Comment saisir cette fugacité ? Par quel moyen interrompre le temps afin de capter ces frémissements imperceptibles pour la plupart d’entre nous ? C’est à cette magie auquel convie cet ouvrage remarquable, aussi beau qu’inspiré, une évasion à lui seul à découvrir au plus vite.
		« Istanbul - Montparnasse ; Les Peintres Turcs de L’École de Paris » de Clotilde Scordia avec une préface d’Annie Cohen-Sohal, Éditions Déclinaison, 2021. Si les cercles des peintres parisiens des années de l’après-Seconde-Guerre Mondiale sont connus pour leur extrême vitalité, plus méconnus demeurent cependant - et à tort - « Les Peintres Turcs de l’École de Paris ». Une lacune que vient combler aujourd'hui avec bonheur cet ouvrage intitulé « Istanbul Montparnasse » signé Clotilde Scordia aux éditions Déclinaison. Ces peintres de l’École de Paris, tous contemporains de l’arrivée au pouvoir de Mustafa Kemal Atatürk et de la République de Turquie, furent pourtant largement célébrés en Turquie dans ces années d’après-guerre. Clotilde Scordia a fait choix de nous faire découvrir les œuvres de onze de ces artistes turcs majeurs. Onze « Peintres en quête de modernité » ayant choisi la France à la fin de la guerre, ainsi que le souligne l’auteur en son premier chapitre, avant de revenir sur les œuvres respectives de chacun de ces peintres. Parmi eux, deux femmes retiendront l’attention pour leur dynamisme, détermination et modernité ; Fahrelnissa Zeid, une « personnalité flamboyante » aux œuvres colorées, et Tiraje Dikman, livrant une œuvre plus abstraite sous influence surréaliste. Mais le premier à avoir quitté en ces années d’après-guerre son atelier d’Istanbul pour venir s’installer à Paris fut Fikret Moualla en 1939. Ce dernier, reconnu déjà dans son pays natal ainsi que de l’autre côté de l’Atlantique à New York, fut remarqué pour ses célèbres cafés parisiens dans lesquels sa vie nocturne sulfureuse trouva inspiration. Il fut rejoint à Montparnasse en 1946 par Nejad, puis par d’Avni Arbas, et en 1947 par Salim Turan… Tous ces artistes quittèrent leur atelier d’Istanbul pour venir rejoindre les peintres et les cercles créatifs et féconds de Montparnasse. Participants aux expositions consacrées à l’art turc du Musée d’art moderne de Paris et du musée Cernuschi, ces peintres surent, au-delà des critiques de l’époque, rapidement s’imposer en peintres majeurs notamment grâces aux galeristes et collectionneurs. Chaque chapitre consacré à ces onze « Peintres Turcs de l’École de Paris » offre au regard des œuvres chatoyantes ou d’une profondeur sombre. Aujourd’hui, Clotilde Scordia nous propose, au travers ces onze monographies richement illustrées, de (re)découvrir ces « Peintres Turcs de L’École de Paris ». À ce titre, on ne peut, ainsi que le souligne Annie Cohen-Sohal dans sa préface, que l’en féliciter.
		« Espagne abandonnée » de Fran Lens, Paco Quiles & Carlos Sanmillán, 208 p. 297mm x 210mm, Editions Jonglez, 2020. C’est une Espagne désolée, moins connue, marquée par la mémoire du temps et de l’histoire que nous livre au regard ce superbe ouvrage photographique, « Espagne abandonnée », paru aux éditions Jonglez. Issu du travail photographique de Paco Quiles, Fran Lens et Carlos Sanmillan, chaque chapitre, page et photos offrent, en effet, une découverte d’une autre Espagne, loin des clichés habituels, celle d’une Espagne dont la mémoire ne veut pas mourir… Les auteurs appartiennent tous au célèbre et fameux groupe « Abanbonned Span », un groupe s’étant donné pour tâche de faire revivre et de garder traces de ces villages, places ou autres lieux désertés, abandonnés, parfois laissés en ruines. Le célèbre Don Quichotte aimait à voir d’autres réalités que celles des autres mortels, sublimant ce qui était vulgaire, comme avec la douce Dulcinée ou ses fameux moulins… Notre trio sans chercher cependant querelle à des chimères s’éloigne des autoroutes touristiques pour prendre des chemins de traverse, au détour d’une église abandonnée, d’une masure esseulée, compagne de lierres envahissants. La beauté n’est pas la seule conviée dans cet ouvrage remarquable par la qualité de son témoignage, d’anciennes friches industrielles laissent encore percevoir les espoirs que des femmes et des hommes plaçaient dans la modernité, et ce qu’il en est resté, gravas, cheminées fort heureusement sans fumée… Le constat, parfois quelque peu amer, n’est cependant pas toujours pessimiste avec ces magnifiques photographies réunies dans cet ouvrage, la voûte céleste laisse encore percevoir ses constellations d’étoiles, même sur une masure abandonnée, des lieux somptueux n’attendent que le baiser d’un prince charmant, peut-être celui d’un lecteur, de cet ouvrage inspiré.
		« L’Eau par les grands Maîtres de l’Estampe japonaise » par Jocelyn Bouquillard ; Coffret avec cahier explicatif, 12 x 17.5 cm, 226 p., Éditions Hazan, 2021. La fameuse collection « Les grands Maîtres de l’Estampe japonaise » aux éditions Hazan s’enrichit d’un nouveau titre « L’Eau par les grands Maîtres de l’Estampe japonaise » du XVIIIe siècle et XIXe siècle. Un thème effectivement porteur et privilégié des Maîtres japonais ; qui ne songe dès à présent à la célèbre vague d’Hokusai ? Ponts, rivières, cascades ou simplement pluie sans oublier la neige, cet élément naturel a donné lieu aux plus belles et célèbres estampes, des estampes signées notamment Hokusai, ou encore Kuniyoshi. Dans son coffret et sa reliure japonaise en accordéon, cet ouvrage sous la direction de Jocelyn Bouquillard, responsable des collections d’estampes de la Bibliothèque Sainte-Geneviève et auteur notamment de « Hiroshige en 15 questions » et de « Les trente-six vues du Mont Fuji d’Hiroshige » également aux éditions Hazan, offre en effet au regard toutes les expressions de cet élément omniprésent au pays du Soleil levant, lacs, océan, cascades… Plus de soixante estampes célébrant chacune à leur manière l’eau. Communion et spiritualité s’y mêlent que ce soit dans la poésie des fines pluies, dans la puissance ou bouillonnements des flots et vagues ou dans les courbes et arabesques des rivières. Chaque estampe retenue révèle à elle seule toute la virtuosité des grands Maîtres japonais des siècles passés. Accompagné d’un livret introductif et explicatif livrant dates et précisions sur chacune des estampes représentées, ce coffret vient compléter à merveille cette collection enchanteresse.
		Loustal : « Aux Antipodes » ; dessins, 180 p., Editions la Table ronde, 2020. C’est un voyage « Aux antipodes » plein de charme et de poésie que nous propose le dessinateur Loustal dans cet ouvrage aux pages enchantées dans leur format paysage et paru aux éditions La Table ronde. Loustal nous conte également chemin faisant sa découverte, enfant, de ces contrées lointaines, son désir d’imaginaire et de dessin, et son aspiration enfin à voyager et à acquérir son propre style. Les dessins de Loustal, passant du fusain aux couleurs, ne sont pas seulement une belle invitation à voyager, ils captivent et entraînent dans des rêves d’ailleurs et des songes infinis. Rien d’étonnant à cela puisque le dessinateur sait plus que quiconque partir de ses dessins au fusain pour laisser en fin de compte voguer sa propre imagination et ses couleurs, aquarelle ou huile. Son style épuré offre en ces paysages lointains bien plus qu’un pur dépaysement, il se colore en ces pages une joie, une candeur, quelque chose de paisible, parfois nostalgique voire d’esseulé… Ainsi, glisse-t-on dans ces paysages de la « Terre de Feu », mélange de cap lointain, de paysages marins, et d’épaves… On se surprend à rêver après Brasilia, au soleil des plages de Floride, à la douceur des Îles Canaries (hors saison, précise le dessinateur !). Et puis, le bleu se fait plus gris, plus mélancolique lorsque l’on aborde l’Islande avant de retrouver les couleurs éclatantes de soleil de l’Italie ou de la Grèce. A chaque dessin, c’est une poésie singulière, épurée qui s’offre au regard, une poésie où dominent le fusain et le bleu lointain des rivages d’un imaginaire infini. Les dessins de Loustal sont une magie, ils racontent, disent, dévoilent, laissent s’envoler souvenirs et voguer les rêves d’ailleurs aussi loin que le souhaite le lecteur…
		« Histoire vivante de l’impressionnisme » de Valérie Mettais, Collection « Beaux-Arts », Éditions Hazan, 2021. C’est à une véritable « Histoire vivante de l’impressionnisme » que nous convie Valérie Mettais, historienne de l’art. Rien de figé, en effet, dans cet ouvrage paru aux éditions Hazan nous offrant toute l’aventure et la diversité de couleurs des palettes de ces peintres qui furent désignés par dérision « Les impressionnistes ». Un mouvement de fond, qui allait bouleverser la trajectoire de la peinture. Pour capter ce formidable foisonnement artistique, l’auteur a opté pour une approche chronologique, décennie par décennie, de 1863 à 1905. Un choix judicieux qui permet à Valérie Mettais de recontextualiser un mouvement artistique majeur trop souvent à tort coupé de tout. Printemps 1863, c’est le salon dit « des refusés », un succès et le début d’une longue et belle histoire… À la Closerie des Lilas, Monet, Sisley, Renoir se rebiffent contre cet académisme décidément trop académique. Ils sortent des ateliers pour le plein air ; ce sera la Normandie, mais aussi les berges de la Seine, Chatou et sa Grenouillère qu’immortalisera Renoir… S’appuyant sur une vaste iconographie, les impressionnistes, au fil de l’eau et des pages s’affirment, se dévoilent et s’imposent. Les années, les peintres et les destins se croisent. Ainsi que le souligne Valérie Mettais en son avant-propos : « Cet ouvrage n’est pas une histoire de l’impressionnisme en ce sens qu’il ne se concentre par sur ses seuls et prétendus adeptes (…), mais accueille aussi ceux qui l’ont accompagné et ceux qui ont croisé sa route, l’ont enrichi, suivi ou dépassé. » Degas, Pissarro, Caillebotte ou encore Émile Bernard, Paul Sérusier, mais aussi Manet, Cézanne et ses horizons. On y croise aussi Gauguin « Dans la maison jaune » et les couleurs de Van Gogh. Le moulin de la galette enchante Toulouse-Lautrec et le Moulin-Rouge tourne ses ailes et les têtes. Chacun de ces peintres marquera à leur manière, de par leur singularité, leurs perceptions et couleurs, ce que l’on appellera dorénavant l’impressionnisme… En 1905, les impressionnismes enthousiasment et enthousiasmeront le monde entier ouvrant ainsi leurs portes à l’avenir… Un ouvrage riche et alerte qui fourmille de détails et d’anecdotes offrant une réelle et belle « Histoire vivante de l’impressionnisme ».
		« Églises abandonnées » de Francis Meslet, Editions Jonglez, 2020 ». Au-delà du triste constat que pose tout édifice en déshérence, l’ouvrage de Francis Meslet nous place cependant au-delà, face à notre propre rapport à l’égard de l’histoire et de la culture, indépendamment de nos convictions religieuses. L’auteur a, pour cela, mené une véritable enquête sur huit années, enquête qui l’a emmené aux quatre coins de l’Europe où il a pu saisir avec son appareil photographique ces insolites et désolés instantanés d’abandons et de pesants silences… Quoi de plus triste, en effet, qu’une église vidée de tout son sens, celui de la réunion, de la fraternité et du partage, même si cette église doit avant tout s’entendre en un sens plus spirituel que matériel… L’auteur et photographe a choisi avec cet ouvrage saisissant de livrer un réel et beau témoignage éloquent, celui d’une Europe qui a depuis longtemps perdu ses racines chrétiennes et se débat avec cet héritage que certains jugent encombrant si l’on en juge l’incurie et l’inaction à l’égard de ces bâtiments en totale déshérence. Au-delà du silence qui pourrait à la rigueur encore convenir à des lieux sacrés, c’est surtout le péril de leur disparition définitive qui interpelle. Ces lieux non entretenus prennent l’eau, leur structure se fragilise et à terme s’écroulent d’eux-mêmes ou par mesure de sécurité font l’objet de mesures radicales. Curieusement l’actuelle pandémie nous a livré de tels spectacles de désolation avec une place Saint Marc vidée de ses touristes… Soudain, la question du sens prend toute sa valeur, surtout lorsqu’il s’agit de lieux de foi. Les photographies de Francis Meslet parlent d’elles-mêmes, elles qui prennent à témoin le lecteur lorsque le cœur et le toit d’une chapelle du Piémont sont mis à nu, ouverts à quatre vents… Ces statues d’une église bourguignonne semblent attendre les fidèles, en une patiente éternité… Le végétal et la nature reprennent aussi leur droit sur ces pierres de la foi, faut-il voir là un signe ? On ne peut qu’espérer que cet ouvrage émouvant par son sujet, « Les Églises abandonnées » contribue à apporter une nouvelle pierre, celle d’une réponse respectueuse de l’Histoire et des cultures…
		Alain Vircondelet : « De l’or dans la nuit de Vienne selon Klimt », Éditions Ateliers Henry Dougier, 2021. « Le Baiser » du célèbre peintre autrichien Gustav Klimt, œuvre emblématique d’une époque et d’un esprit, fait l’objet d’un essai séduisant d’Alain Vircondelet, historien de l’art et biographe talentueux. Publié dans la belle collection « Le roman d’un chef-d’œuvre » aux éditions Atelier Henry Dougier, cet ouvrage sort des sentiers battus et offre un plaisant regard transversal sur une œuvre d’art, roman à elle seule. S’inscrivant dans le mouvement de l’Art nouveau et de la Sécession de Vienne, Klimt a surpris indéniablement ses contemporains par ses toiles sur fond d’or, véritables ponts entre tradition byzantine, Ravenne, Venise et symbolisme de la fin du XIXe siècle. Par quelle alchimie, cependant, cette œuvre envoûte-t-elle autant celles et ceux qui la découvrent ? Telle est la quête passionnante que mène Alain Vircondelet sur cette icône souvent réduite à un fougueux transport amoureux. Si l’amour semble bien en effet au cœur de cette composition, l’or irradiant l’œuvre invite également à la pureté et à l’absolu du désir inaltérable. Face à la fascination exercée par ce tableau depuis un siècle, Alain Vircondelet cherche à lever les voiles jetés sur « Le Baiser » et à en révéler les différents éclats. Les ors sertissent la rencontre d’un homme et d’une femme au cœur d’une prairie fleurie, cadre idyllique si ce n’est le vide qui commence à attirer les amoureux à leur insu. Fragilité et insouciance cohabitent ainsi dans cet espace plus sacralisé qu’il n’y paraît de prime abord. Émilie Flöge, muse de Klimt, se trouve évoquée sur le tableau, une styliste appréciée qui concevait les tissus représentés dans l’œuvre. Amour sacré, amour profane, thème de prédilection de Titien et autres peintres de la Renaissance, trouvent ici un écho repensé, loin des représentations romantiques erronées de cette œuvre. L’or tente d’enchâsser pour l’éternité l’évanescence des corps et de la vie à la veille de la pénombre qui guette Vienne et le monde ; Une dimension religieuse possible du tableau, ainsi que le suggère avec intelligence et passion Alain Vircondelet dans cet ouvrage aussi attrayant que stimulant. Philippe-Emmanuel Krautter
		« Follement drôle – Wahnsinnig Komisch » ; Sous la direction du Dr Anne-Marie Dubois et du Dr Thomas Röske ; Couv.cartonnée, 19 x 26.5 cm, 160 illustrations, 232 p., Bilingue français-allemand, Editions In Fine, 2020. Voilà, enfin, un ouvrage qui vous mettra de bonne humeur ! Intitulé « Follement drôle », ce dernier donne, en effet, à voir les collections du Musée d’art et d’histoire de l’hôpital Sainte-Anne (MAHHSA) et la collection Prinzhorn de l’hôpital universitaire allemand de Heidelberg. Réunies pour la première fois en ces pages à l’occasion de l’exposition éponyme au MAHHSA jusqu’au printemps 2021, ces collections viennent illustrer avec bonheur que « la « folie »ne se conjugue pas nécessairement avec le « drame » ». Ici, les œuvres présentées riment avec drôlerie, humour et plaisanterie, voir avec caricature, et révèlent la distanciation que peuvent avoir certains malades. Nez rouges, portraits caricaturés et sens du dérisoire s’entremêlent. Des œuvres singulièrement drôles qui surprennent tant pas leur identité propre que par leurs points de contact au-delà des époques. On y retrouve ainsi comme des fils conducteurs la caricature, le grotesque, la grivoiserie ou encore la distanciation à l’égard des institutions psychiatriques. Des traits-unions ayant dicté la présentation des œuvres et les chapitres de l’ouvrage. Sous la direction du Dr Anne-Marie Dubois, directrice scientifique du MAHHSA et du Dr Thomas Tüske, directeur du Prinzhorn Collection Museum, et appuyé par de nombreux textes et contributions, l’ouvrage propose également une éclairante analyse tant des œuvres que de ce « follement drôle » qui les anime. À ce titre, les collections respectivement de Sainte-Anne réunie à partir des années 1950 et Prinzhorn constituée en 1900 sont emblématiques de ce que peuvent révéler et offrir à voir ces œuvres singulières et ici colorées de drôleries.
		Tim Cornbill : « Le grand livre de la photo urbaine », 235 x 255 mm, 192 p., Éditions Dunod, 2020. La photographie urbaine a acquis ses lettres de noblesse au siècle passé grâce aux travaux précurseurs d’artistes comme Atget, Brassaï, Cartier-Bresson. Mais connaît-on véritablement ce qui la compose, la caractérise et la constitue ? C’est à cette délicate tâche à laquelle s’est attelé avec rigueur et pédagogie Tim Cornbill dans cet ouvrage concis sur un sujet pourtant sans frontières… Diurne ou nocturne, avec ou sans habitants, noir et blanc ou couleur, la liste est quasi infinie des multiples variations auxquelles se prête la ville pour le photographe ayant décidé d’en faire son sujet. Tim Cornbill a choisi dans ces pages de dévoiler cette passion qui l’anime depuis fort longtemps et qui le porte à braquer son objectif de Paris à New York, en passant par Berlin, Dubaï ou Barcelone... Chaque lieu possède son identité, et ce bien au-delà de la mondialisation galopante. Une singularité urbaine peut fort heureusement poindre encore de nos jours à la condition de respecter certaines règles que l’auteur rappelle et détaille. Ainsi, comment choisir les bonnes focales, les lieux propices, la météo pour la lumière et les couleurs ou encore gérer les perspectives ? Cet ouvrage, riche d’enseignements, aborde tous ces points essentiels, et bien d’autres encore, avec un nombre impressionnant de conseils pratiques pour réussir ses plus belles photos urbaines. L’ouvrage offre au regard en plus du travail de l’auteur commenté lui-même, les œuvres de huit autres artistes majeurs de la photographie urbaine, tels Brassaï, Martin Parr, Cartier-Bresson, Sebastien Weiss… Au-delà, et grâce à aux conseils pratiques de Tim Cornbill, c’est une approche artistique nourrie par l’esprit même des lieux urbains qui vient animer les œuvres des plus grands photographes. Un ouvrage unique livrant une véritable philosophie de la photographie.
		« Eyes that Saw – Architecture After Las Vegas », Collectif; 14 x 21 cm, 197 illustrations, 504 p.; Stanislaus von Moos and Martino Stierli, Scheidegger & Spiess Editions, 2020. « Eyes that Saw » intéressera assurément plus d’un architecte, historien d’art ou créateur puisque cet ouvrage propose une riche et instructive étude sur l’héritage encore présent de nos jours du « Learning from Las Vegas ». Ce dernier paru dans les années 1970, fruit du travail mené par Robert Venturi et Denise Scott Brown, fut un immense et immédiat best-seller qui a su imposer jusqu’à aujourd’hui au titre de référence incontournable en matière d’architecture des années 70. Robert Venturi et Denise Scott Brown y livraient, en effet, leur étude menée avec Steven Izenour sur le thème de Las Vegas à la Yale School of Architecture. Aujourd’hui, plus de quarante ans après, ce ne sont pas moins de quatorze experts, architectes, historiens de l’art et artistes qui livrent au lecteur dans ces quelque 500 pages de « Eyes that Saw - Architecture After Las Vegas » leur analyse de cette influence incontestable et incontestée du « Learning from Las Vegas » sur notre quotidien. Apportant chacun leurs propres vues selon des angles différents appuyés par plus de 190 illustrations, c’est l’ensemble du vaste rayonnement du « Learning from Las Vegas » qui se dévoile, ainsi, au lecteur que ce soit en matière architecturale, de design mobilier urbain ou encore dans le domaine des arts visuels. Le lecteur y découvrira également des archives et documents provenant de Venturi, Scott Brown & Associates de l'Université de Pennsylvanie, ainsi qu’une chronologie médiatique illustrée de l’influence du « Learning from Las Vegas » de par le monde entier. Une étude collective riche et instructive offrant une réelle et belle mise en perspective du rayonnement dans le monde du « Learning from Las Vegas » depuis maintenant presque un demi-siècle.
		« Jean-Michel Wilmotte Muséographie, Architecture De Musée, Scénographie, Galeries, Ateliers D’artistes » ; Contributions de Jean-Jacques Aillagon, Taco Dibbits, Françoise Mardrus, Luis Monreal, Jean-Michel Wilmotte ; Édition reliée et toilée, bilingue français/anglais, 22 x 30 cm, 376 p., 300 illustrations, Éditions SKIRA, 2021. Jean-Michel Wilmotte compte assurément plusieurs casquettes à son actif. Architecte, urbaniste, mais aussi designer, cet esprit insatiable de curiosité surprend depuis le milieu des années 70 pour l’étendue, la diversité et la qualité de ses réalisations dans des domaines aussi différents que l’architecture, l’architecture d’intérieur, la muséographie, le design, l’urbanisme… Électron libre, son esprit créatif n’a de cesse d’étonner et de forcer l’admiration par ses réalisations imposantes comme celles plus discrètes. Rien n’est acquis sauf l’ouverture d’esprit, sans cesse remise sur le métier comme pour le stade Allianz Riviera. Le soin apporté à chaque détail, même le plus infime, la conjugaison des sources d’inspiration et des cultures et une attraction immodérée pour l’art composent son univers ainsi qu’il ressort de ce bel ouvrage paru aux éditions SKIRA et présentant les plus audacieuses réalisations de Wilmotte & Associés. L’entretien de Jean-Michel Wilmotte avec Taco Dibbits (Directeur du Rijksmuseum Amsterdam) permettra également de se faire rapidement une idée de ce créateur impénitent. Les 300 photographies réunies offrent elles aussi un bel aperçu de l’ampleur et de la qualité des créations réalisées tel l’Hôtel Lutetia récemment rouvert à Paris, le siège londonien de Google, le stade de Nice ou encore le Centre Spirituel et Culturel Orthodoxe Russe sans oublier les innombrables muséographies réalisées. Cet éclectisme ne doit pas cacher la griffe Wilmotte faite de cette délicate alliance de sobriété et de transparence afin de valoriser les espaces et le rapport entretenu entre le visiteur et les œuvres d’art notamment pour ses réalisations pour le musée du Louvre dans l’Aile Richelieu et le département des Arts premiers au Pavillon des Sessions. Tout visiteur de la collection Pinault à La Dogana de Venise se souvient en effet de cette habileté à jouer des contrastes entre l’espace, le volume, les ouvertures et la lumière. La muséographie et la scénographie sont des arts à part entière et Jean-Michel Wilmotte démontre par son inspiration que ses réalisations nourrissent de la plus belle manière qu’il soit le rapport d’un objet à son espace.
		Stefano Zuffi : "Le Caravage par le détail", version compacte, 156 x 196 mm, 288 p., Éditions Hazan, 2021. L’œuvre du Caravage s’avère être aussi foisonnante que complexe, à l’image du peintre dont le destin tragique éclaire un grand nombre de ses compositions. Aussi, Stefano Zuffi a-t-il conçu « Le Caravage par le détail » comme un ouvrage clair et accessible, afin d’entrer au cœur de cette création d’un des plus grands peintres de son temps. Retenant une approche qui a fait le succès de la collection, c’est par le détail d’œuvres aussi célèbres que Bacchus, Méduse, David et Goliath, Judith décapitant Holopherne, et La Diseuse de bonne aventure, que le lecteur se familiarisera avec l’univers de Caravage dès les premières pages de l’ouvrage. La vie de Michelangelo Merisi, plus connu sous son nom d’artiste, Le Caravage, s’apparente au clair-obscur dont il façonne ses toiles : une lutte éternelle entre la lumière d’une inspiration foudroyante et la pénombre des affres vécus par le peintre toujours en lutte avec lui-même et ceux qui croiseront sa vie. Né en 1571 à Milan, la période romaine de Caravage sera essentielle pour celui qui « …était venu au monde pour détruire la peinture », souligna abruptement Nicolas Poussin. Si cette appréciation témoigne de l’effet révolutionnaire que fit ce peintre sur ses contemporains et ses successeurs au XVIIe siècle, elle révèle aussi l’ampleur de la tempête artistique qu’initia, en effet, le jeune et fougueux peintre sur la peinture italienne. Adepte du clair-obscur qui allait envahir toutes ses toiles comme pour mieux révéler l’âme de ses représentations, l’artiste s’imposera comme le plus grand peintre naturaliste de son temps, avec cependant un naturalisme bien singulier pour l’époque. Si l’artiste mena souvent un parcours solitaire, ce dernier ne sera pas néanmoins sans relation avec les cercles intellectuels de son époque. Alors que le fougueux peintre entretint des rapports souvent conflictuels avec certains de ses contemporains, tel le peintre Annibal Carrache, Le Caravage sut également nourrir des rapports fructueux avec les poètes et musiciens qui viendront inspirer des œuvres comme celle du fameux Joueur du Luth. Les mécènes notamment le marquis Giustiniani (1564 - 1637) et le cardinal Francesco Maria del Monte (1549 - 1627) auront, eux aussi, une grande importance dans le parcours du Caravage en étant à l’origine de nombreuses commandes. L’artiste se fait remarquer très tôt pour son art à peindre d’après un modèle vivant, une manière qui aura d’ailleurs une influence déterminante sur ses contemporains et successeurs. Au lieu de copier les maîtres, il s’essaie avec le talent qui sera le sien à des représentations personnelles atypiques comme celle du Petit Bacchus malade, œuvre qui marque la rupture avec son maître le Cavalier d’Arpin dont il quittera l’atelier après huit mois seulement. Ce naturalisme va se développer pendant ces riches et fertiles années romaines jusqu’à ce que le peintre fuyant son destin de toiles en rixes, achève cette période romaine avec le meurtre suite à une bagarre avec Ranuccio Tomassoni en 1606, ce qui lui vaudra une peine d’exil. Ce sera alors Naples, Malte…et la mort au terme de cette fuite incessante. Stefano Zuffi a privilégié une présentation des œuvres du peintre délaissant l’ordre chronologique au profit de thèmes récurrents tels les natures mortes, les lames étincelantes, les cinq sens, les têtes tranchées, les corps, etc. Comme à l’accoutumée, de gros plans sur de nombreux détails révèlent la création caravagesque de manière lumineuse et pédagogique offrant ainsi un ouvrage passionnant.
		« Pierre Matisse & Joan Miró ; Ouvrir le feu – correspondance croisée, 1933-1983 » ; Édition établie, annotée et présentée par Élisa Sclaunick, 16 x 20 cm, 792 p., L’Atelier contemporain éditions, 2020. Si le nom d’Henri Matisse est mondialement connu, celui de son fils Pierre est resté plus confidentiel et réservé à l’univers des marchands d’art du XXe siècle, monde auquel il appartenait. Son action inlassable à faire connaître des peintres comme Chagall ou Miró qui s’avéreront être des icônes de l’art moderne a été, pourtant, majeure bien que quelque peu méconnue du grand public. Cette ample et volumineuse correspondance entretenue entre le marchand d’art, Pierre Matisse, et le peintre espagnol Joan Miró (1893-1983) publiée par les éditions de l’Atelier contemporain offre à la fois une mise au point et une mise en perspective des plus fructueuses. Cet ensemble épistolaire dépasse, en effet, rapidement les relations d’affaires pour dresser un tableau évocateur, vu de l’intérieur, du monde de l’art de cette époque. À l’image de l’action entreprise par Pablo Picasso, Pierre Matisse reste persuadé que seule une action engagée peut assurer une meilleure diffusion des œuvres créées par ces artistes pour la plupart encore méconnus. C’est une relation amicale, mais surtout d’initiés qui va ainsi se tisser au fil des pages dès 1933. Le début de cette correspondance dévoile un peintre espagnol aspirant à une reconnaissance internationale, passant par les États-Unis, et bien sûr, New York, où Matisse possède une galerie reconnue en raison de ses relations dans le monde de l’art. Ainsi que le souligne Élisa Sclaunick qui a établi l’édition de cette correspondance, Pierre Matisse encouragera et sera le spectateur privilégié de la fabrique de l’œuvre du peintre espagnol : « Joan Miró rend précisément compte de la progression de son travail, de sa manière, de la façon dont il crée. Il est plaisant de voir se dessiner un mythe forgé notamment par Michel Leiris amusé du contraste entre cet artiste et son voisin de la rue Blomet, André Masson : Joan Miró est très ordonné, très organisé dans son travail, capable de prévoir son travail à l’avance, de suivre le rythme qu’il s’est fixé, comme il le répète souvent à Pierre Matisse, peut-être pour rassurer en lui le marchand désireux de faire des expositions et de réaliser des ventes ». Et effectivement, Joan Miró tient rigoureusement dans ces lettres le journal de sa création dont les nombreux détails précisent non seulement sa manière de travailler, mais surtout la vision de son œuvre en création justifiant le temps passé à son travail pour son marchand. Rapidement, à la fin des années 30, Pierre Matisse disposera de l’essentiel de l’œuvre peint de Miró et confiera avec un jugement d’une rare acuité « qu’il y a tout lieu de croire que le marché le plus important pour votre œuvre se trouve ici et que nous arrivons à le développer, c’est ici qu’il faut faire le grand effort »… Au fil des années, les relations gagnent en profondeur et en amitié, sur un ton plus direct, Pierre Matisse confiera sans détour à son ami peintre ce qu’il pense être le mieux pour son œuvre et son image, indépendamment de toute considération marchande : « On vous engage dans des chemins où votre dignité souffre et votre réputation en sortira endommagée. Il est temps de freiner et de refuser à vous prêter à ce jeu », note-t-il dans une lettre du 30 septembre 1954 à l’occasion de ses relations avec Aimé Maeght. Ce que nous considérons en ce XXI° siècle comme des « classiques » de l’art moderne, notamment les céramiques de Miró sont encore balbutiants, ainsi qu’en témoignent ces échanges épistolaires, l’artiste s’inquiétant d’un possible faible intérêt pour ces dernières de la part du marchand d’art. Une correspondance riche et féconde dans laquelle la complicité qui unit les deux hommes converge pour établir la reconnaissance d’une œuvre originale et unique, présentée et commentée « en direct » au fil des pages. C’est véritablement au cœur de l’atelier de Miró, mais aussi de celui du monde de l’art du XXe siècle que ces échanges s’échelonnant sur cinquante ans nous convient, dévoilant au lecteur plus qu’une époque, une évolution déterminante dans l’histoire de l’art. Philippe-Emmanuel Krautter
		« Potential Worlds – Planetary Memories & Eco-fictions »; Textes de Benjamin H.Bratton, TJ Demos, Reza Negarestani et Jussi Parikka; Introduction de Suad Garayeva-Maleki et Heike Munder ; 18 x 23,5 cm, 272 p., 1ère édition, Éditions Scheiddeger & Spies, 2020. « Potential Worlds » réunit un vaste ensemble d’œuvres récemment montrées dans le cadre de plusieurs expositions notamment à Zurich (au Migros Museum für Gegenwartskunst) et à Bakou (au YARAT Contemporary Art Space). Œuvres de pas moins de trente-six artistes venus du monde entier, chacune d’elle a à cœur de révéler les désastres subis par la nature et notre environnement. Collages, montages, clichés ou installations, etc. Ce sont des œuvres de conviction, originales, singulières et d’une extrême variété dénonçant toutes à leur manière l’exploitation sans limites des richesses et ressources de notre univers et ces indéniables conséquences écologiques et sociales. Avec des textes signés Benjamin H.Bratton, TJ Demos, Reza Negarestani et Jussi Parikka, chaque auteur entend accompagner ces œuvres fortes et mettre en perspective, chacun avec leur propre regard, les différentes façons de concilier la nature, l’avenir et notre environnement. Des approches tant écologiques que posthumanistes dans lesquelles l’art a un rôle essentiel à jouer en tant qu’expérience tant technologique, scientifique et sociale telle notamment l’adaptation artistique des nouvelles technologies. L’ouvrage, introduit par Suad Garayeva-Maleki, commissaire et directrice du YARAT Contemporary Art Space Migros, et Heike Munder, directeur artistique du Museum für Gegenwartskunst, se propose avant tout de rechercher au travers de ces différentes annexions et exploitations de notre environnement quelle serait la meilleure – et peut-être la plus protectrice - définition de la nature qui pourrait dès lors, et dès aujourd’hui, en être dégagée. Une approche engagée nous interrogeant, bien sûr, sur la crise environnementale que notre monde actuel connaît et visant à orienter notre regard vers la nature de demain, celle que souhaiterions.
		Susie Hodge : « Petite histoire de l’art moderne et contemporain ; chefs d’œuvres, mouvements, techniques » ; Broché, 148 x 210 mm, 150 illustrations, 224 p., Coll. « Petite histoire de », Éditions Flammarion, 2020. Susie Hodge, historienne, auteur de nombreux ouvrages et artiste elle-même, nous livre, dans la collection « Petite histoire de », une collection aujourd’hui bien connue aux éditions Flammarion, une fort attrayante introduction à l’histoire de l’art moderne et contemporaine. L’ouvrage a retenu quatre grandes divisions, partant des grands mouvements ou styles ayant marqué l’art moderne et contemporain (du réalisme aux YougBritish Artists) jusqu’aux différentes techniques que ces arts ont su retenir et développer dont notamment « l’impasto », le Ready-Made, les matériaux industriels ou encore l’art vidéo. Deux chapitres essentiels entre lesquels viennent s’intercaler pour mieux les illustrer les plus grands chefs œuvres et les thèmes classiques ou majeurs, offrant ainsi au lecteur un large éventail d’artistes et d’œuvres choisi et illustré. Chaque section pouvant être abordée et lue séparément, et comportent des renvois forts utiles vers les autres parties L’auteur réussit ainsi le pari d’expliquer de manière claire et concise l’art moderne depuis Courbet, puis l’art contemporain jusqu’à nos jours avec notamment l’installation de Yayoi Kusama. Une évolution majeure pour laquelle Susie Hodge a su également sans en brouiller le sens mettre en évidence les différences influences, interactions et connexions. Chaque partie offre, en effet, pour chaque mouvement, chefs d’œuvres, thèmes ou techniques, présentés sous forme de fiche, les différents points de repère, associations ou liaisons indispensables à une pleine appréhension (date, auteurs associés, lieux, etc.) de l’art moderne et contemporain. Un ouvrage présentant un large panorama de l’art moderne et contemporain plus que clair et pédagogique, aussi plaisant qu’indispensable !
		Charlie Koolhaas : "City Lust - London Guangzhou Lagos Dubai Houston », texte en anglais, relié, 412 p., 354 illustrations couleur, 20.5 x 30 cm, Scheidegger Éditions, 2020. C’est hors et bien loin des sentiers battus auquel nous convie le dernier ouvrage de l’artiste Charlie Koolhaas. L’auteur invite en effet à un dialogue incessant entre mots et images par le filtre des grandes villes dans lesquelles elle a vécu ou travaillé. Les confrontations engendrées par la mondialisation et les traits culturels originels de ces mégapoles ne cessent d’interroger son regard, qu’il s’agisse de Londres, Dubaï ou Houston, des métropoles pourtant différentes mais qu’une culture mondiale tend aujourd’hui à rapprocher. Il ne s’agit pas ici d’un plaidoyer, ni d’une diatribe sur la mondialisation, mais d’un témoignage vécu de l’intérieur, source de ces nombreuses créativités pouvant surgir de ces grandes tendances. À l’image des nouvelles solidarités qui peuvent naître des plus grandes fractures sociales et économiques, de nouveaux regards peuvent aussi provoquer des fulgurances inattendues parmi les décombres de l’économie mondiale. Les photographies et le texte de Charlie Koolhass ne manquent pas d’humour lorsque surgit parmi la grisaille urbaine des couleurs éclatantes, symboles d’espoirs encore présents. Les contrastes sont manifestes dans ce regard porté comme pour mieux rappeler cet incroyable brassage international auquel ce siècle, et le précédent, nous ont habitués ou contraints. Certes, tout n’est pas rose sous le regard de Charlie Koolhass, tant s’en faut, mais une certaine poésie émerge cependant, contre toute attente, de ces prises de vues étonnantes, un brin de vie né des paradoxes de nos capitales internationales et qui livre au lecteur comme un témoignage d’espoir malgré les sombres nuages pesant sur l’humanité.

Spiritualités		Anthony Giambrone : "La Quête du Christ historique" ; Traduction sous la direction de Renaud Silly ; Préface de Régis Burnet ; 528 p., Éditions Les Belles Lettres, 2024. L’ouvrage d’Anthony Giambrone paru aux éditions des Belles Lettres propose de revenir sur l’un des débats les plus anciens et complexes de la théologie chrétienne et de l'historiographie à savoir « La Quête du Christ historique ». Depuis le XIXe siècle, historiens et théologiens s’attachent en effet à redéfinir l’identité et place de Jésus de Nazareth à partir des sources historiques dont nous disposons, en particulier les Évangiles. L’auteur, lui-même dominicain et élève de John P. Meier célèbre pour sa volumineuse enquête en quatre volumes - « Un certain juif Jésus », s’inscrit dans cette démarche en proposant une voie médiane, ayant recours aux dernières découvertes récentes et méthodologies critiques. Tout débute par une enquête sur le contexte historique, démarche initiée par les travaux de David Friedrich Strauss au XIXe siècle. Progressivement, l’auteur cherche à montrer combien ses prédécesseurs ont tenté de distinguer aspects historiques de la vie de Jésus et dogmes relevant de la foi. Grâce à ce fort volume de plus de cinq cents pages, le lecteur prendra connaissance non seulement des sources disponibles sur ce sujet sensible, mais également une critique rigoureuse de ces dernières. Entre Évangiles canoniques et apocryphes, historiens tel Flavius Josèphe et documents romains, les nuances s’imposent quant à leur interprétation, ce que souligne l’auteur qui n’hésite pas à questionner les critères d’authenticité de ces sources et à en souligner les limites et questions cruciales. Anthony Giambrone souligne les risques à se limiter aux seules dimensions du Jésus historique sous peine d’effacer inexorablement toute dimension spirituelle. C’est à la réunion de ces deux approches souvent opposées à laquelle invite l’exégète afin de préserver la profondeur même de la personne du Christ, sans pour autant nier les éléments factuels touchant à sa vie. En un style didactique et accessible malgré la complexité du sujet, l’auteur réussit à démêler les fils de l’histoire de Jésus, rappelant les faiblesses des approches le « déshistorisant ». Sans proposer de nouvelle position sur la quête du Christ historique, l’ouvrage d’Anthony Giambrone entend clarifier un champ d’études particulièrement complexe à partir d’une habile étude des données de l’Histoire et de la foi. Philippe-Emmanuel Krautter
		Maurice Zundel : « Dieu qui rend libre » - Œuvres complètes - Tome VII édité par Marc Donzé, Editions Parole et Silence, 2024. Il n’est plus nécessaire de présenter le grand théologien que fut Maurice Zundel, nos lecteurs ayant suivi les précédentes recensions de l’édition complète de ses œuvres aux éditions Parole et Silence. Marc Donzel, spécialiste de la pensée de Maurice Zundel, a réuni pour ce septième volume deux ouvrages « La liberté de la foi » et « Morale et mystique », ainsi que 23 articles couvrant la période de 1960 à 1963, sans oublier un important texte intitulé « Découverte de Dieu » regroupant quatre conférences que donna l’abbé durant l’Avent 1961. Nous retrouvons, dans ces pages brulantes de foi et inspirées, toute la rigueur de l’intellectuel exigeant que fut Maurice Zundel et ce désir insatiable de transmettre au plus grand nombre ce feu intérieur qui l’habitait depuis ses plus jeunes années. C’est justement avec « La liberté de la foi » que le lecteur pourra puiser dans ces pages vibrantes cette quête de la Présence divine et aimante dont le théologien avait su partager les plus rayonnantes émotions. Ce regard porté sur l’homme, ce « croire en l’homme » si cher au théologien demeure indissociable des liens avec la création et l’univers. Pour Zundel, c’est dans nos quotidiens que s’établit l’éternité. Plus encore qu’à l’époque de Maurice Zundel, évoquer les notions de « Morale et Mystique » est toujours entreprise délicate après les Lumières, la Révolution de 1789 et Mai 68. Une fois de plus, le théologien suisse esquive toute dogmatique pour se décentrer sur l’analyse de l’homme afin d’en esquisser les bases ontologiques permettant de mettre au jour une morale « naturelle », non limitante et dégagée de l’ordre social. Face au relativisme déjà sensible à l’époque où il écrivit ces pages, Maurice Zundel prône la quête d’un absolu moral qui puise une fois de plus ses racines dans la nature même de l’homme et la rencontre de l’Amour infini ; celle du Dieu Trinité Amour, d’où le rapprochement des concepts de morale et mystique entendus dans la réalité de nos vies au quotidien, ainsi que le souligne le théologien : « Rien n’est plus terre à terre que la vraie mystique, c’est-à-dire rien n’est plus réel, comme rien ne tient plus fermement au sol qu’une cathédrale »… Dans la dernière partie de ce volume, le lecteur trouvera matière à méditation avec les conférences toujours aussi stimulantes du théologien, conférencier aussi passionné que passionnant. Ces textes couvrant la période de 1960 à 1963 témoignent de l’ampleur des sujets abordés par Zundel allant de thèmes aussi divers que « Sexualité et personnalité » aux pages si directes si l’on songe à l’époque et à la qualité de celui qui les écrivit (notamment sur la déception de la femme dans le rapport amoureux), mais aussi « La dignité de la vie prénatale », « La souffrance de Dieu » ou encore « L’expérience de la mort ». Un ouvrage exigeant, mais toujours stimulant qui élargira la vision de tout chrétien. Philippe-Emmanuel Krautter
		Saint Jean de la Croix : "Cantique Spirituel" ; Traduction Jean-Marc Sourdillon, illustrations Catherine Sourdillon, Illador Éditions, 2023. Jean-Marc Sourdillon, accompagné de Catherine son épouse pour l'illustration, nous propose en ces pages une merveilleuse traduction et édition du poème Le Cantique Spirituel de saint Jean de la Croix ; un poème né dans les tréfonds d'une geôle dans laquelle saint Jean de la Croix avait été tenu captif dans des conditions effroyables. Le réformateur du carmel, compagnon de sainte Thérèse d'Avila, s’était heurté à l'opposition des conservateurs de son ordre. C'est dans ce contexte digne de l'Inquisition que Juan de Yepes Álvarez, de son nom d'église Jean de la Croix, composera ces vers mentalement, l'écriture lui étant formellement proscrite. Le lecteur du 21e siècle ne pourra qu’être ébloui par le degré de foi atteint pour avoir fait naître une telle confession amoureuse à partir des abîmes les plus sombres. Travaillant de mémoire, le saint mystique revisite le célèbre Cantique des Cantiques bibliques pour en proposer une variation lumineuse et pleine d'espérance. Le traducteur, Jean-Marc Sourdillon, s'est attaché à souligner la délicatesse incandescente de cette poésie allégorique entre l'époux et l'épouse, l'âme et son créateur. Entrelacs amoureux ineffables et pourtant magnifiés par le verbe, tension exclusivement portée par l'abandon mystique : “ Mon âme s'est mise, et tout mon avoir, à son service. Je ne garde plus les bêtes, je n'ai plus d'autre office, aimer est à présent mon seul exercice”. C'est un souffle unique que nous propose cette très belle édition servie par les illustrations irradiantes de Catherine Sourdillon soulignant l'embrasement provoqué par cet amour mystique. Philippe-Emmanuel Krautter
		« La Vie de la Vierge Marie » de Marie-Gabrielle Leblanc ; Photographie de John Pole ; Editions Pierre Téqui, 2023. C’est un merveilleux ouvrage consacré à « La vie de la Vierge Marie dans l’art » que nous propose Marie-Gabrielle Leblanc, historienne d’art, aux éditions Pierre Téqui. Une vie de Marie extrêmement détaillée et superbement illustrée par une centaine d’œuvres d’art du Moyen-Âge à nos jours. Allant de la « Naissance de la Vierge Marie, ses parents et son enfance » à « La Sainte Famille » en passant par « L’Immaculée Conception », son mariage, « l’Annonciation…, ce sont ainsi pas moins de 10 chapitres de la vie de la Vierge Marie que le lecteur retrouvera. Des épisodes de sa vie qui, après avoir été préalablement explicités, se dévoilent plus encore au travers des plus belles œuvres d’art ; des œuvres, connues ou moins connues, du VIIIe au XXIe siècle, analysées et présentées pour chacune sur une double page. C’est donc à un véritable dialogue auquel nous convie Marie-Gabrielle Leblanc, auteur déjà dans la même collection de plusieurs ouvrages remarqués consacrés à la vie du Christ. Bien que reposant sur l’Ancien et le Nouveau Testament de la Bible Crampon, cet ouvrage se veut avant tout un livre d’histoire de l’art plus qu’un ouvrage théologique. Aussi, trouvera-t-on également - ce qui est un peu inévitable concernant les épisodes de la vie de Marie – des références aux évangiles apocryphes. L’auteur a cependant souhaité rassurer son lecteur en soulignant dès son avant-propos : « … je m’efforce d’être fidèle aux dogmes enseignés par l’Église catholique et attentive aussi à ce qu’enseignent en matière d’iconographie chrétienne, les Églises orthodoxes et orientales pré-chalcédoniennes comme Coptes. » Une précision bien venue faisant de cet ouvrage une très riche et belle ouverture aux mystères de la Vierge Marie.
		« Saint Michel » ; Collectif, 256 p., Editions du Cerf, 2023. A souligner la parution aux éditions du Cerf d’un splendide ouvrage entièrement consacré à saint Michel. Rappelons que le culte de saint Michel, ange de Dieu avec Raphaël et Gabriel, est l’un des plus anciens de la chrétienté et qu’il est l’un des saints les plus vénérés que ce soit en Orient ou en Europe. Fêté en France le 29 septembre, on ne compte plus le nombre de cathédrales, chapelles, sanctuaires, grottes ou ermitages dédiés à ce saint patron de la France et de la Normandie, mais aussi de la Cité du Vatican, de Kiev ou encore de Bruxelles. Réunissant sous la direction de Giorgio Otranto et de Sandro Chierici les meilleurs spécialistes, historiens et médiévistes, l’ouvrage remarquablement illustré nous livre la vie, l’histoire, la représentation et la dévotion dévolue à ce saint archange tant prié dans le monde. Avec de riches contributions et pas moins de 300 illustrations, c’est véritablement à un magnifique pèlerinage dédié à celui dont le nom signifie en hébreu « Qui est comme Dieu » auquel nous invite cet ouvrage collectif. Un pèlerinage tant dans la vie religieuse et l’Histoire, notamment au Moyen-âge, mais aussi dans l’histoire de l’art ou de la littérature sans oublier les lieux de cultes incontournables lui étant consacrés : le Mont-Saint-Michel, bien sûr, mais aussi l’Abbaye Saint Michel-de-la-Cluse... une analyse iconographique poursuivie et élargie à toute l’Europe et au-delà, nous entraînant notamment en Irlande où l’archange Michel est très présent, mais également en terres ibériques ou encore dans les lointaines contrées russes… Un ouvrage offrant une passionnante analyse consacrée à saint Michel, cet « Ange des hauteurs » pour reprendre le titre du Père Ladislao Suchy, Recteur du sanctuaire de Saint-Michel-Archange, Monte Sant’Angelo.
		« Les Saints – Aventure spirituelle et représentation » de Robert Bared, Editions Hazan, 2023. Chaque jour de l’année apporte son saint, et que l’on soit croyant ou non, nombre d’entre nous aiment souhaiter les fêtes de nos proches, amis ou collègues, ce qui souligne combien les saints sont encore dans notre quotidien bien vivants ! Mais les connaît-on vraiment ? C’est justement pour combler notre curiosité que les éditions Hazan proposent cet agréable ouvrage signé Robert Bared. Plus de 77 saints – chiffre à symbolique biblique – de l’histoire chrétienne sont ainsi présentés selon une mise en pagne claire et pédagogique, avec une double page pour chaque saint. Commençant par le Prince des anges, l’archange Michel, l’ouvrage poursuit égrenant les saints selon un ordre chronologique de leur mort. « Comme tout corpus – souligne Robert Bared dans sa préface, celui-ci peut avoir sa part de subjectivité, mais il a été surtout déterminé par la conjonction de deux critères objectifs : la vivacité du culte à travers les siècles et la présence notable dans l’histoire de l’art. » Le lecteur découvrira ainsi pour chaque saint non seulement leur vie terrestre parfois bien surprenante et leur vie spirituelle avec leurs miracles, mais également leurs attributs et représentation. À cela s’ajoutent pour chaque étude, outre la date de leur fête, leurs principaux cultes et patronages. Enfin, et cela est assez rare pour être souligné, le lecteur retrouvera précisées pour chacun les scènes où ces derniers sont habituellement représentés en art, ainsi qu’en regard une reproduction d’une œuvre les représentant plus précisément accompagnée d’une citation biblique, poétique ou littéraire. Des représentations, œuvres ou chefs-d’œuvre révélant combien les saints sont présents tant dans les églises que dans nos musées. Il est vrai, et ainsi que le souligne le dernier texte venant clore ce merveilleux ouvrage : « Tant qu’il y aura des saints… » !
		"Un chemin de liberté pour tous : le combat spirituel" de Don Louis-Hervé Guiny, 224 pages, Editions MAME, 2024. Le combat spirituel contrairement à ce que l’on pourrait penser n’appartient pas qu’aux seuls « professionnels » de la foi et encore moins à un passé révolu. Combattre ses démons intérieurs – et extérieurs – et rechercher le discernement constituent encore une quête que tout à chacun peut et se doit de mener au risque d’être balloté telle une feuille sur le flot de ses passions. C’est à cette attitude de corps et d’esprit à laquelle nous convie Don Louis-Hervé Guiny, par ailleurs professeur de théologie. L’ouvrage à la fois très accessible et exigeant démêle un à un tous les niveaux permettant à chaque croyant de s’élever au-delà des passions tristes pour atteindre la lumière. L’auteur est bien conscient qu’il ne s’agit pas pour autant de nous transformer du jour au lendemain en saint mais plutôt d’ouvrir notre regard sur toutes ces entraves qui enchaînent notre quotidien : tristesse, paresse, envie-jalousie, angoisse, dépression, la liste est malheureusement encore longue. De la même manière qu’un analyste aide son patient à ouvrir son regard sur ses déterminismes, le combat spirituel invite le croyant à se décentrer pour mieux observer ses failles, ainsi que le recommandait déjà Ignace de Loyola dans ses Exercices spirituels ; prendre conscience de ses manquements à la foi, s’en repentir parfois dans les larmes, d’autres fois avec humour, pour au final atteindre la lumière. Si l’accompagnant spirituel revêt une grande importance pour éviter de s’égarer et de se mentir, la force du Dieu aimant accompagne au quotidien le fidèle qui s’astreint à cette démarche difficile et semée d’embûches. C’est toute la force de l’ouvrage de Don Louis-Hervé Guiny que de présenter cette longue et belle route, certes avec ses cols raides et ravins vertigineux, mais aussi cette plénitude pour celles et ceux qui chercheront à « imiter » Celui qui a déjà parcouru pour nous ce chemin sinueux.
		« La prière dans l'art » de Mgr Timothy Verdon ; Couverture Relié - Tranchefile et jaquette, 272 pp. 22 x 29 cm, MAGNIFICAT, 2023. L’historien de l’art Mgr Timothy Verdon n’est plus à présenter à nos lecteurs (lire nos interviews) tant sa pensée et ses ouvrages sont devenus depuis des années des références notamment dans le domaine de l’art sacré. Dans ce dernier ouvrage « La prière dans l’art » paru chez Magnificat, l’auteur explore de manière lumineuse les rapports intimes entretenus entre image et foi. En analysant de manière à la fois didactique et scientifique plus de 100 chefs d’œuvre, Timothy Verdon convoque et invite le lecteur à approfondir sa foi par une meilleure acuité visuelle artistique. L’élan de la prière se constate assez spontanément sous ses différentes formes « instinctives ». Mais, afin de dépasser cet élan premier face au mystère de la vie, la religion chrétienne a proposé depuis des siècles une prière à la fois consciente et organisée, un « art de la prière » qui interagit entre le croyant et le sujet de sa foi manifesté par les plus belles œuvres d’art. Ce sont ces liens intimes et éblouissants qu’explore avec virtuosité Timothy Verdon qui non seulement bénéficie d’une culture visuelle immense, mais sait, qui plus est, la faire partager au plus grand nombre par ses analyses subtiles et néanmoins accessibles. Ainsi, l’auteur de cet ouvrage aussi beau que profond sollicite-t-il le lecteur pour qu’il approfondisse son regard porté vers Dieu par l’intermédiaire des chefs d’œuvre de l’art choisis et abondamment illustrés. La prière, souligne l’auteur, deviendra ainsi le fruit de l’imagination sanctifiée, une voie vers la beauté et l’avenir. Ce chemin de la beauté ou via pulchritudinis se trouve suggéré à chaque page de ce splendide ouvrage, des catacombes de Priscille de Rome (IIIe s.) à Wilhelm Leibl (XIXe s.). Avec « La Prière dans l’Art », l’intimité de la Beauté rejoint celle de la Prière en un élan irrépressible à la transcendance. Philippe-Emmanuel Krautter
		« Évangiles canoniques et apocryphes » - Tirage spécial ; Préface de Paul-Hubert Poirier ; Bibliothèque de la Pléiade, 1136 pages, rel. Peau, 104 x 169 mm, Gallimard, 2023. Rapprocher des textes traditionnellement opposés constitue une heureuse initiative avec cette parution des Évangiles canoniques et apocryphes dans la collection de la Pléiade aux éditions Gallimard. Ces deux grandes sources essentielles au christianisme furent initialement opposées aux croyances gnostiques. C’est à partir d’une relecture drastique des évangiles dits canoniques que ces derniers furent, par la suite, également opposés aux apocryphes qui seront alors écartés de la foi de l’Église. C’est sur cette relecture et ce choix posés notamment par Irénée de Lyon au IVe s. que les règles de la nouvelle foi allaient dès lors s’établir, laissant ainsi le merveilleux et l’ésotérique de côté. Réunir aujourd’hui en un seul volume les quatre évangiles « bibliques » que les catholiques connaissent bien et les « évangiles » apocryphes longtemps considérés comme hérétiques offre la possibilité non seulement de discerner ce qui constitue la foi officielle, mais également de compléter par un fonds unique le contexte même dans lequel est apparu cette même foi. Ainsi que le rappelle en préface Paul-Hubert Poirier, cette édition rassemble vingt-huit textes ayant pour point commun d’évoquer Jésus de Nazareth, qu’il s’agisse des quatre évangiles du Nouveau Testament, mais aussi des nombreuses autres sources rangées sous le vocable évangiles apocryphes rédigés de la fin du 1er siècle au début du Moyen Âge. Si les évangiles retenus par l’Église s’attachent plus au message légué par le Christ qu’à sa personne, les apocryphes quant à eux retiennent souvent un angle plus merveilleux composé d’évènements extraordinaires. C’est le grand intérêt de ce volume de la Pléiade que de réunir pour la première fois ces sources diverses disponibles jusqu’alors dans des volumes distincts et de permettre cette confrontation croisée de traditions, légendes, croyances et message de foi. Entre sources canoniques ou officielles de la foi des Églises chrétiennes et des textes revisitant la vie de Jésus – et même parfois son message - les frontières sont parfois ténues, d’autres fois plus manifestes et conduisant alors à ce qui sera souvent considéré comme des hérésies. Tout le mérite de cette publication est de permettre au lecteur de se faire une idée par lui-même, aidé en cela par un important appareil critique, afin de confronter ces textes pour certains essentiels de la foi, pour d’autres relevant de la culture et de la tradition léguées par les premiers temps du christianisme.
		« Les Sept Dernières Paroles du Christ en Croix » et « Chemin de Croix » réalisés par Romain Lizé, éditions Magnificat, 2023. Deux parutions récentes accompagneront idéalement le fidèle dans sa préparation aux prochaines fêtes pascales et la prolongeront même longtemps après. « Les Sept Dernières Paroles du Christ en Croix » ainsi que le « Chemin de Croix » réalisés par Romain Lizé aux éditions Magnificat offriront en effet un matériel spirituel propice à de longues et nombreuses méditations. Pour la première de ces parutions, c’est l’œuvre bouleversante de Joseph Haydn sur les Sept Dernières Paroles du Christ en Croix qui vient soutenir les méditations fulgurantes du cardinal Charles Journet, l’ensemble étant mis en lumière par une sélection choisie des plus belles œuvres d’art sacré… En proposant une heure de méditation par chapitre associée à l’écoute des pistes du CD audio tout en prenant le temps de l’oraison à l’aide des œuvres d’art, cet ouvrage offrira un accompagnement spirituel d’une rare profondeur à celles et ceux souhaitant méditer cette épreuve ultime de la Croix. Dans le même esprit, la seconde publication, le « Chemin de Croix » réunit les méditations de dom André Louf, à la fois d’une simplicité…biblique et d’une intériorité inspirante ! Ainsi que le souligne Romain Lizé en avant-propos, cet ouvrage accessible permettra d’accompagner le fidèle dans sa marche vers Pâques, une marche souvent difficile et donnant lieu à de nombreux écueils et renoncements. Avec ces textes limpides également illustrés par les plus grandes œuvres d’art sacré, le méditant pourra, pas à pas, approcher du mystère pascal et chercher la Lumière qui s’en dégage.
		Georg Gänswein : " Rien d'autre que la vérité" Artège, 2023. « Rien d’autre que la vérité » tel est le titre de l’ouvrage écrit avec le journaliste Saverio Gaeta par le secrétaire personnel du pape Benoit XVI récemment disparu le 31 décembre 2022. Ce titre constitue ainsi un écho de la devise du pape allemand - « ut cooperatores simus veritatis » - début de la troisième lettre de saint Jean. Ce rare témoignage de l’un des plus proches du pape émérite ne pourra qu’attirer l’attention non seulement des spécialistes du Saint-Siège mais de manière plus générale de toute personne intéressée par le fonctionnement du plus petit État du monde. Et il faut avouer que l’auteur, Mgr Georg Gänswein, lui-même théologien et enseignant de droit canon, livre en ces pages un témoignage sans voile sur les arcanes du Vatican et dont certaines lignes pourront faire grincer des dents. Georg Gänswein, jusqu’à l’actuel pontificat du pape François, jouissait de la réputation d’un homme affable et souriant, à qui tout réussissait avec son allure photogénique. Pourtant, ces dernières années ont connu des tensions conduisant à l’écarter des responsabilités qu’il occupait jusqu’alors en tant que préfet de la Maison pontificale, officiellement pour le réserver au service du pape émérite… Dans cet ouvrage, Georg Gänswein, d’origine allemande, rappelle en prologue combien ce qui avait été à l’origine une nomination « provisoire » aux côtés du cardinal allemand Ratzinger en 2003 allait devenir un accompagnement jusqu’à l’ultime jour de sa disparition le 31 décembre dernier… Cette compagnie de tous les instants se trouve ainsi évoquée dans des pages émouvantes témoignant de la profonde affection et du respect sans réserve envers le pape Benoît XVI, à mille lieues des caricatures qui avaient pu être faites de lui. C’est cet amour filial blessé qui se trouve aujourd’hui exprimé dans ces mêmes pages parfois impulsives cherchant ainsi à rétablir des vérités qui ne manqueront d’être commentées ou contestées. Pour Gänswein, Benoît XVI fut en effet « l’un des plus grands protagonistes de l’histoire du siècle dernier, trop souvent dénigré par les médias et ses détracteurs… » Aussi n’hésite-t-il pas à rappeler combien la priorité qui avait été donnée par Benoît XVI lors de son pontificat à la liturgie et au rapprochement avec les traditionalistes souhaitant célébrer selon le rite de Saint Pie V venait d’être balayée d’un revers de main en 2020 par l’actuel pape François, un revirement qui aurait été douloureux pour le pape émérite… Aussi faudra-t-il découvrir ces pages comme celles d’un plaidoyer émouvant et entier pour le pape défunt, un hommage certes parfois acerbe, mais sincère, et qui permettra de mieux comprendre qui fut Joseph Ratzinger, Benoît XVI, 265e successeur de Pierre de 2005 à 2013 et pape émérite de 2013 jusqu’au dernier jour de l’année 2022. Philippe-Emmanuel Krautter
		"Le Saint Suaire de Turin" Jean-Christian PETITFILS, 464 pages Tallandier, 2022. Le Saint Suaire de Turin a fait couler beaucoup d’encre et l’historien Jean-Christian Petitfils qui avait déjà signé un « Jésus » remarqué et plus que largement salué, offre avec ce dernier ouvrage une non moins remarquable synthèse sur ce dossier pourtant sensible. Sensible car le Suaire de Turin n’a cessé, en effet, de donner lieu à des controverses, non seulement sur son historicité, mais également sur le sens à donner à cette célèbre toile de lin. Objet de dévotion et de méditation pour les croyants, de supputations plus ou moins hasardeuses pour d’autres, le Suaire méritait une telle étude à la fois détaillée et accessible, ayant recours non seulement aux disciplines scientifiques quant à sa datation, mais également à l’Histoire et aux multiples disciplines permettant de mieux appréhender ce qui a longtemps été une énigme. Dès l’introduction Jean-Christian Petitfils souligne d’emblée que « toutes les constatations scientifiques vont dans le même sens, celui de l’authenticité ». L’historien réputé pour sa proverbiale rigueur ne peut être suspecté de partialité et fustige ces personnes qui campent sur des thèses dépassées, notamment celle de la datation erronée au carbone 14 de 1988 dont les résultats avaient été faussés du fait d’une pollution des tissus examinés et avait conclu de manière hâtive à une datation médiévale… En un véritable examen des pièces à conviction, l’historien mène son enquête et retrace tout d’abord dans cet imposant livre les différentes étapes historiques sur cette question sensible ayant opposé parfois stérilement discours de la foi et de la science. L’ouvrage détaille ainsi les longues péripéties du Suaire, les incendies dont il eut à souffrir, ses multiples lieux de résidence présumés jusqu’à son actuelle conservation en la cathédrale Saint-Jean-Baptiste de Turin. Les villes et les lieux défilent à une vitesse vertigineuse, ce linceul ayant couvert des milliers de kilomètres pour arriver dans la capitale du Piémont en un état de fraîcheur étonnant après tant de péripéties (Petitfils offre d’ailleurs une carte précieuse retraçant cet itinéraire probable depuis Jérusalem et la mort de Jésus en 33 ap. J.-C.). Le lecteur sera également impressionné par la synthèse précieusement proposée dès différentes analyses scientifiques ayant porté sur le morceau de tissu dont l’auteur détaille avec minutie les protocoles et conclusions. La dernière partie intéressera tout autant les fidèles que les passionnés d’art et de croyance. Rappelant les premières représentations du Crucifié et leur évolution vers un nouveau modèle à la fin du IVe siècle, Jean-Christian Petitfils souligne combien un nouveau stéréotype plus figuratif commence à se diffuser dans l’art, modèle qui n’est certainement pas étranger à la présence du Suaire dans ces régions… Cette passionnante enquête tiendra le lecteur en haleine de la première page jusqu’à la dernière ouvrant sur cette « seconde résurrection » déjà soulignée par Claudel et qui n’a pas fini de questionner l’homme sur sa condition et ses convictions. Philippe-Emmanuel Krautter
		"Ô prends mon âme - Thérèse de Lisieux" de Bénédicte Delelis et Pierre-Marie Varennes, relié cousu et tranche fil, 192 Pages, Format 24 x 32, Magnificat, 2022. Publication inspirée pour les fêtes de la Nativité que ce livre d’art consacré à sainte Thérèse de Lisieux « Ô prends mon âme » ! Les auteurs, Bénédicte Delelis et Pierre-Marie Varennes, ont conjugué leur savoir pour concevoir à la fois un ouvrage esthétique servi par les plus belles oeuvres d’art et un florilège de la pensée de la petite sainte du Carmel de Lisieux. La voie de l’amour, si chère à cette âme éprise d’absolu, se trouve ainsi présentée dans le plus bel écrin, celui des tableaux enchanteurs de Maurice Denis, Georges Desvallières, tous deux ardents chrétiens, mais aussi par d’autres sensibilités tels Claude Monet, Paul Cézanne ou encore Marc Chagall. Ainsi que le souligne Pierre-Marie Varennes dans sa préface, Thérèse était convaincue que nous serions jugés sur un seul critère lors du retour glorieux de Jésus, celui de l’amour par l’amour. Vaste programme ainsi exploré en ces pages illuminées par la foi de celle qui sur son lit de mort considérait qu’elle n’était pas une sainte mais bien « une toute petite âme que le bon Dieu a comblée de grâces » comme le rappelle Bénédicte Delelis. Cet ouvrage, en de belles pages, explore ainsi ce « programme d’amour » délivré par Thérèse à partir de ses plus grands textes. Chaque étape de sa vie spirituelle se trouve enluminée par les chefs-d’œuvre de la peinture en des liens intimes conduisant le lecteur à une méditation inspirée. Croire à l’amour et à ses multiples manifestations dans les instants d’extase comme ceux du quotidien, telle est l’invitation lancée par Thérèse, et ce splendide ouvrage, annonçant de la plus belle manière la célébration du 150e de la naissance de Thérèse de Lisieux.
		« Chemins de prière » du Père Yann Vagneux, Magnificat, 2022. Empruntons ces « Chemins de prière » proposés par le Père Yann Vagneux, 12 méditations pour 12 invitations à l’évasion par la prière. Parues dans la revue Magnificat, ces prières sont le fruit d’un prêtre des Missions Étrangères de Paris, regard d’un grand priant mais aussi d’un poète doublé d’un photographe talentueux. Nourries par ses nombreux voyages, notamment en Inde où l’auteur est établi depuis de nombreuses années, ces « Chemins de prière » invitent au silence, un silence qui ne doit pas inquiéter mais au contraire rassurer. Qu’il s’agisse de méditer sur la grâce sur fond d’une cime montagneuse du Népal émergeant des nuées ou, plus terre à terre, le désir associé au pas d’un vieil agriculteur dans une rizière, chaque élan de l’âme humaine trouve un écho dans ces pages inspirées, à la fois accessibles et parallèlement élevant l’esprit à la transcendance. Un beau livre à emporter avec soi sur son lieu de vacances ou chez soi pour enrichir encore chaque instant de prières.
		« Catholica – Le guide de l’art chrétien » de Suzanna Ivanic, Cernunnos éditions, 2022. Les ouvrages consacrés à l’art chrétien se font rares alors même que cet immense patrimoine trop souvent ignoré présente des œuvres des plus grands artistes dans nos musées et églises. Fort de ce constat, Suzanna Ivanic qui enseigne en Angleterre l’histoire moderne de l’Europe centrale et notamment la religion, a choisi de réunir en un ambitieux ouvrage de 256 pages plus de deux milles ans d’art chrétien. Fresques, peintures, retables, parures liturgiques sont ainsi passés au filtre d’une analyse rigoureuse et détaillée, servis par une abondante iconographie. Chaque forme artistique se trouve expliquée, les clés de compréhension des œuvres présentées étant généreusement précisées au lecteur. Loin d’être austère et fastidieuse, la lecture de cet ouvrage, qui manquait jusqu’alors, emporte le lecteur en un passionnant voyage où la spiritualité, les lieux et enfin l’esprit qui anime communautés et individus sont abondamment détaillés. Pour mieux décrypter les sept œuvres de la miséricorde au cœur des plus grandes toiles des maîtres de la peinture telle celle du Caravage pour la Confrérie du Pio Monte della Misericordia de Naples, l’auteur fait véritablement œuvre pédagogique en détaillant chaque aspect à partir de l’œuvre. Dans le même esprit, l’explication des styles architecturaux présentés par les cathédrales, églises et chapelles éclaire également la lecture de cet ouvrage décidément bien utile à la compréhension des cultures nourries par l’art chrétien.
		Emmanuel Godo : « Les passeurs de l'absolu - Les grands écrivains et Dieu », Editions Artège, 2022. Avec un titre proche de l’oxymore, Emmanuel Godo fait la démonstration dans son dernier essai « Les passeurs de l’absolu » que les grands écrivains ont pu par certains de leurs écrits se rapprocher de l’indicible. Relevant d’une véritable aventure spirituelle, cette quête fait figure de défi, celui de suggérer, chacun avec son charisme, les cheminements vers la lumière. Dépassant les scintillements souvent trompeurs de l’éphémère, Emmanuel Godo part à la recherche des affinités spirituelles léguées par certains écrivains allant de Dante à Saint Exupéry. Chaque expérience recueillie par l’auteur, lui-même épris d’absolu, conduit à ce dépassement de l’âme. Cette élévation peut en effet survenir avec cette « bible des pauvres » que fut Les Misérables de Victor Hugo, œuvre dont l’importance fut pourtant redécouverte sur le tard au XXe siècle par la sagacité d’un André Malraux. Dostoïevski soulignait que "L'humanité peut vivre sans la science, elle peut vivre sans pain, mais il n'y a que sans la beauté qu'elle ne pourrait plus vivre, car il n'y aurait plus rien à faire au monde. Tout le secret est là, toute l'histoire est là". Emmanuel Godo l’a bien perçu, lui qui offre avec cet ouvrage un ensemble de Fioretti littéraires intrinsèquement reliées au divin. Bien entendu, le lecteur ne trouvera pas en ces pages les « dernières recettes » relevant des bestsellers empilés en tête de gondoles. Il approchera bien au contraire, grâce à ce compagnonnage à la fois silencieux et pourtant si parlant, de ces voix -et voies- lui permettant d’enrichir son expérience spirituelle, suivant en cela le conseil donné par le grand poète Max Jacob « Ne lisez pas de médiocrités. Lisez des œuvres de grands esprits et concourez avec eux »… Philippe-Emmanuel Krautter
		Régis Burnet : « Peindre la Bible », Éditions Bayard, 2020. Le théologien et animateur vedette de la chaîne KTO Régis Burnet signe avec « Peindre la Bible » un bel ouvrage abondamment illustré des plus belles peintures inspirées de la Bible. Ce livre paru aux éditions Bayard réunit les chroniques régulières tenues par le talentueux bibliste dans la revue Le Monde de la Bible, revue de référence en la matière ouvrant notamment à chaque numéro ses colonnes à l’art. La démarche didactique de son auteur n’est plus à rappeler, Régis Burnet sait plus que quiconque transmettre ce qui peut de prime abord apparaître aride. Sous sa plume alerte et non dénuée d’humour, l’auteur aide le lecteur à entrer non seulement au cœur de la composition picturale et dans l’atelier de l’artiste, mais également en dégage les traits saillants et la profondeur théologique et spirituelle qui sous-tend chaque œuvre présentée. Et là réside la réussite manifeste de l’exercice. Loin d’une étude de plus relevant de l’histoire de l’art, Régis Burnet rend vivant et accessible l’art sacré grâce à une analyse de ces différentes lectures de la Bible par les artistes. Plus encore, en s’approchant au plus près de l’œuvre - au sens propre et figuré – chaque focus élargit encore notre propre lecture des Écritures par un réseau de significations et appropriations successives. Chaque œuvre fait l’objet d’une étude débutant par un rappel des grandes lignes quant à leur auteur, l’histoire de la représentation et son contexte historique, une approche complétée par de nombreux détails, ainsi qu’une référence aux Écritures associées. De la fameuse « Tentation d’Ève » de Gislebert à l’émouvant « Christ bénissant » de Giovanni Bellini, chaque page de « Peindre la Bible » ouvre au lecteur non seulement le sens caché des Saintes Écritures, mais également en révèle toute leur beauté sublimée par les meilleurs peintres. Philippe-Emmanuel Krautter
		Sylviane Dupuis : « Au commencement était le verbe - Sur la littérature de Suisse francophone du XXe siècle », Zoé Éditions, 2021. Sylvaine Dupuis, poète et auteur de théâtre, s’est attachée dans cette étude parue aux éditions Zoé aux liens unissant la littérature de Suisse francophone aux sources bibliques. Il faut rappeler que l’auteur a su cultiver depuis ses années de formation un goût certain pour l’Histoire la plus ancienne ayant participé à des fouilles archéologiques sans oublier ses multiples enseignements dans la ville de Genève. Ainsi qu’elle le souligne en introduction : « nous sommes faits, que nous le sachions ou non, que nous le voulions ou non, de toutes les paroles (mots, phrases, images, formules, injonctions et interdits) qui nous précèdent ». Sauf à concevoir une amnésie totale – redoutée par certains de nos jours – nos pensées et nos paroles sont en effet précédées par un réseau complexe de références culturelles, plus ou moins conscientes, et irradiant nos productions. Certains y verront des archétypes, d’autres des acculturations multiples, quel que soit leur nom, « nous sommes écrits par ce qui nous précède » rappelle Sylvaine Dupuis. Ainsi, selon l’auteur, le matériau biblique compte pour beaucoup dans ce substrat déterminant pour la littérature née en Suisse francophone. Si la France a cru devoir s’émanciper plus tôt de ces références pour se réfugier dans le primat de l’art, la Suisse francophone est demeurée plus longtemps marquée par ces références au Livre. L’incontournable C. F. Ramuz en sera l’illustration éclairante, tout en affirmant son indépendance au regard de la religion. Ce miroir obligé ne cessera d’accompagner ses écrits jusqu’aux années 1970. La poésie qui irradie de nombreux textes de l’Ancien, comme du Nouveau Testament, s’invite ainsi plus ou moins subrepticement dans la littérature suisse francophone, ces romanciers étant la plupart du temps des poètes tels Ramuz, Cendrars, Chessex, Bouvier, Bille, Chappaz, etc. Quel que soit le rapport – parfois complexe, d’autrefois littéralement décomplexé – de ces écrivains à l’égard des Écritures, ces multiples renvois font l’objet d’analyses passionnantes livrées par Sylvaine Dupuis, preuve s’il en était besoin, que ce substrat biblique rayonne encore malgré les annonces fracassantes depuis plus d’un siècle de « la mort de Dieu »… Philippe-Emmanuel Krautter
		« Dictionnaire des auteurs catholiques des îles britanniques » sous la direction de Gérard Hocmard, 496 p., Éditions du Cerf, 2021. C’est un impressionnant travail qui a été réalisé sous la direction de Gérard Hocmard pour ce Dictionnaire des auteurs catholiques des Îles britanniques paru aux éditions du Cerf. Avec près de 500 pages, c’est tout ce que la Grande-Bretagne et l’Irlande comptent d’écrivains d’inspiration catholique qui se trouve ainsi réuni en ce fort volume, outil de travail pour les spécialistes, tout comme sujet d’évasions et de découvertes pour le lecteur passionné. Il suffira de parcourir les multiples notices (500) pour réaliser l’ampleur de la tâche avec des auteurs parfois méconnus tels Abbon de Fleury (v.945-1004) ouvrant le volume ou l’incontournable de la culture mondiale avec William Shakespeare. Chaque notice détaille la vie de l’impétrant et rappelle ses créations majeures. La diversité des auteurs se rejoint en une foi commune, parfois fervente dès l’origine, d’autres fois plus tardive. Tolkien cohabite avec le cardinal Newman, Oscar Wilde avec Pélage alors que l’anglicanisme domine ces terres depuis le XVIe siècle et son indépendance avec Rome. Le lecteur pourra remonter le fil chronologique de cette sensibilité spirituelle chez nos voisins d’outre-Manche grâce à la passionnante introduction historique signée par Gérard Hocmard, spécialiste du paysage culturel de la Grande-Bretagne. Une christianisation qui débute très certainement très tôt dès le IIe siècle en Britannia et qui ne cessera depuis lors de se développer et de gagner en importance ainsi qu’en témoignent ces 500 auteurs présentés dans ce Dictionnaire. Une vitalité qui n’a point tari avec des auteurs contemporains tels David Lodge, William Brodrick ou encore Piers Paul Read. Philippe-Emmanuel Krautter
		« Le salut de l’Église est dans sa propre conversion » de Mgr Joseph Doré, Salvator Éditions, 2021. Lorsqu’un évêque s’exprime sur l’état de l’Église, cela peut donner une réflexion sans complaisance, ni langue de buis… En effet, Monseigneur Joseph Doré n’a pas pour habitude de voiler sa pensée, encore moins de donner dans le religieusement correct. Tout en rappelant son attachement à sa foi chrétienne, il n’hésite pas à souligner dans cet ouvrage le bilan contrasté de ces soixante dernières années. L’auteur que nos lecteurs connaissent bien (lire nos interviews) pour ses ouvrages de théologie, d’art sacré et de responsable religieux se livre en ces pages à un examen de conscience, non point individuel mais collectif de l’Ecclesia entendue comme ensemble des croyants réunis en la foi du Christ ressuscité. Il fallait du courage – et Joseph Doré n’en manque pas – afin de se livrer à cet état des lieux qu’il a souhaité circonscrire à la France, même si nombre de ses remarques pourront être élargies bien au-delà de l’Hexagone. L’évêque et théologien lance un cri d’alarme : « Oui, notre Église va mal et on ne doit pas sous-estimer la gravité de son état ». Un cri d’alarme en écho à celui lancé quelques années avant sa disparition par le cardinal Carlo Maria Martini. D’où vient ce mal ? Alors même que l’on s’attendrait plutôt à trouver au sein de l’Église l’abondance du bien et de la charité, ces racines du mal puisent notamment à cette mondanité et à l’oubli de la mission première que dénonce par ailleurs le pape François depuis son accession au siège de Pierre. Mgr Doré passe en revue toutes les questions brulantes qui ont été selon lui trop longtemps tues et cause des maux et scandales que nous connaissons ces dernières années : pédophilie, place des laïcs et surtout des femmes, rôle du pape et de la Curie romaine… Cet ouvrage engagé ne se limite pas à un constat critique, mais suggère des voies et des pistes, notamment celle de la conversion nécessaire et préalable à tout engagement de réforme ; une conversion des cœurs et des esprits afin de s’engager sur sa mission première et essentielle reposant sur la foi et l’amour chrétien. Un retour aux sources du christianisme et au message du Christ rappelé par les Évangiles doit primer pour l’Église du XXIe siècle au risque de perdre tous ses fidèles. Il ne s’agit pas d’un quelconque et vague programme religieux, semblable à ceux des élections politiques. Les données sont précises, le théologien appuie ses propositions sur des raisonnements à la fois théoriques et pratiques, véritable vadémécum à l’usage de nos contemporains croyants. Aucun d’entre eux ne devra se sentir exclu de ces engagements, condition essentielle pour cette conversio, ce changement radical appelé par l’auteur. C’est un vent frais qui souffle dans ces pages inspirées et qui doit entrer dans toutes les églises et demeures des fidèles afin de repenser ce « salut de l’Église » auquel appelle l’auteur. Philippe-Emmanuel Krautter
		Missel Laudate, 2400 pages, nouvelle traduction liturgique, Artège éditions, 2021. Un nouveau missel vient de paraître destiné aux fidèles catholiques, et ce, plus particulièrement, depuis le premier dimanche de l’Avent 2021, date d’entrée en vigueur du nouveau missel romain. En effet, le Missel Laudate des éditions Artège comprend classiquement les textes et lectures pour le dimanche et la semaine, des notices biographiques des saints, l’ordinaire de la messe Français-Latin ainsi qu’un large choix de prières. Ce fort et nouveau volume de 2400 pages présente également et surtout à l’occasion de cette nouvelle édition un certain nombre de modifications dans les habitudes de la messe, ces changements provenant de la nouvelle traduction du Missel romain. Ce missel destiné aux fidèles accompagnera ces derniers dans la préparation et le déroulement de la liturgie. Dans cette optique, l’introduction de nombreux commentaires spirituels permettra de mieux apprécier les lectures de chaque messe. Cette dimension pédagogique qui prévaut pour cette nouvelle édition s’avérait d’autant plus importante en raison des changements qui vont intervenir dès à présent dans le quotidien du fidèle lors des assemblées. Réalisé par une équipe de liturgistes de la communauté Saint-Martin et des éditions Artège, ce travail monumental a exigé trois années, confrontant les savoirs de théologiens, historiens, moines et moniales, et spécialistes notamment du chant. Cette somme a également bénéficié d’une présentation remarquable grâce à une mise en page soignée offrant une typographie et des illustrations éclairant le texte et invitant à se plonger dans les splendeurs de la liturgie avec en vis-à-vis les textes latin et français. Fort de cette réalisation, chaque pratiquant pourra aborder l’un des points culminants de la vie spirituelle en étant non seulement initié à sa dimension sacrée mais également aux nombreux questionnements et méditations qu’elle ne manquera pas de susciter.
		« Notre-Dame des siècles. Une passion française » de Mathieu Lours, 336 pages, dimensions : 19 x 26, Éditions du Cerf, 2021. Mathieu Lours, que nos lecteurs connaissent bien, signe avec « Notre-Dame des siècles » un nouvel ouvrage consacré au patrimoine religieux, livré malheureusement parfois au péril des éléments. Conscient de l’émotion suscitée par l’incendie du 15 avril 2019 qui ravagea une partie de la cathédrale Notre-Dame-de-Paris, l’auteur a cherché à analyser au-delà de cette émotion les raisons d’une telle passion qui dépassa largement les frontières de l’Hexagone. C’est aux racines mêmes de l’édifice auxquelles puise l’auteur afin de proposer une réflexion de fond sur l’importance de Notre-Dame dans notre histoire, notre culture et patrimoine. Partant de l’Ecclesia parisiensis avant Notre-Dame, ces pages nourries d’une iconographie passionnante font la démonstration de la place essentielle du sanctuaire au cœur de la cité dès les premiers siècles du royaume des Francs. Page, après page, Mathieu Lhours retrace ainsi les grandes heures de Notre-Dame, heures souvent mouvementées et faisant écho aux évènements qu’elle accompagna. Chaque siècle, en effet, sut se saisir de ce puissant symbole de la chrétienté, qu’il s’agisse de la longue dynastie capétienne ou lors de la lente construction d’une idée nationale. L’ouvrage redonne plaisamment vie à cette longue histoire, retenant les personnages illustres ou moins célèbres ayant contribué à perpétuer sa mémoire. Anecdotes et évènements déterminants se côtoient, agréablement conférant à ce récit une dimension presque romanesque et rendant sa lecture passionnante. Les derniers chapitres permettront enfin au lecteur de mieux comprendre les débats et tensions qui s’expriment actuellement quant aux rénovations envisagées. Véritable cœur de la nation, Notre-Dame ne laisse personne indifférent et peut-être est-ce mieux ainsi, sans pour autant sacrifier l’idée d’unité qu’elle symbolise par ailleurs, ainsi que le démontre ce captivant ouvrage. Philippe-Emmanuel Krautter
		« Sonus 1 Firenze » Sous la direction de Mgr Timothy Verdon, Centro Di Ed. 2021. Sonus 1 Firenze constitue le premier opus d’une collection d’ouvrages consacrés à l’iconographie musicale présente dans les musées italiens. Selon une idée initiée par Barbara Aniello, cette collection vise à révéler la beauté de la sculpture, peinture, fresques, mosaïques et autres œuvres d’art ayant pour thème commun la musique. Ce premier volume ouvre ainsi une voie entre témoins sonores et visuels en partant tout d’abord du beau et incontournable Musei dell’Opera del Duomo à Florence dirigé par Mgr Timothy Verdon, puis du Campanile et de la cathédrale de Santa Maria del Fiore, sans oublier le célèbre Baptistère de San Giovanni. En prélude à ce premier ouvrage abondamment illustré, Timothy Verdon place en exergue trois notions clés : Musique, louange et joie. La musique sacrée a su prendre, en effet, rapidement le rôle de véhicule de la louange des croyants. Elle sait accompagner les textes bibliques – on pense bien sûr aux psaumes – mais aussi le culte dans ses mystères les plus profonds. C’est pourquoi ce premier volume de la collection Sonus ayant pour cadre la ville de Florence explore ces liens étroits entre musique et les autres arts présents dans la capitale florentine grâce à des études souvent prospectives de jeunes chercheurs ouvrant des voies pour l’avenir. Ainsi, l’ouvrage n’hésite pas à employer des titres pour certains provocateurs tel cette contribution « Musiques à voir, entre réalité et symbolisme » de Gabriele Giacomelli ou encore cette analyse passionnante livrée par Barbara Aniello sur la valeur symbolique de la dimension visible et sonore particulièrement perceptible à partir des sculptures, peintures ou fresques suggérant la mélodie. Que peuvent nous livrer ces multiples références à la musique gravées dans le marbre, la toile ou l’enduit ? Comment lever ces paradoxes entre ces témoins silencieux et leurs assourdissants messages n’attendant qu’à être perçus ? C’est à cette merveilleuse quête à laquelle nous convie cette belle étude inaugurant une collection à qui l’on souhaite un bel avenir ! Philippe-Emmanuel Krautter
		Carlo Maria Martini : « Farsi Prossimo », Opera Omnia VI, Editions Bompiani, 2021. Le sixième tome de l’Opera Omnia du théologien et cardinal italien Carlo Maria Martini vient de paraître aux éditions Bompiani. Intitulé « Farsi Prossimo », le titre de ce riche volume renvoie à l’idée de coopération lancée par le message de Jésus, à l’opposé de la solitude qui enferme l’individu. Les idées de charité et de proximité, essentielles pour Carlo Maria Maritini, font l’objet des nombreux documents et interventions de ce volume. Le cardinal Luis Antonio Tagle dans la préface de ce volume tient à souligner combien au titre de président de Caritas internationalis, il a été lui-même amené à rencontrer des personnes dans la plus grande détresse matérielle et psychologique. Dans cette mission ardue et toujours délicate, le cardinal Martini évoque la nécessité dans ces situations d’être proche et de se laisser toucher par la parole par celles et ceux qui souffrent. Carlo Maria Martini connaissait les risques du mot charité, souvent synonyme d’un acte de compassion humaine convenue tels un don matériel ou une vague parole de réconfort. Cette charité n’est pas celle puisée au cœur du christianisme et du message laissé par Jésus ainsi que le rappellent les différentes études réunies dans ce volume, toutes résultant d’une expérience « sur le terrain » du cardinal responsable du plus grand diocèse d’Italie pendant de nombreuses années… Martini n’avait pas de recettes préfabriquées et encore moins de formules générales sur ce sujet qui exige de se laisser toucher personnellement par chaque situation douloureuse, qu’elle soit le fait de la maladie, du grand âge, du handicap, du statut de migrant ou de la marginalisation. Cette rencontre ne peut avoir lieu selon le théologien qu’à la lumière de la Parole de Dieu qu’il médita si souvent et contribua à diffuser avec l’École de la Parole qu’il initia au Duomo de Milan. L’écoute de la Parole forme ainsi le préalable indispensable, il n’est possible d’aimer qu’à la condition d’être aimé, cœur du message des Écritures. À partir de cette donnée initiale et intangible, le cardinal n’eut de cesse sa vie durant d’inviter à cette proximité notamment dans la justice et son action personnelle en faveur des prisonniers, les nombreuses réformes sociales auxquelles il invita, l’engagement au volontariat et à l’animation de la vie chrétienne, toutes ces actions ne pouvant et ne devant être menées que par une pratique de proximité à laquelle convie de nos jours régulièrement le pape François. Cet ouvrage foisonnant et passionnant se trouve être la démonstration éclatante de la démarche toujours remise en question par cet inlassable homme de Dieu qui s’interrogea tout au long de sa vie afin de savoir comment aimer davantage son prochain, se faire plus proche de lui tout en le respectant. Philippe-Emmanuel Krautter www.bompiani.it/catalogo/farsi-prossimo-9788845299612
		Emmanuel Godo : « La mort ? Non l’amour », Éditions Salvator, 2021. L’écrivain et poète Emmanuel Godo livre avec « La mort ? Non, l’amour » le dernier volet de sa trilogie présentée dans nos colonnes. Après la tristesse et la joie, c’est un couple pour le moins singulier qui se partage cette dernière réflexion. Derrière le titre inspiré repris de l’un des plus beaux poèmes d’Elisabeth Browning (« Sonnets portugais ») se cache une vérité que l’auteur parvient à se saisir avec la délicatesse qui le caractérise. Point de traité philosophique en ces pages, mais une subtile digression personnelle sur les rapports complexes entretenus non entre la vie et la mort, mais ceux de cette dernière avec l’amour. Au seuil de la mort, l’amour de ses proches et amis vient en premier des interrogations existentielles. Partant de cette vérité fondamentale, Emmanuel Godo explore son vécu de la manière la plus libre en un dialogue avec les vivants, mais aussi les disparus dont sa mère. Et si le poète regrettait que « Les morts, les pauvres morts, ont de grandes douleurs » (Baudelaire « La servante au grand cœur »), il est pourtant un remède à cette peine, l’amour dont Emmanuel Godo rappelle la force qui transcende tous ces tourments. Et là réside l’antidote livré par l’auteur en une profonde invitation à la vie grâce à l’amour, deux entités consubstantielles. L’amour peut vaincre la mort lorsqu’il encourage à chaque instant de notre quotidien de ne point passer à côté de la vie. Pour cela, nous pouvons préserver un espace personnel, citadelle imprenable, une « arrière-boutique » comme l’y invitait Montaigne dans laquelle aucune pulsion mortifère ne saurait s’immiscer. « Dans tout amour, il y a un adieu » rappelle Emmanuel Godo, un à Dieu sous la forme d’une âme toute vouée à l’amour, dont ces pages démontrent la force et la puissance sur la mort. Philippe-Emmanuel Krautter
		Joseph Ratzinger : « Théologie de la liturgie » ; Collection Opera Omnia, Éditions Parole et Silence, 2021. Le thème de la liturgie a toujours été au cœur de la réflexion du théologien Joseph Ratzinger, ainsi qu’au sein de l’action du pape Benoît XVI tout au long de son pontificat. Ce dernier confie en effet en présentation de cet ouvrage venant d’être publié aux éditions Parole et Silence dans la collection Opera Omnia : « Ce volume réunit tous les travaux, petits et plus ou moins grands, par lesquels je me suis exprimé à propos de la liturgie au cours des années, à différentes occasions et dans des perspectives diverses. À partir de toutes les contributions nées ainsi, l’idée s’imposait finalement à moi de présenter une vision de l’ensemble, qui parut lors de l’année jubilaire 2000 sous le titre L’esprit de la liturgie. Une introduction ». Pour le grand théologien, la liturgie s’avère être, en effet, beaucoup plus qu’un rite ou une mémoire mais bien un renouvellement et une actualisation, lors de chaque messe, du sacrifice christique. Joseph Ratzinger démontre dans ces pages d’une limpidité didactique remarquable, malgré la complexité du sujet, combien cet esprit de la liturgie ne saurait être parfaitement saisi sans le rattachement au Nouveau à l’Ancien Testament. Il n’est pas une parole de Jésus qui ne se rattache aux livres fondateurs de la foi d’Israël, qu’il s’agisse de sa prédication lors de sa vie publique jusqu’au dernier souffle sur la Croix. C’est dès lors en puisant aux sources vétérotestamentaires qu’il est possible d’accéder à la pleine compréhension de chaque strate de nos liturgies. Suivant en cela l’influence initiale de la pensée de Romano Guardini dans « L’esprit de la liturgie », Joseph Ratzinger souligne combien la liturgie se doit d’être entendue non seulement dans sa beauté et sa richesse cachée, mais également selon une dimension qui dépasse les âges et la temporalité. Cette extension de la liturgie s’étend en effet non seulement à toute l’Église et à la vie chrétienne, mais prend également une dimension cosmique à l’ensemble des êtres humains, quelle que soit leur confession. La liturgie se présente ainsi comme étant non point le fait de quelques élus réunis en un lieu donné, mais comme une célébration universelle de l’amour destinée à l’ensemble de la Création et l’Histoire. Le lecteur saisira combien une célébration ne saurait être comprise comme un acte répétitif et ressassé, comme ce fut trop souvent le cas avant ce rappel opéré par le Concile Vatican II. Aussi, ces pages essentielles de la pensée du théologien et pape Benoît XVI seront-elles déterminantes au lecteur du XXI° siècle afin de prendre conscience de la force et de la puissance de la liturgie entendue en une célébration à dimension universelle. Philippe-Emmanuel Krautter
		« DICTIONNAIRE CULTUREL DU CHRISTIANISME - Le sens chrétien des mots.» de Pascal-Raphaël Ambrogi ; Préface de Monseigneur Pascal Wintzer, archevêque de Poitiers ; Honoré Champion Éditions, 2021. À l’heure où les racines chrétiennes de l’Europe tendent de plus en plus à être reléguées dans l’oubli, la somme exceptionnelle proposée par Pascal-Raphaël Ambrogi devrait retenir l’attention. Il s’agit là par l’ampleur de la tâche non seulement d’un trésor d’informations et de données, mais surtout d’un regard, celui porté sur notre culture classique, que celui-ci s’inscrive ou non dans une démarche de foi. Ainsi que le soulignait l’académicien Marc Fumaroli dans un entretien accordé à notre revue, tout un pan de la culture classique qui vacille de nos jours ne saurait être jeté aux oubliettes de l’Histoire sous peine de perdre le sens entier de notre civilisation. Or, si la langue française, naguère source de rayonnement dans l’Europe entière, a perdu cette prééminence, celle-ci offre encore au XXIe siècle une mine inépuisable à laquelle puiser bien des trésors. C’est à cet immense patrimoine auquel s’est attaché l’auteur, haut fonctionnaire, mais aussi écrivain défendant le patrimoine linguistique français. Ce « Dictionnaire culturel du Christianisme » s’avère être aussi impressionnant que précis avec ses milliers d’entrées nourries de définitions et s’attachant à mieux rappeler les nuances de chaque mot retenu. Un exemple ? L’entrée « Déréliction », ce mot qui ne s’écrit pas « dirélection » comme le rappelle l’auteur et qui définit l’état de l’homme privé du secours de Dieu. Toutes ces nuances s’égrènent au fil des pages comme les perles d’un chapelet, révélant les trésors hérités du christianisme ainsi que l’entreprit en son temps Chateaubriand dans son fameux « Génie du christianisme » au lendemain de la Révolution française. Si la fameuse adresse en latin « Habemus papam » est bien connue après l’élection d’un nouveau pape, le lecteur découvrira amusé à la lecture de cette entrée les différentes techniques permettant d’obtenir, selon les résultats, une fumée noire ou blanche grâce à l’ajout de composants chimiques. Le Dictionnaire offre également des entrées essentielles pour rafraîchir sa mémoire biblique avec des rappels clairs et précis des grands rois et prophètes de l’Ancien Testament, les lieux de la Bible, mais aussi de nombreuses expressions en latin si fréquentes dans la liturgie et dont la compréhension tend également à s’effacer depuis quelques décennies. A ces explications claires et rigoureuses, ces entrées incluent enfin également de nombreuses citations tirées des écrits des papes ou des grands textes chrétiens, une mine de connaissances et un précieux outil de travail. Ce Dictionnaire de plus de 1 000 pages répondra, en effet, à de multiples usages. Il sera le fidèle compagnon de l’honnête homme du XXIe siècle qui aura décidé de ne point perdre cette richesse culturelle. De même, il répondra à toutes les questions à l’occasion d’une célébration, la réception d’un sacrement ou encore lors de la préparation d’une catéchèse ou d’un enseignement. Avant tout, l’immense tâche réalisée par Pascal-Raphaël Ambrogi relève de la conservation d’un patrimoine de nos jours menacé, au même titre que des conservateurs veillent à la protection d’une œuvre d’art. Pour toutes ces raisons, ce « Dictionnaire culturel du Christianisme » mérite toute l’attention du lecteur. Philippe-Emmanuel Krautter

Sciences, Nature		« Les plus belles cartes du monde – Du XVIe siècle à nos jours » ; Collectif, Éditions Autrement, 2023. Un livre pour voyager et rêver, tel est effectivement l’objet de cette parution aux éditions Autrement offrant « Les 20 plus belles cartes du monde » depuis le XVIe siècle jusqu’à nos jours. À peine ouvert, l’ouvrage reflète effectivement ses trésors, ces cartes d’aujourd’hui et d’hier qui enchantent par leur diversité, leurs couleurs, formes et univers ; chaque carte livre, en effet, au regard, à la curiosité et à l’imagination ses mondes propres, chacune étant présentée sur une page recto-verso avec son histoire, sa date, son créateur, etc. Scientifiques ou artistiques, ces cartes offrent au fil des siècles et de leur objet une richesse inouïe. Des cartes déroutantes et fascinantes venant de siècles lointains telle cette mappemonde du XVIe siècle en forme de cœur d’Oronce Fine, un des premiers savants cartographes ou encore des cartes plus récentes notamment d’artistes ou de plasticiens contemporains telle « La main de la méduse » de Julien Jaffré de 2022 ou cette carte de Marine Le Breton de 2023 avec son graphisme en dentelle, mais aussi des cartes célestes, du système planétaire ou de la lune… Le plus de ce splendide ouvrage : chaque carte peut être détachée pour être affichée, rangée précieusement ou offerte…
		François Hammer : "Voyage de la Terre aux confins de l'Univers", Odile Jacob Éditions, 2023. L’astrophysicien François Hammer bien connu pour ses travaux sur les galaxies lointaines nous embarque de nouveau avec son dernier ouvrage pour un merveilleux voyage interstellaire en sa compagnie… Et comment résister à cette invitation tant il est vrai que le scientifique se révèle être un aussi bon pédagogue qu’un guide de l’espace hors pair ! Ainsi, avec lui, au fil des pages alertes et oniriques, nous explorons tout d’abord notre système solaire qui apparaîtra presque familier sous sa plume tant l’auteur sait en rendre les complexités compréhensibles. Mais bientôt, nous dépasserons avec lui les frontières de notre galaxie pour aborder l’immensité toujours impressionnante des lointaines galaxies et ces espaces vertigineux dignes des meilleurs films de science-fiction… Des centaines de milliards de galaxies, rappelle François Hammer ! Mais attention, en ces pages toujours accessibles, il ne s’agit pas pour autant de vulgarisation facile, mais bien d’un tableau complet sur l’astrophysique conçu par cet éminent responsable scientifique de grands spectrographes installés au Chili sur les sites du Very Large Telescope. Grâce à lui, nous comprendrons ce que sont les planètes, exoplanètes, les trous noirs comme les nuages de gaz pépinières des nouveaux astres. Les deux derniers chapitres passionneront également le lecteur en explorant cette fois-ci le passé de l’univers, un véritable voyage dans le temps dont François Hammer parvient à rendre la complexité compréhensible au néophyte avec un rare bonheur. Quasars, galaxies biscornues et autres nuages d’Oort n’auront plus aucun secret après lecture de ce passionnant ouvrage qui se conclut sur l’évolution prévisible de la recherche en astronomie ; une évolution qui file à toute vitesse, mais des progrès qui ne doivent cependant par faire oublier le danger qui nous guette non pas des confins de l’univers mais de notre propre planète toute proche de la limite de l’effet de serre…
		"Tous les oiseaux d'Europe" de Frédéric Jiguet et Aurélien Audevard, 528 p., Editions Delachaux et Niestlé, 2023. Les oiseaux sont menacés, ce n’est malheureusement une découverte pour personne, mais leur meilleure connaissance devrait cependant contribuer à une plus grande protection. Tel est le souhait des auteurs de ce passionnant guide qui vient d’être publié aux éditions Delachaux et Niestlé. Frédéric Jiguet, professeur au Muséum national d’histoire naturelle, et Aurélien Audevard, chargé d’études à la LPO, signent ensemble, en effet, cette somme de plus de 500 pages enrichie de 3 000 photos et 800 cartes permettant d’identifier 930 espèces de nos contrées et pays d’Europe. Au-delà de l’exhaustivité remarquable de l’ouvrage, ce guide méritera l’attention des passionnés de la nature en raison de sa philosophie et de sa conception faisant de ce livre non seulement un guide de terrain mais également une somme didactique accessible et complète. Qu’il s’agisse des nicheurs, migrateurs, hivernants mais aussi des espèces les plus rares, « Tous les oiseaux d’Europe » offre une description complète de chacun – y compris de sa voix ! – sans oublier son habitat, et répartition géographique. Plaisant, exhaustif et qui plus est esthétique, ce Guide Delachaux sera Le guide à réserver pour découvrir l’univers passionnant de l’ornithologie.
		André Zysberg : "La Mer, 5 000 ans d’Histoire", 640 p., 153x240mm, Les Arènes Editions, 2022. Somme unique en langue française, « La Mer, 5 000 ans d’Histoire » réalisée sous la direction d’André Zysberg parvient, véritable défi, à circonscrire un sujet aussi vaste que ses étendues… Il fallait en effet oser ce défi en réunissant un comité des plus grands spécialistes sur chaque sujet traité. Publié en coédition avec le magazine L’Histoire, ce fort volume de presque 650 pages à la fois érudit et accessible aborde la dimension historique des multiples rapports entretenus par l’homme avec la mer. Qu’il s’agisse des premiers navigateurs de la préhistoire, des grandes civilisations antiques étroitement associées à l’élément marin, la Grèce ou encore Rome, sans oublier ces grands explorateurs et aventuriers qui osèrent la parcourir, souvent à leurs risques et périls, cet ouvrage monumental embarque le lecteur dans une odyssée aussi étonnante que diversifiée. La vie quotidienne des marins au fil des millénaires, les innombrables guerres qui ont troublé ces eaux, les non moins nombreuses ressources que l’élément marin recèle, c’est une somme vertigineuse complétée de multiples cartes couleurs dans un encart central. Cet ouvrage devrait assurément rencontrer un succès mérité, un cadeau à faire à tout amoureux de la mer !
		Pascal Picq : « Manifeste intemporel des arts de la préhistoire », Relié, 217 x 276 mm, 160 p., Flammarion, 2022. Les témoignages des premières expressions culturelles et artistiques des Sapiens, Dénivosiens ou encore Néanderthaliens ne cessent de questionner nos contemporains depuis leurs redécouvertes. Art ? Religion ? Symboles ? Ces divers témoignages de leur créativité parvenus jusqu’à nous demeurent pour le grand public muets et c’est au spécialiste d’être investi de la lourde tâche de tenter de les faire parler… Pascal Picq, paléoanthropologue fameux et réputé pour ses travaux sur l’évolution humaine, livre avec cet ouvrage une réflexion précieuse sur ces gestes et sensibilités manifestés à l’aube des temps et dont nous avons perdu les clefs et significations. Loin de toute supériorité de l’art occidental qui prévalait encore il y a un siècle, Pascal Picq traverse ces millénaires en rappelant la façon dont nous avons pu estimer ces œuvres primordiales – et parfois les juger de manière caricaturale – ces deux derniers siècles. « Aujourd’hui, l’archéologie préhistorique décrit les vastes civilisations dont les influences esthétiques et artistiques s’étendent sur des milliers de kilomètres et au fil de milliers d’années » souligne l’auteur. Dans ce Manifeste intemporel des arts de la préhistoire, Pascal Picq explore ainsi les origines de cette volonté de création qui anima les premiers humains, expression qui prit des formes aussi diverses que la peinture de mains négatives projetées sur des parois, la sculpture sur bois de cervidé de félins dont nous ignorerons à jamais la symbolique ou encore cette impétueuse envie de représenter des formes humaines telles ces éternelles Vénus qui n’ont pas fini de nous questionner, ce qui n’est pas le moindre mérite de cet ouvrage !
		Christian Grataloup : « Atlas historique de la Terre », 340 pages, Éditions Les Arènes, 2022. L’Atlas élaboré sous la direction de l’éminent géographe Christian Grataloup devrait combler tous les lecteurs en recherche d’informations exhaustives et accessibles sur notre planète. Conjuguant les savoirs de plus de trente scientifiques provenant de différentes disciplines en une habile synthèse, l’ouvrage parvient en effet en ces 340 pages à proposer une Histoire de notre planète vieille de 4,5 milliards d’années sur laquelle l’espèce Homo sapiens ne surgira que vers 300 000 ans. La mise en rapport de ces multiples échelles chronologiques permet ainsi au lecteur de mieux comprendre nos implications vis-à-vis de notre planète terre qui à l’échelle de l’univers n’occupe que quelques brefs instants… Mettant rapidement en évidence l’un de ses traits caractéristiques, Christian Grataloup souligne combien la terre se distingue des autres astres par le fait qu’elle abrite la vie depuis des millions d’années. Conjuguant avec un rare bonheur cartographie, histoire et géographie, cet Atlas parvient à placer ces cadres temporels indispensables à la compréhension de notre histoire et celle de notre planète. Sans verser dans le catastrophisme climatique et le déclin irréversible, Christian Grataloup souligne : « Notre objectif est la lutte contre l’amnésie : les passés ne peuvent se comprendre qu’articulés les uns aux autres. Notre présent est simultanément vieux de milliards d’années et de quelques siècles ». Du big bang initial à l’état actuel d’une planète vulnérable sous l’action humaine, cet ouvrage indispensable devrait assurément figurer dans toute bonne bibliothèque !
		Didier Nectoux et Eloise Gaillou : « Le musée minéralogique de l’Ecole des Mines de Paris » ; Hors-série Découvertes, Gallimard, 2022. Le musée de minéralogie est installé depuis 1815 à Paris, précisément à l’Hôtel Vendôme, en plein cœur du Quartier Latin, accolé au jardin du Luxembourg et longeant le boulevard Saint-Michel. Ce sont justement les portes de cette vénérable institution datant du milieu du XIX° siècle, que vient ouvrir au lecteur le dernier « Découvertes Gallimard ». Une heureuse idée puisque cette collection minéralogique unique au monde se veut également être un pôle dynamique permettant au plus grand nombre de réfléchir aux implications industrielles, politiques, économiques et environnementales de l’exploitation des minéraux. Grâce à l’action de Didier Nectoux, le directeur des lieux, c’est une image modernisée de ces collections qui a été aujourd’hui favorisée et mise en œuvre. Néanmoins, et pour le plus grand plaisir des amateurs et curieux, ces collections sont encore présentées dans leur mobilier d’origine préservé, fait quasi unique au monde, alors qu’un grand nombre d’institutions ont cédé depuis longtemps aux sirènes du modernisme en abandonnant ce qui faisait leur charme pour des mobiliers contemporains. Le lecteur aura ainsi le rare bonheur d’aborder au fil de l’ouvrage ce haut lieu des sciences minérales en découvrant son histoire et ses évolutions grâce aux explications claires et concises de Didier Nectoux et d’Eloïse Gaillou, conservatrice au musée. C’est à une vision d’ensemble à laquelle invite cet ouvrage didactique dont l’un des atouts, et non des moindres, est de sensibiliser le public aux implications sur l’écosystème et géostratégique. L’ouvrage invite également à admirer tout simplement ces collections les plus précieuses de gemmes rares et aux couleurs chatoyantes, charme visuel unique qu’il sera possible de prolonger avec une visite sur place !
		"Les rusés des récifs" de Catherine Vadon, Format 21,5 x 24,5 cm, 168 p., Collection : Beaux livres, Éditions Quae, 2022. Les récifs coralliens, on le sait malheureusement trop bien, sont en danger. Et pourtant leur importance et la vie luxuriante qu’ils abritent devraient nous encourager à nous soucier bien plus de leur avenir… C’est l’angle retenu par ce beau livre signé Catherine Vadon, océanographe de formation, chercheur au Muséum d’Histoire naturelle et aujourd’hui dans l’expertise de la biodiversité et écologie marines. Ainsi que le relève d’emblée l’auteur, ces récifs n’occupent paradoxalementque 1% des fonds de l’océan et sont le lieu de vie de 25% des espèces océaniques ! Face à cette richesse menacée, une meilleure connaissance de ce milieu complexe et foisonnant était nécessaire, ce que contribue à faire cet ouvrage passionnant. Passionnant, car immergeant littéralement le lecteur dans ces fonds marins où des espèces les plus diverses déploient des tactiques dignes des plus grands stratèges pour échapper à leur prédateur ou au contraire attraper leurs proies… Après avoir évoqué cette « vie en association » qui se trouve à la base même de la création des récifs, l’auteur décrit dans le détail – souvent effroyable ! - tout l’arsenal déployé par ces êtres aquatiques : dents, pinces, piquants, venins, substances chimiques et bien d’autres procédés dissuasifs. Servi pas de magnifiques photographies, cet ouvrage contribuera à n’en pas douter à cette sensibilisation impérieuse sur l’avenir des fonds marins.
		« Les secrets du Monde Sauvage ; Les pouvoirs extraordinaires des animaux » ; Préfacé par Christ Packham ; Traduit de l’anglais par Benjamin Peylet ; 336 pages, Éditions Dunod, 2021. C’est un merveilleux et passionnant ouvrage que préface Chris Packhman aux éditions Dunod. Illustré des plus splendides images, Christ Packham, naturaliste, écrivain, photographe, mais aussi grand défenseur engagé de l’environnement, propose de nous dévoiler dans ces magnifiques pages les fabuleux « Secrets du monde sauvage ». Comment le caméléon réussit-il à se confondre si bien avec son environnement ? Des plus petites moustaches à l’esthétique d’un bout de queue, chaque secret nous conte la formidable adaptation des espèces sauvages à leur environnement. Car si nous connaissons certes les grandes espèces du monde sauvage, combien de secrets cependant ignorons nous de cet étrange mais fascinant univers… Non dénué d’humour, livrant de nombreuses anecdotes instructives, l’ouvrage aborde aussi bien la communication animale que la séduction ou encore les migrations. Ce sont ainsi d’extraordinaires capacités d’adaptation que le lecteur émerveillé par tant de beauté et de performances découvrira, que ce soit la perception des couleurs, l’odorat ou encore l’art du camouflage. Loin de n’être qu’un splendide ouvrage, ce dernier aborde une multitude de thèmes souvent ignorés du monde du règne animal. De la question qu’est-ce qu’un animal, sa forme, son squelette, chaque chapitre livre ses secrets et précisions, peau et écailles, sens, bouches et nageoires, bras et queues… jusqu’aux œufs et petits. Appuyé par nombreux schémas explicatifs, de dessins et planches joliment présentés, ce sont tous les secrets, atouts et pouvoirs extraordinaires du monde sauvage, bien souvent totalement méconnus, qui se dévoilent ainsi page après page. Des découvertes infinies qui laissent le lecteur ébahi par tant de beauté, d’ingéniosité et de capacité d’adaptation. Ainsi que le souligne Christ Packman en sa préface : « Ce très beau livre présente une fusion parfaite de (ces) trois vertus. Il célèbre l’art, révèle d’éclatantes vérités, et attise la curiosité pour les sciences naturelles ».
		« Auprès de nos arbres » d’Édith Montelle, Éditions Delachaux et Niestlé, 2021. Certains de nos contemporains redécouvrent ces derniers temps la présence immuable et pourtant menacée des arbres dans notre environnement. Édith Montelle et le photographe Benjamin Stassen se chargent dans ce bel ouvrage paru aux éditions Delachaux & Niestlé dès lors de les accompagner avec bienveillance et science en une livraison à la fois inspirante et détaillée. Cet ouvrage fort heureusement réalisé selon le respect de l’environnement avec du papier issu de sources responsables fourmille en effet d’informations sur nos majestueux aînés qui préexistaient des millénaires avant l’apparition de l’homme. Tour à tour protecteurs, guérisseurs, sources de multiples productions, les arbres semblent quelque peu réduits à un rôle décoratif de nos jours lorsqu’ils ne sont pas tout simplement omis du paysage de bien de nos villes contemporaines. Apprendre à les redécouvrir, retrouver les mythes et légendes auxquels ils ont été très tôt associés, cette belle réflexion allant d’un simple germe d’un gland de chêne jusqu’au plus ancien des arbres connus souligne ce lien indéfectible qui nous unit à ces témoins à la fois robustes et fragiles de la nature. Un ouvrage à partager en famille afin de prolonger encore notre respect à leur égard pour les générations futures.
		« Une Histoire du ciel » d’Edward Brooke-Hitching ; 18.9 x 24.6 cm, 256 pages, Éditions Delachaux et Niestlé, 2021. C’est une belle histoire que nous conte Edward Brooke-Hitching, celle du ciel, de notre ciel. Une histoire à la croisée des chemins entre histoire, mythologie et sciences. Du ciel de l’antiquité au « Ciel moderne » en passant par celui du moyen-âge ou celui des révolutions scientifiques, bien plus qu’une simple histoire, c’est une fantastique aventure dans le temps et dans l’espace que nous propose l’auteur, écrivain, journaliste et documentaliste. Passionné de cartes, de mythologies et de représentations, Edward Brook-Hitching livre, en effet, en cet ouvrage richement illustré de plus de 250 pages une extraordinaire histoire de ce qui a de tout temps fasciné les hommes, le ciel, la Voie lactée, les étoiles et comètes ; Le ciel vu de la terre ou la terre vue du ciel ou encore lorsque « La mer était au-dessus de la terre » ! Astrologie, astronomie, croyances et sciences scandent ainsi cette fantastique aventure de la découverte du cosmos et de l’univers des temps les plus reculés à aujourd’hui. L’imaginaire y côtoie les plus grandes découvertes dans des représentations fascinantes et à couper le souffle. Une jolie façon, pour reprendre la pensée de Ptolémée, que nos pieds ne touchent plus terre, un régal !
		« Au nom de l’arbre » ; Collectif sous la direction de Cyril Drouhet ; Introduction de Sylvain Tesson ; Préface de Jacques Rocher ; 224 pages, Éditions Albin Michel, 2021. « Au nom de l’arbre » est à la fois un cri d’alarme mais aussi un bel éloge de l’arbre, des arbres et des forêts, et surtout un très bel espoir… Car, souligne en son introduction Sylvain Tesson, si « les modalités techniques de la déforestation sont multiples, l’origine profonde est la même : partout où la pression humaine s’accroît, la forêt s’efface » . L’espoir renaît cependant lorsqu’on va à la rencontre de ceux et celles qui se battent et résistent aujourd’hui pour contrer cette déforestation et destruction massive des ressources naturelles. Ce sont ces extraordinaires rencontres avec ces hommes et femmes engagés, ces batailles concrètes pour la replantation et la biodiversité, tel un espoir pour l’humanité que nous propose justement ce splendide ouvrage réalisé sous la direction de Cyril Drouhet. Ainsi, le lecteur pourra-t-il découvrir cette forêt qui renaît en Éthiopie ou encore celle renaissant de ses cendres au Portugal. Jacques Rocher, président de la fondation Yves Rocher, rappelle pour sa part, en sa préface son engagement et sa rencontre décisive avec « la Femme qui plantait des arbres », Wangari Muta Maathai, prix Nobel de la paix et écologiste. Des pages qui nous entraînent également vers ces contrées ou paysages où la forêt est protégée et gardée, au Togo avec les jardiniers de la forêt ou encore en France avec les gardiens du territoire. Rencontre magique aussi avec ces papillons monarques du Mexique et la réserve d’El Rosario… Ce sont ainsi pas moins de neuf rencontres d’une forêt vivante et plurielle que l’ouvrage nous propose ; neuf rencontres écrites par neuf auteurs et magnifiquement illustrées par neuf photographes engagés et de talent. Et, « là où les arbres reviennent, bêtes, hommes et dieux rétablissent l’équilibre ! » écrit Sylvain Tesson convoquant pour cette belle ode aux arbres la poésie, Victor Hugo ou encore Larbaud ou Nerval... Et si nous prenions effectivement le temps, un jour, – ainsi que le suggère Jacques Rocher – d’être un arbre ?...
		« Abysses – L’Odyssée des hommes sous la mer » de Michel Viotte avec la collaboration d’Olivier Dufourneaud ; Préface de S.A.S. le Prince Albert II de Monaco ; 224 pages, Éditions La Martinière, 2022. L’histoire de l’exploration des fonds marins constitue une incroyable aventure tant humaine que technologique. Cette science commencée au milieu du XIXe siècle qui a pris le nom d’« océanographie » a été le fait d’aventuriers, de scientifiques, mais surtout de passionnés tel le Prince Albert 1er, le « Prince navigateur », ainsi que le rappelle le Prince Albert II de Monaco dans sa préface. C’est cette fabuleuse aventure, cette « Odyssée des hommes sous la mer » que nous faire découvrir ce formidable ouvrage de Michel Viotte avec la collaboration d’Olivier Dufourneaud. Face aux profondeurs, aux pressions et courants extrêmes, face aux contraintes du froid et à l’absence de lumière, que de défis relevés ! Que d’exploits, effectivement, réalisés ayant permis depuis plus d’un siècle et demi l’exploration des profondeurs de l’océan, on songe à l’invention du scaphandre autonome, aux submersibles à propulsion, aux habitats sous-marins ou encore aux robots téléopérés… les auteurs reviennent sur la naissance et « Les pionniers de l’océanographie ». Largement et joliment illustré et appuyé de cartes, de reproductions et photographies, l’ouvrage nous fait également découvrir le travail sous la mer avec les premiers scaphandres et pieds-lourds, puis les scaphandres rigides jusqu’à « L’avènement de la plongée autonome ». Les chapitres suivants se consacrent à repousser toujours plus loin les limites et présentent les « Nouveaux défis » avec notamment les habitats, vaisseaux, robots et laboratoires sous-marins. Une histoire et un monde fascinants... Que de défis et d’avancées ! C’est assurément une passionnante plongée dans les plus grands fonds marins que nous offre cet ouvrage.
		Alain Bentolila : "Nous ne sommes pas des bonobos - Créateurs et créatures", Éditions Odile Jacob, 2021. Derrière ce titre un brin provocateur se cache un brillant essai sur la fonction du langage. Ainsi que le souligne l’auteur, professeur de linguistique à l’université Paris-Descartes et directeur de recherche : « Ce n’est pas l’évolution de l’espèce humaine qui a entraîné la création du langage ; c’est la création du langage qui a défini son évolution. Un petit enfant n’apprend pas le langage parce qu’il grandit, c’est le langage qui le fait grandir », dont acte ! L’ouvrage explore ainsi en termes clairs et didactiques comment et par quelles voies le langage se trouve constitutif de créations et d’originalités, et non d’imitations et répétitions. Par cette approche, l’auteur s’oppose à l’idée selon laquelle notre langage serait comparable aux instruments de communication des autres espèces animales. L’audace de la pensée humaine dépasse pour lui les simples automatismes de communication pour atteindre un degré de nuances, de sensibilités, à nulle autre pareille. Mais, entre manipulation et conviction, information et mensonge, combien de subtilités et d’imperfections possibles ? L’art du langage et de la rhétorique étaient naguère choyés par les Anciens qui nourrissaient ce bien si précieux au point de le placer au sommet de l’éducation des jeunes enfants. Parler, lire et écrire n’étaient en rien une activité mécanique et répétitive, mais un art en soi dont il fallait le plus tôt acquérir les clés au même titre que le musicien à l’égard de la musique. Propre de l’homme, le langage nourrit et enrichit notre humanité, mais si nous le négligeons et le reléguons à l’arrière-plan de l’éducation, il pourrait bien être le terreau de nouvelles manipulations et violences, nées de l’impuissance à exprimer ce qui est au cœur de l’homme ainsi que le démontre ce stimulant essai.
		« La classification animale – une histoire illustrée » de David Bainbridge ; 171x236, 256 p., Éditions Delachaux et Niestlé, 2020. Avec l’ouvrage de David Bainbridge, c’est l’univers à la fois mystérieux et fascinant de la classification animale qui se dévoile pour le plus grand bonheur de ses lecteurs. En un ouvrage clair et didactique pour un sujet ardu, l’auteur montre combien toutes ces disciplines aux noms souvent hermétiques trouvent leur source dans cette tentative de décrire le vivant et, en l’espèce, le monde animal. Phylogénétique, taxonomie, cartographie génétique, phénétique, systématique, biostratigraphie, taphonomie, génomique… Cependant, toutes ces disciplines ne sont pas nées du hasard, mais bien de cette lente et patiente interrogation des hommes depuis l’Antiquité sur les différentes espèces d’animaux vivant parmi eux. L’auteur est un scientifique réputé à l’Université de Cambridge au département de médecine vétérinaire. Son point de vue est non seulement celui de l’homme de sciences, mais également d’un pédagogue hors pair, et ce, afin de mieux faire comprendre comment toutes ces divisions et sous-classements trouvent leur origine. Les premières pages décrivent ainsi combien l’univers de la science peine tout d’abord à se dégager de croyances métaphysiques et religieuses, ces domaines étant souvent confondus à l’origine. Ce n’est que par une lente et patiente observation, une volonté toujours plus aiguisée de s’abstraire de l’idéologie pour s’appuyer sur de nombreuses expérimentations que l’univers animal sera progressivement présenté sous une forme plus rationnelle. L’ouvrage abondamment illustré de nomenclatures artistiques fait la démonstration que ces interrogations, en plus d’éclairer le monde qui nous entoure, révèlent souvent bien des traits de notre propre espèce.
		« Fabuleux insectes » de Denis Richard et Pierre-Olivier Maquart ; 22 x 28.5 cm, 240 pages, Éditions Delachaux et Niestlé, 2021. Denis Richard et Pierre-Olivier Maquart signent un fabuleux ouvrage consacré aux plus fantastiques insectes aux éditions Delachaux et Niestlé. Très joliment illustré, avec une vaste iconographie et plus de 230 pages, les auteurs, tous deux docteurs et spécialistes, nous ouvrent en effet les portes d’un monde d’une richesse inouïe, celui des insectes les plus fabuleux de notre monde. Entre cabinet de curiosités aux mille secrets et découvertes, études d’entomologie et histoire des sciences, l’ouvrage présente ainsi pas moins de cinquante « Fabuleux insectes » répertoriés sur les cinq continents. D’extraordinaires insectes reconnus pour leur beauté à nulle autre pareille, leur rareté ou encore pour leurs fantastiques capacités notamment d’adaptation. En cinq chapitres, non sans humour, les auteurs font assurément mouche et livrent à la curiosité, mais aussi à la fascination, voire à l’imagination du lecteur, des mondes surprenants et passionnants. Des insectes aux aptitudes étonnantes relevant « Records et défis », tels ces « Guêpes lilliputiennes » ou ces insectes des lieux inhospitaliers, coléoptères peuplant les déserts d’Afrique australe ou encore la mouche « Belgica antarctica », seul insecte en Antarctique. Des insectes faisant aussi rêver tels les « Scarabées-bijoux », mais également des insectes recherchés comme un « Dieu des choses laides » ! Si certains ont disparu, d’autres apparaissent ou réapparaissent ces dernières années dans nos contrées notamment les fameux moustiques tigres ou encore les redoutables punaises de lit. Assurément, ce sont les portes d’un monde fascinant que les pages de cet ouvrage richement illustré nous ouvre, celles-là même de notre monde, celui de « Fabuleux insectes » lorsque la nature se fait féérique ou magicienne…
		« Identifier les roches » de Jürg Meyer, 144 p., Éditions Delachaux & Niestlé, 2021. Les roches nous environnent de partout, même lorsque nous ne soupçonnons pas leur présence. Combien de fois avons-nous buté subrepticement sur l’une d’entre elles sans même savoir son nom, ses origines ou son âge, souvent vertigineux… Afin de ne plus rester dans l’ignorance, Jürg Meyer a conçu un guide très précieux car il s’adresse au néophyte, tout en lui prodiguant des enseignements complets, et ce, de manière très accessible sur les bases de géologie. Cette passion qui l’a conduit à partager ses connaissances de diverses manières (géologue, guide de montagne, conférencier) se retrouve à chaque page de cet ouvrage qu’il a su rendre agréable et attractif sur un sujet qui par ailleurs aurait pu être aride. Grâce à la pédagogie de l’auteur, le lecteur saura distinguer la structure des roches, leur origine volcanique, sédimentaire, métamorphique, plutonique… L’approche repose sur une démarche à la fois scientifique et pratique, l’une n’allant pas sans l’autre. 300 types de roches se trouvent ainsi distingués en ces pages agrémentées de 460 photographies et de nombreux graphiques. C’est à un véritable jeu de repérage et d’identification auquel convie Jürg Meyer avec cet ouvrage, une pratique accessible au moindre détour d’un chemin, aidé seulement d’une bonne loupe, de ces précieux conseils et de curiosité pour notre environnement !
		L’Atelier la Trouvaille – matériel et conseils pour la géologie et minéraux L’Atelier La Trouvaille compte assurément parmi ces adresses incontournables dans le monde de la géologie, minéralogie, taille de pierre et autres domaines scientifiques où le sérieux allié à la passion prédomine. Depuis plus de 40 années à Remoulins, cette société réputée a su s’adapter au fil des évolutions technologiques tout en gardant en permanence les critères d’excellence et de haute qualité en matière d’outils et d’articles liés à la pierre. En recherchant en permanence les meilleures sources et les dernières technologiques, l’Atelier La Trouvaille porte, en effet, bien son nom et fait figure de véritable adresse incontournable tant pour les professionnels que pour les amateurs. Le site web de l’Atelier de la Trouvaille fourmille ainsi de propositions allant des outils nécessaires aux plus inimaginables pour la pratique de la géologie comme pour la gemmologie jusqu’aux précieux microscopes et autres machines perfectionnées. L’amateur de minéraux et fossiles trouvera son bonheur pour s’équiper dans les meilleures conditions avec un choix de matériel adéquat et de qualité. Parmi les nombreuses propositions, l’incontournable loupe de poche. Indispensable, celle-ci permettant d’observer le détail des échantillons prélevés. La loupe Doublet de terrain de grossissement x10 assurera avec précision et efficacité toutes les observations de détail sur les minéraux, fossiles, botanique, entomologie… Le terme aplanétique signifiant que les lentilles de la loupe ont été corrigées quant aux défauts géométriques. Avec une lentille de diamètre 20mm et un champ de vision également de 20mm, cette petite loupe en métal protégée par un étui en cuir s’avérera le compagnon précieux et indispensable de l’amateur comme du professionnel. Soulignons, enfin, que l’Atelier la Trouvaille est plus qu’un site de matériel en ligne, les passionnés qui animent cette aventure proposant également tout au long de l’année de partager leurs compétences sous forme de stages autour de la taille de pierres précieuses, facettage, cabochonnage, initiations à la gemmologie, mais aussi en proposant des conseils en ligne avec de nombreux articles sur la géologie, les minéraux, les microscopes, sans oublier la vente de minéraux… A découvrir ! Pour toutes commandes et renseignements : Atelier la trouvaille 4,rue LT. Colonel Broche BP 48 30210 Remoulins Tél. 04 66 37 07 65 www.atelierlatrouvaille.com
		« La fabuleuse histoire de nos origines – De Toumaï à l'invention de l'écriture » de Marc Azéma et Laurent Brasier, Éditions Dunod, 2020. C’est une vertigineuse plongée dans le passé de l’humanité qui attend le lecteur de « La fabuleuse histoire de nos origines ». 7 millions d’années défilent en effet sous nos yeux, page après page, en un panorama aussi vaste que concis, servi par deux plumes éprises de pédagogie et de science. Marc Azéma est chercheur associé au CREAP et membre chargé de l’étude de la grotte Chauvet en Ardèche. Laurent Brasier, quant à lui, voue une véritable passion dans le cadre de son métier de journaliste scientifique pour tout ce qui a trait au passé, ce qui justifie pleinement cette étonnante odyssée humaine illustrée et nourrie par des textes précis et clairs. Jean Guilaine, l’éminent professeur au Collège de France (lire notre interview) souligne d’ailleurs en préface de l’ouvrage le caractère atypique de cette somme qui retient 120 « flashes » déterminants de l’évolution. Cette approche est d’autant plus originale qu’elle se trouve étendue à l’ensemble de la planète et bénéficie des toutes dernières données de la science. Ainsi le lecteur prendra-t-il connaissance des conditions d’émergence des premiers hominidés bipèdes avec notre ancêtre, le fameux Toumaï découvert par Michel Brunet (lire notre interview), il y a plus de 7 millions d’années. De ces dates lointaines et abstraites pour nous, jusqu’à l’invention de l’écriture, que d’évènements décisifs pour l’humanité et les civilisations qui en découleront, des étapes essentielles rappelées avec un rare talent didactique par les auteurs en des synthèses précises et facilement mémorisables grâce aux repères et échelles temporelles constamment rappelés en gras pour chaque notice. Les premiers pas, les premiers mots, les premiers outils et représentations pariétales sont égrenés au fil de ces pages en un merveilleux récit de nos origines.
		« Mousses et lichens » Volkmar Wirth, Ruprecht Dull et Steffen Caspari, Guide Delachaux, 336 p. Éditions Delachaux & Niestlé, 2021. L’univers des mousses et lichens accompagne bien souvent notre quotidien à notre insu. Un interstice subrepticement caché à l’embrasure d’une fenêtre, deux pierres disjointes ou encore le sommet d’un faîtage peuvent soudainement se métamorphoser en pépinière merveilleuse de ces plantes, la plupart du temps négligées. Certes, ces dernières n’offrent guère de floraisons spectaculaires, ni de fruits tentateurs, mais les subtiles variations de leurs teintes au gré des saisons et la multitude des détails qui se dévoilent à qui sait leur prêter attention réserveront bien des heures inoubliables. C’est le thème de ce fantastique univers des « Mousses et lichens » qui est justement retenu par ce très réussi Guide Delachaux réalisé avec science et passion par Volkmar Wirth, Ruprecht Dull et Steffen Caspari. Un guide recensant et présentant pas moins de 290 espèces facilement à identifiables grâce aux nombreuses photographies réunies. Afin de se transformer en bryologue – dénomination officielle des spécialistes de ces petites mousses et lichens - les auteurs ont adopté une démarche à la fois rigoureuse et souple, en présentant ces plantes, leur port et leur substrat. Deux critères essentiels ont prévalu pour les auteurs, à savoir que l’espèce soit à la fois commune et aisément reconnaissable. L’identification d’une mousse peut, en effet, parfois poser quelques difficultés, aussi les auteurs de cet ouvrage ont-ils volontairement privilégié les exemplaires les plus faciles à distinguer. Les lichens présents sur les arbres, rochers et sols maigres sont étrangement composés simultanément d’un champignon et d’une algue. Cette combinaison surprenante constitue dès lors le propre des lichens, conditionnant selon leur variété, leur aspect extérieur, mais aussi leur physiologie et écologie. Les mousses comme les fougères appartiennent aux « archégoniates », bien adaptées à la vie terrestre, puisque les traces fossilisées des plus anciennes mousses remontent à 350 millions d’années… à l’image des lichens, les mousses font figure de plantes colonisatrices, les premières supportant plus une pénurie hydrique. À l’aide des précieux conseils fournis par ce guide, l’amateur équipé d’une bonne loupe et de curiosité pourra partir à la découverte d’un univers passionnant et disponible au seuil de sa porte !
		« Quel oiseau ? » de Marc Duquet, 140 x 190, 128 p., Editions Delachaux et Niestlé, 2020. Qui n’a jamais ressenti la frustration de ne pouvoir répondre à la question « quel est cet oiseau ? » De nos jours, identifier ces compagnons du quotidien relève non seulement de la curiosité naturelle mais, qui plus est, d’une démarche écologique indispensable. Alors qu’un grand nombre d’espèces d’oiseaux se trouvent menacées par la pollution, la destruction de leur habitat et l’urbanisation excessive, mieux connaître la soixantaine d’espèces communes vivant en Europe ne peut contribuer qu’à leur préservation. Une connaissance et préservation des plus urgentes. D’autant plus que le style alerte et ludique de Marc Duquet, passionné de nature et spécialiste des oiseaux, rendra l’exercice attractif et plaisant avec des réponses à des questions simples comme « quel oiseau harponne les poissons avec son bec ? » (le martin-pêcheur) ; « Quel oiseau chante à tue-tête la nuit dans le jardin ? » (le rossignol) ; « Quel oiseau a des pattes beaucoup trop longues ? (L’échasse)… Avec pour chaque espèce, une description rappelant les caractéristiques principales de chaque oiseau, ce petit livre ludique illustré de 110 photos s’avère être particulièrement instructif et pourra servir d’ailleurs à des jeux de question/réponse en famille ou entre amis. Un ouvrage toujours bien venu.
		« Le tour de France du littoral ; regard d’un géologue » de François Michel, 21 x28.2 cm, 288 p., Éditions Delachaux et Niestlé, 2020. En cette époque où les Français redécouvrent leur littoral, les éditions Delachaux et Niestlé proposent un ouvrage qui ne peut manquer de susciter intérêt et curiosité puisque ce dernier nous entraîne dans un tour de France géologique du littoral français. Un fabuleux tour des nombreuses et diverses côtes françaises, de celles de la Manche à celles de l’Atlantique jusqu’à la Méditerranée sans oublier les côtes des territoires d’outre-mer, offrant non seulement un voyage de découvertes, mais également des plus instructifs et passionnants sous le regard du géologue François Michel. Car, ne l’oublions pas, au-delà de cette merveilleuse diversité des côtes françaises, le littoral parce qu’entre terre et mer, vit, évolue et bouge… « Le littoral est cette ligne mouvante, trait d’union qui marque la triple frontière entre la terre, la mer et l’air. Ces trois composantes modulent son aspect et façonnent les paysages sous contrôle des changements climatiques qui, depuis toujours, animent et dessinent la géographie de la planète. », rappelle l’auteur. Extrêmement bien réalisé et documenté, scientifique mais accessible, ce « Tour de France du littoral » permet, en effet, non seulement de découvrir l’ensemble et la diversité du littoral français, mais aussi et surtout d’en appréhender leur histoire et leur nature géologique. Que nous content, en effets, ces étendues de sable fin que nous avons parcouru cet été, quelle est « La petite histoire d’un grain de sable » ? Que disent ces dunes presque magiques qui « naissent et se déplacent ». C’est toute l’histoire du littoral du bassin parisien, du Massif armoricain, aquitain, méditerranéen et de l’outre-mer que nous racontent en ces pages. Par cette compréhension, l’auteur François Michel, déjà auteur de nombreux ouvrages, entend aussi sensibiliser aux phénomènes affectant les multiples et variées côtes françaises. Vagues, marées, tempêtes, courants, bien peu de phénomènes garderont en ces pages leurs mystérieux secrets, sans oublier, bien sûr, l’impact du changement climatique sur l’ensemble du littoral français. À la lecture de cet ouvrage, nous comprenons comment et pourquoi certains phénomènes - pour certains imminents - sont ou peuvent être dès à présent prévisibles et comment nous pouvons dès aujourd’hui commencer à nous en protéger. Un ouvrage, clair, détaillé et captivant livrant une merveilleuse et accessible compréhension du littoral français à mettre sans hésitation entre toutes les mains !
		« Les hirondelles » de Georges Olioso, Éditions Delachaux & Niestlé, 2020. Et si les hirondelles disparaissaient à jamais de nos maisons et jardins, à l’image des abeilles menacées ? C’est un cri d’alerte que lance Georges Olioso, spécialiste depuis plus de 40 ans de ces oiseaux, et qui a noté des comportements étranges concernant ces petits animaux pourtant si familiers des hommes depuis l’aube des temps. Ainsi, l’auteur note-t-il qu’un grand nombre de nids se trouvent inoccupés année après année, et pire encore sont souvent arrachés par l’homme au prétexte que ces oiseaux seraient sources de nuisances dans notre quotidien… Pesticides, poteaux et autres pièges tendus par l’homme menacent également ces petites bêtes pourtant si utiles dans notre vie quotidienne, sans parler du plaisir esthétique à les regarder. C’est pour éduquer les générations futures à leur préservation que cet ouvrage a été conçu, en proposant une réflexion particulièrement exhaustive sur cette famille d’oiseaux dont cinq espèces vivent en France alors que leurs congénères occupent tout aussi bien le Moyen-Orient, l’Alaska ou encore l’Égypte. L’auteur propose quelques repères utiles pour comprendre leur histoire la plus ancienne puisque ces petits volatiles trouveraient leur origine, certes lointaine, auprès des énormes dinosaures ! Leur mode de vie, leur reproduction et, bien sûr, leurs toujours aussi mystérieuses migrations se trouvent analysés dans ces pages à la fois accessibles, détaillées et joliment illustrées. La dernière partie, surtout, de l’ouvrage se doit d’être partagée avec le plus grand nombre possible de personnes au risque, un sombre matin, de ne plus voir aucune hirondelle zébrer nos ciels d’été… Un plaidoyer passionné et passionnant qui encourage à la préservation de ces petits oiseaux si familiers et aimant tant partager nos granges, remises et habitations !
		« Faune des villes - 300 espèces qui vivent parmi nous » de Vincent Albouy (Auteur), André Fouquet (Photographies), Relié, 224 p., Éditions Delachaux et Niestlé, 2020. L’épidémie que le monde connaît actuellement donne une nouvelle actualité à la « Faune des villes », titre du dernier ouvrage paru aux éditions Delachaux et Niestlé. Le confinement provoqué par cette crise a, en effet, non seulement conduit nos contemporains à mieux observer ces êtres vivants bien souvent ignorés, mais qui plus est, à remarquer qu’ils profitaient de la situation pour être beaucoup plus visibles. Et que de diversité et découvertes ! « Faune des villes », ce guide écrit par Vincent Albouy, et nourri d’une abondante iconographie grâce aux belles photographies d’André Fouquet, invite justement le lecteur à cette rencontre fascinante, et connaître ces pas moins de 300 espèces qui vivent parmi nous dans nos villes, souvent à notre insu. Comme le souligne Vincent Albouy, les centres urbains les plus bétonnés peuvent paradoxalement accueillir une faune insoupçonnée, même si les dernières décennies démontrent une décroissance notable de leur diversité. Si nos communes commencent à prendre conscience de la nécessité de ne point faucher systématiquement les espaces publics afin d’encourager cette biodiversité, il n’empêche que rares sont devenus de nos jours les friches et terrains vagues qui abondaient il y a encore une trentaine d’années dans nos villes. Ce que l’homme a gagné sur la nature, cette dernière la retranche inexorablement de notre quotidien. Aussi est-il indispensable, notamment pour les futures générations, de sensibiliser le plus grand nombre à cette présence souvent discrète, et néanmoins indispensable. Après avoir rappelé les grands principes indispensables à la préservation et encouragement de la biodiversité - tout à fait accessible au niveau individuel - ce précieux guide dévoile quelles sont précisément ces 300 espèces qui cohabitent, tant bien que mal, avec notre propre espèce. Ce sont tout d’abord les vertébrés bien connus avec les oiseaux, ceux bien familiers, bien entendu, tels nos pigeons, moineaux, canards et autres mouettes, et tant d’autres dont nous ignorons le nom. Mais aussi de plus rares qui s’installent parfois dans nos villes telles la cigogne blanche sur les clochers et les toits, les hérons au bord de nos plans d’eau ou encore ce beau et bleu Martin-Pêcheur d’Europe d’un si joli bleu… Pour chacun, une petite fiche pratique propose une photographie, ses caractéristiques, identification et biologie. Le lecteur pourra dès lors poursuivre son exploration naturaliste en découvrant au fil des chapitres cette étonnante diversité parmi les mammifères et autres vertébrés, puis les invertébrés avec les somptueux papillons, sans oublier les insectes de toute sorte, un fascinant bestiaire observable au seuil de notre porte !
		"Le Guide de l'astronome débutant - Bien commencer dans l'observation du ciel" de Tom Kerss & Radmila Topalovic, Delachaux et Niestlé, 2020. Si la voûte céleste s’offre à la vue de tout à chacun lorsque la pollution lumineuse s’estompe, sa découverte nécessite cependant quelques guides et conseils, au risque de céder trop rapidement au découragement. C’est l’objet de ce petit ouvrage pratique conçu par Tom Kerss et Radmila Topalovic, tous deux astronomes professionnels à l’Observatoire royal de Greenwich. Mais que l’on ne prenne pas peur, nos deux guides ont souhaité proposer un accompagnement des plus clairs et accessibles pour les néophytes comme l’indique le titre de l’ouvrage bénéficiant d’une belle iconographie malgré sa petite taille. Tirant avantage du handicap certain de nos cieux urbains noyés de lumière la nuit, nos auteurs suggèrent justement de faire l’apprentissage dans ce contexte contraignant, avant de se rendre à la campagne ou en montagne où des myriades d’étoiles attendent chaque nuit l’astronome. À l’instar de chaque discipline, une séance d’astronomie ne s’improvise pas - et après avoir rappelé en une précieuse synthèse l’essentiel à connaître du ciel nocturne – ce guide précise dans le détail comment préparer une séance d’observation de manière très pratique. Habituer sa vision à la nuit, savoir distinguer les couleurs des astres et leurs significations, être capable de déchiffrer une carte du ciel et connaître les différentes magnitudes, sans oublier les récents logiciels d’astronomie disponibles sur smartphones et tablettes, c’est tout d’abord « avec les yeux » que les auteurs conseillent de découvrir la voûte céleste. Puis viendront les séances magiques aux jumelles ou mieux encore au télescope qui révéleront le ciel profond, les fameux anneaux de Jupiter, sans oublier Dame Lune, si proche au grossissement de l’objectif que l’on croirait pouvoir la saisir… La deuxième partie propose, enfin, une série d’objets à observer ainsi que différentes cartes saisonnières du ciel en fin d’ouvrage. Un précieux guide à emporter lors de ses découvertes astronomiques à la campagne ou en ville du balcon de son appartement au cœur de la nuit étoilée !
		« Des papillons dans mon jardin - Comment les attirer avec les plantes appropriées » de Bruno P. Kremer, 208 p., Format 15,5 x 22,5, Coll. Les guides du naturaliste, Éditions Delachaux et Niestlé, 2020. Alors que la faune et la flore sont de plus en plus menacées par la pollution et le réchauffement climatique, les lépidoptères - ou papillons dans le langage courant - sont en première ligne des victimes de ces changements. Il devient de plus en plus rare en effet de les observer dans nos jardins et ce n’est que très récemment qu’une prise de conscience a été entreprise afin d’inverser cette tendance et de retrouver ces tableaux multicolores miniatures de nouveau sur les parterres de fleurs qu’ils affectionnent. C’est justement l’objet de ce petit livre informé, véritable guide illustré désireux d’accompagner tout amateur de papillons. L’ouvrage souligne deux points essentiels à respecter afin de favoriser cette présence tant souhaitée : bannir tous traitements chimiques de son jardin et choisir les bonnes plantes dont le nectar attirera sans hésitation ces nobles insectes. L’auteur, Bruno P. Kremer, offre dans cet ouvrage abondamment illustré la démarche à suivre, de manière simple et didactique à partir de 40 papillons fréquentant le plus souvent nos jardins et le choix de 80 plantes permettant de les attirer. La tâche n’apparaît plus aussi complexe après avoir retenu les nombreux et judicieux conseils de l’auteur ; La lecture des trois étapes essentielles au développement de l’espèce aideront à faire les bons choix pour pouvoir observer la chenille, puis la chrysalide, et enfin le papillon dans toute sa splendeur. Quels lieux retenir, quelle architecture florale, les plantes hôtes, les bonnes pratiques comme celle de laisser en paix certains coins du jardin où se cacheront les précieuses chenilles avant la phase de repos… tels sont les nombreux conseils avisés dispensés par l’auteur avant la seconde partie consacrée à la description détaillée des plantes favorisant la venue des papillons dans son jardin, des plantes de toutes les couleurs et pour tous les goûts afin de transformer nos espaces en un enchantement esthétique et vivant, une pratique écoresponsable indispensable à la survie de ces nobles insectes.
		« Papillons des Alpes - 238 espèces de l'arc alpin » de Gianluca Ferretti, Coll. Les guides du naturaliste, Cartonné, 351 p., Editions Delachaux et Niestlé, 2020. Alors que nombre de papillons ont malheureusement déserté nos villes et campagnes en raison de la trop grande pollution, il est des lieux cependant où leur habitat demeure encore – provisoirement ? – préservé, notamment les montagnes des Alpes. Quiconque a eu le plaisir de marcher, grimper ou crapaüter dans les alpages un jour d’été ensoleillé n’a pu qu’en garder un souvenir éblouissant, papillons et fleurs confondant leurs couleurs en un tableau impressionniste… Mais, le guide conçu avec science et pédagogie par Gianluca Ferretti permettra justement de mettre un peu d’ordre dans ces belles impressions, certes, mais demeurant le plus souvent vagues. Il est vrai que les Alpes comptant plus de 200 espèces de lépidoptères, de quoi faire un petit travail de révision sous la houlette de notre guide chevronné Gianluca Ferretti. L’auteur, Milanais de naissance, est en effet un passionné de cette faune de la chaîne alpine qu’il a parcourue de long en large, et par un rigoureux travail, il entend aujourd’hui proposer dans les pages de ce guide très complet une riche synthèse bénéficiant de très belles photographies, certaines même prises sur le vif. Cet ouvrage clair et accessible permettra ainsi aux néophytes de pouvoir identifier très rapidement les principales espèces grâce aux caractéristiques concises et précises rassemblées accompagnées de leurs visuels sur ces 238 espèces de l’arc alpin. Outre ces caractéristiques principales, l’aire de distribution et les périodes des stades de développement exposées permettront également à l’amateur de partir au bon endroit et à la bonne époque à la recherche de ces insectes sous la forme de chenille, chrysalide ou papillon. Le lecteur aura grand intérêt à s’imprégner des premières sections offrant un rapide, mais complet rappel sur la classification des lépidoptères, leur morphologie, cycle de développement, répartition et observation. Cet ouvrage pourra ainsi accompagner d’inoubliables randonnées en montagne pour les grands comme les petits afin d’identifier le plus grand nombre des papillons des Alpes et contribuer ainsi à leur préservation. Un émerveillement infini…
		« La Grotte d’Enlène », Sous la direction de Dr Andreas Pastoors, Robert Begouën et Jean Clottes, In Fine éditions, 2019. Ce magnifique volume, aussi beau que scientifique, vient compléter l’aventure consacrée aux trois cavernes de Volp. Ainsi, après le Sanctuaire secret des Bisons (2009), La Caverne des Trois-Frères (2014), c’est au tour de la grotte d’Enlène de profiter de cette exceptionnelle étude entièrement consacrée à cet habitat magdalénien trop peu connu du grand public. Avec 456 pages et autant d’illustrations, cet ouvrage offre une immersion au sens propre comme figuré dans cet habitat préhistorique unique pour en révéler tous les trésors. Outre la beauté exceptionnelle du site, cette publication est, aussi et surtout, l’occasion grâce à ses auteurs réputés de mieux comprendre le quotidien de ces chasseurs il y a 17 000 ans… C’est, en effet, un véritable travail de bénédictin a été mis en œuvre, un travail minutieux que cet ouvrage recense et détaille page par page. Qu’on en juge ! : Pas moins de 6 000 objets photographiés, sans compter le lithique, quelque 60 000 coordonnées spatiales les plus divers enregistrées, inventaire exhaustif de tout le mobilier présent dans la grotte… Robert Bégouën souligne que cet immense travail qui constitue le plus souvent le quotidien de l’archéologue, fut en ces lieux uniques l’occasion d’admirer et d’apprécier la richesse, l’art et la spiritualité, une occasion exceptionnelle qui devaient animer leurs auteurs. Une splendeur que transmet idéalement ce remarquable ouvrage scientifique par son esthétique soignée qui ravira l’amateur. Accessible tout en offrant une étude précise et approfondie de cette culture magdalénienne, les auteurs ont fait choix de commencer par l’historique d’Enlène depuis sa description en 1805 par Pierre Dardenne. Le rôle essentiel joué par la famille Bégouën, avec ce rare souci de conservation et de préservation des lieux lors des fouilles de 1911 à 1937, est également rappelé par Robert Bégouën. Robert Bégouën qui perpétue cette belle aventure familiale jusqu’à nos jours. Sont ensuite présentées les années de recherches menées de 1970 à 2018, un travail collectif, notamment avec Jean Clottes, en une ambiance familiale assurant le gîte et le couvert des fouilleurs… L’analyse détaillée du site et de son environnement permet de mieux comprendre la complexité de ce labyrinthe réunissant les trois sites des Cavernes du Volp, et dont fait partie la grotte d’Enlène à son extrême Est. Grâce à cette reconstitution exceptionnelle des différents espaces et de leurs artefacts représentatifs, le lecteur aura l’impression de visiter lui-même les lieux, salle après salle et détaillant les différentes zones d’activité préhistoriques. Les photographies qui ont également fait l’objet de tous les soins en remplaçant les appareils photo par les dernières innovations révèlent des détails insoupçonnés comme ces nombreux os fichés dans les fissures de certaines parois et dont la signification reste mystérieuse. L’étonnement saisit le lecteur lorsqu’il comprend que les habitants de ces grottes eurent à cœur de réunir de belles pierres et minéraux qui n’avaient d’autres utilités qu’esthétiques et peut-être magiques, une pratique qui nous rapproche ainsi de ces ancêtres pourtant si éloignés de nous… Les objets décorés quant à eux inscrivent encore plus ces Magdaléniens dans un processus créatif et artistique, allant de la plus simple incision jusqu’à la représentation figurative élaborée. Ce livre incontournable marque une étape essentielle quant à l’étude du site, réunissant toutes les connaissances disponibles, et permettant, ainsi dès à présent, d’ouvrir vers d’autres recherches notamment quant au comportement et usages des Magdaléniens dans ces grottes. Passionnant.
		« La vie des coléoptères d’Europe. », par Denis Richard et Pierre-Olivier d’Europe ; Préface de Vincent Albouy, Éditions Delachaux et Niestlé, 2019. Savez-vous que les coléoptères constituent l’animal le plus nombreux et le plus diversifié habitant la planète avec plus de 450.000 espèces, dont 20.000 en Europe ? Qui ne s’est jamais arrêté pour observer avec étonnement une de ces petites bêtes ? Deux « coléoptéristes », experts scientifiques, Denis Richard et Pierre-Olivier d’Europe, auteurs déjà de nombreux ouvrages en ce domaine, ont eu l’heureuse idée de nous conter avec passion leur vie. Un livre extrêmement bien réalisé ayant pour objectif d’introduire à ce monde fabuleux des coléoptères. Un univers fascinant dans lequel « L’extraordinaire est certainement ce qui caractérise le mieux les coléoptères », souligne Vincent Albouy dans sa préface. Ni encyclopédie ni traité, écartant toute savante exhaustivité, les auteurs ont fait choix de présenter les propriétés essentielles de ce monde vivant et d’en souligner la singularité. Une approche attrayante, réservant une multitude de surprises qui étonneront plus d’un lecteur, sans jamais négliger la rigueur scientifique qu’exige, néanmoins, un tel ouvrage. D’où proviennent leurs coloris ? Pourquoi les verres luisants luisent-ils ? Pourquoi nos scarabées ont-ils des si belles cornes ? Autant de questions que tout à chacun s’est déjà posé et se pose régulièrement observant ce monde des plus fascinants et pourtant souvent bien mal connu ! Afin d’y remédier et de rendre accessibles au plus grand nombre les secrets de cet univers merveilleux des coléoptères, l’ouvrage propose d’en décrypter les comportements et de mieux comprendre leur rôle essentiel dans l’équilibre de notre écosystème, un équilibre aujourd’hui des plus menacés... Végétariens ou prédateurs, le lecteur découvrira aussi leurs modes d’organisation, de défense, de communication ou encore de reproduction. Douze chapitres, richement illustrés de photos couleur, intégrants des encadrés instructifs et ludiques, dans lesquels le monde des coléoptères se dévoile au sein même de leur milieu naturel aquatique ou souterrain… Savez-vous cependant qu’il n’existe pas de coléoptères marins ? Un ouvrage qui intéressera tout autant les entomologistes, naturalistes que tout curieux, fruit d’un minutieux travail mené par Denis richard et Pierre-Olivier d’Europe et largement salué par le monde scientifique et Vincent Albouy : « Grâce à un travail patient et acharné, les auteurs nous offre un livre qui fera date sur la biologie des coléoptères. Il est digne de ceux publiés dans les années 1980 par Roy Crowson en anglais et Renaud Paulian en français, par la qualité et l’accessibilité du texte comme par l’originalité des illustrations. » Après découverte et lecture de ce passionnant ouvrage, ce sera, donc, avec impatience que nous retrouverons, lors des premiers jours du printemps, la coccinelle qui dit le beau temps, le hanneton printanier ou le si majestueux cerf-volant de nos contrées, et bien d’autres coléoptères encore ! Un merveilleux monde aujourd’hui menacé si ne savons le comprendre et le préserver.
		« Comprendre les plantes et les arbres, Forme, diversité, stratégie de survie. », Sous la direction de Stephen Blackmore, Préface de Peter Crane, Éditions Delachaux & Niestlé, 2019. Que faire de mieux en ces temps d’hiver que de préparer nos premières escapades de printemps les premiers rayons de soleil venus ? C’est ce que nous propose avec des pages emplies de merveilles scientifiques cet ouvrage fort complet « Comprendre les plantes et les arbres » aux éditions Delachaux et Niestlé, sous la direction de Stephen Blackmore, botaniste anglais réputé, nommé botaniste de la reine d’Angleterre en Écosse depuis 2010. Un ouvrage extrêmement bien réalisé, à la mise en page claire, livrant dans un langage accessible et concis une multitude de précieuses informations que l’on ignore le plus souvent sur le règne végétal. Un monde fascinant apparu il y plus de 500 millions d’années sous formes d’algues et offrant une diversité étourdissante, des plantes reproductrices de poisson aux plantes urticantes ou carnivores, des mousses microscopiques aux arbres les plus géants ! Le lecteur ne pourra que demeurer stupéfait devant tant de beauté, de complexité et diversité… Après avoir rappelé la morphologie des plantes, répondant ainsi à la question fort simple en apparence, mais à laquelle peu savent répondre - « C’est quoi une plante ? » ou encore « Pourquoi les plantes sont-elles vertes » - ce sont les racines, tiges et troncs qui sont présentés, décortiqués et expliqués. En deux chapitres, le lecteur découvrira avec étonnement le rôle, la dynamique, l’adaptation de ces plantes… qu’il s’agisse de racines enfouies ou aériennes, chacune livre leurs secrets. L’étude des tiges et troncs apportera également son lot de surprises ; Croissance, structures, apport de l’eau, mais aussi les limites de la hauteur, les variétés de tiges. Servi par une très belle iconographie, le chapitre consacré aux feuilles explose de toutes ses couleurs. L’auteur souligne combien « Les feuilles vertes forment la trame de la vie sur terre et en leur sein. L’activité silencieuse de la photosynthèse alimente la majeure partie de cette vie. La photosynthèse est un remarquable exercice de magie chimique… ». Une magie essentielle et source de vie tant pour le règne végétal qu’animal, et donc pour l’homme. Formes, tailles, disposition, couleurs et même transpiration… rien n’échappe à cette étude aussi claire que complète. De nombreux encadrés viennent judicieusement offrir des focus instructifs ou divertissants. Abordant, également la reproduction, puis les cônes et les fleurs, c’est un incroyable royaume de formes et couleurs qui s’ouvre alors au lecteur. Que de diversité et ravissements ! Parfum, couleur, nectar qui donneront naissance aux graines et aux fruits, apparitions, développement, conservations y sont abordés. L’auteur a fait choix, enfin, de clore ce bel et riche ouvrage par un dernier chapitre consacré à « L’homme et les plantes », conservation, comestibilité, et surtout « La préservation de la diversité végétale », une préservation plus qu’urgente dont dépend non seulement la survie du monde végétal, mais aussi du règne animal, y compris de l’Homme. Un ouvrage, célébrant toute la beauté du monde végétal, aussi scientifique et encyclopédique qu’accessible, une merveille de réussite !
		« Légendes de serpents. », Textes et photographies de Françoise Serre Collet, Éditions Delachaux et Niestlé, 2019. « Quels sont ces serpents qui sifflent sur nos têtes… » Ce pourrait bien être ceux de ces belles « Légendes de serpents » que nous propose aujourd’hui Françoise Serre Collet aux éditions Delachaux et Niestlé. Un ouvrage fort documenté et passionnant qui se laisse approcher, apprivoisé sans danger avec un rare bonheur. Rien d’étonnant à cela puisque Françoise Serre Collet est une herpétologue réputée, auteur déjà de nombreux ouvrages sur les reptiles, grenouilles ou encore salamandres. Autant dire que les serpents n’ont pour elle guère de secret. Et ce sont ces mille et un secrets que nous dévoile cet ouvrage sur plus de 250 pages. Souvent redoutés, assimilés au mal et donc mal aimés, il n’en a cependant pas toujours été ainsi ; Bernard Le Garff, qui signe la préface de l’ouvrage, relève qu’ « Avec nos yeux d’Européens du XXIe siècle, on serait tenté de croire que cette phobie est universelle et a toujours existé. Or – souligne-t-il – elle est très spécifique de notre civilisation occidentale et relativement récente ». On songe, effectivement, au fameux serpent d’Esculape, serpent au pouvoir guérisseur qui se glissa jusqu’à Rome. De même, encore aujourd’hui, le venin de serpent est utilisé en pharmacopée… Mais, Bernard Le Garff souligne encore combien « les serpents ont le triste privilège d’être les plus mal aimés du règne animal ». Les serpents, il est vrai, ont toujours fasciné, et ce depuis les temps les plus anciens. Présents dans la mythologie, on les retrouve dans quasiment toutes les religions, vénérés ou relégués au royaume du mal. Très représentés dans l’iconographie médiévale, ils ont toujours hanté les contes et légendes avant que la littérature ou le cinéma plus récemment, ne les convoquent… Et les Viperidés, Élapidés, Colubridés, Pythonidés ou encore Boïdés habitent, encore de nos jours, sans que l’on ne les connaisse précisément, bien des songes… Fort de sa puissance évocatrice, le serpent fut même investi depuis toujours d’un vigoureux pouvoir symbolique. Qui plus est, capable de changer de peau, l’image du serpent s’est bien souvent métamorphosée, et il n’est pas rare ainsi de les retrouver dans la mythologie ou les légendes en créatures hybrides chimériques fort étranges ; Mais, par ces instructives et merveilleuses pages, le basilic, l’Ouroboros ou encore le Tatzelwurm, n’auront plus de secret pour le lecteur… Ouvrage écrit et réalisé scientifiquement, l’ouvrage permettra aussi de ne plus mettre tous les serpents, nos serpents, dans le même panier, et de savoir les différencier ; ce qui peut être bien utile et évitera de tuer pour rien une inoffensive couleuvre. Appuyé d’une belle et riche iconographie, dont l’auteur signe les photographies, ce sont tous ces pouvoirs, forces et facettes de ce fabuleux et fascinant animal, le serpent, que l’ouvrage aborde et déroule de chapitre en chapitre. Et après lecture, il faut avouer, que Françoise Serre Collet pourrait bien être une redoutable charmeuse de serpents !
		Serge Hamon « L’odyssée des plantes sauvages et cultivées - Révolutions d’hier et défis de demain », Editions Quae, 2019. À l’heure de la biodiversité et de la prise en compte des méfaits de l’activité humaine sur l'écosystème soulignés par le terme Anthropocène, l’ouvrage de Serge Hamon publié aux éditions Quae offrira une réflexion non seulement précieuse mais également enrichissante par son style accessible au plus grand nombre. L’auteur, généticien à l’IRD et spécialiste de la diversité et de l’adaptation des plantes invite son lecteur à explorer en effet notre rapport au végétal et à ces liens souvent intimes unissant les plantes et l’homme à commencer par la nourriture, mais aussi la santé, les matériaux… Sans plantes, pas d’oxygène, faut-il le rappeler ! Le point de départ est donc vital. Nous suivons ainsi cette extraordinaire odyssée des plantes que l’auteur nous révèle avec un talent didactique indéniable jusqu’à cette étape cruciale de la génétique avec la génomique qui pour la première fois dans l’humanité fait entrer le scientifique au cœur de ce qui constitue chaque plante. Des navigateurs rapportant dans la vieille Europe des plantes aujourd’hui considérées comme communes jusqu’à l’agrobiodiversité contemporaine, que de chemins parcourus par ces compagnes de l’homme. C’est dans la seconde partie de l’ouvrage que se situent les principaux défis pour l’homme dans son rapport au végétal, qu’il s’agisse de l’emprise génétique, mais aussi des changements climatiques sans oublier les nombreuses questions soulevées par la dégradation environnementale. Le lecteur y trouvera tous les éléments nécessaires à une meilleure compréhension des défis qui attendent notre planète et le monde végétal.
		François Lasserre et Gilles Macagno : « Les super pouvoirs des petites bêtes », Éditions Delachaux et Niestlé, 2019. « Les super pouvoirs des petites bêtes » est un petit ouvrage fourmillant de mille et une choses extraordinaires sur les insectes. Ces derniers sont nombreux et variés sur terre, mais avouons que nous ne savons souvent bien peu de chose d’eux ; quelques noms familiers que nous croisons dans notre environnement, quelques espèces que nous trouvons belles, surprenantes, parfois même un peu effrayantes, nous nous inquiétons aussi pour certaines de leur possible disparition, mais après ? Et si nous commencions par les connaître un peu mieux ? C’est à cette tache que se sont attelés les auteurs de ce fabuleux petit livre, François Lasserre et Gilles Macagno. Ces derniers, enseignant et professeur, tous deux très impliqués dans l’environnement et les sciences de la nature, n’en sont pas à leur premier coup de maître. Mais, ils fascineront, une nouvelle fois, tout autant petits et grands, avec ce dernier ouvrage aussi charmant qu’avenant, aux dessins et au style non dénués d’humour, et aux insolites connaissances… Sait-on par exemple que certaines fourmis sont des agricultrices chevronnées sachant avec science cultiver des champignons ? Et les amateurs gourmands de miel de sapin savent-ils que ce miel si goûteux est en vrai un miel de crottes de moucherons ? De même, savez-vous pourquoi nous ne sentons jamais un taon sur nous avant que cette « sale bestiole » ne nous pique ? Mais n’allons pas trop vite en qualificatifs, le lecteur découvrira aussi que certains moustiques – certes pas nécessairement ceux de nos contrées et chaudes nuits d’été, sont d’une rare beauté, « une forme animale » que n’aurait très probablement pas reniée Adolf Portmann. Un ouvrage passionnant à partager !

SPORT & SANTE		« La Méthode Gérald » par Gérald Michiara, 3 volumes, Editions DDB, 2025. Gérald Michiara sait de quoi il parle lorsqu’il nous propose - à partir de trois ouvrages tirés de son expérience personnelle et professionnelle - de « Se remettre en forme après 40 ans », d’ « Améliorer sa performance sportive » et de « Maîtriser les techniques de combat et d’autodéfense ». L’auteur est en effet militaire dans la célèbre Légion étrangère ainsi qu’un athlète multisport éprouvé. Sa notoriété sur les réseaux sociaux sous le pseudo de Major Gérald est venue asseoir sa popularité avec un grand nombre de vidéos accessibles sur la chaine Youtube de la Légion. C’est cette expérience que nous propose de partager Gérald Michiara dans ces trois ouvrages venant de paraître aux éditions DBS, trois méthodes à la fois détaillées et accessibles au plus grand nombre, malgré le palmarès et le gabarit imposant de leur auteur… Car notre Major Gérald ne cherche pas à jouer les gros bras – à l’image de la plupart des personnes sûres de leur force ! Dans « Se remettre en forme après 40 ans », il confie même humblement avoir lui-même connu des blessures musculaires lui interdisant d’ouvrir une porte, sans parler du terrible constat d’arthrose avancée au niveau des cervicales à presque 50 ans… Retrouver la forme et la force est un parcours du combattant de tous les jours que l’auteur connaît donc bien pour l’avoir arpenté de long en large et parfois dans la douleur. Aussi nous fait-il partager son expérience à partir d’une méthode éprouvée, repartant pour ainsi dire de zéro, soit après une longue inactivité de sédentaire, soit après une blessure. 6 semaines sont proposées, avec une progressivité mesurée et surtout raisonnable afin d’éviter l’écueil de l’abandon. Notre mentor nous prend en main, depuis l’échauffement primordial jusqu’aux fameuses pompes dont il nous dévoile toutes les variantes, sans oublier le gainage et autres exercices avec pour seul matériel le poids du corps et l’aide d’une sangle dans certains cas. Cet ouvrage, vite indispensable, sera à compléter idéalement par le deuxième guide « Améliorer sa performance sportive » ; une méthode également conçue sur 6 semaines et dont l’objectif est de briser la monotonie de l’entraînement et la stagnation qui en résulte la plupart du temps. Ce programme intensif aidera non seulement à reprendre confiance en soi, mais également grâce à une combinaison d’exercices de musculation et de courses à dynamiser le corps pour améliorer l’explosivité, la puissance et la force. Enfin, et en raison de la qualification professionnelle de l’auteur, le troisième ouvrage intéressera celles et ceux souhaitant apprendre les rudiments des gestes d’autodéfense indispensables en cas d’agression, une manière d’anticiper en cas d’imprévu, même si, bien entendu, dans ce dernier domaine, la pratique sur le terrain de ces mouvements demeure indispensable. A relever : chaque ouvrage abondamment illustré est complété d’une série de liens vers des vidéos inédites de l’auteur.
		« Le grand livre du Pilates » de Lynne Robinson , Nathan Gardner et Lisa Bradshaw, Collection Hors collection bien-être, Mango Editions, 2024. « Le grand livre du Pilates » porte bien son titre, et ce, au sens propre comme au figuré. Au sens propre puisque cette somme de plus de 200 pages avec son format généreux (28,5 x 23,5 cm) présente dans le détail cette discipline en vogue depuis de nombreuses années qu’est le Pilates. Les auteurs sont les ambassadeurs de choix de cette pratique permettant de retrouver forme et tonicité du corps à partir d’exercices accessibles à la plupart des pratiquants. Au sens figuré, enfin, dans la mesure où cette somme repose sur des principes fondamentaux de la pratique du Pilates rappelés dans le détail dans un premier chapitre ; une pratique visant à allier concentration, relaxation, alignement du corps, respiration, centrage, coordination, fluidité des mouvements et endurance. Fort de l’héritage laissé par son fondateur, Joseph Pilates au siècle passé, les auteurs entendent partager ce legs de manière accessible et pratique à partir de différentes approches de programmes au sol, du niveau débutant – indispensable à la bonne compréhension des mouvements – jusqu’au niveau avancé, beaucoup plus technique. Chaque étape de progression est méticuleusement détaillée, à l’aide de conseils et de photos permettant de mieux intégrer les mouvements. Objectifs de l’exercice, position de départ, déroulement et points de repère sont rappelés de manière didactique sur chaque page consacrée aux différents exercices. Enfin, cette bible du Pilates rappelle, en dernier lieu, le matériel nécessaire à sa pratique, un matériel somme toute assez minimaliste permettant ainsi d’en élargir encore sa pratique au plus grand nombre.
		« Le Petit Larousse de L’herboristerie » de Carole Minker, Editions Larousse, 2024. C’est un livre aussi pratique qu’esthétique que nous proposent avec « Le Petit Larousse de L’herboristerie » les éditions du même nom. Une somme de plus de 400 pages regroupant pas moins de 130 maladies courantes pouvant être soignées avec un panier de 100 plantes médicinales. L’auteur, Carole Minker, Docteur en pharmacie et en pharmacognosie, cultive pour ses lecteurs en ces pages agréablement illustrées un véritable jardin des simples regorgeant de conseils pratiques. Extrêmement bien organisé, l’ouvrage regroupe ainsi dans une première partie les troubles les plus courants : affections articulaires, osseuses et musculaires ; fatigue ; problèmes de poids, etc. Maladies saisonnières ou chroniques, maux ou petits bobos du quotidien, chacun y retrouvera l’affection, trouble ou problème médical qui le préoccupe. L’auteur propose plusieurs remèdes en phytothérapie-herboristerie, aromathérapie, gemmothérapie ou encore argilothérapie, algothérapie, apithérapie … Des remèdes accompagnés de recommandations quant aux précautions d’emploi, mais aussi quant à la posologie et durée du traitement préconisé. L’auteur suggérant également conseils nutritionnels, d’hygiène de vie et recettes (infusions, décoctions, onguents, etc.). Dans une seconde partie, les plus curieux découvriront une centaine de plantes rangées selon un ordre pratique chronologique ; arnica, bluet, eucalyptus… ; 100 plantes accompagnées de leur description, leurs usages et précautions d’emploi (cet ouvrage ne remplaçant pas une consultation médicale). Des pages pour approfondir agréablement ses connaissances en herboristerie ! Un ouvrage incontournable et précieux .
		Kristina Campbell : « Prendre soin de son intestin », Coll. « Pour les Nuls », Editions First, 2024. Voici un ouvrage bien précieux, qui ne promet pas pour une fois des miracles en ce domaine, mais fait - bien plus judicieusement, le point sur un sujet toujours sensible : la santé de notre intestin. À partir de sa propre expérience, Kristina Campbell synthétise et rend accessible en un ouvrage clair et complet l’état des connaissances sur le microbiote intestinal et la santé digestive. Organiser selon la logique de la fameuse collection « Pour les Nuls », cet ouvrage rappelle au préalable le fonctionnement du système digestif et les raisons pour lesquelles son bon état conditionne la santé de l’organisme en son entier. Point de théories inaccessibles, mais des explications claires sur les liens entre santé intestinale et santé globale. La deuxième partie s’attache à identifier les troubles digestifs – sans se substituer au médecin. Mais ce sont surtout les dernières parties de cette somme qui apparaîtront très utiles au lecteur souffrant d’inconforts chroniques des intestins en repensant non seulement sa diététique, mais aussi de manière plus générale son mode de vie en termes d’hygiène. Ce dernier point fait l’objet de recommandations précieuses et pleines de bon sens, laissant de côté toute approche fantaisiste. La part du mental ainsi que l’activité physique complètent idéalement l’ouvrage.
		Dr Frédéric Saldmann : « Le Meilleur Médicament, c'est vous ! », Nouvelle édition révisée, Editions Albin Michel, 2024. Le Dr Frédéric Saldmann convie, une nouvelle fois, le lecteur à être le principal acteur de sa santé à partir de recommandations à la fois scientifiques et de bon sens pour cette nouvelle édition entièrement revue et parue aux éditions Albin Michel. Cardiologue et nutritionniste, Frédéric Saldmann part en effet du postulat - souvent oublié par les « recettes magiques», que notre corps est la donnée essentielle de notre santé et de nos guérisons, d’où le titre de l’ouvrage : « Le Meilleur Médicament, c'est vous ! ». C’est à un véritable accompagnement pour être en meilleure santé et guérir par soi-même auquel convie en effet le médecin à partir de méthodes naturelles et éprouvées, sans automédication pour autant. La prévention est bien entendu au cœur de cet ouvrage, notamment sur le plan déterminant de l’alimentation dont les dangers sont soulignés dans ces pages pratiques, mais aussi quant à la dynamisation de l’organisme avec l’activité physique. Qu’il s’agisse du repos avec la question de plus en plus épineuse du sommeil, des allergies, des troubles du transit ou encore du stress et de la déprime, cet ouvrage fourmille de conseils pratiques et avisés, aisément applicables dans notre vie quotidienne. L’auteur invite son lecteur à une vie de bon sens dans cette gestion quotidienne de sa santé, n’hésitant pas à aborder dans le dernier chapitre des points rarement évoqués comme le magnétisme, la clairvoyance ou encore les guérisons miraculeuses, en une démarche sans tabous.
		« Ma bible de l'alimentation santé » de Laetitia Proust-Millon et Alix Lefief-Delcourt, Collection « Ma Bible », Editions Leduc. Avec cet ouvrage « Ma bible de l’alimentation santé », les auteurs - diététicienne et spécialiste de l’alimentation - mettent à la disposition du lecteur une somme quasi exhaustive sur l’alimentation analysée tout spécialement dans l’optique de réduire les multiples inflammations causées par des déséquilibres. Dès le début de l’ouvrage, nous réalisons en effet combien l’alimentation « moderne » est la cause de multiples désordres dus à des aliments trop transformés, salés et ou sucrés. En exposant les conséquences d’un tel déséquilibre sur nos articulations et système digestif, l’ouvrage propose de repartir sur des bases saines et naturelles en apprenant la valeur des aliments qui permettront d’inverser cette tendance inflammatoire et de retrouver un équilibre grâce aux nombreux conseils prodigués. Quels sont les aliments à retenir ? Quels sont leurs propriétés et nombreux bienfaits ? Comment déjouer les pièges que nous tend la grande distribution et privilégier des aliments à cuisiner soi-même ? Tels sont les thèmes abordés dans cette véritable bible que le lecteur aura tout intérêt à garder dans sa cuisine puisque la deuxième partie propose plus de 170 recettes saines et gourmandes permettant de redécouvrir le plaisir de cuisiner et de déguster seul, en famille ou entre amis une alimentation saine pour notre santé !
		Laurent Meseguer : « Gagne ! », Editions Eclevia, 2023. « Gagne ! » est un impératif bien compris auquel nous convie l’ancien champion de judo et préparateur mental, Laurent Meseguer, dans cet ouvrage paru aux éditions Eclevia. L’auteur connaît en effet mieux que quiconque les arcanes de la préparation physique et mentale pour avoir lui-même gravi les marches du succès. Avec cet ouvrage, c’est un véritable préparateur mental qui accompagnera le lecteur, page après page, alternant entre vision d’ensemble et conseils des plus pratiques. Un livre qui s’adresse aussi bien au monde sportif, de l’entreprise ou individuel. Dès les premières pages, nous réalisons en effet qu’une véritable passion anime l’auteur dont la maxime - qu’il nous encourage d’ailleurs à formuler pour nous-mêmes - est « J’optimise le potentiel des personnes ! ». Ce quasi-mantra s’observe d’ailleurs au fil des chapitres en une progression à la fois logique et ouverte à toute la richesse de la matière humaine. Avec Laurent Meseguer, chaque individu possède une personnalité propre, avec son vécu, ses failles et forces, nulle recette magique et plan préétabli. Les premiers chapitres convient le lecteur – qu’il soit sportif de haut niveau, amateur, voire même pas sportif du tout ! – à déterminer son objectif à l’aide d’une grille éprouvée permettant d’éviter de s’égarer avec des formulations trop vagues, genre résolutions de début d’année… Mais déterminer un objectif aussi précis et réaliste soit-il ne suffit pas, aussi l’auteur nous encourage à mieux nous connaître afin de mieux percevoir les qualités qui nous aideront à parcourir ce long chemin avant la réussite, mais aussi à discerner les failles qui nous attendent et qui souvent viennent de nous-mêmes. Un plan d’action, la gestion de son stress, se forger un mental d’acier en travaillant avec des outils très concrets son état d’esprit, rien n’est laissé au hasard dans cet ouvrage réaliste et inspirant que tout à un chacun devrait garder à portée de main.
		« Votre avenir sur ordonnance » du Dr Frédéric Saldmann, 320 p., 15,3 x 24 cm, Robert Laffont éditions, 2024. Voici un ouvrage qui se doit d’être prescrit sans ordonnances pour éviter bien des soucis ! Le docteur Frédéric Saldmann convie en effet ses lecteurs à redécouvrir les principes traditionnels de la santé, des principes reposant sur le bon sens et surtout l’écoute de son corps que l’on oublie si souvent. À la fois informé et accessible, sérieux et ponctué d’humour, l’ouvrage de Frédéric Saldmann foisonne de conseils allant de la tête (cerveau si important à entretenir) aux pieds… C’est à une révolution de notre santé à laquelle invite le médecin qui donne la priorité à la prévention par le sommeil redécouvert et une alimentation repensée selon les règles les plus naturelles qui soient. L’ouvrage n’écarte pas pour autant les avancées de la science et fait état des dernières découvertes qui nous promettent des années de longévité… Reste que c’est ici et maintenant qui importe pour le docteur Saldmann, ce dernier nous enjoignant de ne pas perdre des années précieuses et de préparer dès aujourd’hui notre santé de demain ! Une voie rigoureuse, mais néanmoins accessible et rigoureuse pour retrouver et conserver la santé.
		Henri Leconte : « balles neuves », Éditions Marabout, 2023. Avec « Balles neuves », le célèbre joueur de tennis français, Henri Leconte, nous ouvre son cœur pour cet essai débridé. L’homme s’est assagi même si la passion transparaît régulièrement au fil des pages pour cette âme sensible, à fleur de peau et trop souvent incomprise. Si, depuis, Henri Leconte a bien réfléchi sur la place des vedettes et le rôle souvent trop excessif supporté par de jeunes personnes non formées à cet effet, il demeure que cela n’enlève pas toutes les blessures qui peuvent émailler un parcours pourtant prestigieux, finaliste de Roland Garros, 5e joueur mondial et vainqueur de la Coupe Davis en 1991… L’homme, une fois de plus généreusement, nous fait partager ses victoires et ses blessures, ses instants de doute et de remise en question qui profiteront à tout à chacun tant ce témoignage se veut sans fards et direct. C’est la sérénité qui dorénavant guide cet homme qui ne renie rien de son passé même si - en grand joueur – il a su profiter de ses erreurs et en tirer des enseignements qu’il nous livre et qui pourront être suivis avec profit. Henri Leconte continue de nous faire vibrer dans ces pages d’une rare sincérité, axées sur la résilience et la bienveillance qui le portent aujourd’hui vers d’autres horizons où cependant la petite balle jaune n’est jamais très loin ! Un témoignage inspirant qui dépasse largement la cible des passionnés du tennis.
		« Manuel ultime de musculation - Connaissances scientifiques et méthodologie » de Christophe POURCELOT, Didier REISS, Frédéric CAVERNE et Yoann ALBIGNAC, Amphora éditions, 2023. Nous sommes bien loin avec ce « Manuel ultime de musculation » des ouvrages publiés il y a quelques décennies dispensant quelques programmes à partir d’exercices plus ou moins efficaces. C’est à une véritable science de l’entraînement musculaire à laquelle nous convient, en effet, les auteurs – dont Christophe Pourcelot déjà présenté dans ces colonnes - de cette somme impressionnante de 448 pages et près de 1,5 kg ! En ces pages est réuni l’essentiel des connaissances scientifiques et pratiques sur la musculation à partir des dernières recherches en la matière. Le lecteur aura grand profit à intégrer la première partie assez ardue mais indispensable– oui, la muscu c’est également solliciter son cerveau ! – à la compréhension du corps humain, de la force, hypertrophie et endurance. La deuxième partie permettra ensuite de planifier idéalement son entraînement en fonction de ses priorités (jeunes, santé, force, etc.) alors que la troisième partie offre dans le détail une véritable méthodologie quant à la pratique de la musculation. L’ouvrage va dans le sens d’un entraînement aussi fréquent que possible, un entraînement intensif et selon une exécution parfaite techniquement et en amplitude maximale (entendu comme degré articulaire) dans la mesure du possible, une notion très importante rangée sous l’acronyme ROM (Range of Motion). Tout est abordé dans ce précieux ouvrage avec 70 repères méthodologiques structurés à partir de trois volets : la force, la masse et l’endurance de force. Un manuel incontournable et indispensable à la compréhension et à la bonne pratique de la musculation.
		Pr Henri Joyeux et Jean Joyeux : « Centenaire et en pleine forme - Bien respirer, bien voir, bien entendre » ; Préface d’Edgar Morin, Editions du Rocher, 2023. C’est un centenaire alerte qui signe la préface de cet ouvrage en la personne du célèbre penseur Edgar Morin ; Il est vrai que ce dernier, après avoir dépassé le seuil symbolique du siècle, affiche une forme intellectuelle toujours éclatante et impressionnante ! Le professeur Henri Joyeux et son fils, Jean, lui-même talentueux nutritionniste, insistent dans ces pages, à la fois accessibles et très complètes, sur le fait qu’un âge avancé de qualité se prépare à l’avance par des pratiques saines et sur le long cours. Le lecteur sera ainsi surpris parfois des conseils pourtant simples et souvent négligés telles l’importance d’une mastication lente et soignée, ou encore celle d’une respiration profonde et de qualité sans oublier la place tenue par le contrôle de l’audition ou encore de la vue. Ces sens qui constituent notre quotidien s’altèrent inexorablement avec le temps et accélérent ainsi la dégénérescence du corps avec le poids des années. Si le vieillissement demeure encore incontournable, il est cependant possible, insistent les Professeurs Henri et Jean Joyeux, d’en ralentir le cours par des pratiques d’hygiène que rappelle cet ouvrage. La nutrition apparaîtra avec la respiration et l’hydratation au cœur des priorités, l’adage bien connu « creuser sa tombe avec ses dents » n’étant pas un vain mot. Nul besoin de supplémentations complexes ou couteuses mais une nutrition saine et équilibrée. Les conseils donnés par nos deux professeurs, Henri et Jean Joyeux, abondent et permettront à chaque lecteur – jeune ou moins jeune – de préparer avec connaissance et lucidité ses futures années afin de conserver le plus longtemps possible le lien social et le plein usage de ses sens. Un ouvrage dont les conseils devraient figurer au sein de toute éducation et à conseiller au plus grand nombre !
		« Tiens-toi droit !? » d’Antoine Couly et Olivia Ferrand ; Broché, 208 pages – 18,8 x 24 cm, Éditions Flammarion, 2022. Voici un ouvrage décapant, dans tous les sens du terme. Les auteurs, tous deux praticiens (masseur-kinésithérapeute et ostéopathe) s’attaquent en effet dans cet ouvrage non dénué d’humour à un grand nombre d’idées reçues, 50 en l’espèce, sur notre forme et notre dos. S’appuyant sur un grand nombre d’études scientifiques comparées et soumises au filtre d’une expérience en cabinet, Antoine Couly et Olivia Ferrand passent en revue chaque thématique de manière critique en relevant ce qui s’avère du mythe pur et simple ou de l’assertion avérée selon les cas. Le propos est clair, argumenté et repose sur une ligne directrice : la position et l’attitude à privilégier demeurent liées à chaque personne et à sa propre histoire, plutôt qu’aux diktats souvent trompeurs. Le lecteur s’étonnera ainsi de lire qu’une position avachie n’est pas forcément à bannir pour le dos, que plier les genoux pour soulever une petite charge (- de 15 kg) n’est pas toujours indispensable, bien des idées reçues qui ne résistent pas selon les auteurs à l’expérience des multiples consultations en cabinet, le mal de dos étant le « mal du siècle » selon l’expression convenue… L’attitude primordiale sera donc de maintenir à tout prix le mouvement et une activité suffisante pour que les chaines musculaires et tendineuses soient régulièrement sollicitées et puissent contribuer au renouvellement des cartilages et tissus. Pour remettre en question un grand nombre d’idées reçues et réapprendre à être à l’écoute de son corps et de ses douleurs en concertation avec son praticien si nécessaire, la lecture de cet ouvrage dynamique et sans complexe sera conseillée !
		« Diététique de la musculation - Masse, force, perte de graisse, santé, performance » de Frédéric MOMPO et Olivia MEEUS ; Nouvelle édition augmentée, 272 p. 21 x 24, Éditions Amphora, 2021. Classique parmi les ouvrages de diététique sportive, « Diététique de la musculation » fort de son succès a fait l’objet d’une nouvelle édition augmentée chez Amphora. Cet ouvrage qui offre les bases, et plus encore, de l’alimentation du sportif s’avère être en effet une mine incontournable pour celles et ceux souhaitant s’entraîner dans les meilleures conditions. On oublie trop souvent que le meilleur des entrainements peut être ruiné par une mauvaise alimentation, de nombreux entraîneurs n’hésitant pas à dire que celle-ci compte pour plus de 80 % de la réussite… Or, une alimentation équilibrée et adaptée au sport, à l’âge et aux caractéristiques de chaque individu ne s’improvise pas ainsi qu’il résulte de la lecture de cet ouvrage passionnant et documenté. Ces principes ne sont pas empiriques mais imposent le respect et la connaissance de règles rappelées dans ces pages abondamment illustrées. Olivia Meeus, diététicienne nutritionniste, et Frédéric MOMPO, entraîneur national de culturisme et préparateur physique, ont ainsi réuni leurs savoirs pour composer cette bible de la diététique du sportif. Nul gavage désordonné comme cela se pratique malheureusement encore trop souvent dans certaines disciplines mais une conduite rationnelle et progressive pour garder en fil directeur l’idéal premier du sportif : la santé. Qu’il s’agisse de prendre en masse, de perdre quelques kilos, d’adapter son alimentation pour certaines disciplines exigeantes comme le triathlon ou le marathon, ces pages offrent toutes les conduites à tenir et personnalisables. Les dimensions que ce soit végétarienne ou végane ont même été prises en compte, une mise à jour à saleur dans le domaine sportif ! Cet ouvrage demeurera de nombreuses années encore un classique à recommander aux sportifs
VIE PRATIQUE		« Venise – L’Atlas Secret » de Thomas Jonglez, Paola Zoffoli et Irène Galifi, Editions Jonglez, 2024. À celles et ceux qui pensaient bien connaître la Sérénissime, cet Atlas Secret de Venise leur est assurément destiné ! Les lieux incontournables de la Cité des Doges sont bien connus et souvent évoqués dans nos colonnes, mais l’ouvrage concocté par Thomas Jonglez, Paola Zoffoli et Irène Galifi révèlera cependant plus d’un trésor insoupçonné au visiteur occasionnel ou régulier de Venise. Ces lieux insolites sont pourtant accessibles, libre à nous de les découvrir après avoir refermé ce guide enchanteur servi par une abondante iconographie, prémices du voyage à venir… Observer le paysage urbain, s’imprégner de l’atmosphère de la ville qui ne se résume pas – tant s’en faut – aux traditionnels clichés du Rialto ou de la Piazza San Marco. Venise exige quelque peu du temps et de l’attention, et si le dernier critère est facilité par ces pages nourries de découvertes abondantes, il sera néanmoins indispensable d’ouvrir grand nos sens à ces lieux méconnus de Venise. La ville, on le sait, est divisée en quartiers, ou sestieri, et l’ouvrage révèle pour chacun d’entre eux des trésors souvent ignorés des visiteurs même des plus audacieux ou avertis, qu’il s’agisse de ce losange de porphyre de l’atrium de la basilique Saint-Marc pourtant si souvent parcourue ou de ces vestiges sis dans le quartier Santa Croce du Casino Tron, témoins vibrants des fastes d’antan au XVIIIe s. Chaque découverte est accompagnée d’un texte à la fois complet et concis, permettant d’aller à l’essentiel et de solliciter notre imagination chère à nos auteurs-guides. Pour chacune de ces entrées inspirantes, une ou plusieurs illustrations permettront de s’évader instantanément en ces lieux improbables et pourtant bien réels, ainsi que le démontre cette étude initiatique du plafond de la salle du Chapitre de la pourtant bien connue Scuola Grande di San Rocco, fameuse pour ses précieux Tintoret… Une évocation sensible et inspirante de la Cité des Doges à emporter avec soi pour son prochain voyage. À noter dans la même collection, la parution de l’Atlas Secret consacré également à la ville de Paris.
		« Là où le riz sent les fleurs de manguier - Mes recettes familiales du sud-ouest de l'Inde » Zuri CAMILLE DE SOUZA, 192 pages, Format : 18 x 23,5 cm, Ulmer éditions, 2024. C’est à un merveilleux voyage des sens auquel nous convie cet ouvrage signé Zuri Camille de Souza. Ses recettes familiales confiées de manière esthétique et poétique constituent bien plus qu’un livre pratique, mais bien une ode aux multiples saveurs de l’Inde. Nous atterrirons en effet dans le sud-ouest de l’Inde pour emprunter des chemins inédits où les épices qui ont fait la réputation de ce continent rivalisent avec les plus belles photographies aux couleurs miellées… La cuisine de l’auteur ouvre directement sur des mets singuliers qui, dès le petit-déjeuner, ravissent le palais autant qu’ils surprennent nos sens. Gâteaux et friandises sustentent dès le matin petits et grands, semoule d’épeautre sucrée au safran, Baath à la noix de coco ou encore ces Jeera biscuits. Zuri Camille de Souza offre avec ses recettes non seulement une manière originale d’aborder la cuisine indienne, mais invite également le lecteur à s’immerger dans la culture de son pays. Galette à la farine de riz, Curry de Goa à l’anis, salades aussi belles que savoureuses enchantent ces pages rythmées des plus belles scènes du quotidien de l’Inde. Un ouvrage assurément et savoureusement dépaysant !
		Mélanie et Arnaud Mathez : « Le Jardin sucré », Editions Albin Michel, 2024. C’est une savoureuse excursion au pays des gourmands et gourmets que proposent Mélanie et Arnaud Mathez avec ce premier ouvrage : « Le Jardin sucré ». Ce couple, champions de France de macarons, livre en effet dans ces pages plus tentatrices les unes que les autres des recettes accessibles, à toutes les saisons et pour tous les goûts, certaines très peu sucrées, d’autres encore sans gluten. Le lecteur y retrouvera, bien sûr, leurs desserts signatures, ceux ayant fait leur renommée et que Mélanie et Arnaud proposent dans leurs boutiques parisiennes ou à Cernay-la-Ville dans les Yvelines, notamment leur si fameuse tarte pistache et fleur d’oranger saluée par le chef Pierre Hermé. Très joliment illustrées par les photographies de Guillaume Czerw, rangées selon les quatre saisons, ce ne sont pas moins de 40 recettes de desserts privilégiant les terroirs français qui sont, ici, explicitées avec pour les textes la collaboration d’Hélène Luzin. Comment résister ?!
		« Recettes asiatiques sans bla bla », Editions Larousse, 2024. Envie d’un Chirashi de saumon, d’un Ramen végétarien ou encore de Yakisobas ? Ce sera chose aisée avec l’ouvrage « Recettes asiatiques sans Bla Bla » qui vient de paraître aux éditions Larousse. 100 recettes précisément venant d’Asie y ont été réunies sur deux critères : leurs saveurs et leur facilité à concocter. Chaque recette fait en effet l’objet d’un descriptif plus que détaillé, étape par étape et en images ! Impossible de se tromper avec cet accompagnement pédagogique même pour les plus réfractaires au fourneau… Variées et succulentes, ces recettes qui mettront sur chaque table toutes les saveurs venues d’Asie sont présentées et organisées pour plus de facilité encore en sections thématiques : viandes, poissons et fruits de mer, végétariens, desserts. Rapidité et efficacité sont au cœur de cette centaine de recettes la plupart du temps réalisables en moins de 30 min en toute simplicité. Brochettes satay, soupe aux wontons, canard laqué comme à Pékin, raviolis aux légumes, la liste ne donnera qu’une seule envie : prendre son tablier et réaliser chacune d’entre elles, page après page !
		« 100 recettes à sauver » de Julie Andrieu, éditions Albin Michel, 2024. Julie Andrieu, bien connue pour ses émissions de télévision, voue pour la cuisine une véritable passion. Pour cet ouvrage, elle a choisi de partager une sélection de recettes simples et emblématiques de la cuisine française et internationale. Le critère retenu ? Leur authenticité et valeur patrimoniale, le but poursuivi par l’auteur étant de préserver et transmettre des plats parfois oubliés ou en voie de disparition, avec une touche de modernité pour s'adapter aux cuisines et exigences nutritionnelles d'aujourd'hui. Les trésors culinaires de nos régions ont en effet malheureusement tendance à disparaître de nos cuisines en raison de la mondialisation et d’un manque de temps croissant. Julie Andrieu a décidé fort à propos d’offrir dès lors un éventail diversifié de recettes, des mets savoureux allant des classiques aux créations plus contemporaines, tout en restant accessibles pour les cuisiniers de tous niveaux. Pommes soufflées, Farcement savoyard, Calalou au crabe, Ogey ou encore pain de prunes transporteront le lecteur dans les régions de France et de Navarre avec des recettes accessibles, aidées de conseils pratiques et anecdotes, rendant encore plus plaisante leur réalisation. Les photographies transmettent la beauté de ces plats et l’ambiance chaleureuse de la cuisine de Julie Andrieu. 100 plats à remonter le temps comme le promet l’auteur qui nous invite à emboîter le pas des anciens qui ont savoureusement tout inventé en ce domaine !
		« Cocotte » d’Amandine Bernardi, Editions Larousse, 2024. Voici un livre de cuisine bien engageant ! Par sa couverture, déjà, des plus réussies avec sa livrée originale en bois et motif fonte… Quant au sujet, enfin ! Quoi de plus inspirant, en effet, que redécouvrir le plaisir de cuisiner avec une cocotte, une pratique quelque peu tombée dans l’oubli mais qui connaît ces derniers temps un – heureux -regain d’intérêt ainsi qu’en témoigne cet ouvrage signé Amandine Bernardi, blogueuse remarquée (Amandine Cooking) sur les réseaux sociaux. L’ouvrage réunit pas moins de 100 recettes de plats mitonnés et sélectionnés pour leur facilité et leurs saveurs. Après un rappel des fondamentaux essentiels à connaître pour la cuisson en cocotte, ce livre se divise de manière pratique en sections selon les différents mets cuisinés : bœuf, veau, agneau, porc, volaille, mais aussi poisson et même plats végétariens ! Les explications sont clairement détaillées, préparation, ingrédients, étapes, conseils et astuces pour réussir à coup sûr ces plats en cocotte. Les photographies ajoutent encore au charme de ce mode de cuisson traditionnel qui amplifie les saveurs et réjouira vos hôtes au lorsque vous placerez au beau milieu de la table l’une de ces cocottes pleines de promesses…
		« Dis, on mange quoi ce soir ? » ; Collection Larousse, Editions Larousse, 2024. La bien inspirée collection Larousse « Dis, on mange quoi ce soir ? » répond à la sempiternelle question qui se pose chaque jour au cuisinier et à la cuisinière de service à la maison… La solution est simple, directe et sans chichis grâce à ces guides conçus pour être pratiqués sur le champ avec un résultat accessible et savoureux ! Parmi les dernières parutions, soulignons : « Cakes salés » ; un titre qui devrait retenir l’attention tant ses recettes sont non seulement faciles, rapides, mais, qui plus est, surtout gourmandes. Ce guide offre en effet une recette de pâte à cake de base à laquelle seront ajoutés deux ou trois ingrédients accessibles pour offrir une touche des plus savoureuses. Jugez-en ! Au menu de ce soir, un cake au brocoli (frais de préférence), fromage et lardons ou bien une version au reblochon, jambon cru et ciboulette… Pour le déjeuner de demain ? Retenons ce cake au thon et courgette prêt en 10 min et 35 min de cuisson qui n’exigera qu’une boite de thon, une courgette, 4 œufs, un peu de crème et de la farine ! C’est rapide, bon et surtout inratable… Dans le même esprit encore de cette collection « Dis, on mange quoi ce soir ? », ce nouvel ouvrage ; « Et hop au four ! » qui réunit également 50 recettes à partir de 5 ingrédients en 3 étapes maxi. On y trouvera bon nombre de bonnes et savoureuses idées de recette dont ce saumon au sirop d’érable et asperges vertes ou encore des tomates rôties au chèvre sec et basilic, des patates douces gratinées au fromage… Des recettes pour tous les jours de la semaine qui renouvelleront notre quotidien afin d’échapper avantageusement aux surgelés et autres coquillettes jambon…
		Redécouvrir Paris avec les guides Jonglez Les éditions Jonglez proposent avec trois récentes parutions de (re)découvrir la capitale de manière plus singulière et originale, une heureuse initiative après l’effet des JO 2024… La désormais classique collection des villes méconnues accueille, en effet, le « Paris méconnu » conçu par Thomas Jonglez, fruit de cinq années de travail, ce qui n’étonnera pas le lecteur en feuilletant les pages de cet imposant guide de 558 pages ! Un guide écrit comme à l’habitude par ses habitants eux-mêmes, des habitants qui ont cœur de livrer et proposer un autre regard sur leur ville telle qu’ils l’ont choisie, vécue et aimée. Et le charme bien entendu opère spontanément avec un étourdissant parcours par arrondissement. Le lecteur débutera sa visite par une curieuse représentation d’un Napoléon… déguisé en Louis XIV ! Le ton est donné avec des découvertes qui ne figurent dans aucun guide classique comme cette intrigante et néanmoins imposante cheminée jouxtant la Tour Eiffel que la plupart des touristes et parisiens ne remarquent guère et qui servit lors de l’édification du célèbre édifice. Plus étrange encore, nous découvrirons qu’il existe encore des stations de métro ne figurant plus sur les plans et qui perdurent pourtant encore physiquement, soit qu’elles aient été abandonnées ou transformées en un autre usage. Chaque arrondissement livre ainsi ses secrets et ses trésors ignorés la plupart du temps des habitants de la capitale. Le guide « Paris – 30 expériences » complètera idéalement cet ouvrage avec trente propositions d’adresses aussi secrètes qu’inoubliables telles que la visite d’un des grands musées parisiens la nuit, une croisière insolite sur la Seine ou encore l’exploration des Beaux-arts de Paris. Cafés, glacier, restaurants, concerts ou tout simplement promenades inoubliables fourmillent dans ce guide tout aussi agréable à découvrir qu’utile. Enfin, toujours aux éditions Jonglez, le guide « Grand Paris insolite et secret » permettra d’élargir encore le rayon géographique de ces découvertes dans les Hauts de Seine, Seine Saint-Denis et Val de Marne. Autant prévenir que le rayon abordé couvre un important territoire riche d’une histoire remontant parfois très loin dans le temps ainsi qu’en témoignent cette Vierge noire de Paris ou cet étonnant moulin de Nanterre datant probablement du XVe s. ! Chaque lieu est amplement documenté et décrit, avec ses coordonnées complètes, site web et moyen de transport indiqué pour s’y rendre.
		« Pêche du jour » de Jordan Coube, 176 pages, couleur, Éditions Marabout, 2024. Avis aux amateurs des produits de la mer, ce livre incontournable « Pêche du jour » signé Jordan Goube. L’auteur, poissonnier de métier, Meilleur Apprenti et Meilleur Ouvrier de France, a souhaité par cet ouvrage transmettre toute sa passion et son goût pour les poissons, mais aussi les coquillages et crustacés. Lieu en croûte de parmesan, encornets farcis ou encore Porc aux coques, on y trouve des recettes comme on les aime, faciles à réaliser pour le quotidien ou tables de fêtes avec pour chacune son mode de cuisson et son budget afin de ne pas se ruiner, rien n’a été laissé au hasard. Comment dès lors résister aux Tagliatelles aux palourdes ou à ces Boulettes d’églefin à la tomate ? Proposant pas moins de 60 recettes, le lecteur trouvera, en outre, en ouverture de l’ouvrage dans un « Carnet pratique » mille et un conseils allant de la saisonnalité ou comment choisir son poisson aux techniques de base de découpage ou d’ouverture pour les crustacés. Rien n’a échappé à ce pédagogue hors pair prônant une pêche raisonnable, les temps de cuisson et surtout 60 recettes aussi délicieuses que simples. Rangées par grands thèmes, apéro, poissons cuits ou crus, crustacés et coquillages ou dans un astucieux index par ingrédients, le lecteur n’aura qu’une envie nouer son plus beau tablier !
		Le Petit Larousse illustré – 1905/2025 Le Petit Larousse illustré est une véritable institution et chaque nouvelle édition sera l’occasion de redécouvrir ce trésor de la langue française mais aussi une encyclopédie à part entière servie par ses inoubliables illustrations. Ce millésime 2025 – Le Petit Larousse fête ses 120 ans ! - ne fait pas exception et plus que jamais la devise de ce fameux dictionnaire « Instruire tout le monde et sur toutes les choses » sera vérifiée page après page par le lecteur. Les chiffres sont suffisamment éloquents pour faire du Petit Larousse illustré 2025 son dictionnaire de référence : 64 300 mots, 125 000 sens, 20 000 locutions et 2 000 régionalismes et mots de la francophonie… Alliant le sérieux d’un dictionnaire manuel et plaisir d’une approche encyclopédique, le Petit Larousse illustré permet non seulement de recherche à tout moment le sens d’un mot, son orthographe ou noms propres, mais également de s’évader au fil des pages sans objet précis, certainement l’une des meilleures approches pour enrichir encore son vocabulaire et ses connaissances dans des domaines les plus variés. Et parce que la langue française évolue, cette nouvelle édition intègre ces changements : 150 nouveaux mots, sens, locutions et expressions, des évolutions signes de cette richesse non figée. Parmi les nouveaux promus, citons désanonymer, empouvoirement, détox digitale, platisme, mentorer, fast-fashion ou encore masculinisme et bien d’autres découvertes encore. Les illustrations à elles seules enchantent le regard avec 5 500 cartes, dessins, photographies et schémas ainsi que 150 planches illustrées. Enfin, le Petit Larousse illustré s’intéresse également aux noms propres avec 28 000 lieux, personnalités et évènements, de quoi alimenter de longues heures de lecture en compagnie de cette mine de savoir, véritable mémoire de la langue.
		« Cook Color » de Maria Zizka ; Photographie de David Malosh ; Editions Marabout, 2024. Cuisiner de bonne humeur et en couleur, c’est ce que nous propose Maria Zizka avec cet ouvrage dénommé judicieusement « Cook Color » aux éditions Marabout. On y découvre, en effet, pas moins de 100 recettes pleines de peps et de couleurs pour un plaisir inégalé tant des papilles que des yeux. Du rouge de la tarte à la tomate au jaune plein de soleil de la courge sans oublier le violet, le blanc, le noir et même le bleu plus rare en cuisine, tout semble permis avec Maria Zizka, du moment que les saveurs et couleurs réjouissent et enchantent les mets. Il faut dire que l’auteur n’en est pas à son premier ouvrage et s’impose aujourd’hui comme l’une des meilleures influenceuses dans le monde de la cuisine. Rangées par couleurs et illustrées pleine page par les photos de David Malosh, les recettes défilent selon les couleurs de l’arc en ciel et nos envies. Quinoa au radis pastèques et griottes séchées pour un savoureux violet ou encore une salade monochrome d’endives au radis et à la ricotta pour le blanc crème… Maria Zizka nous livre aussi ses secrets notamment comment conserver le beau vert de printemps des petits poids ou comment rehausser ces mets parfois trop fades… Une mine d’idées, de recettes et de couleurs qui réveillent et enchantent cuisine et assiettes !
		« Paris – A travers son histoire, ses quartiers, ses monuments » de Clémentine Santerre, Editions Larousse, 2024. Voilà un petit livre des plus attrayants et instructif nous dévoilant « Paris, à travers son histoire, ses quartiers, ses monuments ». Clémentine Santerre, spécialiste et passionnée de Paris, a avant tout souhaité nous livrer ou nous rappeler à ceux qui se font fort de connaître la capitale comme leur poche, les mille facettes et merveilles de la Ville lumière. Car connait-on réellement chaque quartier de la capitale ? Ses trésors, mystères ou secrets ? Connait-on ainsi « Les secrets de Notre-Dame », « Les trésors du Louvre » ou encore « Les merveilles du Musée d’Orsay ». Illustré de nombreuses photographies, l’auteur nous emmène tout d’abord dans ce Paris, lointain, le « Paris médiéval », nous contant la vie au XIIIe siècle, mais aussi sur les rives de la Seine, racontant l’histoire de quelques iles de Paris… C’est un Paris au fil de ses ponts, de ses rues et des siècles que le lecteur découvrira dans ces 126 pages. Musées, jardins, places, célèbres restaurants ou encore le « Paris street art », rien n’échappe à Clémentine Santerre, pas même la charmante impasse du Trésor... Le lecteur parmi mille et un focus y retrouvera aussi de multiples conseils pour préparer ballades et promenades parisiennes y compris autour de Paris, de Versailles à Rambouillet.
BD		« Kundan – Tome 1 – Le temps du sang » ; Scénario Luana Vergari ; Couleur et dessin de Civiello Emmanuel ; 24 x 32 cm, 64 p., Editions Glénat, 2025. A ne pas manquer, ce tout premier volet de cette incroyable trilogie signée Luana Vergari qui rejoint avec cet album les éditions Glénat en duo, ici, avec Civiello Emmanuel ! En cette année 1910, Lord Benedict de la Brigade de nuit épaulé d’un nouvel agent nommé Kundan ne peut que constater, dans une ruelle de Londres, cette terrible et sordide scène : le corps d’un garçonnet retrouvé mort et étrangement vidé de son sang… un crime des plus horribles qui malheureusement va se répéter, inquiétant au plus haut point les Londoniens et favoriser les plus folles rumeurs… N’est-il pas connu qu’en Inde, une légende raconte qu’alors qu’un massacre opposa la déesse Durga et ses prêtresses à de sanguinaires vampires, un jeune enfant survécut… Une légende qui va prendre toute sa valeur dès lors que Lord Benedict sera envoyé en Inde pour enrayer une rébellion et protéger la fille du roi ; il ne demandera qu’une seule faveur : être accompagné de du fameux Kundan… nul doute que le sang, une fois de plus… Avec une imagination des plus débridées, Luana Vergari livre un premier album aussi captivant qu’angoissant alliant enquête policière, héritage vampirique et victorien de Bram Stoker aux légendes et bestiaire indiens. Une atmosphère oppressante entre les sordides ruelles de Londres et la chaleur des Indes coloniales rendue fabuleusement à la fois par les couleurs choisies et soignées sans oublier les dessins réalistes et fantastiques de Civiello Emmanuel. Une merveille ! Un dessinateur déjà salué chez Glénat pour le fameux « Conan le Cimmérien » avec Doug Heading en 2021. Un duo et un premier tome, donc, dès plus réussis qui ne peut laisser le lecteur qu’impatient de découvrir la suite de cette nouvelle série vampirique nommée « Kundan » ! A noter, enfin, pour la première édition le fabuleux Cahier graphique en fin d’album. Gilles Landais
		« Les Chroniques d’Atlantide- Tome 3 – La Rage du Dieu serpent » ; Scénario et dessin de Stephano Martino ; Couleur de Sébastien Bouet ; Consultante scénario : Théa Roizman ; 24 x 32 cm, 72 p., Editions Glénat, 2025. Ce dernier et ultime tome de la fameuse série fantasy : « Les Chroniques d’Atlantide » devrait retenir l’attention de tous les Bdphiles ! Son titre – La rage du Dieu Serpent - en donne en effet le « la » ! Après la probable mort d’Eoden, son frère Leoden et la Reine Naeel ne peuvent que mener combat contre Thorunn. Mais si une probable victoire pour Leoden se profile, sa perte ne semble pas non plus devoir être écartée… Les aficionados des « Chroniques de l’Atlantide » retrouveront avec bonheur pour ce dernier volume tous les ingrédients qui ont fait le succès de cette trilogie revisitant le mythe de l’Atlantide : sorcellerie, intrigues en tous genres, rebondissements infinis avec même des flashbacks revenant sur les ancêtres des protagonistes… Pour ce combat final, Stefano Martino a, quant au scénario, manifestement fait preuve d’une imagination débridée servie, ici, merveilleusement par son talent de dessinateur, talent reconnu également et largement salué dans la série « Les Forêts d’Opales. Le lecteur appréciera indéniablement la force de ses dessins mêlant expressivité, réalisme et fiction sans oublier les couleurs de Sébastien Bouet. Gille Landais
		« Pitcairn – l’Île des révoltés du Bounty – Tome 4 – Sauver nos âmes » ; Scénario de Mark Eacersall avec en coauteur Sébastien Laurier ; Dessin et couleur de Gyula Németh, 24 x 32 cm, 56 p., Editions Glénat, 2024. Nous retrouvons ce dernier tome – tant attendu, de « L’Île des révoltés du Bounty » qui vient clore une série plus que plébiscitée tant pour sa qualité graphique que pour l’extrême soin apporté aux recherches et renseignements qu’a pu nécessiter ce récit, fruit en effet d’années de recherches et d’enquêtes rigoureuses confrontant légendes, mythes et réalité… Une histoire – est-il besoin de le rappeler, véridique, adaptée ici de l’ouvrage de Sébastien Laurier – « La Bounty à Pitcairn » ; Prix du livre insulaire de 2017 – et coauteur pour cette série avec Mark Eacersall ( chez Glénat : « Tananarive », « Cristal 417 » et plus récemment « A mourir entre les bars de ma nourrice »). On l’aura compris ce quatrième et ultime tome « Sauver nos âmes » vient clore une BD d’une extrême qualité que mettent parfaitement en valeur les dessins extraordinaires aussi naturalistes que réalistes du dessinateur hongrois Gyula Németh qui en signe également la colorisation, d’une beauté et force époustouflante ! Une première pour Gyula Németh dans le monde de la BD française que l’on ne peut que saluer et espérer retrouver très bientôt… Un album ultime qui vient clore une série assurément magistrale. Gilles Landais
		« Franquin et moi - Entretiens avec Numa Sadoul » de Christelle Pissavy-Yvernault et Numa Sadoul, Coll. »Les Cahiers de la Bande Dessinée », Editions Glénat, 2024. Les passionnés de BD – et tout particulièrement de la légende de la bande dessinée franco-belge – se réjouiront de ces « Entretiens Franquin et moi » parus aux éditions Glénat. Cette captivante somme propose en effet d’explorer dans un dialogue nourri l’intimité de ce maître de la BD qui donna vie à des œuvres majeures telles que « Gaston Lagaffe », « Spirou » sans oublier « Idées noires ». Numa Sadoul, critique et essayiste reconnu, a recueilli dans cet ouvrage le précieux témoignage de Franquin (1924-1997) dès les années 70. Grâce à cette relation de confiance entre les deux hommes, la personnalité riche et complexe du dessinateur belge se dévoile au fil de ces pages enrichies d’une abondante iconographie. Cette richesse, où l’humour pointe de manière récurrente, n’écarte pas pour autant les aspects plus sombres de la psychologie de Franquin, notamment son regard critique et parfois pessimiste sur le monde. Au-delà des anecdotes qui auraient pu à elles seules justifier un tel volume, ce recueil d’entretiens dévoile au lecteur de précieuses confidences de cette personnalité décidément complexe disparue au tournant du siècle dernier en 1997. Les différentes étapes de son travail, le mécanisme de la création et l’héritage légué aux jeunes générations offrent ainsi une trame captivante sur ce métier de la BD. Dessins inédits et croquis accompagnent ces propos sur l’art graphique et le neuvième art. Une somme incontournable et précieuse pour tous passionnés de BD. Jules Buissonnet
		« George Washington » ; Scénario de Wyctor ; Dessin de Michael Malatini ; Historien : Farid Ameur ; 24 x 32 cm, Editions ayard et Glénat, 2024. Incontournable, cet album consacré au 1er président des États-Unis d’Amérique : George Washington (1732-1799). Certes, nous connaissons son nom et la ville de l’est américain portant encore son patronyme de nos jours, mais son histoire demeure néanmoins en France, il faut l’avouer, bien moins connue. Aussi cette BD est-elle bienvenue ; Et ce, d'autant plus qu'elle est signée pour le scénario, Wyctor, et Michael Malatini pour les dessins, auteurs biens connus pour leur succès dans cette collection « Ils ont fait l’Histoire ». Georges Washington sera réputé, avant sa carrière en politique, en tant que militaire. En ce milieu du XIXe siècle, l’est des Est-Unis est en effet encore sous domination britannique ; néanmoins sous la pression qu’exerce l’empire sur ces treize colonies, un vent de révolte va commencer à souffler aboutissant à la fameuse guerre d’indépendance. George Washington sera alors en 1875 nommé à la tête de l’armée continentale… La légende du Virginien commence, il vaincra les Tuniques rouges et sera élu quelques années plus tard, en 1789, 1er président des États-Unis d’Amérique. Grâce à des dessins d’un beau réalisme et un scénario serré, les auteurs livrent, ici, un George Washington au caractère trempé, véritable héros américain, mais demeurant néanmoins humain, laissant l’homme apparaître derrière sa légende. Les lecteurs auront effectivement plaisir à (re)découvrir cette grande page de l’histoire par cette BD signée Mikael Malatini et Wictor, rédacteur adjoint de la revue « Historia » et membre de la Société des Explorateurs français ; un album particulièrement bien documenté et informé, notamment sous la vigilance de Farid Ameur, historien, docteur en histoire contemporaine et spécialiste des États-Unis qui signe le dossier « Ils ont fait l’Histoire » en fin d’album. Gilles Landais
		« Les Tuniques Bleues – De l’or pour les Bleus – N°68 » ; Scénario de Fred Neidhart ; Dessin de Willy Lambil, Dupuis, 2024. Pour ce 68e album des Tunique Bleues, c’est Fred Neidhart qui en signe le scénario (rappelons que l’on doit déjà à Fred Neidhart en 2020 le salué « Spirou chez les Soviets »). Ici, c’est un scénario qui commence par une honorable promesse pour nos Tuniques Bleues. Fred Neidhart, après un tout début des plus classiques, a choisi de relater une promesse ou méprise qui va déboucher sur une incroyable aventure pour le caporal Blutch et le sergent Chesterfield, mieux encore que la ruée vers l’or ! En effet après avoir entendu les dernières volontés de deux soldats sudistes, nos deux comparses se dirigent vers le Sud… déguisés en Mexicains ! Bien mal leur a pris, car ils vont alors être pris pour les Confédérés décédés et sont entraînés dès lors dans une extraordinaire histoire secrète d’or… Mettront-ils la main sur ce fabuleux butin ? Dans le Sud, et qui plus est, flanqués du fils du fameux général Lee, rien n’est moins sûr ! On l’aura compris, c’est un scénario en or que signe avec ce nouveau tome Fred Neidhart avec en duo, toujours pour les dessins, notre infatigable Willy Lambil. Une aventure dans laquelle les mauvaises rencontres et les péripéties en tout genre se succèdent à un rythme effréné jusqu’à la dernière planche. Action, rebondissements et humour sont assurément au rendez-vous pour ce 68e album, sans oublier les décors et couleurs très réussis. Gilles Landais
		« Calamity Jane » ; Scénario de Marie Bardiaux-Vaïente ; Dessin de Gaëlle Hersent ; Conseiller historique Farid Ameur, Editions Glénat – Fayard, 2024. Qui ne connaît pas le nom de Calamity Jane ?! Même les plus réfractaires au genre western ont en mémoire ce surnom devenu célèbre et attribué à Martha Jane Cannary, femme libre avant l’heure en plein XIXe s. américain. C’est à ce mythe, pourtant bien réel, auquel s’attache avec brio cet album retraçant les frasques de cette héroïne des plaines. L’aventurière fut toujours éprise de liberté, ainsi que le souligne le captivant scénario de Marie Bardiaux-Vaïente qui fait débuter cette histoire par une scène épique où Calamity Jane évoque ses faits héroïques – plus ou moins avérés – contre un verre à boire dans un saloon du Dakota du Sud… ll faut avouer que Calamity Jane a fait tous les métiers, ne s’encombrant pas des conventions sociales qu’elle s’amuse à braver. Bagarres et récits hauts en couleur alternent dans cet album inspiré qui ne laisse guère de répit au lecteur grâce également au dessin précis et faisant mouche de Gaëlle Hersent. Le lecteur complétera cette passionnante évocation de notre héroïne par le dossier conçu par Farid Ameur, historien et spécialiste des États-Unis du XIXe s. Ce complément indispensable permettra de mieux apprécier le rôle et la place singulière de cette femme à nulle autre pareille auquel cet album rend hommage. Jules Buissonnet
		« Spirou et Fantasio – La Mémoire du Futur » ; Olivier Abitan, Sophie Guerrive et olivier Schwartz ; Coll. « Tous Public », 21.8 x 30 cm, 64 p., Editions Dupuis, 2024. Plaisir que de découvrir qu’après « La mort de Spirou », ce dernier est encore bien là, et de découvrir dans cette suite avec Spirou et Fantasio cette « Mémoire du futur », un album (N°57) fourmillant d’inventions et de créativité ! En effet, en ces pages fabuleusement décalées, après avoir été assommé, Spirou se réveille rien que moins qu’en 1958 dans le salon d’Herbert D’Oups ; 1958, eh ! oui, l’année même de l’Exposition universelle de Bruxelles ; surtout, là même, où fut présenté le futur, du moins ce qui se présentait à l’époque comme le futur… Mais, Spirou n’a-t-il pas rêvé ce futur ? N’a-t-il pas gardé « La mémoire du futur » ? Mais, il faut avouer qu’avec Fantasio, rien n’est moins sûr… C’est un fabuleux album que nous proposent aujourd’hui sous ce titre Bejamin Abitan en coauteur avec Sophie Guerrive, tous deux aux manettes du scénario avec une succession de dessins tous plus fabuleux et inventifs les uns que les autres signés Olivier Schwartz… On se régale de retrouver dans ce télescopage des espaces-temps « notre » célèbre groom ! Gilles Landais
		« La Veuve » de Glen Chapron ; N&Blc, 21.5 x 29.3 cm, 176 p., Editions Glénat, 2025. Il faut découvrir cet audacieux roman graphique signé Glen Chapron et offrant une belle adaptation du roman de l’écrivain et poétesse canadienne Gil Adamson ; un western au féminin dès plus captivant. Nous sommes au début du siècle dernier, en 1903 précisément, dans les Rocheuses canadiennes ; Mary, jeune veuve, fuit deux hommes bien déterminés à venger la mort de leur frère… Dans cette chevauchée effrénée, Mary va cependant faire de multiples rencontres, des rencontres qui changeront sa vie autant qu’elles révéleront son histoire et secret, mais qui lui permettront surtout de choisir, en fin de compte son destin, un destin hors normes de femme libre… On l’aura compris dans ces confrontations au cœur même des grandes forêts canadiennes, c’est un beau récit d’émancipation que nous propose tout de noir et blanc Glen Chapron, ici, en auteur complet (Glen Chapron que l’on connait déjà en dessinateur pour « Une Histoire corse » avec Dodo chez Glénat ou encore la série « Les Dragons de Nalsera »). Un récit fort, aussi captivant qu’empli d’émotion, qui tient son lecteur en haleine jusqu’à la dernière planche. On soulignera pour l’adaptation de ce roman paru en 2009 le beau travail de dessin réalisé alternant merveilleusement à la fois lignes épurées et densité du trait ou encore la force des silences du blanc avec la violence du fusain noir… Une puissance du graphisme qui donne toute sa force au récit à l’instar de la nature sauvage des Grandes Rocheuses. Une belle réalisation qui ne manquera pas assurément d’être pleinement saluée. Gilles Landais
		« Michel Vaillant - Légendes - Tome 3 - Effroyable saison » de Lapière et Dutreuil, Editions Graton, 2024. Le troisième tome des « Légendes Michel Vaillant » intitulé « Effroyable saison » porte malheureusement un titre approprié si l’on considère l’année 1970 qui fut pour la F1 une annus horribilis avec l’accident de Jacky Ickx et les décès de Bruce McLaren, Piers Courage et Jochen Rindt… C’est cet ensemble de disparitions et d’accidents dramatiques qui vont conduire notre héros, Michel Vaillant, à alerter les autorités de la F1 sur les conditions de sécurité des pilotes, tout en s’engageant une nouvelle fois dans un nouveau défi : celui de remporter la course au volant d’un nouveau bolide… Si le légendaire Michel Vaillant apparaît sur la première planche de ce nouvel album avec une boule de neige entre les mains, très vite, il découvrira les pages suivantes sa nouvelle monture, un impressionnant bolide qui le laissera – avec le lecteur !- tout simplement interloqué. Le banc d’essai ne tardera pas sur le circuit de Kyalami, premier Grand Prix de la saison, sur lequel un abasourdissant bruit de moteurs se fera vite entendre grâce au redoutable dessin de Dutreuil rehaussé des couleurs inspirantes d’Isabelle Charly nous faisant entrer de plain-pied dans l’ambiance du circuit. Le scénario de Lapière est d’une efficacité redoutable avec une narration alternant entre action, vitesse et aventure sentimentale, Michel Vaillant connaissant aussi des problèmes de cœur ! Un album non seulement vrombissant, mais également captivant pour les passionnés de sports automobiles et d’aventures. Jules Buissonnet
		« Collection La Sagesse des Mythes, contes et légendes » dirigée par Luc Ferry, Editions Glénat. Cette BD consacrée à « Tristan et Iseult » conçue d’après le scénario de Clotilde Bruneau transportera son lecteur dans l’univers onirique des récits des temps anciens ayant traversé les siècles avec la fertilité que l’on sait. Pour ce « Tristan et Iseult », c’est Giuseppe Baiguera qui par son dessin incisif et expressif évoque ce récit dramatique incontournable de la culture occidentale. Nous découvrirons pour ce premier volume Tristan de Loonois, mais aussi le menaçant duc Morgan sans oublier le roi Marc… signant ainsi le début des nombreuses péripéties du héros jusqu’à sa rencontre avec la belle Iseult… Comme à l’accoutumée, nous retrouverons en fin de volume un passionnant dossier synthèse retraçant les grandes lignes historiques à connaître afin de mieux apprécier la lecture de ces contes et légendes. En l’espèce, une évocation de l’amour-passion et de l’amour courtois, la légende de Tristan et Iseult et ses influences sur la culture occidentale, le tout signé Luc Ferry ! Jules Buissonnet A souligner également la parution dans cette collection « La Sagesse des Mythes » dirigée par le philosophe Luc Ferry, du troisième tome consacré au héros de la Table Ronde Lancelot du Lac et à la reine Guenièvre.
		« Jules Matrat – Tome 02 » de Serge Fino, 24 x 32 cm, Editions Glénat, 2024. Comment ne pas souligner et saluer la parution tant attendue du deuxième tome de « Jules Matrat », cette adaptation par Serge Fino du roman de Charles Exbrayat publié en 1942, et contant le destin d’un jeune poilu hanté par la boucherie de la Première Guerre mondiale. Ce deuxième volume s’ouvre sur l’année 1918, mars précisément, en cette année où son ami Louis disparaîtra… après quatre années déjà de tueries, de tranchées et de barbarie, Jules retrouve aussi Rose… Mais le monde peut-il reprendre comme avant ? Jules pourra-t-il réussir à se réinsérer dans la vie de tous les jours… Serge Fino, ici, en auteur complet offre tant à la lecture qu’au regard une formidable et très belle adaptation de cet incontournable roman du XXe siècle. Alliant dans une subtile alchimie réalisme et finesse, traumatismes et sentiments, souvenirs de poilus de la guerre de 14 et vies brisées, Serge Fino entraine son lecteur par des découpages, dialogues et dessins d’une maîtrise et beauté implacables dans cette atmosphère d’après-guerre, face à ces destins à jamais broyés … On ne peut qu’attendre avec impatience le dernier volume de cette magistrale trilogie menée de main de maître par Serge Fino. Gilles Landais
		« Dessine ! …Et tu connaîtras l’Univers et les Dieux – Réflexions sur le dessin» de Frank Pé, Coll. « Les Cahiers de la bande dessinée », 16 x 20 cm, 200 p., Editions Glénat, 2024. Les amateurs et passionnés du 9e art salueront, à n’en pas douter, ce formidable témoignage de l’un des plus grands créateurs d’album, Frank Pé. Artiste au talent incontesté, Frank Pré livre dans cet ouvrage à la couverture stylisée et originale une analyse passionnante sur la place et la puissance du dessin. C’est donc un one-shot hors-norme et exceptionnel que découvriront les lecteurs avec « Dessine ! ». L’auteur revient sur une multitude de points et questionnements, tous plus captivants les uns que les autres, livrant même ses « Trucs de magicien » ! Rappelons que Frank Pé est entré professionnellement dans le monde de la BD dès ses 19 ans, et a commencé sa carrière en 1973 avec une collaboration dans le « Journal de Spirou ». Très vite, il saura s’imposer avec des albums devenus iconiques, « Broussaille », « Zoo »…, accumulant récompenses et prix dont l’Alph’Art en 1990 au festival d’Angoulême. Pour le bonheur des amoureux de BD, il livre dans ces pages une réflexion à la fois captivante et accessible sur le dessin, la création et la bande dessinée. Exceptionnel, car ainsi que le souligne l’artiste : « Le dessin est, en soi, un domaine vaste comme le cœur. Je vais me pencher sur lui, approcher la loupe et le questionner ». Aujourd’hui, parallèlement aux albums, Frank Pé réalise également de magnifiques fresques témoignant de sa passion et amour des animaux… « Je veux la beauté et la grâce en plus » écrit-il encore… Quelle plus belle confession et programme pouvait-on souhaiter de celui qui de son art a marqué le monde de la BD ?! Un album qui fera assurément référence et qui initie - 50 ans après leur création par Jacques Glénat - le lancement de la nouvelle collection aux éditions Glénat des « Cahiers de la bande dessinée » consacrés aux grands auteurs et artistes du 9e art. Gilles Landais
		« 1629, ou l'effrayante histoire des naufragés du Jakarta - Tome 2 » ; Scénariste Xavier Dorison ; Dessinateur Thimothée Montaigne ; Couleur Clara Tessier, Editions Glénat, 2024. Impossible à celles et ceux ayant débuté la lecture de l’effrayante histoire des naufragés de Jakarta aux éditions Glénat de manquer la suite de ce récit plus qu’impressionnant. Grâce à cette seconde partie, le lecteur retrouvera les protagonistes échoués sur les récifs des îles Abrolhos au large des côtes de l’Australie en 1629. 260 survivants dépendent ainsi de la survie organisée par Jéronimus Cornélius, second du subrécargue Pelsaert parti sur une chaloupe à la recherche de secours à Java. Ce récit inspiré de faits réels relate la lutte pour la survie de ces naufragés après la mutinerie survenue sur le navire Batavia. L’impressionnant dessin réalisé par Timothée Montaigne servi par des couleurs soulignant la force de ce récit poignant tiendra en haleine le lecteur de la première à la dernière planche. Grâce au scénario de Xavier Dorison reposant sur des recherches historiques d’une grande rigueur, ce récit des naufragés du Jakarta apparaîtra encore plus vrai que nature avec ces mines patibulaires des matelots plus effrayantes les unes que les autres, la carcasse échouée du navire tel un sépulcre béant, et cette solitude qui gagne certains des protagonistes face à l’adversité et à un avenir plus que sombre… Cette évocation tragique demeure cependant aux dires des auteurs bien en-dessous de la cruauté vécue réellement par les naufragés du Jakarta. Cette sombre page de l’histoire maritime invitera le lecteur à méditer plus encore la citation placée en exergue de ce remarquable album : « Pour que le mal triomphe, il suffit que les hommes de bien ne fassent rien » (Edmund Burke)… Jules Buissonnet
		« Inhumain – tome 2 – Quintessence » de Denis, Valérie Mangin et Thibaud de Rochebrune ; 23.7 x 31 cm, 112 p., Éditions Aire Libre, 2024. C’est avec un très vif intérêt que les lecteurs découvriront ce deuxième volet de la série « Inhumain » qui après s’est arrêtée pour son ouverture sur la notion de liberté se penche, ici, sur les liens tout aussi complexes que ténus entre individualité et société. Ainsi qu’aiment à le souligner les trois auteurs : « Même terminée une histoire continue à chuchoter à l’oreille (…) Il y avait tant à dire sur notre humanité, sur notre inhumanité ». Tout est dit ou presque ! Le lecteur aura compris que de bien belles et grandes questions existentielles sont posées de nouveau avec ce deuxième tome dénommé « Quintessence » par nos trois acolytes : Denis Bajram – que l’on ne présente plus ( Cryozone avec Thierry Cailleteau ; Universal War One), Valérie Mangin et Thibaud de Rochebrune. Dans ce nouvel album, alors que les humains sont devenus maîtres de leur conscience après le départ du l’île du Grand Tout, des tensions commencent déjà à paraître. Parallèlement une expédition est envisagée hors de l’île… Retrouveront-ils trace du Grand Tout ; surtout, sauront-ils mieux faire cette fois-ci ? Un thriller SF captivant alliant philosophie et poésie soutenu par un graphisme époustouflant, des paysages magistraux, des personnages expressifs à souhait, une mise en planche et des couleurs plus que superbement pensées. Décidément, rien ne semble pour ce second souffle avoir été laissé au hasard par nos trois comparses. Un trio de choc pour un album magistral ! Gilles Landais
		« Le Roi Cerf – Tome 2 » de Jean-Claude Servais ; Préface de Benjamin Nollevaux ; Couleurs de Guy Raives, Coll. « Grand public », 24 x 32 cm, 80 p., Editions Dupuis, 2024. C’est toujours un évènement et un immense bonheur que de découvrir un nouvel album signé Servais avec- qui plus est – une préface de l’auteur de l’ouvrage « Les arbres qui cachent la forêt », Benjamin Nollevaux ! L’auteur a retenu cette fois-ci comme héros pour ce deuxième tome de la série « La faune symbolique, après « Le renard rusé », le roi de la forêt : le cerf. Un splendide et imposant animal présent dans bien des mythologies et qui hante également bien des légendes ; depuis l’aube des temps n’est-il pas considéré comme le roi des forêts ?!… Aujourd’hui, Servais avec son talent incontesté tant de conteur que de dessinateur, a choisi par le truchement du jeune Édouard d’ajouter sa griffe à ces mythologies avec non pas seulement un cerf si beau soit-il, mais bien le roi des animaux : un magnifique et mystérieux cerf blanc… Servais s’est appuyé pour ce nouvel album à la fois du texte d’Adrien de Prémorel (« La merveilleuse histoire du grand cerf de Freyr » dont le lecteur retrouvera les premiers chapitres en fin de volume) et sur les photographies de Thierry Creton et de celles de Pierre Thaymans. Est-ce dès lors une nouvelle légende qui commence ?... Peut-être, peut-être même certainement, tant il est vrai que sous la plume de Jean-Claude Servais, sous son trait si précis, soigné et fabuleusement maîtrisé, le plus bel animal des forêts est magnifié pour devenir mystérieusement « Le Roi Cerf ». Que dire de plus ? Splendide ! Gilles Landais
		« L’Aventurier », librement inspiré du texte inachevé d’Arthur Schnitzler ; Scénario d’ Alessandro Tota ; dessin et couleurs d’ Andrea Settimo ; Traduction de Laurent Laget ; 184 p., Editions Glénat, 2024. Adapté librement du captivant roman du célèbre écrivain autrichien Arthur Schnitzler (1862-1931), « L’Aventurier » signé aujourd’hui Alessandro Tota et Andrea Settimo aux éditions Glénat doit assurément retenir l’intention tant cette adaptation BD se révèle passionnante et soignée. L’histoire se déroule en Italie au XVIe siècle. Une époque marquée douloureusement par une épidémie de peste. Après la mort de ses parents, Anselmo Ringardi, un noble, va fuir la ville… Le début de multiples aventures et surtout de rencontres notamment avec la belle et séduisante Lucrezia, la fille de Géronde, ce sage qui détient le pouvoir de prédire la mort… Anselmo Ringardi demeurera-t-il maître de son destin, dès lors, face aux prédictions de Géronde ? Lui accordera-t-il enfin la main de sa si jolie fille ou Géronde a-t-il menti à Anselmo pour la garder près de lui ? C’est une belle adaptation que nous livrent avec « L’Aventurier » Alessandro Tota et Andrea Settimo allant jusqu’à imaginer la fin de l’histoire d’après les notes mêmes de l’écrivain autrichien ; Arthur Schnitzler n’ayant pas en effet achevé ce récit aussi haut en couleur que tragique. Le lecteur appréciera pour cette libre adaptation tout particulièrement le dynamisme du scénario, allant de rebondissement en rebondissement ; un efficace synopsis parfaitement rendu tant par la vitalité de la mise en page que par l’esthétique du graphisme, sans oublier la belle déclinaison des couleurs. Le lecteur est littéralement immergé dans cette Italie sans concession du XVIe siècle. Une merveille ! Que dire de plus… Gilles Landais
		« Buck Danny –Origines – Tome 3 – Sonny Tuckson, Air Race Pilote 1/2 » ; Scénario de Patrice Buendia et Frédéric Zumbeihl ; Dessin de Guiseppe de Luca ; Couleurs de Ketty Formaggio ; Coll. « Grand public », 24 x 32 cm, 48 p, Editions Dupuis, 2024. Après être revenu sur les origines de Buck, le premier volet de « Sonny Tuckson - Air Race Pilote », nous entraîne maintenant sur les traces et secrets de Sony Tuckson… Car avant devenir le célèbre acolyte de Buck Danny, celui-ci connut dans sa jeunesse dans les années 1929 une vie mouvementée ; marqué par la mort accidentelle de son père, il fut en effet recueilli par un oncle revêche et confronté à l’ennui de l’Amérique profonde de ces années 30… Heureusement après les courses automobiles, c’est tout l’univers de l’aviation que Sony Tuckson allait devoir découvrir… Ce nouvel album complétant le triptyque « Buck Danny - Origines » proposera au lecteur, on l’aura compris, actions, aventures et rebondissements de haut vol ! « Sonny Tuckson - Air Race Pilote » offre surtout l’opportunité dans un scénario signé Patrice Buendia et Frédéric Zumbiehl de découvrir sous un angle moins habituel le fameux acolyte de Buck. Rappelons que Frédéric Zumbiehl a déjà signé quelques scénarii de Buck Danny- Classique ou Buck Danny-Origines. Le lecteur appréciera enfin et surtout les dessins inimitables de Guiseppe de Luca laissant à cet opus de « Danny Buck - Origine » ce style à la fois précis, soigné et idéalement vintage. On plonge ou plutôt s’envole avec délice dans l’Amérique des années 1930 ! Gilles Landais
		« Ce que les Corbeaux nous laissent » de Sophie Leullier, Coll. « Grand Public », 20 x26.8 cm, 160 p., Editions Dupuis, 2024. Nous sommes au IXe siècle en contrée normande et le jeune Tarik est prêt à tout pour venger la mort de son frère, Adairik, assassiné. Hanté par cette mort, incapable de faire son deuil, plongeant dans l’alcool et les mauvaises affaires, Tarik ne pense qu’à une seule chose : retrouver les coupables. Mais parallèlement, sa mère – Galwinthe - sorcière, espère par l’étude de parchemins et des croyances celtes et vikings parvenir à guider Tarik dans le royaume des morts… Ensemble, chacun à sa façon, ils découvriront « ce que les corbeaux nous laissent »… Sophie Leullier signe, ici, en auteur complet son premier roman graphique. Un album livrant un récit puissant et tragique consacré au deuil, à la culpabilité, à la vengeance et au pardon dans une atmosphère médiévale idéalement propice aux rites et légendes… Un sujet difficile et délicat où luisent cependant des lueurs d’espoir et d’amour… Au-delà, de la force indéniable de ce roman graphique, le lecteur appréciera particulièrement les dessins de Sophie Leullier joliment stylisés et acérés rehaussés par des couleurs magnifiquement changeantes, le tout dans une mise en page des plus énergiques. Un premier album des plus prometteurs qui ne laisse pas indifférent… Gilles Landais
		« Noir Horizon – Tome 02 – Hosanna » ; Scénario de Philippe Pelaez ; Dessin et couleur de Benjamin Blasco-Martinez, Editions Glénat, 2024. Après « Sitra Ahara », le deuxième tome de la série de SF « Noir Horizon » signée Philippe Pelaez et Benjamin Blasco-Martinez - était plus que vivement attendu ! Le voici, et il ne déçoit pas… Souvenons-nous, nous sommes toujours dans ce monde post-apocalyptique et la planète Kepler K452-b demeure une énigme… En effet, les quatre survivants qui y ont été envoyés en expédition et qui ont réussi à passer le mur « Noir Horizon », sont de retour à Kádingirra… Mais, contre toute attente, ils ne veulent rien dire de ce qu’ils ont découvert… Aussi, le gouverneur et ses trois autres acolytes vont-ils réserver aux récalcitrants, et plus particulièrement à Esther qui va se révéler être sa propre fille, un sort bien peu enviable… Repartiront-ils dès lors vers Kepler 452-b ? Là où, « Au-delà du mur, l’enfer » ! Les lecteurs retrouveront dans ce nouveau et deuxième album le côté aussi déconcertant qu’époustouflant de cette trilogie sans merci ni concession qui s’interroge sur la force et puissance de la tyrannie. S’appuyant sur un scénario bien ficelé et maîtrisé de Philippe Pelaez, les lecteurs apprécieront une nouvelle fois le graphisme particulièrement soigné et grandiose de Benjamin Blasco-Martinez, ici, en dessinateur et coloriste. Se succédant à un rythme effréné, les planches aux visages expressifs et aux environnements incroyables retiennent le lecteur sans faillir jusqu’à la dernière page.» On retrouve également dans ce nouveau titre « Hosanna » cette étrange alchimie entre le monde biblique et celui des sciences qui fait de ce récit ésotérique une aventure de SF captivante, et dont on ne peut qu’attendre une nouvelle fois avec impatience la suite et fin. Gilles Landais
		« Salon de Beauté » de Quentin Zuttion d’après le roman de Mario Bellatin ; 20 x 26.8 cm, 184 p., Coll. « Grand Public », Editions Dupuis, 2024. On appréciera cette belle adaptation en BD du roman «Beauty Salon » de Mario Bellatin, finaliste du Prix Médicis en 2000. Est-il besoin de rappeler la trame de ce récit fort salué lors de sa sortie ?! Jeshua est connu pour son agréable salon de beauté où il prodigue avec bienveillance à une clientèle exigeante coiffure, manucure et soins… Reste que ses journées sont plus longues que l’on pourrait le penser, car la nuit c’est lui-même, Jeshua, qui se coiffe et se maquille et devient avec ses deux amis travestis. Une vie bien rythmée, mais qui va se trouver bouleversée par l’arrivée de cette redoutable épidémie, ce virus sexuellement transmissible… Jeshua va alors prendre la décision de transformer son salon pour y accueillir des malades ; une décision qui ne pourra devant la maladie et la violence sociale laisser ni lui ni ses amis, ni surtout son lecteur indifférent… C’est en effet avec sensibilité et pudeur que Quentin Zuitton (auteur de « Les Princesses meurent après minuit – Prix spécial jeunesse du festival d’Angoulême 2023) a souhaité adapter, ici, en auteur complet, ce beau roman de l’écrivain mexicain, Mario Bellatin, consacré au VIH qui dans les années 80 – 90 a décimé la communauté homosexuelle. Le VIH qui par pudeur et respect ne sera volontairement pas – comme dans le roman - nommé. Le lecteur par la délicatesse du dessinateur qu’est Quentin Zuiton retrouvera dans cet album toute la force métaphorique et onirique du roman avec ce Salon de beauté et ces hommes sirènes... Un défi relevé avec une belle sensibilité que cela soit dans le dessin, les couleurs ou la mise en planche ; Une jolie manière aussi poétique que délicate de raconter, dire, ce que furent dans ces années les désirs d’une communauté et la mémoire d’une tragédie… Un bel hommage. Gilles Landais
		« Kaya » ; Scénario Paola Barbato ; Dessin et couleur Emmanuele Tenderini et Lorrenzo Lanfranconi ; Scénario, dessin et couleur Linda Cavallini ; 24 x 32 cm, Editions Glénat, 2024. Une ambiance apocalyptique, une atmosphère toxique, des ressources épuisées et des animaux mutants… Sur cette terre devenue invivable et vidée de la moitié de ses habitants, Rio et Kaya, sa petite sœur, tentent de rejoindre le sud de la planète et d’échapper aux bio-brigades chargées d’enrôler les survivants dans les mines… On l’aura compris c’est dans un univers redoutable dans lequel nous entraîne cet album ; un monde où le chaos règne implacablement et dans lequel pourtant on se laisse prendre au piège tout comme la petite Kaya avec cette louve géante… Signé à 8 mains italiennes, et non des moindres -dont la romancière Paola Barbato - ce one-shot happe littéralement le lecteur tant le graphisme est merveilleusement soigné et réaliste, tant les couleurs ne retiennent pas, mais ouvrent au contraire l’imaginaire… Un album qui soulève, qui plus est, de belles et fortes questions existentielles. Et si certains ont pu parler pour cet album de « graphisme proche de l’animation » c’est sans usurpation mais bien à juste titre… Le plus, enfin, très original : cet album est accompagné de QR codes qui offrent au lecteur la possibilité d’entendre régulièrement au fil des pages et de la lecture la bande originale écrite par Paola Barbato et Linda Cavallini avec en arrière-fond une musique de Remo Baldi ; absolument inédit, ludique et réjouissant ! Gilles Landais
		« Jean Monnet » de Marie Bardiaux-Vaïente (scénario), Sergi Gerasi (dessin) et Eric Roussel, Editions Glenat, 2024. Voici une BD des plus pédagogiques destinée aux jeunes, comme aux moins jeunes, souhaitant revenir aux origines de la construction de l’Europe et de ses institutions. Jean Monnet peut être en effet présenté comme l’inspirateur d’une Europe unie au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. Européen convaincu dès les premières heures, Jean Monnet comprend très rapidement (dès la Première Guerre mondiale) que sans interdépendances étroites entre les peuples voisins de l’ouest de l’Europe, les conflits demeureraient inévitables. Marie Bardiaux-Vaïente (scénario), Sergi Gerasi (dessin) et l’académicien Eric Roussel ont su rendre accessible une thématique quelque peu austère grâce à un propos à la fois clair et accessible, les dessins entretenant des liens très didactiques avec le texte. L’histoire commence par un flash-back, celui d’un homme âgé en 1975 revenant sur ses jeunes années, notamment en 1905, début d’une longue route qui le mènera aux plus hautes instances internationales. Ce personnage discret et modeste saura donner naissance aux idées déterminantes pour les relations internationales, notamment celle essentielle de l’union des hommes afin de rapprocher les nations. Véritable fresque allant de la SDN à laquelle Jean Monnet participera très activement jusqu’à la création de CECA (Communauté européenne du charbon et de l’acier) en 1951, sans oublier le traité de Rome de 1957 et du Marché Commun européen en 1968 ! Nous suivons, planche après planche cette captivante aventure sans laquelle nous ne pourrons comprendre pleinement les atouts, mais aussi les faiblesses de la Communauté européenne du XXIe.
		"Madeleine, résistante -Tome 3 - Les nouilles à la tomate » de Bertail - Jean-David Morvan - Riffaud, Editions Dupuis, 2024. Nos lecteurs connaissent bien déjà cette fameuse série BD « Madeleine, Résistant » (lire nos précédentes chroniques), une série au thème pourtant toujours délicat à traiter surtout dans le contexte de la Bande Dessinée… Et pourtant le pari est réussi tant l’évocation du difficile chemin et combats menés par la grande Résistante Madeleine Riffaud se trouve parfaitement rendue dans ces volumes aussi soignés que poignants. Il faut avouer que le parcours de Madeleine - son jeune âge, arrêtée pour avoir éliminé un officier allemand avant d’être torturée par la Gestapo et la non moins redoutable police de Vichy - aurait dû s’interrompre devant le peloton d’exécution et pourtant… Jean-David Morvan (scénario) et Dominique Bertail (dessin) signent une nouvelle fois en une collaboration exceptionnelle avec Madeleine Riffaud en personne - qui vient tout juste de fêter sa 100e année - ce troisième tome. Les premières planches débutent par la situation dramatique des terribles geôles dirigées par le commissaire Fernand David, tristement surnommé « David les Mains Rouges »… évocations terribles sans verser néanmoins dans le voyeurisme, avant la Libération inimaginable ! Les illustrations remarquables des rues de Paris dont nous commémorons à cette occasion le 80e anniversaire de sa libération, la force du témoignage rendu avec le ton juste par le scénario évitant tout pathos, font de ce troisième tome une évocation poignante et indispensable de la Résistance à partager avec le plus grand nombre, notamment avec les plus jeunes lecteurs. Jules Buissonnet
		"L'Arche de Noé et le Déluge" ; Scénariste Clotilde Bruneau et Luc Ferry, Dessinateur Gianenrico Bonacorsi, Directeur artistique Didier Poli, Collection « Sagesses des Mythes », Editions Glénat, 2024. L’histoire de l’Arche de Noé remonte à la plus ancienne histoire, celle du Déluge et de la dévastation de la terre suite aux excès de l’homme… Ce récit légendaire trouve ses racines dans l’ancienne mythologie de la Mésopotamie, évènement extraordinaire ayant inspiré directement la Bible et plus précisément l’Ancien Testament. C’est cette terrible histoire qui fait l’objet d’un album tout aussi impressionnant dans la collection « La sagesse des mythes » dirigée par Luc Ferry selon un scénario de Clotilde Bruneau et Luc Ferry, le dessin de Gianenrigo Bonacorsi et la direction artistique de Didier Poli. Si l’histoire est bien entendu connue, les faits évoqués – comme à l’accoutumée dans cette collection – permettront au plus grand nombre de rafraîchir ou d’enrichir leur mémoire historique sous la forme d’un récit à la fois captivant et enlevé. L’album débute par l’inconduite et la perversité du peuple de Mésopotamie bientôt condamné par le Seigneur qui en une révélation nocturne intimera l’ordre à Noé de bâtir une gigantesque arche avant la destruction de toute l’humanité… Si le récit biblique diffère du mythe mésopotamien, ce dernier étant plus centré sur la tranquillité des dieux perturbée par le bruit causé par les hommes, cet album reste fidèle aux Écritures par l’évocation de l’immense arche dessinée par Gianenrico Bonarcorsi, ainsi que par le grandiose déluge, dignes de ses prédécesseurs dans l’art du péplum ! Jules Buissonnet
		"Ayrton Senna Histoires d'un mythe" ; Scénariste Lionel Froissart, Dessinateur Christian Papazoglakis et Robert Paquet, Editions Glénat, 2024. Le célèbre coureur automobile brésilien est entré depuis longtemps dans la légende et il fallait bien un album digne de cette figure mythique de la F1 pour lui rendre hommage. C’est chose faite avec cette BD signée Lionel Froissart pour le scénario, et Christian Papazoglakis et Robert Paquet pour le dessin. Autant prévenir le lecteur que cette histoire sera menée tambour battant, les bruits des bolides concurrençant la vitesse de leur passage au fil des planches. Le rythme trépidant débute lors de cette fameuse course du Grand Prix de Monaco en 1984 lors de laquelle le futur prodige des pistes menace de rafler la place de leader d’Alain Prost dans les conditions d’un effroyable mauvais temps… Ce sera le point de départ de la légende Ayrton Senna évoquée avec brio par les auteurs de cette BD passionnante… même pour les non passionnés de courses automobiles ! Les planches parviennent à reproduire vitesse, bruit et action en une vrombissante épopée qui tient en haleine jusqu’à la dernière planche malheureusement trop connue de ce triste jour de 1er mai 1994 qui mit fin à une carrière fulgurante d’une courte mais dense décennie. Jules Buissonnet
		« Requiem – Tome 12 – « La Chute de Dracula » ; Scénario de Pat Mills ; Dessins et couleurs d’Olivier Ledroit, 24 x 32 cm, Editions Glénat, 2024. On ne résiste pas au tome 12 de la fameuse série culte « Requiem » ! Pour ce nouvel épisode, le lecteur est invité – rien que moins - à la table de Dracula ; ce dernier envisage, en effet, afin de fêter la victoire de ses preux chevaliers vampires d’organiser un banquet… Une incroyable occasion pour Requiem de vaincre à jamais Dracula ? Assurément, et pour cela Requiem se voit remettre par Black Sabbat le Marteau du Thurim. Mais, c’est sans compter Deucalion et l’ange de l’antimatière qui, eux aussi, risquent de sauter sur cette unique occasion… Requiem arrivera-t-il à temps au Banquet ? Rien n’est moins sûr ! Il faut dire que cet avant-dernier volume de l’une des séries dark fantasy les plus plébiscitées, après maintenant 12 ans d’existence, se doit être à plus d’un titre souligné : Parce que, comme toujours, au scénario Pat Mils ne tarit pas de créativité et d’une fertile imagination pour cet avant dernier tome préparant avec brio le dernier et ultime volume ! Parce que, également, et comme toujours ce volume signé en duo avec le dessinateur Olivier Ledroit donne, on s’en doute, un album extraordinairement illustré avec des dessins soignés et à nuls autres pareils. Les amateurs retrouveront en effet un fantastique graphisme digne de cette série culte dans une mise en planche aussi dynamique que grandiose. Bref, comme toujours, rien n’a été laissé au hasard pour ce tome 12… Et « Que sonne de nouveau le glas ! Que toute la Draconie sache… » Gilles Landais
		« La Vie rêvée d’un Papillon » ; Scénario de Sylvère Denné ; Dessin Sophie Ladame ; Cartonné, 19 x 26.5 cm, 128 p., Éditions La Boite à Bulles, 2024. Plaisir que de retrouver en BD cet incontournable récit du fameux bagnard « Papillon » inspiré de l’ouvrage d’Henri Charrière et porté au cinéma avec le succès que l’on sait avec Steve McQueen et Dustin Hoffman. L’album « La Vie rêvée d’un Papillon » revient en effet sur la vie d’Henri Charrière - de son vrai nom, qui envoyé à perpétuité au bagne de Guyane dans les années 1930, n’eut de cesse de vouloir s’évader et qui y réussit au bout de treize années d’enfermement… Cette vie rêvée, fantasmée, fut effectivement relatée par l’ancien bagnard « Papillon » ou Henri Charrière qui l’écrivit d’une traite avant d’envoyer son manuscrit à Robert Laffont ; idée de génie puisque l’ouvrage sera un succès éditorial incroyable avec plus de 15 millions d’exemplaires vendus, avant de connaître un non moins grand succès au cinéma avec le fameux film « Papillon » qui sortira le lendemain même de sa mort en 1973… Pour ce roman graphique, le lecteur sera conquis par le scénario signé Sylvère Denné. Un scénario admirablement illustré avec sa complice Sophie Ladame. Un duo qui avait déjà fait ses preuves avec « Bleu Amer » en 2018. On notera également une très belle mise en page aussi dynamique qu’esthétique qui n’est pas sans rappeler celle des beaux carnets de voyage avec ces jeux de graphisme et de couleurs. Il fallait assurément tous ces ingrédients pour offrir au lecteur en roman graphique l’incontournable légende – entre mythe et réalité - du fameux bagnard « Papillon »… Un joli défi relevé ! Gilles Landais
		« Outlaws- Tome 2 – Les Rivages de Midaluss » ; Scénario de Sylvain Runberg ; Dessin d’Éric Chabbert ; Coll. « Grans Public », 24 x 32 cm, 56 p., Editions Dupuis, 2024. Nous étions nombreux à attendre la sortie du deuxième tome « OutLaws », c’est chose faite avec ce nouvel opus intitulé « Les Rivages de Midaluss ». Rappelons qu’en 2779, la jeune terrienne, Kristina, après avoir fugué et voyagé illégalement grâce aux passeurs galactiques qui transportent des clandestins de divers univers, se retrouve sur une planète inconnue. Là, confrontée au racisme anti-humain, Kristina doit survivre et travailler pour le cartel des Cimes… Avec son nouveau compagnon, Zachary, sur la planète Drenn à Madaluss, cité balnéaire tentaculaire où prisons dorées de richissimes et bidonvilles coexistent, Kristina a décidé de devenir voleuse de voitures de luxe… et pourquoi pas, même, de devenir la reine de la pègre galactique ? Mais, la guerre des gangs et le Cartel des Cimes vont les rattraper… Avec un scénario signé de nouveau Sylvain Rumberg – « Wonder Woman », « Orbital », ce deuxième volet d’un spin-off d’Orbital embarque son lecteur dans l’univers sans merci des mafias galactiques, un univers sanglant qui pourrait bien nous rappeler le nôtre… À l’instar du premier volet, cette critique sociétale interplanétaire est également servie de nouveau de plume de maître par les dessins soignés, expressifs et dynamiques d’Éric Chabbert. Pour conclure, on ne doute pas que le lecteur saluera la belle créativité de ce duo de choc, Rumberg / Chabbert ! Gilles Landais
		« Les Ennemis du peuple » ; Scénario d’Emiliano Pigani ; Dessin de Vincenzo Bizzarri ; Traduction Hélène Dauniol-Remaud ; 19.8 x 26.6 cm, 136 p., Editions Glénat, 2024. C’est un roman graphique engagé que signent chez Glénat Emiliano Pagani et Vincenzo Bizzarri pour les dessins et couleurs. « Les ennemis du peuple » plonge en effet littéralement son lecteur dans la crise économique et sociale, quelque part en Italie, avec son usine et ses grilles fermées, ses travailleurs en grève, ces habitants en colère ou désabusés face à cette délocalisation inhumaine… Au cœur de cette multitude de personnages, Emiliano Pagani, qui fut lui-même un ouvrier, dessine avec minutie le climat lourd et tendu d’une crise tout autant économique que sociale, une crise telle que l’on en connait tant aujourd’hui entrant dans tous les foyers et relayée par les médias… C’est la découverte d’un homme sans vie et d’un revolver - découverte sur laquelle le récit s’ouvre - que se révèlent les caractères, les psychologies de chacun et où « Les ennemis du peuple » se dévoileront plus encore… On l’aura compris un one-shot dramatique et sans concessions qui happe son lecteur avec cependant ce doigté de comédie comme pour servir mieux encore de révélateur. Un regard aussi aiguisé que profond que Vincenzo Bizzarri a su merveilleusement illustrer et traduire sans jamais trahir cet espoir du désespoir qui semble battre au cœur même de cet album qui n’est pas sans rappeler les atmosphères lourdes et engagées des films de Stéphane Brizé avec Vincent Lindon. Gilles Landais
		« Bâtardes de Zeus » d’Agnès Maupré ; Coll. « Grand public », 24 x 32 cm, 208 p., Editions Dupuis, 2024. Dans une petite île grecque, deux amie d’enfance, Physalis et Britomartis, n’ont jamais connu leur père ; un père qui n’est autre que Zeus, lui-même ! Et effectivement, bien malin celui qui saura nous dire combien d’enfants et bâtards ce haut dieu de la mythologie grecque a eus… Reste que, dans ce roman graphique, Physalis et Britomatis partent toutes deux sur les routes à la recherche de ce père absent avec pour sac à dos leur colère. Mais bien des vicissitudes attendent en chemin nos deux comparses ; outre les autres bâtards de Zeus qu’elles seront amenées à rencontrer, elles seront surtout confrontées à la domination et violence des Dieux… Avec ce volume signé en auteur complet, Agnès Maupré connue dans le monde de la BD et qui fait, ici, son entrée chez Dupuis. Une entrée plus que réussie puisqu’elle nous offre un opuscule féministe et débridé à souhait avec un scénario bien ficelé qui nous promène dans toute la mythologie grecque. Le lecteur appréciera également la mise en page des plus dynamiques pour un roman graphique et les dessins souvent irrésistibles avec couleurs illuminant les pages. Un coup de maître et un nom à retenir assurément ! Gilles Landais
		« Les Tribulations de Félix Mogo » de Christian Cailleaux, 15.5 x 21.8 cm, 616 pages, Editions Glénat, 2024. Il se présente comme un livre avec son format, sa jolie reliure de garde et son ruban de marque-page, mais il cache en réalité quatre fort beaux récits graphiques signés Christian Cailleaux aux éditions Glénat. L’histoire d’un jeune homme aussi élégant que triste, Félix Mogo, qui ne peut résister pour le meilleur et le pire à l’amour des jolies femmes… et aux voyages ! Il y a effectivement, aussi et surtout, dans ce beau récit un vent du large, des rêves de voyages et d’exotisme qui ne sont pas sans faire penser à quelques célèbres « écrivains voyageurs », on songe bien sûr à Kessel, mais aussi à Conrad ou Blaise Cendrars. Il faut dire que Christian Cailleaux, auteur bien connu dans le monde de la BD depuis les années 90, on lui doit « Les Imposteurs » ou plus récemment « Le Passager du Polarlys », et ici, en auteur complet, est lui-même un fameux globe-trotter ayant sillonné terres et mers notamment pour des missions scientifiques… Derrière la mise en page soignée, aussi originale que dynamique, et des dessins en noir et blanc attachants, expressifs et aux lignes épurées, le lecteur retrouvera cette poésie si chère à l’auteur, celle de l’Afrique, de l’Inde, de l’Asie, mais aussi celle de New York… Quatre continents pour quatre récits et époques pour ce one-shot inédit regroupant, en fait, quatre récits déjà publiés, mais depuis longtemps épuisés : « Harmattan, le vent des fous », « Le Café du Voyageur », « le Troisième Thé » et « Tchaï Masala, monologue hindi». « Invitation au voyage », rêves et imagination, mais aussi humour et dérision, rien ne manque à ces récits délicieux dont on se saurait se priver ! Gilles Landais
		« Birdking – livre 1 » ; scénario Daniel Freedman ; Dessin et couleur CROM ; Design original de Diana Ortiz ; Cartonné, 18.8 x 27 cm, 160 p., Les Humanoïdes Associés, 2024. Un univers Dark Fanstasy empli de légendes, de rois, de lointaines contrées et d’épée offrant un imaginaire archétypale débridé… Bianca, jeune apprentie forgeron, est contrainte de fuir la Colline aux Plumes et son pays en guerre. Elle et son maître, après avoir forgé la lame spectrale d’Aduren pour le roi Aghul, ont en effet été trahis. Fuyant seule avec l’épée et cherchant dès lors désespérément, l’Atlas, une terre légendaire, elle n’aura d’autre choix que de livrer bataille sur bataille et de percer le mystère d’un roi déchu, celui de Birdking…. Fantôme guerrier qu’elle a réveillé… Un premier livre qui ne manque ni d’action ni de rebondissements et encore moins de piquant. Avec un scénario captivant haut en couleur signé Daniel Freedman, le lecteur est, en effet, entraîné dans un monde des plus fantastiques illustré merveilleusement par le dessinateur CROM. Un duo bien connu du monde de la BD depuis « Raiders » et que nombre d’entre nous auront plaisir à retrouver de nouveau réunis pour « Birdking ». Le lecteur appréciera, enfin, le riche dossier graphique accompagnant ce livre premier. Gilles Landais
		« La Callas et Pasolini, un amour impossible » de Briotti – Dufaux, Air Libre, 2023. Pasolini et Maria Callas demeurent deux icônes de la culture italienne passées à la postérité chacune dans leur art. Et pourtant, leur éphémère relation intime est moins connue de ce côté-ci des Alpes, thème d’une remarquable BD chez Air Libre. Jean Dufaux (scénario) et Sara Briotti (dessin) ont en effet uni leur talent pour retracer cette singulière aventure entre deux artistes que rien ne semblait pourtant réunir. D’un côté, l’écrivain-poète-réalisateur, plus tourné vers les conquêtes masculines que féminines, de l’autre côté la célèbre cantatrice à la carrière éclatante et vie tourmentée… La rencontre se fera lors du tournage de « Médée », Pasolini ayant choisi la cantatrice grecque pour interpréter le rôle du personnage de la mythologie. L’amour platonique qui résultera de cette union atypique sera aussi éphémère qu’intense ainsi qu’il ressort de cet album non seulement informé, mais également d’une rare beauté dans le cadre féérique d’un voyage au Brésil réunissant les deux protagonistes. Une belle préface de l’écrivain italien Emanuele Trevi et un passionnant essai d’Alain Duault sur « Les hommes de Callas » complètent cet album en hommage au centenaire de la diva… Jules Buissonnet
		« Eden Corp » ; Alain Bismut, Abel Ferry, Christopher Sebela et Marc Laming ; Cartonné, 20.9 x 31.8 cm, 112 p, Editions Humanoïdes Associés, 2024. Que diriez-vous de partir à bord d’un vaisseau spatial vers un monde meilleur ? C’est l’opportunité qui s’offre justement à Gabe et sa famille… Une opportunité offerte à très peu d’élus et d’autant plus attrayant, que sur la Terre surpeuplée qu’ils habitent seule la violence règne et que cette famille ne doit sa survie qu’à de petits larcins et cambriolages… Alors comment refuser de faire tourner « la chance » de son côté ? Mais, Gabe, Morgan et leur fille vont lors de leur voyage faire une terrible et bouleversante découverte qui va transformer tragiquement leur rêve de paradis en véritable cauchemar. Signé pour l’idée originale à quatre mains, d’une part, par le réalisateur Abel Ferry, auteur déjà de « Piège Blanc » en 2014 et du « Saut du Diable » en 2002, et d’autre part, Alain Bismut pour la première version scénarisée née en 2011, ce one-shot réjouira bien des amateurs de récits de science-fiction. Et ce d’autant plus, que le scénario proprement dit est signé pour cet album par Christopher Sabela, auteur incontournable dans le monde de la BD et nominé quatre fois aux Eisner Awards. Cet album offre également de fantastiques dessins de la plume de Marc Laming que l’on ne présente plus tant son talent est depuis plus d’une décennie reconnu par tous ; des dessins réalistes extrêmement bien maîtrisés rehaussés des couleurs de Lee Lougridge et par lesquels le lecteur se laisse très volontiers entraîner avec Gabe et sa famille dans cet extraordinaire voyage aussi effrayant que captivant. Gilles Landais
		« Don Juan – Tome 2/2 – L’Invité de pierre », Coll. « La sagesse des mythes, contes et légendes » sous la direction de Luc Ferry ; Scénario de Clotilde Bruneau, Dessin et story-board de Diego Oddi ; Direction artistique par Didier poli ; Couleurs de Ruby, Couverture de Paolo Grella ; 24 x 32 cm, 48 p., Editions Glénat, 2024. Nombreux seront ceux qui auront plaisir à découvrir ce second volet de « Don Juan » dans cette collection toujours aussi plébiscitée « La Sagesse des mythes, contes et légendes » dirigée par le philosophe Luc Ferry. Rappelons que pour ce diptyque, Luc Ferry a souhaité retenir le Don Juan du moine espagnol Tirso de Molina (1579-1648), auteur incontournable du Siècle d’or espagnol. Une version injustement moins connue en France et pourtant à l’origine du non moins célèbre personnage de Don Juan, avant qu’il ne soit repris en Italie, puis par Molière. Dans ce second tome, Don Juan est avec son serviteur Catalinon désormais à Séville. Là, il tuera le père de Dona Ana qui voulait défendre l’honneur de sa fille que Don Juan avait séduite. Aussi, fuira-t-il de nouveau et séducteur impénitent, ne pourra s’empêcher de porter son dévolu sur la belle Aminta qui pourtant va se marier. Mais, un soir, il aura la terrifiante visite d’un défunt, une statue de pierre, « L’invité de Pierre » qui donne son titre à cet ultime album car l’heure sera venue pour Don Juan de rendre des comptes… Dans cet album et version,le lecteur aura tout le loisir de mesurer combien le personnage de légende de Don juan est aussi complexe que démoniaque. Et c’est bien cette complexité, ayant inspiré tant d’auteurs et d’artistes, que le lecteur retrouvera, ici, parfaitement rendue dans ce scénario signé de nouveau Clotilde Bruneau et ces dessins réalistes également toujours aussi soignés de Diego Oddi. Gilles Landais
		« Sol-13 » inspiré de l’œuvre de Julia Verlanger ; Scénario d’Harry Bozino ; Dessin de Federico Dallocchio ; Couleur de d’Aratha Battistutta et Annelise Sauvêtre ; 24 x 32 cm, 112 p., Les Humanoïdes associés, 2024. Un album de pure science-fiction à ne pas rater ! Inspiré en effet de l’univers de Julia Verlanger, auteur français incontournable dans le domaine de la science-fiction, « Sol-13 » entraîne son lecteur dans ce monde extra-planétaire à nul autre pareil… Jatred a été nommé à la tête d’un commando pour retrouver Eiko, un agent de la Confrérie des Étoiles, envoyée en reconnaissance sur la planète Sol-13 et qui a mystérieusement disparue. A sa recherche, Jatred découvre alors que règnent sur cette planète des plus inhospitalières des êtres aux pouvoirs psychologiques terrifiants possédant par ailleurs une très haute technologie et ayant réduit les humains en esclavage… Pourront-ils sans risque les libérer ? Le scénario bien ficelé offre une intrigue de haut vol, faite de guerres, de stratégies et d’action tout azimut. Rien d’étonnant à cela puisque le scénario inspiré de l’univers de Julia Verlanger est signé Harry Bozino, un auteur reconnu et entré chez Les Humanoïdes associés depuis maintenant plus de cinq années, et qui a déjà été remarqué et salué pour sa précédente adaptation de l’œuvre Julia Verlanger : « Planètes orphelines ». Pour le plus grand plaisir de ses lecteurs, il récidive, ici, avec au dessin, Federico Dallocchio, tout aussi connu dans le monde de la BD. Collant au plus près au scénario, Fedérico Dallocchio réjouira les amateurs les plus difficiles avec des dessins extrêmement soignés alliant créativité, réalisme et finesse des détails ; des dessins époustouflants offrant de véritables et incroyables paysages de science-fiction rehaussés par les couleurs d’Aratha Battistutta et Annelise Sauvêtre. On relèvera également un beau travail dynamique et efficace de mise en planche. Gilles Landais
		« Petit pays » Sylvain Savoia et Marzena Sowa, adapté du roman de Gaël Faye, 23.7 x 31 cm, 128 p, Aire Libre, Editions Dupuis, 2024. C’est assurément une poignante et très réussie adaptation du roman de Gaël Faye « Petit pays », que le lecteur pourra découvrir aujourd’hui chez « Aire Libre », un album revenant sur le génocide des Tutsi par les Hutu mais vu par le regard de deux enfants franco-rwandais. Exilés au Burundi, Gaby et sa petite sœur Ana ont effectivement de leur petite hauteur vu à la fois leur famille se déchirer, le génocide des Tutsi et le Burundi basculer dans la guerre civile… Comment dès lors ignorer que c’est toute leur enfance et leur innocence envolées à jamais… Alors que se multiplient les commémorations marquant les trente années du génocide des Tutsi au Rwanda, cette adaptation aussi sensible que soignée signée Sylvain Savoia et Marzena Sowa pour le scénario ne saurait laisser indifférent. Aussi respectueux du roman de Gaël Faye que de l’Histoire, c’est en effet une adaptation des plus puissantes que le lecteur découvrira ; est-il besoin de rappeler que ce premier roman de Gaël Faye, auteur et chanteur, sorti en 2016 s’est vendu à plus d’un million d’exemplaires, a été traduit dans 35 pays, primé par plus de dix prix, dont le Prix Goncourt des lycéens en 2016. Objet déjà de nombreuses adaptations pour le cinéma ou au théâtre, l’auteur rwandais a pour cet album étroitement collaboré avec Sylvain Savoia et Marzena Sowa, un duo déjà connu et apprécié dans le monde de la BD (on se souvient de la série « Marzi » également chez Dupuis). Autant dire que cette adaptation était attendue ! Aujourd’hui, on ne peut que souligner la fidélité du scénario non seulement quant au récit de Gaël Faye, mais aussi quant à la langue même de l’auteur. Une gageure réussie confirmée par la justesse et grande sensibilité des dessins de Savoia – mais pouvait-il en être autrement ? Assurément, une adaptation qui ne peut qu’être vivement saluée. Gilles Landais
		« Le Nom de la Rose » - Tome 01 » de Milo Manara d’après l’œuvre de Umberto Eco, Editions Glénat, 2023. Même celles et ceux qui n’ont pas lu le célèbre roman médiéval de Umberto Eco connaissent l’intrigue du Nom de la Rose, ne serait-ce que grâce à sa version pour le grand écran réalisée par Jean-Jacques Annaud avec le génial Sean Connery… C’est cette incroyable enquête que reprend pour le 9ième art Milo Manara, un autre géant italien de la BD ! Plus connu pour ses productions érotiques, c’est à un autre genre plus austère auquel s’attache pour cet album notre auteur à partir du célèbre roman d’Umberto Eco. Même si l’histoire est connue, rappelons l’intrigue qui se déroule en plein cœur du XIVe s. dans une abbaye bénédictine du nord de l’Italie. Plusieurs moines sont retrouvés morts dans des circonstances plus qu’inquiétantes. C’est alors que le frère Guillaume de Baskerville (à ne pas confondre avec le chien du même nom !) est appelé afin de mener une enquête et résoudre cette étrange série mortelle… Ce premier tome débute par une introduction imaginaire en noir et blanc d’Umberto Eco rappelant l’origine de son célèbre roman avant de placer le cadre de l’action dans les escarpements abrupts menant à l’abbaye : neige, pénombre et hauteurs vertigineuses du bâtiment campent un décor des plus angoissants, et ce, grâce au dessin incisif de Milo Manara et à son art éprouvé des contrastes entre lumière et pénombres. L‘atmosphère inquiétante pour ne pas dire oppressante gagne rapidement le lecteur happé littéralement par cette action policière menée tambour battant. Une véritable réussite qui s’inscrit en droite ligne du célèbre roman ! Jules Buissonnet
		« Philiations – Tome 1 » de Gwen de Bonneval ; 19.5 x 25.8 cm, 224 p., Coll. « Aire Libre », Editions Dupuis, 2024. Quelle surprise des plus agréables que de retrouver chez Dupuis Gwen de Bonneval vu et raconté par Gwen de Bonneval lui-même ! Auteur complet, dessinateur et/ou scénariste que l’on ne présente plus dans le monde de la BD, il a été primé en 2000 au Festival d’Angoulême et a collaboré avec des noms non moins connus tels que F. Vehmann, H. Tanquerelle, H. Micol… On se souvient de « Messire Guillaume » en version intégrale avec au dessin Matthieu Bonhomme et présenté, ici, il y a peu. Aujourd’hui, dans le premier tome de ce diptyque nommé avec humour « Philiations », Gwen revient sur son enfance, une enfance quelque peu chahutée par une mère violente, un grand-père à la personnalité écrasante et un père absent… Une fine introspection emplie d’amour et une « Philiation, qu’il poursuit au présent en interrogeant son rôle de père dans notre monde d’aujourd’hui tel qu’il ne va pas… On l’aura compris, c’est aussi et surtout le lecteur que cet album aussi tourné vers soi que vers les autres interroge. Qui a vraiment compté dans notre passé, dans notre construction d’homme ou de femme ? Que veut-on, peut-on transmettre ? Ce sont ces liens qui intéressent Gwen de Bonneval, ainsi que l’annonce la construction originale du titre « Philiations » et dont s’explique en ouverture l’auteur. On soulignera également une mise en planche extrêmement attrayante et sympathique, intercalant photographies d’époque et portraits tout de rondeur. On sourit à l’empathie de l’auteur et à cette tendresse du récit graphique. Le volume se referme sur ce mois d’octobre de 1979, Gwen à 6 ans… en attendant avec une vive impatience le second tome. Gilles Landais
		« Visage – Ceux que nous sommes » - Tome 4 – Soleil, cou coupé » ; Scénario de Nathalie Ponsard-Gutknecht et Miceal Beausang-O’griafa ; Dessin et couleurs Aurélien Morinière ; 24 x 32 cm, Editions Glénat, 2024. Quatrième et dernier tome de la série « Visages » déjà largement saluée, « Soleil cou coupé » tient une nouvelle fois ses promesses. Inspiré de faits réels et bouleversants, ce dernier volume entraîne son lecteur en 1944 dans les sombres années de la Seconde Guerre mondiale et les camps de concentration : Un orphelin, enfant de la honte, Georg, devenu sniper dans l’armée allemande retrouve son père. Ensemble, ils partent à la recherche de sa mère. Mais, celle-ci, journaliste opposante vient d’être arrêtée et enfermée à Dachau… Avec une mise en planche des plus dynamiques, des visages réalistes et acérés et des jeux de couleurs que l’on doit à Aurélien Morinière, ce tome tient son lecteur dans les griffes de l’Histoire et de l’intime, entrecroisant les histoires et la complexité des liens tant familiaux qu’humains. Se développant sur trois générations, c’est avant tout la question de l’identité qui a guidé les auteurs et scénaristes, Nathalie Ponsard-Gutknecht et Miceal Beausang-O’griafa, pour cette série et ce volume : ce que nous sommes ou plus subtilement « ceux que nous sommes », sous-titre de cet album. On l’aura compris, cet ultime volume ne saurait laisser indifférent et entend bien questionner son lecteur sur les liens qui nous unis aux autres et à nous même… Gilles Landais
		« Barcelona, âme noire » ; Scénario de Denis Lapière et Gani Jakupi ; dessin de Rubén Pellejero, Martin Pardo et Eduard torrents ; 23.7 x 31 cm, 148 p., Aire Libre, 2024. A noter sur sa tablette, ce très bon récit graphique signé de pas moins de 5 auteurs, deux scénaristes et trois dessinateurs dont Denis Lapière et Rubén Pellejero ; rien de moins pour cette extraordinaire saga débutant à la sortie de la guerre civile espagnole lors des premières années de la dictature franquiste jusqu’à sa mort en 1975 ; un récit familial dramatique nous contant le triste destin d’un jeune homme, Carlitos Moreno, tiraillé entre ce qu’il est et ce que l’atavisme familial aimerait qu’il soit… 148 pages dans lesquelles le lecteur se retrouve littéralement immergé, happé par ce récit à la fois historique, familial et psychologique où l’amour et l’aventure se côtoient pour mieux encore donner vie aux personnages dans cette « Barcelona, âme noire ». Un très bel album que cela soit la construction du récit que le traitement graphique de ce dernier ; Il faut dire que le duo – Lapière / Pellejero n’en est pas chez Aire Libre à ses débuts ; est-il besoin de rappeler : « Un peu de fumée bleue… », « Le tour de valse » ou encore « L’impertinence d’un été »… Ils sont, ici, rejoints par trois autres acolytes : Gani Jakupi pour le co-scénario, auteur également bien connu chez Aire Libre avec « Le retour au Kosovo », et pour les dessins Martin Pardo et Eduard Torrents, bien connu aussi chez Air Libre pour avoir réalisé également en duo avec Denis Lapière « Le convoi », diptyque aujourd’hui réédité chez Dupuis en version intégrale. Une association de dessinateurs de haut vol, donc, donnant pour cet album des dessins nets et épurés d’une redoutable efficacité. On l’aura compris rien ne semble avoir été laissé au hasard par nos cinq comparses pour cette « Barcelona, âme noire ». Gilles Landais
		« Les plus chouettes Histoires du Petit Spirou –– Tome 1 – Tu racontes n’importe quoi ! » de Tome et Janry, Coll. « Tous publics », 21,8 x 30 cm, 64 pages, Editions Dupuis, 2023. On ne résiste pas à retrouver pas moins de neuf histoires du fameux « Le Petit Spirou ». On y retrouve en ces pages toute la signature du duo de légende, Tome et Janry, avec ce brin d’humour et de fraîcheur offrant au Petit Spirou des aventures pleines de surprises ; des histoires choisies quelques peu déconcertantes, saugrenues ou encore cocasses pour ce gamin plein de candeur découvrant le monde des adultes… Et quelle émotion effectivement lorsqu’on se retrouve dans le même lit que Zoé qui - du même âge - ne sait pas viser lorsqu’elle embrasse sur la joue ! Ce sont véritablement « Les plus chouettes histoires du Petit Spirou », des histoires drôles juste pour rigoler que nous offre avec bonheur cette nouvelle série. Et il est si plaisant pour ce premier volume, que l’on soit petit ou grand, d’entendre dire encore par Philippe Tome (Philippe Vandervelde) parti trop tôt en 2019 et Janry : « Tu racontes n’importe quoi ! » - Gilles Landais
		« Les Grandes Batailles navales – Opium War » ; Scénario de Jean-Yves Delitte ; Dessin de Q-HA ; Couleurs de Hiroyuki Ooshima ; Co-édition Musée national de la Marine / Editions Glénat, 2023. À noter la parution dans la fameuse et aujourd’hui incontournable série « Les Grandes Batailles navales » de ce nouveau volume nommé l’ « Opium War ». Mené, comme toujours, de mains de maître par Jean-Yves Delitte et Q-HA pour les dessins. Est-il encore besoin de rappeler que Jean-Yves Delitte, peintre officiel de la Marine, est aujourd’hui membre Titulaire de l’Académie des Arts et Sciences de la mer ?! Par les dessins soignés, le souci du détail et ces visages si expressifs, le lecteur plonge littéralement dans cet univers particulier de l’Empire chinois en ce milieu du XIXe siècle ; une période plus que troublée marquée par des révoltes, des crises tant économiques que sociales et surtout une impitoyable guerre de l’opium entraînant de nombreux affrontements avec le Royaume-Uni, mais aussi la France et les États-Unis d’Amérique qui déboucheront sur une guerre devenue alors inéluctable ; ce que les historiens nommeront la Guerre de l’opium avec notamment cette célèbre bataille navale de Fasthan Creek en 1857, le 1er juin précisément… Une guerre qui ne s’arrêtera que 3 années plus tard en 1860 avec la convention de Pékin. Gilles Landais
		« Spirou et la Gorgone Bleue » ; Scénario Yann ; Couleur et dessin Dany ; Coll. « grand Public », 24 x 32 cm, 88 p., Editions Dupuis, 2023. Et si l’envie vous prenait de vous retrouver embarqué sur un porte-avion avec Spirou et Fantasio ?! C’est dans cette étrange et divertissante aventure que vous les retrouverez embarqués à leur insu sur ce porte-avion de la US-Navy face à l’un des plus grands pollueurs, un producteur d’engrais chimiques bien décidé à éradiquer un groupe d’écolo-terroristes financés par - tenez-vous bien, rien que moins par le Comte de Champignac ; Eh Oui !, lui-même ! Qui plus est, ce groupe est constitué à 100 % d’agents féminins et son nom « La Gorgone Bleue » donne son titre à ce turbulent volume… signé Dany et Yann ! Un duo de choc, donc, pour une aventure de Spirou dans l’esprit de la légende et de Franquin, loin d’être - on l’aura compris - de tout repos… péripéties, intrigues, rebondissements, humour et jolies filles, sans oublier des thèmes d’actualité. Est-il besoin de rappeler que Yann est présenté comme l’un des plus complets scénaristes : « Véritable homme-orchestre du scénario, Yann est insaisissable. » On le connaît, effectivement, pour son humour souvent décapant et son insatiable curiosité. A ses côtés, aux couleurs et dessins, le lecteur retrouvera avec bonheur, une nouvelle fois, Dany avec des dessins dynamiques et explosifs à souhait ! Un régal… en attendant impatient « Le retour de la Gorgone noire ». Gilles Landais
		« Lucky Luke – Tome 05 – Nouvelle Intégrale » René Goscinny et Morris ; Coll. « Patrimoine », 21,8 x 30 cm, 208 p., Editions Dupuis, 2023. À noter absolument la parution du Tome 05 de l’incontournable « Nouvelle intégrale – Lucky Luke », on ne doit pas en effet manquer un tel volume ! C’est avec un plaisir inégalé que le lecteur retrouvera dans ce nouveau volume de prés de 210 pages, pas moins de trois récits, des récits parmi les plus célèbres de Lucky Luke : « Le Juge », « Ruée sur l’Oklahoma » et « L’Évasion des Dalton ». Des albums mythiques signés Goscinny et Morris parus à la fin des années 50 – 60 après la publication des « Cousins Dalton » dans le « Journal de Spirou » ; époque durant laquelle Morris eut l’heureuse idée de choisir Goscinny pour scénariste avec le succès que l’on connaît… Avec ces trois aventures, les iconiques personnages que sont Lucky Luke, les Dalton et le non moins fameux juge avec son chapeau s’affirment et s’imposent donnant à la série une originalité indépassable. Clins d’œil, subtilités et humour donnent alors le ton et ouvrent l’espace du monde de la bande dessinée aux adultes et par là même à tout public. Et quel régal de retrouver aujourd’hui cette époque bénie et ces indémodables aventures du monde de la BD ! À ces trois albums, le lecteur aura, qui plus est, la joie de découvrir en ouverture un riche et instructif dossier réalisé par Bertrand Pissavy-Yvernault dévoilant plus d’un secret… Gilles Landais
		« Michel Vaillant – Légendes -Tome 2 - L'âme des pilotes » de Lapière et Dutreuil, Graton, 2023. Le duo Lapière et Dutreuil perpétue le souffle Michel Vaillant avec cette nouvelle parution « L’âme des pilotes » Tome 2 parue chez Graton. Autant dire que le rythme sera enlevé et la puissance des grosses cylindrées au diapason de ce nouvel opus faisant revivre la magie du Grand Prix de Monaco en 1971, nostalgie, nostalgie… Mais tout ne baigne pas dans l’huile… de moteur ! Dans le camp Vaillant, de nombreux problèmes techniques du moteur ont même été la cause d’un accident en Espagne lors d’une course hantant encore Michel. Nous retrouvons dans ces pages au dessin d’une haute virtuosité une mise en planche toujours aussi attractive, véritable plaisir des yeux renouvelé avec ces couleurs chatoyantes, ces bolides dont nous percevons presque le bruit et le vent laissés par leur passage… « L’âme des pilotes », c’est également un scénario serré qui ne laisse pas de place au hasard avec une intrigue des plus séduisantes et qui tiendra le lecteur en haleine jusqu’à la dernière planche. Pour quelles raisons ces moteurs percent-ils si rapidement après une heure de course ? Quel est le rôle de ce mystérieux Américain aux abois ? La course ne se jouera pas que sur le circuit de Monaco, tant s’en faut, pour une aventure trépidante au sens propre comme au figuré ! Jules Buissonnet
		« L’Aigle à deux têtes - Tome 5 - « Le dernier des aigles » de Wallace et Julien Camp, Zéphir, 2023. « « L’Aigle à deux têtes - Tome 5 - Le dernier choix » de Patrice Buendia et Damien Andrieu, Zéphyr, 2023. Avec Adler et Eagle, les deux séries jumelles à succès, rangées toutes deux sous la dénomination « L’Aigle à deux têtes », trouvent leur conclusion avec ces deux derniers tomes (5). Pour quelles raisons proposer deux séries conjointes ? Tout simplement afin d’offrir sur le même thème – la Seconde Guerre mondiale – le point de vue d’un pilote allemand et d’un pilote américain ! Cet angle fécond et particulièrement bien traité des deux côtés de chaque camp tiendra le lecteur en haleine grâce au talent conjugué de Wallace et Julien Camp côté américain et Patrice Buendia et Damien Andrieu côté allemand… Le débarquement de Normandie est déjà bien entamé lorsque le pilote James O’Brady pose le pied en France avec le souhait de retrouver Esther, son amour… Mais son éternel rival Hans demeure en lien étroit avec James, car si chacun a retrouvé son corps, leur identité demeure toujours aussi étroitement associée ! Cet imbroglio ne pourra que conduire à un ultime combat afin de départager les deux prétendants. Deux numéros à dévorer conjointement pour des scènes aériennes époustouflantes et un suspens unique. Jules Buissonnet
		« Messire Guillaume – Récit complet » ; Scénario Gwenn de Bonneval ; Dessins Matthieu Bonhomme, Coll. « Grand Public », 24 x 32 cm, 168 p., Editions Dupuis, 2023. Nous sommes nombreux à nous réjouir et à saluer la parution chez Dupuis de l’intégralité de « Messire Guillaume », cette fois-ci en couleur, et quel plaisir ! Ce récit inspiré et initiatique d’un orphelin, Guillaume, donné pour inconsolable, mais qui mènera cependant sa destinée jusqu’au plus fabuleux des mondes a, en effet, lors de sa sortie en trois tomes véritablement enchanté. Donné aujourd’hui pour encore plus de rêve et d’évasion à découvrir en couleurs et plongé dans un univers médiéval et fantastique, le lecteur suivra les fantastiques aventures vers l’âge adulte de cet adolescent « Messire Guillaume » désirant faire le deuil de son père… Signé Gwen de Bonneval, ici, au titre de scénariste, cet album intégral offre un extraordinaire voyage entraînant son lecteur dans des contrées aussi diverses que lointaines. Pour ce voyage en un seul volume paru initialement seulement en noir et blanc en 2006, Gwen de Bonneval était rejoint par Mathieu Bonhomme pour les dessins ; un duo sans faute. Le lecteur pourra apprécier, outre l’expressivité des personnages, la variété et diversité des trouvailles graphiques aujourd’hui rehaussée par la non moins fantastique mise en couleurs de Walter. Le lecteur y découvrira également des planches inédites, ainsi qu’un très bel et long entretien tout aussi inédit avec les auteurs. Un fabuleux album intégral couleur, donc, pour un extraordinaire voyage en compagnie de « Messire Guillaume » ! Est-il besoin de rappeler que ce fantastique récit a reçu le prix Intergénérations au festival international d’Angoulême en 2010 ? Gilles Landais
		« La princesse de Mars – Tome 01 » d’après l’œuvre d’Edgar Rice Burroughs ; Scénario de Jean-David Morvan ; Dessin de Francesco Biagini ; Editions Glénat, 2023. Nombreux seront ceux qui seront ravis de découvrir en BD « La Princesse de Mars », cette incontournable histoire signée au siècle dernier par le fameux auteur américain Edgar Rice Burroughs (1875-1950). C’est en effet une heureuse initiative qu’ont eue les éditions Glénat d’adapter ce roman indémodable, précurseur de la science-fiction, avec aujourd’hui aux commandes pour ce diptyque, Jean-David Morvan pour le scénario et Francesco Biagini pour les dessins. L’histoire de « La Princesse de Mars » est le récit fantastique d’un soldat, John Carter, propulsé sur la planète Mars et confronté aux différentes tribus habitant la planète rouge ; là, il découvre un monde des plus déroutants et mystérieux qu’il tente de comprendre et d’apprivoiser… Captif des cruels martiens verts, il saura cependant sauver sa peau en s’imposant avant de tomber amoureux d’une belle et séduisante prisonnière, la princesse Dejah Thoris de la tribu rouge... Carter apprendra alors l’histoire de la fameuse planète rouge nommée pas ses habitants, Barsoum... C’est une adaptation à la fois fidèle et revisitée des plus réussies que nous propose pour ce premier volume Jean-David Morvan, que l’on ne présente plus dans le monde de la BD ! Avec, ici, une mise en planches éblouissante aussi originale que dynamique, le célèbre roman d’Edgar Rice Burroughs trouve incontestablement une version de choix ; une adaptation que viennent admirablement illustrer les dessins soignés de Francesco Biagini. Cela donne un album véritablement flamboyant ! L’auteur américain de ce fantastique récit, Edgar Rice Burroughs, auteur également de « Tarzan seigneur de la Jungle », est considéré comme l’un des plus grands auteurs américains populaires, précurseur de la science-fiction, à l’origine de nombre de courants que ce soit le genre planet-opera ou de la fantasy… Le récit de la « princesse de Mars », deuxième roman de Burroughs, fut publié d’abord en feuilleton en 1912 aux États-Unis ; devant le succès du roman, il deviendra le premier d’une longue série publiée et connue sous le nom du « Cycle de Mars ». Il sera publié en France en 1938 et ne cessera depuis de connaître versions et adaptations que ce soit pour le cinéma ou aujourd’hui le monde la BD. L’histoire d’un succès que le lecteur retrouvera dans le riche dossier signé Patrice Louinet en fin de volume. Une série à ne pas manquer et dont on attend en piaffant le second tome ! Gilles Landais
		« Les Piliers de la Terre - Tome 1/6 – Le Rêveur de Cathédrales » ; Scénario Didier Alcante ; Dessin de Steven Dupré ; 24 x 32 cm, 104 p., Editions Glénat, 2023. « Les Piliers de la Terre » - Un titre qui sonne bien sûr immédiatement à l’oreille pour cette nouvelle série en six tomes au succès assuré tant ses atouts sont nombreux, jugez-en ! Cette série au nom si connu est effectivement inspirée du célèbre roman historique de Ken Follett ; Adaptée aujourd’hui pour la première fois en BD, cette nouvelle série chez Glénat est par ailleurs et surtout signée Steven Dupré pour les dessins et Didier Alcante pour l’adaptation et le scénario. Entre ce duo gagnant le traducteur, Jean Rossenthal, Nicolas Ruffini-Ronzani de l’Université de Namour au titre de conseiller historique, le coloriste Jean-paul Fernandez, sans oublier Q. Swysen pour la modélisation 3D et P. Chailleux pour le lettrage, avouez que le générique présage du meilleur ! Et tel est bien le cas, avec ce premier tome « Le Rêveur de Cathédrales ». A peine ouvert, la magie opère, le lecteur se retrouve transporté au XIIe siècle, au temps des bâtisseurs de cathédrales. Il y retrouvera les fameux personnages de la célèbre saga et croisera, Tom, modeste bâtisseur dans un Royaume d’Angleterre englué dans les guerres et la famine. Supportant misère et deuils et échappant lui même de peu à la mort grâce à la jeune et rebelle Ellen, Tom rêve de construire la plus belle et la plus grande des cathédrales… C’est effectivement une adaptation des plus réussies que nous livre, ici, Didier Alcante de la fresque historique du célèbre auteur britannique. Avec un scénario pensé, une mise en planche dynamique et pleine de contrastes, le lecteur retrouvera tout l’univers de cette œuvre de Follett au succès mondial, un univers à nul autre pareil mais reposant cependant sur des fondements historiques et ayant inspiré bien des adaptations pour le cinéma, la TV ou encore les jeux vidéo depuis sa publication en 1989. A l’instar de l’œuvre de l’auteur toujours extrêmement bien informé, documenté et conseillé, nous retrouvons de la part des auteurs pour ce premier volume le même souci de l’Histoire avec pour conseiller le professeur Nicolas Ruffini-Ronzani spécialiste de l’époque médiévale, mais aussi de fidélité au récit avec ses tensions, ses rebondissements et ses si célèbres personnages… Un univers en soi que les splendides dessins de Steven Dupré, toujours aussi soignés et maîtrisés, restituent plus admirablement. Le lecteur est littéralement happé ! Gilles Landais
		« Madeleine, Résistante – Tome 2 – L’Édredon rouge » de Madeleine Riffaud ; scénario de Jean-David Morvan ; Dessin de Dominique Bertail ; 23.7 x 31 cm, 136 p., Éditions Aire Libre, 2023. Le tome premier de cette trilogie, « Madeleine, Résistante », a été l’un des albums les plus salués de l’année 2021, aussi est-ce avec impatience et émotion que nous retrouvons le deuxième volet de la vie de Madeleine Riffaud, véritable résistante durant la Seconde Guerre mondiale, torturée et plusieurs fois condamnée à mort. Ce sont, en effet, les vrais souvenirs de Madeleine jeune fille lorsque cette dernière entre à Paris en 1944 dans la résistance que le lecteur découvrira, ici, dans ce deuxième tome « L’Édredon rouge » avec un scénario de Jean-David Morvan et toujours au dessin, Dominique Bertail. Madeleine aura maintenant pour nom de code « Rainer », et témoigne dans cet album de la barbarie nazie et du combat mené par la Résistance ; son maquis sera Paris – « Moi, je vous raconte mon maquis. Et mon maquis, c’est Paris. », dira-t-elle. Elle se souvient de ce quotidien fait de discrétion, bien sûr, mais aussi d’actions et de risques ; Elle se souvient aussi de ses compagnons : Picpus, surtout, avec qui elle partagea son amour de la poésie et de sa rencontre avec le célèbre Réseau de Résistance Manouchian… une mémoire sans faille donnée à lire avec émotions par Jean-David Morvan et à voir avec le même souci du détail et de vérité par les dessins de Dominique Bertail. La rudesse du quotidien, des joies, des victoires, mais aussi des drames et des deuils que Madeleine Riffaud entend bien aujourd’hui dans notre ce XXIe siècle chaotique rappeler à ceux qui, trop jeunes, ne peuvent se souvenir, mais ne doivent pas pour autant oublier, et à ceux ayant aussi malheureusement la mémoire trop courte… Madeleine Riffaud continue ainsi de nos jours son engagement avec, ici, pour complices Jean-David Morvan et Dominique Bertail pour ses splendides dessins réalistes si bien maîtrisés notamment ces vues de Paris avec ses pavés mouillés, Montmartre, la Sorbonne ou encore Courbevoie… A lire absolument, que dire de plus ! Gilles Landais
		« Economix » de Michael Goodwin et Dan EE. Burr ; Traduit de l’américain par Hélène Dauniol-Renaud, 352 p., Editions Les Arènes BD, 2023. On ne peut que saluer cette nouvelle édition augmentée et colorisée de la fameuse BD « Economix ». Si ceux qui en connaissent le succès depuis sa première édition en 2013 n’hésiteront sûrement pas à actualiser avec cette nouvelle version leurs connaissances, on ne peut cependant qu’inviter ceux qui ne la connaissent pas encore à courir la découvrir ! Car, force est de constater que cette première histoire en BD de l’économie, qui fête donc aujourd’hui ses dix ans, est une véritable réussite. Les auteurs, Michael Goodwin et Dan E. Burr pour les dessins, ont par un tour de force de pédagogie et d’ingéniosité graphique réussi à relever une fois de plus un beau défi, celui de raconter de manière claire, ludique et accessible plus de quatre siècles d’économie... Dans cette nouvelle version, le lecteur découvrira ainsi pas moins de 40 nouvelles planches notamment le Brexit, la montée de populismes ou encore la guerre en Ukraine, mais aussi la problématique du réchauffement climatique sans oublier le caustique épilogue… Nous avons particulièrement apprécié les citations, les données des sources et autres précisions ou astérisques… Certes, certains trouveront toujours quelques points à développer ou souligneront les analyses parfois trop américaines ou engagées. Reste que cette dernière version, s’attaquant aussi bien à l’histoire de l’économie, à l’économie politique qu’aux politiques économiques notamment de nos dernières décennies, œuvre incontestablement pour une meilleure compréhension de l’histoire de l’économie, et par là même de notre monde d’aujourd’hui, celui avec lequel nous préparons l’avenir… Une belle gageure. Gilles Landais
		« Don Juan – Tome 1/2 – L’abuseur de Séville », Coll. « La sagesse des mythes, contes et légendes » sous la direction de Luc Ferry ; Scénario de Clotilde Bruneau, Dessin et story-board de Diego Oddi ; Direction artistique par Didier poli ; Couleurs de Ruby, Couverture de Paolo Grella ; 24 x 32 cm, 56 p., Editions Glénat, 2023. Dans la série si plébiscitée « La sagesse des mythes, contes et légendes » sous la direction du philosophe Luc Ferry, c’est avec plaisir que les lecteurs découvriront le célèbre et incontournable personnage de légende : « Don Juan », présenté, ici, en 2 volumes. Pour ce premier tome - intitulé « L’abuseur de Séville » - nous retrouvons pour commencer les frasques de ce séducteur impénitent qu’est Don Juan parcourant les routes d’Italie, de Naples, mais aussi d’Espagne… Sans scrupules, accumulant les conquêtes, promettant le mariage et s’enfuyant jusqu’à Séville… Soulignons que pour ce diptyque, Luc Ferry a fait choix de revenir et de retenir, non la célèbre pièce de Molière, mais celle de Tirso de Molina (1579-1648), grand auteur du Siècle d’or espagnol, moine de son état ; un choix en faveur d’une version, certes, moins connue en France et pourtant à l’origine du non moins célèbre personnage de Don Juan, avant qu’il ne soit repris en Italie, puis par Molière. Avec un découpage et des dessins soignés, réalistes et sans merci de Diego Oddi, le lecteur découvrira dans ce scénario signé Clotilde Bruneau un Don Juan plus démoniaque encore que le séducteur sans scrupules, sans loi ni morale de Molière… Don Juan est un personnage assurément de légende et cet album accompagné de son dossier « Énigmatique Don Juan, démoniaque ou libertin ? » en témoigne ! Gilles Landais
		« Batman – One bad day : Ra’s al Ghul » ; Scénario de Tom Taylor, Dessin d’Ivan Reis ; Coll. DC Deluxe, 72 p., Urban Comics Editions, 2023. La série « One bad day » s’enrichit encore avec un nouvel album mettant en scène Batman et Ra’s al Ghul ; c’est dire combien ce nouvel opus promet d’être décapant ! Ra’s al Ghul a pendant des siècles tenté de sauver la Terre de la perdition en éliminant tous les responsables de cette inexorable destruction ; mais, en vain, tant les obstacles étaient et sont encore nombreux… Cependant, aujourd’hui, après une nouvelle renaissance et se souvenant des drames de son passé, Ra’s al Ghul a décidé, quoi qu’il arrive, d’apporter paix et prospérité à la Terre et d’éliminer s’il le faut le fameux détective du Gotham… Signé Tom Taylor pour le scénario et Ivan Reis pour les dessins, « Batman – One bad day : Ra’s al Ghul » se veut – on l’aura compris - un hommage au « Killing Joke » d’Alan Moore et de Brian Bolland. Mettant en scène l’un des plus mystérieux ennemis de Batman, Tom Taylor a retenu, ici, un scénario des plus explosifs illustré à merveille par un découpage et des dessins non moins hallucinants d’Ivan Reis. On doit à ce dernier, ici encore, des cadrages magnifiques avec un ancrage de Danny Miki et idéalement rehaussés par les couleurs de Brad Anderson. Bien qu’implacable, le lecteur retrouvera dans cet album les valeurs – écologie, transmission, filiation - pour lesquelles Taylor s’est fait connaître dans l’Univers DC. Gilles Landais
		« Wonder Woman Historia » ; Scénario de Kelly Sue DeConnick ; dessin de Phil Jimenez, Gene Ha et Nicola Scott ; Coll. « DC Black Label », 256 p., Editions Urban Comics, 2023. Un album véritablement inouï ! avec des pages, une mise en planche, un découpage et des dessins effectivement époustouflants dans des couleurs choisies pour un scénario captivant signé Kelly Sue DeConnick. « Wonder Woman Historia » offre, ici, une réinterprétation libre et audacieuse de la mythologie grecque et des fameuses Amazones de la Grèce antique, livrant au lecteur des déesses très décidées à revoir le genre masculin que ce soit celui des Dieux ou des hommes. Avec un programme donné pour infaillible, la reine Hera et ses déesses projettent ainsi un monde inédit, un monde d’Amazones… Mais, un tel plan ne pouvait, on s’en doute, que susciter la colère des Dieux… Avec un scénario des plus dynamiques reprenant les 3 tomes de « Wonder Woman Historia », Kelly Sue DeConnick, qui livre avec cet album son premier grand récit chez DC, donne à découvrir un récit bien rythmé et haut en couleur de la guerre entre Amazones et Dieux. Une guerre sans merci qu’ont su rendre à merveille Phil Jimenez, Gene Ha et Nicola Scott. Une complicité de plume que le lecteur appréciera à sa juste valeur. Avec, qui plus est, son « Guide des Tribus Amazones » en fin de volume, cet album de plus de 250 pages ne pourra qu’émerveiller ! Gilles Landais
		« Le Héros du Louvre – Tome 2 – Mon Grand-père, ce héros ! » d’Elie Chouraquie avec des dessins de Letizia Depedri ; Cartonné, Coll. « Hors Collection », 21.5 x 29.3 cm, 64 p., Editions Glénat, 2023. C’est une belle histoire que nous compte le scénariste Elie Chouraqui, celle de son grand-père, Babi Maklouf, arrivé en France dans les années 30… Souvenons-nous que devenu gardien de nuit au Louvre, et alors que la Seconde Guerre mondiale a éclaté, le conservateur du musée, Jacques Jaujard lui a demandé de fuir la capitale avec femme et enfants en emportant avec lui à bord d’un camion les plus grands chefs d’œuvres du Louvre… Ici, dans ce second tome, Babi est enfin sur les routes de France… mais mille soucis et dangers l’attendent, l’armistice annoncée par Pétain, une France occupée et divisée sans oublier le quotidien, trouver à manger, s’occuper des enfants ; bref, survivre coût que coût avec pour bagage des chefs-d’œuvre… Babi arrivera-t-il avec sa famille et les tableaux à bon port ?... Appuyé, pour cette première BD chez Glénat, par des dessins joliment expressifs de Letizia Depedri, c’est un récit véridique et un grand-père assurément amoureux de la France, de la culture de la France, plus que courageux et loyal que le lecteur découvrira dans ces pages tirées de l’Histoire, de son histoire, le titre de ce second tome « Mon grand-père, ce héros ! » n’étant en rien usurpé. Et c’est avec émotion que l’on cède volontiers à l’injonction de l’auteur, Elie Chouraqui : « Imaginer le grand-père parfait et vous verrez apparaître devant vos yeux, Babi. » Un très bel hommage à partager avec le plus grand nombre, petits et grands ! Gilles Landais
		« Les Exilés de Mosseheim – Tome 1 – Réfugiés nucléaires » de Sylvain Runberg, Olivier Truc et Julien Carette ; Coll. « Grand Public », 24 x 32 cm, 88 p., Éditions Dupuis, 2023. Un diptyque des plus tragiques qui a décidé de ne rien nous épargner ! Cela commence, en effet, par un attentat suicide sur la centrale de Mosseheim en Alsace, une catastrophe nucléaire comme on en a jamais vue en France (et qu’on espère ne pas en voir !...), cinq millions d’Européens ont ainsi basculé en quelques minutes dans un véritable cauchemar… C’est dans ce contexte d’effondrement général, des frontaliers et de l’Europe que la famille Murat et leurs enfants, fuyant la zone radioactive, va prendre le chemin de l’exil pour un des camps géants de Suède où les tensions diplomatiques et humaines seront à leur comble… Signé à six mains, ce premier épisode retiendra assurément l’intention tant le déroulé est d’un réalisme époustouflant avec un découpage fonctionnel et un centrage sur les personnages. Nos compères et auteurs, Sylvain Runberg, Olivier Truc et Julien Carette affichent pour cette réalisation une belle complicité avec un récit non dénué de valeurs et de questionnements ; sur fond de crise sécuritaire, nucléaire et migratoire, notre petite famille exilée et dorénavant au statut de « réfugiée » en pays étranger aura bien du mal à se frayer un digne chemin, et le lecteur ne sortira peut-être pas indemne de sa lecture… Eh, oui, vous, qu’auriez-vous fait ?... Vous exaspérez, certes, peut-être, mais après ?!... On ne peut qu’avec impatience attendre le second tome de ces « Exilés de Mosseheim » ! Gilles Landais
		« Buck Danny Classic – Tome 10 – Molotok 41 ne répond plus » ; Scénario de Frédéric Zumbielh et Frédéric Marniquet ; Dessin d’André Lebras ; Coll. « Zéphir », 24 x 32 cm, 48 p., Editions Dupuis, 2023. Rien ne va plus avec le tome 10 de Buck Danny Classic - suite et second volet du diptyque débuté par « Le Vol du Rapier », « Molotok 41 ne répond plus »! Nous sommes maintenant en 1958, Buck Danny n’a toujours pas réussi à délivrer nos savants atomistes américains enlevés par l’URSS, 7 ans auparavant. Mais, il faut avouer que rien ne se passe comme prévu : revirements, situations désespérées et incroyables échappées aériennes ou autres… Buck Dany arrivera-t-il à déjouer les redoutables sbires du SMERSH, le service de contre-espionnage de l’armée rouge… ? Rappelons que pour ce nouveau diptyque, Frédérique Zumbielh et Frédéric Marniquet se sont documentés auprès de Samuel Prétat et inspirés de faits historiques, la disparition réelle en Atlantique Nord de savants atomistes en 1951, une histoire toujours pas à ce jour élucidée. Appuyé par les dessins à la ligne claire toujours impeccablement soignés d’André Lebras, ce second volet qui vient clore le cycle « Dans les griffes du SMERSH » offre une nouvelle poursuite époustouflante dans laquelle le lecteur tenu en haleine devra bien s’accrocher… Gilles Landais
		« Requiem – Tome 11 – Amours défuntes » ; Scénario de Pat Mills ; Dessin et couleur d’Oliver Ledroit ; Cartonné, 24 x 32 cm, 56 p., Coll. « 24x32 », Editions Glénat, 2023. « Requiem, Chevalier Vampire » continue pour le plus grand bonheur de ses aficionados avec un tome 11 très réussi intitulé « Amours défuntes » et dans lequel ce dernier poursuit son désir de retrouver Rebecca, alors qu’elle erre en enfer… Dans un Berlin dévasté, Rebecca croise Dragon, un ami a priori de Requiem, mais tel le scorpion au milieu du fleuve, celui-ci pourra-t-il faire fi de sa nature de vampire ? Alors qu’une tempête des limbes sur Résurrection vient de séparer dans leur combat Requiem et Leah, réapparaissent aux abords du château de la comtesse Bathory, non seulement Dame Mitra, mais aussi Dame Vaudou… Le lecteur habitué à Requiem appréciera une fois de plus la qualité et le dynamisme de la mise en planche de ce nouveau volume. Les couleurs et dessins d’Oliver Ledroit, travaillés et soignés, impressionnent encore, même après plus de 10 tomes ! Décidément, Requiem est un monde en soi à nul autre pareil… Un tome venant compléter sans rupture une série devenue culte. Gilles Landais
		« Captifs » ; Scénario de Benoît Rivière ; Dessin d’olivier Ormière ; Couleur de Silvia Fabris ; Cartonné, 24 x 32 cm, 112 p., Éditions Les Humanoïdes Associés, 2023. A souligner la parution chez Les Humanoïdes associés d’une captivante fiction inspirée d’une histoire vraie vécue par une famille anglaise dans l’Amérique du XVIIIe siècle. Elle commence précisément à l’été 1754 en Nouvelle-Angleterre lorsque les Johnson - des colons et fermiers anglais - sont attaqués par des Indiens ; James Johnson et son épouse enceinte, Susanna, seront capturés avec leurs trois enfants et emmenés par cette tribu dénommée Abénaquis ; ils seront alors réduits en esclavage avant d’être vendus à Montréal aux Français alors que ces derniers s’opposent à cette époque aux Anglais pour ce Nouveau-Monde… « Captifs », les Johnson et leurs trois - et peut-être quatre - enfants pourront-ils tous survivre à ce véritable cauchemar? Inspiré librement d’une histoire de captivité et d’esclavage dramatique réellement vécue dans cette Amérique du Nord au XVIIIe s., cet album retient indéniablement son lecteur en haleine jusqu’à la dernière des 112 pages. Traité sous forme de fiction, les auteurs - Benoît Rivière au scénario et Olivier Ormière pour les dessins – se sont inspirés du « Récit d’une captive en Nouvelle-France 1754-1760 » écrit réellement par Susannah Johnson à la fin du XIXe siècle et traduit seulement en 2005 en français. Le lecteur trouvera un extrait de ces mémoires dans le dossier « Dans l’atelier des auteurs » en fin de volume. Le scénario, mené de mains de fer par Benoît Rivière, est mis en valeur par une mise en planche minutieuse dans laquelle s’intègrent parfaitement les dessins réalistes et tout aussi soignés d’Olivier Ormière. Mille détails retiennent le regard sans oublier le travail de colorisation de Silvia Fabris. Tribu amérindienne, colonisation du Nouveau-Monde, guerre entre les Français et les Anglais…ce sont bien des thématiques porteuses que le lecteur découvrira au fil de cette aventure dramatique et de cet album informé et soigné. Gilles Landais
		« Elias Ferguson – Tome 2 – 1938, Les Océans de feu » ; Scénario de Simon Second ; dessin de Lender Shell ; Couleur d »Albertine Ralenti ; Coll. « 24x32 », Éditions Vents d’Ouest, 2023. Après l’heureuse découverte de « L’Héritier », premier album de cette nouvelle série - « Elias Ferguson » - aux éditions Vents d’Ouest, c’était avec impatience que nous attendions déjà le tome 2 ; c’est chose faite avec ce deuxième volume intitulé « 1938, Les Océans de feu ». Comme son titre l’indique, nous sommes maintenant en 1938, en hiver 1938, Ferguson a repris l’entreprise familiale et les ambitions de son cher père : la construction d’un incroyable train sous-marin reliant les USA à l’Europe progresse… Mais c’est sans compter les embuches, sabotages, difficultés et intimidations qu’Elias devra subir et braver ; Ferguson arrivera-t-il à mener à bien cet extraordinaire rêve paternel ? Pour l’heure, il se propose de mettre à la disposition du savant allemand juif Kurt Spire le Transatlantique afin de l’amener aux États-Unis, ce dernier détenant des informations capitales qui pourraient bien changer le cours du monde en cette année 1938… Une traversée qui ne va pas être sans périls tant pour le scientifique juif que pour Elias… Arriveront-ils à sortir indemnes des abysses de ces « Océans de feu » ? Avec un scénario bien ficelé et maitrisé signé de nouveau Simon Second, ce nouvel album continue à tenir son lecteur en haleine du début jusqu’à la fin. Suspens, actions et rebondissements sont au rendez-vous avec une mise en planche efficace servie par la plume de Lender Shell ; les dessins au trait sec, aux portraits expressifs et à la gestuelle étudiée offrent, en effet, une belle mise en action alors qu’en cette année 1938 le cours de l’Histoire se joue… Un deuxième album qui vient agréablement confirmer le succès rencontré dès le premier volume par cette nouvelle série « Elias Ferguson ». À suivre donc… Gilles Landais
		« Batman – One bad day : Catwoman » ; Scénario de G. Willow Wilson; Dessin de Jamie Mckelvie; Coll “DC Deluxe”, 72 p., Editions Urban Comics, 2023. On ne résiste pas à une plongée des plus folles dans l’univers le plus ambivalent de Batman, celui de Catwoman… Car, c’est bien dans cet univers avant tout féminin que nous entraîne avec cet album intitulé à juste titre - « Batman – One bad day – Catwoman » - la scénariste G. Willow Wilson connue dans le monde de la BD et du DC pour ses héroïnes féminines et engagements. Un scénario complet tendant à nous révéler comment une mauvaise journée, « One bad day », peut parfois suffire à faire basculer la vie d’une femme, en l’occurrence de Selina Kyle / Catwoman … Car lorsque Catwoman apprend que sa mère, lorsqu’elle était encore adolescente, a dû laisser à un prêteur à gage un bijou de famille aujourd’hui donné pour inestimable, Catwoman décide alors de reprendre ce trésor coût que coût et quoiqu’il arrive… Une décision qui pourrait bien déterminer le cours de son existence… Car « A un moment donné, on comprend que personne ne nous rendra ce que l’histoire nous a pris », ainsi commence l’album, ouvrant sur un scénario sans merci, ambivalent et félin, servit avec brio, ici, par les dessins, l’encrage et les couleurs tout aussi impitoyables de Jamie McKelvine. Comment effectivement résister à cet album voulu tel un hommage à Alan Moore et Brain Bolland pour leur « Killing Joke » ? Gilles Landais
		« Un Loup pour l’homme » ; scénario Mathieu Rynès ; Dessin et couleur Valérie Vernay ; Coll. « Grand Public », 21.8 x 30 cm, 184 p., Editions Dupuis, 2023. C’est une captivante et bien étrange fable que nous livrent aujourd’hui aux éditions Dupuis Mathieu Reynès et Valérie Vernay après le succès de « Mémoire de l’eau » : Celle d’un étrange animal rodant, dans la France rurale des années 20, sur les terres d’un riche et terrible propriétaire terrien, Léopold Baron, qui voit se succéder soucis et problèmes… N’a-t-il pas, il est vrai, quelque temps auparavant agressé une de ses employées et fait chasser la petite fille de celle-ci, Maya ; Maya qui dès lors devra vivre ou plutôt survivra dans la forêt avec les loups… Que penser, que déduire ? Simples coïncidences, sortilèges ou autre chose encore… ? On l’aura compris cet album merveilleusement illustré par les dessins et couleurs de Valérie Vernay pose le fameux débat du « Loup pour l’Homme »… Fort de ses 184 pages, « Un loup pour l’homme » entraîne son lecteur sans répit dans cette mystérieuse fable servie par un scénario bien pensé et construit par Mathieu Reynès. Le lecteur se laisse surprendre, absorber par cette forêt aux étranges et envoûtantes couleurs… Que lui cache-t-elle ? Qui protège-t-elle ? Un album qui devrait être largement plébiscité ! Gilles Landais
		« Lancelot - Tome 1 - Le Chevalier de la charrette », Clotilde Bruneau, Luc Ferry , Carlos Rafael Duarte, Didier Poli ; Coll. « La Sagesse des mythes, contes et légendes », Editions Glénat, 2023. La collection - désormais incontournable - « La Sagesse des mythes, contes et légendes dirigée par le philosophe Luc Ferry compte aujourd’hui une nouvelle série dont le tout premier tome est consacré au héros de la quête du Graal, le fameux Lancelot. Didier Poli, auteur de BD, Clotilde Bruneau, scénariste et Carlo Rafael Duarte au dessin ont conjugué leur savoir afin de produire une aventure digne du preux chevalier du roi Arthur. Le récit fabuleux débute, en effet, par un défi, celui porté par un chevalier masqué de son heaume et s’infiltrant à la cour du roi Arthur pour lui faire savoir qu’il détient des membres de sa cour… En un récit graphique rendant à la perfection l’ambiance de ces temps médiévaux et la fougue des chevaliers épris d’amour courtois quelque peu réinterprété par ces pages parfois cocasses… Ce premier volume ne manque assurément pas d’action, à l’image de ces anciens films ayant par le passé évoqué la légende arthurienne et le lecteur aura bien du mal à patienter pour découvrir la suite… au prochain numéro ! À noter comme à l’habitude dans cette collection didactique, le dossier bien ficelé relatant l’origine et le développement du roman courtois et permettant de mieux apprécier le contexte de cette nouvelle série. Jules Buissonnet
		« Champignac – Quelques Atomes de carbone » ; BEKA et David Etien ; 24 x 32 cm, 56 p., Éditions Dupuis, 2023. Plaisir toujours renouvelé de découvrir une nouvelle aventure de Champignac ! Pour ce dernier album ou pour « Quelques Atomes de carbone », c’est une Américaine, infirmière new-yorkaise quelque peu excentrique qui débarque au château de Champignac, avide de connaître les recherches et avancées de notre fameux Compte de Champignac en matière de contraception… un sujet sensible qui le touche particulièrement, un passé et des années qui pèsent qui l’amèneront en 1951 à accompagner Margaret Sanger, personnage historique fondatrice du planning familial, à Boston, non sans péripéties… Mais, Pacôme Hégésippe Adélard Ladislas, comte de Champignac n’ignore pas que la science n’est pas de tout repos ! Une nouvelle aventure audacieuse s’appuyant sur des faits et personnages réels signée, de nouveau, BEKA et David Etien. Mené rondement, l’album offre un scénario des plus dynamiques tendu par une mise en plage également des plus alertes. Une histoire alternant drames, émotions, rebondissements et courses-poursuites pour un album abordant des thèmes essentiels mais toujours délicats et sensibles même au XXIe siècle. Gille Landais
		« L’Homme qui voulut être roi » ; Adaptation de l’œuvre de Rudyard Kipling avec une préface de Didier Convard ; Scénario de Jean Christophe Derrien ; Dessin de Rémi Torregrossa ; couleurs d’Albertine Ralenti ; Cartonné, Coll. 24x32, 72 p., 24 x 22 cm, Editions Glénat, 2023. La célèbre et captivante histoire de « L’Homme qui voulut être Roi » écrite par l’écrivain britannique Rudyard Kipling en 1888 fait l’objet d’une belle et très réussie adaptation en BD signée Derrien et Torregrossa aux éditions Glénat. Rappelons brièvement histoire : Fin XIXe siècle aux Indes, deux amis, Daniel Dravot et Peachy Carnehan, tous deux anciens officiers britanniques et francs-maçons, projettent après un long périple de se rendre au Kafiristan, une contrée lointaine où aucun Européen n’est encore entré depuis Alexandre Le Grand ! leur but ? Tout simplement, y devenir Roi, rien de moins ! Dravot y réussira presque… mais c’était sans… C’est l’adaptation en BD de cette incroyable aventure écrite par le célèbre écrivain et journaliste britannique que nous offre donc de découvrir Jean-Christophe Derrien au scénario et Rémi Torregrossa pour les dessins. Le duo n’en est pas à son premier coup de maître puisqu’ils ont déjà ensemble signé l’adaptation très saluée de « 1984 » de George Orwell. Ils récidivent donc aujourd’hui pour le plus grand plaisir des lecteurs avec cette œuvre littéraire non seulement haute en couleur, mais surtout haute en valeur ajoutée, codes, analyses et fine observation sans concession de l’espèce humaine tel était le grand talent du célèbre écrivain, Prix Nobel de littérature en 1907 et auteur également du « Livre de la Jungle » ou encore de « Kim ». Plus d’un siècle après, l’œuvre de Kipling n’a jamais, de génération en génération, pris une seule ride ! Ici, avec un scénario et une mise en page des plus serrées, des dessins rendant parfaitement l’ambiance et le climat tant du roman que de cette fin de siècle en Orient, ce One shot livre une adaptation passionnante et captivante de ce récit mythique ayant déjà fait l’objet dans le passé, en 1975, d’une fameuse adaptation cinématographique par John Huston avec Sean Connery et Michael Caine. En 2023, c’est donc une belle adaptation en BD avec une préface de Didier Convard que les Éditions Glénat nous proposent ; A découvrir sans tarder. Gilles Landais
		« « Harry Dickson – Tome 1 – Myteras » ; Scénario de Doug Headline et Luana Vergari ; Dessin de Onofrio Catacchio ; 24 x 32 cm, 64 p., Coll. « Grand-Public », Editions Dupuis, 2023. Qui ne se réjouira de retrouver le fameux détective américain, Harry Dickson ! Pour ce retour en BD et en beauté, Doug Headlin et Luana Vergari ont fait choix de retenir un récit plus que haut en couleur adapté d’une histoire originale du célèbre auteur fantastique Jean Ray ; qu’on en juge : Un condamné à mort exécuté qui s’évade, et à sa place, l’inventeur du prototype de la chaise électrique ayant servi à l’exécution retrouvé mort dans un bureau pourtant fermé de l’intérieur ; à cela s’ajoute une romancière enfermée, elle aussi, dans sa luxueuse tour observant la scène au télescope et qui disparait également le plus mystérieusement possible… Pas moins, donc, de trois passionnantes mais délicates énigmes – un ressuscité, un meurtre et une disparue, trois énigmes tout aussi inexpliquées qu’inexplicables, - confiées par Scotland Yard au plus fantastique des détectives, celui de l’étrange et du surnaturel : Harry Dickson, bien sûr, accompagné de son inséparable acolyte et assistant, Tom Wills... Mais, ici, devant cette complexité et ces énigmes multiples, réussira-t-il à nous impressionner, relèvera-t-il le défi de ce retour en BD ? Assurément, et ce premier tome porte bien son titre : « Mysteras » ! Adapté du maître donné en la matière, Jean Ray, l’album offre un fantastique de haut vol où créatures maléfiques, spectres et puissances occultes règnent sans partage. Angoisse, peur, épouvante et suspens sont au rendez-vous, exit le rationnel laissé à Sherlock Holmes ou à Arsène Lupin… Figure incontournable du « vrai » fantastique avec Poe et Lowecraft, Jean Ray donnera naissance à Harry Dickson dans les années 1930 avec plus d’une centaine d’aventures. Ce héros internationalement connu que l’on redécouvrira dans les années 1960, peu de temps avant la disparition de son créateur, entrera dans le monde de la BD dès les années 1986. Les lecteurs apprécieront pour ce premier volume l’élégance des dessins et une mise en page à la fois dynamique et des plus soignées, signés Onofrio Catacchio. Lorsque l’on connait le succès de Jean Ray et de son héros – Harry Dickson – on ne saurait douter du succès de ces retrouvailles tant avec ses fans et du réel plaisir qu’ils en éprouveront que de l’émerveillement des heureux chanceux qui aujourd’hui en feront la découverte en BD ! Gilles Landais
		« Molière – Acte 3 – Survivre à Jean-Baptiste » ; Scénario de Vincent Delmas ; Dessin de Sergio Gerasi ; Cartonné, 24 x 32 cm, 48 pages, Coll. 24x32, Editions Glénat, 2023. A noter sur vos tablettes, la parution du troisième et dernier volume de l’excellence série « Molière ». Une trilogie commencée en 2022 pour le 400e anniversaire de son baptême plus que saluée par la critique et le grand public, et qui s’achève en cette année 2023 marquant le 350e anniversaire de sa mort. Pour cet acte 3, signé de nouveau pour le scénario Vincent Delmas et Sergio Gerasi pour les dessins, nous sommes en ce funeste soir de février 1673, le 17 précisément. Jean-Baptiste Poquelin dit Molière s’effondre sur scène en pleine représentation du Malade imaginaire… En ces heures et minutes qui comptent, le dramaturge revoit sa vie pendant que ses proches, son épouse Armande Béjart et son ami La Grange, tentent de convaincre un prêtre de lui donner la confession… Au-delà, c’est toute la question de la survie et notoriété de l’œuvre de Molière qui se pose… Un ultime acte que tant Vincent Delmas que Sergio Gerasi par leur symbiose réussissent avec beaucoup de doigté. Molière y revit une dernière fois pour ses lecteurs avant que la postérité ne le fasse vivre à jamais avec des œuvres qui n’ont jamais cessé d’enchanter les scènes, le Français et surtout des générations… On ne peut pour cette excellente trilogie que souhaiter et attendre avec impatience le coffret ! Gilles Landais
		« Musée » de Christophe Chabouté ; Coll. « Hors Collection », cartonné, 21.5 x 29.3 cm, 192 pages, Vents d’Ouest éditions, 2023. Chabouté a décidé de tout chambouler, et c’est tant mieux ! Car cela donne un album des plus réussis, tout de noir et blanc, où bousculant tous les codes, l’humour, l’art et la poésie s’allient pour le plus grand bonheur des spectateurs… mais aussi celui des chefs d’œuvres du fameux Musée d’Orsay, heureux de se trouver ainsi réunis, plein de vie. Christophe Chabouté, que l’on ne présente plus, a en effet, pour ce nouvel opus décidé de mettre la plus grande pagaille au Musée d’Orsay en permettant aux œuvres d’art, statues, peintures ou autres chefs-d’œuvre de nous raconter – une fois n’est pas coutume – ce qu’elles se disent la nuit entre elles, lorsque le musée a fermé ses portes à triples tours… Que d’expressions et de regards différents selon les âges ou caractères ! Dubitatifs, admiratifs ou encore scrutateurs, c’est ce que nous rappellent les premières planches de cet album - à la mise en page impeccable - aussi décapant que captivant… Car a-t-on imaginé, un jour, déambulant dans un musée, juste une seconde, ce que peuvent bien penser de nous ces statues et modèles des plus grands chefs-d’œuvre lorsqu’elles nous écoutent et nous regardent les regarder ?! Que pense sous son chapeau et le pinceau de Manet Berthe Morisot ? Ou encore van Gogh dans cet autoportrait de 1889 ? Au-delà de cette pertinente question, c’est bien notre rapport à l’art qu’interroge Christophe Chabouté dans ce turbulent musée imaginaire … Un indiscret et savant désordre des plus instructifs, interpellant le lecteur… avant que l’aube n’invite statues, bustes et modèles à regagner leur place respective et à regarder de nouveau, inflexibles, les visiteurs du Musée d’Orsay passer… Gilles Landais
		« Les Vies de Charlie » ; Scénario de Kid Toussaint ; Dessin d’Aurélie Garino ; 24 x 32 cm, 128 p., Coll. « Grand Public », Editions Dupuis, 2023. Que deviennent les âmes des défunts ? Une question que tout à chacun s’est un jour posé et à laquelle tente de répondre Charlie, employé modèle de la société « Recycle & Ternel ». Tout un programme… que Charlie tente avec zèle par téléphone d’expliciter aux familles qui souhaitent savoir comment et en quoi pourrait être transformé leur défunt. Naïf, émotif et empathique, plus que zélé mais plein de cœur, Charlie est – et ses collègues le savent bien – l’employé idéal pour résoudre les cas les plus délicats… Signé Kid Toussaint (Magic 7 » ; « Télémaque » ou encore « Animal Jack » chez Dupuis…) et Aurélie Garino pour les dessins, cet album de plus de 120 pages aborde avec délicatesse et poésie bien des questions : la mort, bien sûr, mais aussi et surtout la vie après la mort sans oublier la puissance de l’amour. Que répondre en effet à ce jeune garçon qui demande à Charlie ce que va devenir l’âme de sa petite maman récemment décédée ? Une fable-enquête sensible dans laquelle se lance et nous entraîne Charlie. Philosophie, théologie, croyances, coutumes et pratiques funéraires ouvrent bien des pistes et questionnements auxquels va se confronter Charlie. Kid Toussaint aborde, ici, avec doigté des thèmes délicats, la vie après la mort, le paradis et l’enfer que partagent bien des religions et croyances avec le christianisme ou encore la réincarnation et le bouddhisme… Côté dessin, Aurélie Garino connue surtout dans le milieu « jeunesse » avoue avoir pour ces « Vies de Charlie » changé quelque peu son approche graphique : plus de relief et de profondeur souligne-t-elle. On appréciera effectivement la diversité de ses visages et expressions, tout autant que la redoutable mise en page, également efficace et dynamique, sans oublier enfin de judicieux gros plans ou de belles pleines pages. Bien des atouts, donc, pour ces « Vies de Charlie » à découvrir ! Gilles Landais
		« Dossier Michel Vaillant - Les 100 ans du Mans », Editions Graton, 2023. À l’occasion du centenaire des mythiques 24 Heures du Mans, le Dossier Michel Vaillant constitue un bel hommage en revenant dans le détail sur les origines de ce parcours et de cette course appelée à un avenir que leurs fondateurs ne pouvaient imaginer… Laurent Beauvallet, Christophe Bourgeois, Jean-Philippe Doret et Guillaume Nédelec signent cet album qui deviendra assurément un collector tant sa mise en page que les informations réunies et détaillées permettent de plonger son lecteur littéralement dans cet univers où défis et innovations ne feront que s’accélérer au rythme des années et des bolides… Entre fiction et réalité, notre héros Michel Vaillant se fait, ici, à la fois témoin et acteur de cette riche histoire qui débute en 1923 avec 33 voitures affrontant des conditions climatiques extrêmes. Dès cette première course, la dimension sportive concurrencera les innovations technologiques, la course servant également de banc d’essai unique pour les inventions les plus folles. Au fil des pages, le lecteur pourra découvrir cette riche histoire parsemée d’anecdotes, de drames, parfois aussi, mais toujours animée à chaque épreuve de cette passion indéfectible ! À noter pour cette occasion la sortie du tome 12 La Cible de la Saison 2 – Michel Vaillant Jules Buissonnet
		« Mussolini » de Luca Blengino, Davide Goy, Andrea Meloni, Conseiller historique Catherine Brice ; Coll. « Ils ont fait l'Histoire », 24 x 32 cm, 56 p., Editions Glénat, 2022. Si le personnage de Mussolini peut sembler bien connu avec ses fameuses diatribes, ses postures viriles et autres pantomimes, l’Histoire a légué cependant une réalité quelque peu plus complexe que ces images convenues. Et c’est l’un des intérêts de cet album signé Luca Blengino, Davide Goy, Andrea Meloni et Catherine Brice que de livrer une réalité moins caricaturale par le truchement de la BD. A l’image de ce qui se passa en Allemagne, la Première Guerre mondiale a provoqué en Italie un mécontentement d’une partie de la population, population qui se regroupera rapidement sous la nouvelle bannière fasciste qui émergera alors au début des années 20. C’est en effet en 1922 que Benito Mussolini prendra la tête du gouvernement et imposera sa vision fasciste du pouvoir, vision faite de multiples références à l’identité nationale et au riche passé légué par l’antiquité… C’est ce chemin vers une Italie plus forte, xénophobe, antisémite et renaissant des cendres de sa gloire mythique qu’abordent nos auteurs dans ce récit graphique d’une rare qualité tant historique qu’esthétique. Plus qu’un énième documentaire, ces pages font entrer pleinement le lecteur dans l’Histoire aux côtés de ce personnage complexe que ces pages dessinées avec talent ont le mérite de rendre plus familier jusqu’à sa chute en 1945. A prolonger par le dossier très complet réuni en fin d’album par l’historienne Catherine Brice. Jules Buissonnet
		« Buck Danny – Origine – Tome 2 – Le fils du Viking noir » ; Scénario de Yann ; Dessin de Giuseppe De Lucas ; 24 x 30 cm, 48 pages, Coll. « Grand Public », Editions Dupuis, 2023. Les aficionados de Buck Danny seront assurément ravis de découvrir dans ce second tome d’un diptyque incontournable consacré aux origines de Buck la jeunesse du légendaire pilote. Nous sommes pour ce volume dénommé – Le fils du Viking noir – en plein cœur du Pacifique alors qu’en cette année 1943 la Seconde Guerre mondiale s’impose au monde entier. C’est dans ce contexte que le lecteur suivra les multiples exploits de Buck Danny affirmant autant son engagement que son talent, mais aussi et surtout découvrira par ses songes et réminiscences ses premiers vols et amours de jeunesse. Cependant derrière ces exploits et jolis souvenirs se cache aussi un sombre secret jamais révélé… Mais, le lecteur est-il prêt à le découvrir ? Il ne faut jamais juger trop vite… Un second volume venant après « Le pilote à l’aile brisée » clore le premier diptyque consacré aux origines de Buck Danny. Un tome signé Yann de nouveau pour le scénario. Un scénario joliment serré appuyé par des dessins dynamiques et sans répit de la main de Guiseppe De Luca. Un album qui offre un plein d’actions, de revirements et suspens. Des batailles, des défaites et victoires et même des miracles. On y retrouve un Buck Danny entouré de ses compagnons sans oublier la séduisante et charmante Moira, mais aussi sa mère… On y retrouve surtout notre héros, ce légendaire pilote infatigable « au cœur posé sur un nuage »… Gilles Landais
		« Le Depisteur – Tome 1 – La Tondue » ; Scénario de Ozanam ; dessin de Marco Venanzi ; Cartonné, 24 x 32 cm, Coll. 34x32 cm, Editions Glénat, 2023. Avec « Le Dépisteur », c’est un bien bel album que nous livrent Ozanam et Marco Venanzi aux éditions Glénat ; premier tome d’un excellent diptyque consacré aux enfants juifs rescapés de la Seconde Guerre mondiale. Nous sommes, en effet, en 1951 et les « Dépisteurs », anciens scouts juifs regroupés sous le nom justement « Des Dépisteurs » dont fait partie Samuel, cherchent désespérément dans la campagne française les enfants juifs ayant été cachés et séparés de leurs parents pendant la guerre avec cet espoir inespéré de les ramener auprès de leur famille… C’est ainsi que Samuel part dans le Lot à la recherche de cette petite fille qui, en 1943, avait tout juste 1 an… Mais, lorsque Samuel arrive, tout semble perdu ! Personne ne semble se souvenir d’une enfant cachée et, aux dires d’un paysan, la famille d’accueil aurait été exécutée sous l’occupation… Derrière tous ces non-dits et secrets à démêler, Samuel retrouvera-t-il trace de cette petite-fille ? Reposant sur un scénario certes fictionnel, mais fondé sur des faits historiques, Ozanam (reconnu chez Glénat pour « We are the night » et « Mauvaise réputation) signe, ici, avec « Le dépisteur » un premier tome travaillé et émouvant qui ne saurait laisser son lecteur indifférent. On y retrouve toute l’horreur, l’ignominie, mais aussi le désespoir, la solidarité et l’amour dont peut être capable la nature humaine… Des contrastes, secrets, découvertes et révélations qu’a su rendre avec talent Marco Venanzi au dessin. Des visages expressifs, des traits acérés, révélant cette France rurale d’après-guerre où sur la neige demeurent parfois « Les traces des enfants rescapés de la Shoah », des traces certes ténues, mais qu’il convient encore de nos jours de ne jamais oublier… Gilles Landais
		« Les Fusibles » ; Scénario de Joseph Safieddine ; Dessin de Cyril Doisneau ; Couleurs d’Isabelle Merlet ; Typographie de Jean-François Rey ; 20 x 26.5 cm ; 176 p., Coll. « Grand Public », Editions Dupuis, 2023. Un très bel album engagé sur la force des liens qui nous relient à nos racines et sur la transmission intergénérationnelle. Trente ans plutôt, dans un Liban (jamais nommé cependant) en effervescence, trois ados – Abel, Georges et leur amie Sarah - insouciants mais désirants rendre service décident de constituer une équipe secrète et de choc chargée de remettre en fonction les trop nombreux compteurs électriques coupés quotidiennement. Ce sont ces ados que nous retrouvons plus tard ; Abel, d’abord, installé depuis en France, entrepreneur et vivant avec sa fille, Billie, qu’il n’a jamais envisagé d’emmener au Liban et Georges qui débarque un week-end lui rendre visite… Dans ces souvenirs qui ressurgissent, Abel prendra-t-il conscience qu’il s’est toujours placé en « Fusible » entre ses racines, son père, sa vie et sa fille… Mené de mains de maître par Joseph Safieddine au scénario, cet album revient sur les liens complexes qui se tissent entre ceux qui quittent leur pays, liens entre vie familiale et identité, entre enfance et vie actuelle… Joseph Safieddine n’en est pas à son premier coup de maître et a déjà avec succès abordé ces thèmes et le Liban ; Des thèmes dont celui essentiel de la transmission qui lui tiennent à cœur, on se souvient ainsi de « Yallah Bye » ou encore de « Monsieur Coucou ». Ce « Fusible », son père a toujours voulu l’être justement… Mais, très vite, Joseph Safieddine souligne cependant : « Finalement, la fiction me permet de parler de choses plus personnelles, de laisser l’inconscient s’exprimer, sans être inhibé par le besoin de coller à mon histoire familiale. La fiction, c’est très puissant ! ». Et dans cet album, effectivement, le mot fusible se conjugue au pluriel… Des sentiments complexes et ambivalents qui interpellent et ne laissent indifférent, rendus ici avec beaucoup de sensibilité par le dessinateur Cyril Doisneau. Des dessins touchants en noirs et blanc faussement simples et épurés traduisant avec subtilité, nuances et humour la puissance des ressentiments, sans oublier ces pages choisies en couleur et la typographie respectivement d’Isabelle Merlet et de Jean-François Rey. Une belle réussite qu’il convient de saluer. Gilles Landais
		« Psychothérapie – Paula et Gaby vont chez les psy » ; Scénario de jessica Holc et Ghismain Rincquesen ; Dessin et couleurs d’Emilano Tanzillo ; Cartonné, 19.8 x 26.6 cm, 80 p., Coll. Hors Collection, Editions Vents d’Ouest, 2023. Une BD comme introduction, au sens premier du terme, à la psychothérapie. Signé par une psychologue de formation et psychothérapeute, Jessica Holc, et Ghislain de Rincquesen, analyste psycho-organique, l’album entend en effet dévoiler et initier aux différentes voies de la psychothérapie ou plus exactement aux « Psychothérapies » au pluriel tel que l’annonce le titre même de ce roman graphique. En ces pages, le lecteur y découvrira, d’une part, Gaby, la trentaine. Lui, ne connait rien en psy ; c’est la première fois qu’il se rend dans le cabinet d’un psy, mais épuisé, il sent qu’il a plus que besoin de comprendre ses cauchemars et peurs qui l’assaillent ; d’autre part, Paula en thérapie depuis les attentats de Nice dont elle a vécu l’horreur… C’est une véritable plongée dans l’univers des « Psychothérapies » que nous proposent avec cet album les auteurs. Un monde proposant, chacun à leur manière, un chemin de transformation intérieure affrontant larmes, peurs et cauchemars. Appuyé par les dessins réalistes et méticuleux d’Emiliano Tanzillo, le lecteur découvrira, en effet, les affres, émotions et difficultés de cette confrontation avec soi-même, mais aussi cette résiliente compréhension libératrice que peuvent offrir les thérapies, ce que reflètent parfaitement les couleurs retenues également par Emiliano Tanzillo, cette alternance de couleurs sépia et de bleu lavis… Le lecteur découvrira également avec intérêt le dossier-postface « Exploration en terre intérieure » d’Éric Champ, psychologue clinicien, psychothérapeute et superviseur et formateur d’analystes psycho-organiques ; un dossier clef venant souligner toute la force de cette « parole qui guérit » lors d’une « relation thérapeutique ». Un album dans la ligne de la série culte « En thérapie » qui ne saurait laisser son lecteur indifférent. Gilles Landais
		« El Alamein - De sable et de feu » ; Scénario de Thierry Lamy ; Dessin d’Alessio Cammardella, Col. « Les Grandes batailles de chars », 24 x 32 cm, Editions Glénat, 2023. Rien ne prédestinait El Alamein, petite ville côtière égyptienne, à passer à la postérité dans les archives mémorables de l’Histoire, si ce n’est ce 1er juillet 1942, date à laquelle la guerre du désert fit rage en Afrique. En ce mois d’été, les troupes italo-allemandes dirigées par le maréchal Rommel menacent, en effet, l’armée anglaise malmenée à Tobrouk et retranchée sur une ligne entre El Alamein et le désert de Qattara pour un affrontement ultime… Tel est le thème de cette impressionnante collection « Les grandes batailles de chars » selon un scénario époustouflant de Thierry Lamy et le dessin fiévreux d’Alessio Cammardella qui parvient dès les premières planches à plonger le lecteur dans les sables et la chaleur implacable du désert libyen. Avec une mise en planche haletante ne laissant guère de répits dans cet enfer mécanique, cette BD montre combien les chars d’assaut jouèrent un rôle déterminant sous la conduite du maréchal Romel face au général anglais Auchinleck, un homme austère mais d’une probité exceptionnelle. Histoires d’hommes et de machines, « El Alamein » impressionnera tant pour sa dimension historique que pour sa conception graphique de tout premier plan ! (À compléter impérativement par le dossier instructif réuni par Stéphane Dubreil intitulé « Le renard du désert pris au piège »). À découvrir dans la même collection « Les Ardennes » de Dobbs et Fabrizio Fiorentino. Jules Buissonnet
		« Les aventures de Théodore Poussin – Tome 14 – Aro Satoe » de Frank Le Gall ; Coll. « Grand Public », 24 x 32 cm, 80 p., Editions Dupuis, 2023. Théodore Poussin revient et n’en finit pas de nous enchanter en nous emmenant, cette fois-ci, sur l’île d’Aro Satoe dans la mer de Chine. Pour le quatorzième épisode de cette fabuleuse et mythique série, après le « Dernier voyage de l’Amok », notre héros infatigable s’est, en effet, réfugié sur l’île de la séduisante Aro Satoe alors que son équipage, celui de L’Amok, est emprisonné pour acte de piraterie à Singapour. Là, il y découvre de troublants secrets le concernant… Alors même que l’on croyait tout savoir sur Théodore Poussin, celui-ci réserve à ses lecteurs encore aujourd’hui, sous la signature de Frank Le Gall, en auteur complet, bien des aventures et péripéties sur fond de savoureuses révélations… Ce personnage emblématique des éditions Dupuis, né dans le « Journal de Spirou » en 1984, n’a en effet pas pris une ride depuis que le jeune employé de bureau, réservé et timide, s’est embarqué en 1928 sur le fameux Cap Padaran vers l’Indochine ! Que d’aventures pourtant… Pour ce voyage quelque peu crépusculaire aussi que captivant qu’initiatique, Théodore Poussin devra affronter tout à la fois les autorités de Singapour et l’armée britannique ; rien de moins ! À moins qu’il ne s’enfonce dans les méandres de cette île si mystérieuse, l’île d’Aro Satoe… Coup de théâtre garanti pour notre attachant héros ! Gilles Landais
		« Hitler est mort ! - Tome 3 » ; Jean-Christophe Brisard (scénario), Alberto Pagliaro (Dessin), Collection 24x32, 72 p., Editions Glénat, 2022. La mort d’Adolf Hitler demeure un mystère depuis sa disparition en 1945 qui a été traditionnellement présentée, à défaut de certitude, comme un suicide. Mais derrière l’Histoire officielle se cachent bien d’autres hypothèses et notamment celle retenue pour ce Tome 3 selon laquelle le terrible Führer aurait été retrouvé vivant d’après les enquêtes menées par une unité d’élite de l’Armée rouge. Loin d’être un scénario fantaisiste, Jean-Christophe Brisard, ici, au scénario, a lui-même enquêté et les pièces qui ressortent du dossier secret réuni en fin d’album sont impressionnantes… Le lecteur découvrira avec intérêt et suspens cette aventure folle réunissant hypothèses de sosie, médecins légistes, prothésistes et autres nombreux mystères ! Alors que le chaos règne en cette fin de Troisième Reich sur fond de décombres, la disparition de celui qui initia une nouvelle et tragique vision du monde quelques années auparavant constitue un enjeu de taille que cet album présente avec brio et intelligence. Le dessinateur Alberto Pagliaro a su saisir ces enjeux avec ces visages taillés au couteau, ces couleurs contrastées et sombres. Le doute s’immisce et la paranoïa gagne le lecteur, et si l’Histoire n’était pas celle qui a jusqu’alors été écrite ? Jules Buissonnet
		« Histoire de Jérusalem » de Vincent Lemire et Christophe Gaultier, Les Arènes BD, 2022. Jérusalem n’a pas fini de faire couler de l’encre depuis des millénaires et de susciter de belles évocations ainsi que le démontre cette première histoire de la Ville Sainte en BD ! Vincent Lemire, grand spécialiste de la ville et Christophe Gaultier dessinateur également inspiré ont uni, ici, leur talent pour offrir au lecteur pas moins de 4000 ans d’Histoire en quelques 256 pages, un pari plus que réussi : Depuis les débuts de cette bourgade entre Méditerranée et désert et la grande cité actuelle, phare de cette région, que d’Histoire et d’histoires relatées dans ces pages enlevées et colorées au soleil d’Israël. Chaque grande étape se trouve rappelée par une synthèse remarquable rappelant les grandes sphères d’influence - égyptienne, perse, juive, grecque, romaine et bien d’autres encore…, ayant façonné et influencé la célèbre ville, tout en lui gardant cette identité parvenue jusqu’à nous. Admirée, redoutée, combattue, pillée, Jérusalem a connu tous les outrages et admirations imaginables. Cœur des plus grandes religions qui se disputent depuis l’aube des temps ses quartiers et monuments sacrés, Jérusalem est une ville de passions… C’est cette « Histoire de Jérusalem » faite de passions, de croyances, de royautés et pouvoirs, que les auteurs donnent à lire en ces pages avec talent et humour; Convoquant historiens, archéologues d’hier et d’aujourd’hui et même guides imaginaires contemporains, la complexité et l’histoire de Jérusalem s’y dévoilent avec fluidité et un rare bonheur de lecture ! Une évocation en BD fidèle à l’Histoire qui devrait captiver et susciter bien des envies d’aller découvrir cette ville à nulle autre pareille ! Jules Buissonnet
		« Les amis de Spirou – Tome 1 – Un ami de Spirou est franc et droit… », Jean-David Morvan, David Evrard et Ben BK ; Coll. « Tous publics », 24 x 32 cm, 72 p., Editions Dupuis, 2023. Voilà un premier album d’une nouvelle série jeunesse qui devrait captiver autant les jeunes que les plus grands ! Signé par Jean-David Morvan avec David Evrard et Ben BK, cet album , premier donc d’une nouvelle série consacrée à l’Histoire de Spirou, s’inspire de vraies vies et de la grande Histoire notamment celle du premier rédacteur de Spirou, Jean Doisy, résistant lors de la Seconde Guerre mondiale et créateur du Club des Amis de Spirou, réunissant de nombreux jeunes lecteurs dont certains sont morts pour la Résistance. Ouvrons ce premier album ! Nous sommes en 1943 et l’occupant nazi vient d’interdire la parution du « Journal de Spirou ». Les jeunes du Club des « Amis de Spirou », le club des AdS, sont littéralement atterrés. Vont-ils, en réponse, oser défier l’occupant nazi en éditant un nouveau journal de BD satirique antinazi ? Leur devise « Spirou, ami partout toujours ! ». Mais ont-ils conscience des réels dangers qu’ils encourent en ces temps de guerre ? Une histoire véridique et malheureusement tragique… Jean-David Morvan, auteur notamment de « Madeleine Résistante » accompagné, ici, de David Evrard signe avec ce premier tome un album chargé d’Histoire, celle de la Seconde Guerre mondiale, celle de la Résistance belge, celle de l’Histoire du « Journal de Spirou » et celle tout aussi véridique, des « Amis de Spirou » créé en 1938 quelques mois après la création de Spirou, mais aussi celle de la fameuse imprimerie Marcinelle qui imprimera le célèbre « Journal de Spirou ». Les références aux dessinateurs de Spirou défilent en autant de clins d’œil et d’hommages, tout comme les références empreintes d’humour à cette aventure éditoriale ancrée dans l’Histoire ; l’Histoire tragique de la guerre, de la Seconde Guerre mondiale, du nazisme et de la Résistance… Pour cette nouvelle série consacrée à l’Histoire de Spirou, Jean-David Morgan ne cache pas, tant au titre de nostalgie que d’hommage, son souhait d’une réelle filiation. Le lecteur retrouvera aussi dans les dessins de David Evrard offrant rondeur, chaleur et humour cette filiation graphique souhaitée. Action, rebondissements et humour égrènent cet album tragique mais captivant à ne pas manquer ! Gilles Landais
		« Saint-Just » ; Scénario Noël Simsolo et Jean Tulard ; Dessin de Mickaël Malatini ; Coll. « Ils ont fait l’Histoire », 24 x 32 cm, 56 p., Éditions Glénat, 2022. Les férus d’Histoire seront ravis de découvrir ce nouvel album de la collection « Ils ont fait l’Histoire » consacré à l’une des plus grandes figures de la révolution en la personne de Saint-Just (1767-1794). Aux manettes de ce nouveau tome, Noël Simsolo et le réputé historien Jean Tulard, un gage assurément de sérieux. Le lecteur découvrira tour à tour les différentes facettes de celui que Michelet surnomma « L’archange de la Terreur » ; proche de Robespierre qu’il admire, faisant partie des Montagnards, il votera l’abolition de la royauté ; tout à la fois, révolutionnaire, plus jeune député de la Convention, membre du Comité de salut public et chef de guerre… C’est un destin fulgurant et bref qui l’attend puisqu’il sera guillotiné, lors de la crise du 9 thermidor, le même jour que Robespierre. En ce 28 juillet 1794, il a 26 ans. Ce grand et jeune orateur notamment au club des Jacobins, qui votera la mort du roi, qui inspirera la Déclaration des droits de l’homme et du citoyen de 1789, se rendra surtout célèbre pour l’intransigeance de ses principes, mais aussi pour ses nombreuses missions auprès des armées de la Révolution avec notamment la fameuse victoire de Fleurus... Appuyé par les dessins acérés et reconnaissables de Mikaël Malatini, un habitué de la collection « Ils ont fait l’Histoire », cet album livre les pages les plus tumultueuses et captivantes de la Révolution française. Le lecteur retrouvera en fin de volume un concis mais efficace dossier historique. Gilles Landais
		« Michel Vaillant – Légendes – Tome 1 – Dans l’Enfer d’Indianapolis », 24 x 32 cm, 64 pages, Graton, 2022. Le mythique parcours d’Indianapolis, comme si vous étiez ! Le tome 1 de la non moins mythique collection Michel Vaillant nous invite en effet à découvrir cette course emblématique en compagnie de Michel Vaillant, ce héros des courses automobiles. Autant dire que les vrombissements et autres effets de vitesse seront les invités d’honneur de cette BD signée Lapière et Dutreuil. Nous sommes en 1966 et l’édition de cette année resta gravée dans les mémoires non seulement pour les multiples incidents de course mais surtout pour la lutte acharnée entre Graham Hill et Jim Clark jusqu’à la victoire contestée de Graham Hill au final… C’est justement dans les arcanes de cette course légendaire que nous invitent nos deux auteurs avec un récit graphique époustouflant parvenant presque à reproduire les sons assourdissants des moteurs et des tôles froissées ! Mais « Dans l’enfer d’Indianapolis », ce sont également les coulisses de la course, avec l’enquête menée par notre héros afin de révéler les tenants et aboutissants des courses automobiles. Grâce à une intrigue captivante et un dessin des plus réussis, ce tome 1 des Légendes devrait réunir plus d’un aficionado ! Jules Buissonnet
		« Toutankhamon, l’odyssée d’Howard Carter » de Paul Marcel et Patrick Mallet, Les Arènes BD, 2022. L’album « Toutankhamon, l’odyssée d’Howard Carter », publié aux éditions Les Arènes BD, transporte le lecteur dans l’univers fascinant de l’illustre personnage, Toutankhamon, l’un des pharaons les plus connus au monde, un pharaon incontournable qui faillit pourtant bien tomber dans l’oubli… sans la si fameuse « Odyssée d’Howard Carter », cet archéologue et égyptologue anglais (1874-1939) qui fut l’une des plus grandes découvertes archéologique du XXe siècle. Le pharaon qui succéda au célèbre Akhenaton en -1336 av. J.-C. ayant fait vaciller les fondements de la religion égyptienne en célébrant le dieu unique du soleil, Aton, avait fort à faire en souhaitant restaurer la religion égyptienne classique. Mais la célébrité de Toutankhamon aurait-elle pour autant si bien traversé les siècles et millénaires ? Sa célébrité, au-delà de son règne, a surtout été due à la redécouverte de sa tombe par le non moins fameux Howard Carter en 1922, dont nous avons fêté l’anniversaire l’année dernière. C’est cette incroyable découverte ou odyssée qui se trouve être le sujet de cette passionnante BD conçue par Patrick Mallet pour le scénario et Paul Marcel pour le dessin. En ces pages mouvementées où l’action et les mystères foisonnent au fil des planches, les trésors du pharaon scintillent avec notamment ce célèbre masque mortuaire d’or et ce mobilier funéraire éclatant de pierres précieuses… Le pharaon représentant l’intermédiaire entre les dieux et ses sujets, son inhumation donnait lieu à d’innombrables rites et surtout à la présence de trésors plus précieux les uns que les autres… Mais cette découverte n’allait pas aller de soi et c’est un véritable roman d’aventure que signent nos deux auteurs avec cette BD aussi instructive que passionnante sur le célèbre pharaon redécouvert, Toutankhamon ! Jules Buissonnet
		« Mémoires d’Alexandrie – Hérophile » de Chiara Raimondi ; Cartonné, 46 p., Editions Ankama, 2022. Le premier album de la série les « Mémoires d’Alexandrie » est consacré à Hérophile. Personnage véridique et historique, plus précisément médecin grec réputé, Hérophile de Chalcédoine méritait bien de figurer dans les tomes de la mémoire de cette fameuse bibliothèque d’Alexandrie, celle qui fut l’une des plus grandes et imposantes bibliothèques du monde en Égypte au IIIe siècle av. J.-C. Hérophile fut, en effet, un personnage hors du commun, un médecin audacieux, ne reculant devant rien pour faire avancer le monde des connaissances, de la science et des médecines. Né en Asie mineure, il s’installa à Alexandrie où il entreprit notamment de comprendre le fonctionnement du corps humain, disséquant et observant de nombreux organes. Cependant, dans cette Égypte du IIIe siècle av. J.-C., où Dieux et Déesses sont omniprésents, sa curiosité, son talent et audace n’est pas sans inquiéter voire être condamnée par l’élite pensante entourant le roi Ptolémée… Bien que médecin et auteur grec célèbre à son époque, ces nombreux traités – donnés au nombre de neuf - furent malheureusement perdus lors de l’incendie de la Bibliothèque d’Alexandrie. Un premier album signé Chiara Raimondi instructif et bien mené offrant un récit quelque peu fictionnel mais captivant ! Gilles Landais
		Jörg Mailliet, Matz, Olivier Guez : « La disparition de Josef Mengele », Éditions Les Arènes, 2022. Voici une adaptation en BD et haute en couleur du fameux roman d’Olivier Guez, Prix Renaudot, sur la cavale du grand criminel de guerre, le médecin Joseph Mengele, tortionnaire d’Auschwitz, celui que l’on avait surnommé l’Ange de la Mort pour ses pseudo et effroyables expériences scientifiques sur les détenus des terribles camps de la mort. Au lieu d’être jugé pour ses multiples crimes à la sortie de la guerre, ce dernier pu mener une vie tranquille de longues années en Argentine grâce à la bienveillance du couple Peron. Mais une traque incessante rattrapera le tortionnaire dans sa retraite dorée, Mengele devant fuir son pays d’adoption pour le Paraguay, puis le Brésil, avant une issue aussi fatale que mystérieuse sur une plage en 1979… Autant dire que cette BD composée à 6 mains captivera tous lecteurs passionnés d’Histoire et d’histoires. Véritable nœud inextricable, le contexte de l’après-guerre s’avère plus que complexe à l’égard des anciens bourreaux qui ont joui souvent pour un grand nombre d’entre eux d’une nouvelle vie dans des dictatures accueillantes. Restituant la dynamique du grand succès d’Olivier Guez en des planches à la fois saisissantes et sombres, cette adaptation graphique convaincante devrait rencontrer un franc succès. Jules Buissonnet
		« Primordial » ; Scénario de Jeff Lemire ; Dessin d’Andrea Sorrentino ; Cartonné, 176 pages, Urban Editions, 2022. Un album passionnant revisitant la conquête spatiale. Sur fond de concurrence acharnée entre les États-Unis et ce qui se nommait à l’époque l’URSS, c’est un thriller captivant que découvrira le lecteur. Mettant les projecteurs sur les malheureux animaux ayant servi de cobayes pour les premiers vols spatiaux, la chienne Laïka pour l’URSS qui a cessé de donner signe de vie au bout de quelques heures ou encore Able et Baker, les deux singes envoyés dans l’espace par les États-Unis, l’album relance la fiction… Car sait-on vraiment de quoi sont morts ces animaux ? Et est-on même sûrs qu’ils soient bien morts ? Avec talent, l’auteur canadien Jeff Lemire aux manettes du scénario livre, ici, un récit sur fond de guerre froide entre histoire et fiction, entre science et complotisme. Un déroulé serré habillement servi par les dessins de son fidèle complice Andrea Sorrentino et une colorisation de Dave Stewart. Un duo de choc dont on ne présente plus les coups de maître ; qui ne se souvient du « Mythe de l’ossuaire » ! Pour ce dernier album, leur complicité fonctionne à merveille avec un découpage et une mise en planche aussi originaux que dynamiques. Les visages sont superbement expressifs et on craque littéralement sur Laïka… On l’aura compris un album de 176 pages à réserver ! Gilles Landais
		« 421 – L’Intégrale – Tome 3/3 – 1988-1990 » de Stéphen Desberg et Eric Maltaite, 21.8 x 30 cm, 264 p., Coll. « Patrimoine », Editions Dupuis, 2022. Nombreux seront ceux qui se réjouiront de découvrir le troisième et dernier volume de l’intégrale des aventures de 421, cet espion so british si séduisant ayant marqué des générations… Une série d’espionnage et d’action emplie d’humour imaginée par le duo de choc Maltaite au scénario et Desberg pour les dessins, initialement pour le journal de Spirou en 1980, mais qui n’a pas pris une seule ride. Il est vrai que la fameuse série a su au fil des décennies largement évoluer, s’éloignant quelque peu de Spirou pour capter sa propre personnalité et s’imposer en tant que tel dans l’univers de la BD. Les aficionados seront ainsi assurément heureux de retrouver dans ce dernier et troisième volume de l’intégrale des albums aussi fétiches que « Falco » sorti en 1988, « Les années brouillard » de 1989 ou encore « Morgan » et « Le seuil de Karlov » sortis respectivement en 1990 et 1992. A ces souvenirs ou heureuses découvertes, c’est selon, viennent pour ce dernier tome s’ajouter de multiples images d’archives offrant ainsi un joli prologue ; prologue lui-même complété par de nombreuses propositions de suite pour cette célèbre et incontournable série 421. Gilles Landais
		Collection « La sagesse des mythes » dirigée par Luc Ferry BD, Editions Glénat, 2022. Retrouvons le charme de la mythologie avec la collection « La sagesse des mythes » dirigée par le philosophe Luc Ferry ! Cette heureuse initiative qui rencontre un franc succès permet en effet d’allier l’utile à l’agréable en revisitant en docte compagnie les plus grands mythes que l’Antiquité nous a livrés et qui, il faut bien l’avouer, se trouvent quelque peu négligés par notre culture contemporaine… Fort de ce constat Luc Ferry a souhaité rendre accessible, sans pour autant les réduire à de la Fantasy pure, ces histoires souvent hautes en couleur et qui ont envouté des siècles durant leurs lecteurs. Dorénavant, avec cette collection riche de nombreux volumes, il sera loisible à tout à chacun non seulement de lire, mais également de voir ces mythes mis en planche grâce à des scénaristes et dessinateurs talentueux tels Didier Poli, Clotilde Bruneau, Federico Santagati, Carlos Rafael Duarte, Guiseppe Baiguera et bien d’autres encore. Le mythe de la déesse de l’amour Aphrodite en deux tomes, le règne des terribles Géants et du redoutable Typhon, fils de Gaia, sans oublier les innombrables amours de Zeus qui donnent naissance à tant de manœuvres et métamorphoses pour parvenir à ses fins, tels sont quelques-uns des thèmes passionnants abordés dans cette collection à recommander aussi bien aux adultes qu’aux plus jeunes. A noter, à la fin de chaque album, le cahier philo préparé par Luc Ferry rappelant les grandes lignes du mythe traité, et offrant une synthèse rapide mais néanmoins complète, synthèse dont le philosophe a le secret. Derniers volumes parus : « Aphrodite tome 2/2 - Amours et colères » ; « Les amours de Zeus » ; « Typhon ». Jules Buissonnet
		« Requiem – Tome 10 – Bain de sang » ; Scénario Pat Mills ; Dessin et couleurs olivier Ledroit ; Cartonné, 24 x 32 cm, 62 pages, Coll.24x32, Editions Glénat, 2022. Pour ce dixième tome (Eh oui !, déjà), Pat Mills a opté pour un scénario dark fantasy ancré sur un récit véridique, celui de la comtesse Báthory. Un personnage cruel et mythique puisque la comtesse Báthory, obsédée par son souhait de jeunesse éternelle, avait choisi pour soin de beauté de se baigner dans le sang de vierges… Ce nouveau volume réjouira assurément par ses pages et découpages énergiques et hauts en couleur. Le rythme dark fantasy, noir et cruel à souhait, signé Pat Mills est ici renforcé par les dessins et couleurs inimitables d’Olivier Le droit, sans oublier le côté envoutant imprimé par cette fameuse comtesse hongroise ayant réellement existé au XVIe siècle. On l’aura compris le duo n’a pas lésiné sur les moyens et atouts pour ce nouvel opus de « Requiem » qui porte bien son triste nom ! Gilles Landais
		« Les voitures de Lefranc » ; Scénario de Xavier Chimits ; Dessin de Jacques Martin ; Intégrale - Éditions spéciale, Coffret Univers d'auteur, BD, Editions Casterman, 2022. Lefranc dans l’univers de la BD, c’est un mythe, une légende créée sous l’inspiration du génial Jacques Martin. Ce héros moderne à la mise impeccable déjoue, en effet, toutes les intrigues, même les plus machiavéliques, et ce depuis 1952, début d’une longue série de 33 albums plus captivants les uns que les autres… Confronté à son adversaire de toujours, le terrible Axel Borg, le journaliste Guy Lefranc a fort à faire afin de déjouer toutes sortes de plans diaboliques inventés par Jacques Martin bientôt secondé par Bob de Moor avant que Gilles Chaillet ne reprenne graphiquement la série. Avec l’album « Les voitures de Lefranc », Xavier Chimits rend hommage à la passion de Jacques Martin pour les plus beaux bolides. La place en effet des voitures demeure indissociables ?? des multiples pérégrinations de notre héros, des véhicules qui font l’objet d’ailleurs de courses-poursuites mémorables. Chimitz, lui-même, est un passionné d’automobile et de l’univers de la F1, univers qu’il parvient parfaitement à rendre dans ces pages trépidantes, réunissant les meilleures pages d’anthologie sur ce thème porteur dans la deuxième moitié du XXe s. Jules Buissonnet
		« Molière – Acte 2 – Le scandale tartuffe » ; Scénario Vincent Delmas ; Dessin Sergio Gerasi ; Cartonné, 24 x 32 cm, 48 pages, Coll. 24x32, Editions Glénat, 2022. Il était plus qu’attendu… Voici, en cette fin d’année 2022, le deuxième tome consacré à « Molière ». Signé de nouveau Vincent Delmas pour le scénario et Sergio Gerasi pour les dessins, ce nouvel album débutant après un flash-back, en 1664, met les projecteurs sur la nouvelle pièce de Molière « Tartuffe »… Avec cette nouvelle création, Jean-Baptiste Poquelin devenu Molière attise définitivement, malgré sa belle notoriété et la protection du roi, les foudres de l’Eglise… « Tartuffe », et ce même si le roi a ri, fait plus encore que scandale ! C’est « Le scandale Tartuffe ». La pièce est dès lors interdite par le roi et certains réclameront même pour Molière le bûcher. Les oppositions, avertissements et conseils de ses proches s’accumulent… Pourtant, jamais Molière ne cèdera et mènera ce combat qui a toujours été le sien, celui de la liberté d’expression. Un album bien mené dans lequel le lecteur retrouvera les atouts du premier volet avec cette symbiose réussie entre le scénario de Vincent Delmas et les dessins au trait caractéristique de Sergio Gerasi notamment ces gros plans. Le lecteur y retrouvera surtout le grand Molière, celui qui jamais ne déçoit et s’impose comme l’un des plus grands auteurs de la littérature française. Incontournable Molière, surtout en cette année 2022 marquant le 400e anniversaire de son baptême. Gilles Landais
		« DC INFINITE FRONTIER – JUSTICE INCARNEE » ; Scénario de Joshua Williamson et Dennis Culver ; Dessin collectif ; 176 pages, Coll.DC INFINITE, Urban Comics, 2022. Un incroyable DC signé d’un non moins incroyable duo de choc pour le scénario – Joshua Williamson épaulé par Dennis Culver - et accompagné d’une kyrielle de dessinateurs ! Eh oui, il n’en fallait pas moins pour revisiter de fond en comble le Multivers… La Ligue de justice Incarnée est amenée à enquêter sur la menace que fait peser Darkseid sur l’ensemble des réalités pour devenir maître du Multivers. A cette fin, le président Superman Calvin Ellis de Terre-23 et le Batman de la chronologie Flashpoint, Thomas Wayne, entraînent les membres de la Ligue dans un vertigineux périple traversant une multitude de Terres parallèles, des univers tous plus déroutants et dangereux les uns que les autres… Arriveront-ils pour autant à réunir les plus grands héros issus de toutes les Terres du Multivers ? Surtout la Justice Incarnée pourra-t-elle faire face à une menace plus grande et dangereuse encore tapie dans l’ombre depuis des années et sortie tout droit des Ténèbres ? Nous l’avons dit avec ce dernier DC INFINITE FRONTIER –JUSTICE INCARNEE, Joshua Williamson a entrepris de poursuivre sans état d’âme la refonte de l’univers DC déjà précédemment entamée. Pour cela, ce dernier a convoqué à ses côtés Dennis Culver et surtout une myriade de dessinateurs tous plus talentueux les uns que les autres. Le lecteur découvrira ainsi dans cette intrigue ficelée serrée une multitude de Terres parallèles au Multivers, des univers également tous plus étonnants les uns que les autres, entraînant rebondissements et de nombreux personnages connus ou revisités. Un DC INFINITE FRONTIER incontournable qui annonce déjà une profonde crise de l’univers DC… Impatience quand tu tiens le lecteur ! Gilles Landais
		« Merel » de Clara Lodewick, Coll. « Les Ondes Marcinelle », Editions Dupuis, 2022. À souligner un récit graphique doux-amer signé Clara Lodewick paru dans la nouvelle collection « Les Ondes Marcinelle » des éditions Dupuis. Un premier récit très réussi dépeignant la dureté sociale dans un petit village flamand à notre époque. L’histoire commence banalement : Merel, quadra, qui se dit femme libre, sans enfants ni mari, semble heureuse entre son écriture, l’élevage de ses canards et le club de football, tout serait au mieux si… un soir, lors d’une soirée, cette dernière n’avait eu la bêtise de faire une blague grivoise quelque peu douteuse sur le mari d’une de ses voisines… Que n’avait-elle dit ! De là, Merel sera l’objet de tous les ragots et diffamation de ce village campagnard des Flandres faisant de la vie de Merel un véritable cauchemar… La critique a largement salué la belle maturité tant du scénario que graphique de cette jeune bruxelloise, Clara Lodewick, pour ce premier et gros roman graphique. Il est vrai que l’auteur, ici en auteur complet, présente en ces pages un certain talent pour faire vivre ses personnages et leur accorder leur juste place, couleur, dureté ou hypocrisie dans ce rude milieu rural… Son héroïne, Merel, la quarantaine est attachante et l’ensemble de la narration ironique et sans merci sonne juste ; entre frustration et haine, le thème central du bouc émissaire est habilement exploité. À ces atouts, il faut ajouter une harmonie et dynamique des dessins très réussies. Un roman graphique attachant gardant cette note d’espoir qui semble si chère à l’auteur ! Gilles Landais
		« Sea of Stars » ; Scénario Jason Aaron et Dennis Hallum ; dessin de Stephen Green ; Couleur de Rico Renzi ; 288 p., Coll.Urban Indies, Editions Urban Comics, 2022. Un récit spatial grandiose et haut en couleur signé d’un trio-choc : Jason Aaron, Dennis Hallum pour le scénario et Stephen Green pour les dessins : Le jeune Kadyn s’ennuie fort dans le vaisseau convoyeur que pilote son père Gil… Soudain, l’idée lui vient d’explorer sans le dire la fameuse cargaison provenant d’un musée alien ; de là, que d’évènements, rebondissements, de créatures et suspens ! Les scénaristes, Jason Aaron (auteur notamment de « Thor » et « Southern Bastards ») et Dennis Hallum, auteur pour sa part de Dark Visions, ont décidé d’emmener pour cet album loin, très loin dans l’univers leurs lecteurs… Un voyage interstellaire incroyable rendu merveilleusement tant par les dessins de Stephen Green que par le choix des splendides couleurs de Rico Renzi. On ne peut que souligner les merveilleuses pleines-pages qui égrènent cet album ; une odyssée ou plutôt une double odyssée, celle de Kadyn et celle de Gil cherchant désespérément son fils après la rencontre d’une mystérieuse et dangereuse créature et l’explosion du vaisseau spatial. Séparés, seront-ils condamnés à errer éternellement ? On ne ressort pas facilement de ce récit alternant entre l’univers des enfants et celui des adultes, associant mondes mythologiques, oniriques, science-fiction et tenant son lecteur en haleine. Actions, surprises et découvertes s’enchainent à une vitesse vertigineuse… On demeure étourdi, perdu dans l’immensité galactique, la tête pleine de couleurs, et ravi de cet album des plus divertissants ! Gilles Landais
		« Les petits Monarques » de Jonathan Case, 19.1 x 24.8 cm, Coll. « Grand public », 256 p., Editions Dupuis, 2022. Signée par Jonathan Case, ici, en auteur complet, cet album réjouira à n’en pas douter avec son orientation écologique petits et grands lecteurs de BD. Ayant échoué à réguler la crise climatique, l’humanité s’est vue décimée par la maladie du soleil ; Les rares survivants vivent dorénavant sous terre, fuyant le jour et le soleil. Mais, aussi surprenant que cela puisse paraître, Elvie et Flora, une biologiste, se sont risquées avec succès à sortir en plein jour… Leur secret ? Un antidote issu des écailles des jolis papillons Monarques. Mais, pourront-elles en trouver assez pour sauver l’humanité ? D’où le titre de cet album « Les petits Monarques »… C’est toujours un plaisir de découvrir les albums signés Jonathan Case. Il faut dire que ce dernier n’en est pas à ses débuts, loin s’en faut – auteur notamment de « Dear Creature » ou encore « House of Night », il a toujours su afficher une belle indépendance. Ici, il opte pour un récit de fiction post-apocalyptique qui lui permet d’associer à merveille ses convictions et engagements écologiques avec un fécond imaginaire. Une maîtrise que le lecteur retrouvera pour ce récit graphique tant pour le scénario construit que pour les dessins et surtout le choix des couleurs. Le tout selon une mise en page des plus efficaces. Pas moins de douze chapitres qui s’enchaînent selon la migration dans l’Ouest américain et le rythme « papillonnaire » de ces jolis lépidoptères que sont les Monarques. Gilles Landais
		« Le bestiaire du crépuscule » de Daria Schmitt, 23.7 x 31 cm, 120 pages, Editions Aire Libre, 2022. C’est un fort joli et fantastique album que nous livre avec « Le bestiaire du crépuscule » Daria Schmidt chez Aire Libre avec pour toile de fond un étrange et mystérieux jardin public… Car si pour les enfants du quartier, ce jardin est une jolie aire de jeux colorée de rires, celui-ci se révèle cependant pour Providence, son gardien, lorsque la nuit s’avance et que la lune se lève, un étrange repère d’horribles et crépusculaires créatures, un monde terrifiant qu’il est seul à voir… Et dans ce monde, son monde empreint de rêveries, Providence s’est donné pour mission de protéger malgré eux les enfants et promeneurs de ce parc. Mais pourra-t-il y arriver alors qu’une nouvelle directrice férue de management est nommée, qu’émerge du lac un étrange et terrifiant bestiaire et que le reflet d’une mystérieuse maison l’attire plus que tout... Daria Schmidt a convoqué pour cet album un fabuleux monde imaginaire horrible et plein de poésie. Véritable hommage à Lovecraft, l’auteur n’a d’ailleurs pas hésité à se référer expressément dans son extraordinaire récit à une des nouvelles du maître incontesté de l’horreur. À ce talent de Daria Schmidt indéniable et salué par Philippe Druillet, vient s’ajouter un non moins fabuleux travail graphique, un trait sombre impressionnant et des plus soignés entre jeux d’ombres et de couleurs. Assurément, Doria Schmidt est à son tour une bien jolie conteuse de mondes fantastiques. On ne résiste pas ! Gilles Landais
		"Albert Londres doit disparaître" ; Scénariste Frédéric Kinder ; Dessinateur Borris ; Coll.Treize étrange, 21,8 x 29,5 cm, Editions Glénat, 2022. Passionnante et incontournable, cette BD consacrée au journaliste Albert Londres se devra de figurer parmi les prochaines lectures ! Ce récit est focalisé sur le dernier voyage en Chine qu’entreprendra le célèbre journaliste qui a donné son nom au Prix annuel récompensant le meilleur reporter francophone de moins de 40 ans. Il faut dire que ce parrain de choix aura toute sa vie durant choisi les thèmes et sujets les plus délicats, ce dernier voyage entrepris en Chine alors qu’il pensait par la suite se retirer du journalisme s’avérant en effet plus qu’épineux. Borris et Frédéric Kinder, tous deux aux manettes, ont su conjuguer leur talent pour livrer un récit et un style qui aurait à n’en pas douter plu au célèbre journaliste… À partir d’une histoire véridique – l’étrange disparition du journaliste lors d’un naufrage alors qu’il enquêtait sur les liens troubles entre la Marine française et des trafics d’armes et d’opium en Chine – cette BD propose une version à mi-chemin entre enquête et fiction afin de retracer avec pertinence le caractère et courage de ce journaliste prêt à tout pour faire éclater la vérité, fut-ce au prix de sa vie. En un passionnant voyage dans la Chine interlope des années 30, nos deux auteurs parviennent dès les premières planches à planter le décor de cette époque exotique sur fond de conflit sino-japonais. Shanghaï plus étrange que jamais, représentants de la communauté internationale cherchant pour chacun à tirer la couverture pour leurs intérêts plus ou moins troubles, et omniprésente, enfin, cette sourde angoisse de complots et secrets que notre journaliste cherchera à démêler jusqu’au bout forment les ingrédients de cette histoire captivante. Ce récit sur plus de 90 pages et complété par un dossier nourri devrait en effet tenir en haleine tous les passionnés d’enquêtes et d’aventure ! Jules Buissonnet
		« Carbone et Silicium » de Mathieu Bablet ; Edition spéciale – Or Noir ; 24 x 32 cm, 272 pages, Coll. 619, Editions Ankara, 2022. C’est avec beaucoup de plaisir que les fans pourront découvrir cette nouvelle version 2022 de « Carbone & Silicium » dans une édition spéciale - tout de noir, blanc et or ; Cette nouvelle édition était, il faut l’avouer, largement plébiscitée puisque « Carbonne & Silicium » signé en auteur complet par Mathieu Bablet, sortie initialement en 2021, fut un franc et réel succès récompensé par le Prix BD Fnac / France Inter. C’est donc chose faite avec cette nouvelle édition luxueuse et limitée particulièrement réussie ! Le lecteur pourra en effet redécouvrir (ou pour les plus chanceux encore découvrir tout simplement) « Carbone & silicium » dans cette splendide version à laquelle un soin tout particulier a été apporté. Un plaisir pour les yeux ! Il est vrai que les dessins aux détails impressionnants de Mathieu Bablet se prêtent merveilleusement à cette version luxueuse et stylisée. Cette version « Or Noir » offre un écrin de choix pour le récit de « Carbone & Silicium ». Rappelons que nous sommes en 2046, et que nos deux super robots après avoir été élevés dans un cocon hautement protecteur se sont évadés et ont été séparés, chacun découvrant alors un monde à bout de souffle où catastrophes et crises s’enchaînement… Avec, nous l’avons souligné, ce splendide travail de dessin minutieux et original, appuyé ici par une édition limitée non moins travaillée et soignée, cette version spéciale de « Carbone et Silicium » ne manquera pas assurément de faire date dans le monde de la BD. Gilles Landais
		« Aphrodite - Tome 1 » de Clotilde Bruneau et Luc Ferry (scénario), Dessinateur Giuseppe Baiguera, Directeur artistique : Didier Poli, Collection : La Sagesse des mythes, BD, Glénat, 2022. La désormais classique collection « La Sagesse des mythes » dirigée par le philosophe Luc Ferry accueille avec ce premier tome un album consacré à l’une des déesses les plus attractives puisque selon la mythologie grecque, elle symbolise l’amour, la beauté et le désir. Reprise dans le panthéon romain sous le nom de Vénus, cette jeune femme qui a fait l’objet des plus belles représentations par les plus grands artistes est pourtant née de manière violente du membre d’Ouranos tranché par Cronos et lancé à la mer… Son destin scellera celui des femmes et des hommes qui rencontreront son chemin, la blonde déesse si bien évoquée par Botticelli abordera l’île de Cythère avant d’être présentée à l’Olympe… C’est le début d’une longue et riche histoire, mouvementée à souhait et dont les différents épisodes ont été retracés avec une fidélité adaptée à la forme BD de manière attractive et réussie. Le dessin et les couleurs retenus par Giuseppe Baiguera contribuent au charme de cette épopée divine, la couleur étincelante de la blonde chevelure d’Aphrodite alternant avec la pénombre des forges d’Héphaïstos. Un récit haut en couleur qui sera suivi d’un prochain tome plus qu’attendu ! Jules Buissonnet À noter dans la même collection, le troisième et dernier tome qui vient de paraître sur la fameuse épopée de Gilgamesh.
		« La Fortune des Winczlav – Tome 2 – Tom et Lisa » ; Scénario de Jean Van Hamme ; Dessins de Philippe Berthet ; 23,7 x 31,10 cm, 56 p., Éditions Dupuis, 2022. Nous retrouvons avec un plaisir attendu et certain la suite de « La Fortune des Winczlav » avec ce nouvel album « Tom et Lisa », deuxième tome de cette fameuse trilogie révélant pour la première fois les origines de l’empire de Largo Winch, légende incontournable du monde de la BD. Nous sommes en 1910 et Thomas Winczlav vient de découvrir qu’il est l’héritier avec sa sœur jumelle, Lisa Lafleur, de la fortune des riches Whiskies O’Casey. Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, Thomas adopte le nom de « Winch » et tente tant bien que mal de faire fructifier ses affaires, alors que sa sœur Lisa s’imposera en pilotant avec le fameux Baron Rouge… Jean van Hamme, de nouveau aux commandes du scénario pour cet album, a retenu pour dérouler la saga familiale Winch la période de la Première Guerre mondiale. Là, deux destins que tout oppose, celui de Tom et de sa sœur Lise, emmenée encore enfant par sa mère en France, vont se croiser dans un scénario finement serré. Les dessins de Philippe Berthet rendent de nouveau avec talent et complicité tant la puissance des caractères des personnages que l’atmosphère de cette période troublée. Un deuxième volume qui vient confirmer toute la force de cette grande saga familiale en trois actes révélant les origines de la fortune du fameux et célèbre Largo Winch. Gilles Landais
		« La Prière aux étoiles - 2ère partie » ; Serge Scotto, Eric Stoffel, Marko et Holgado ; Editions Grand Angle, 2022. Attendu avec impatience, le volume 2 de « La Prière aux Etoiles » est enfin disponible aux éditions Grand Angle ! Rappelons que la série « La Prière aux Étoiles » est l’adaptation en BD d’un film jamais sorti de Marcel Pagnol. Signée Eric Stoffel pour le scénario, Marko pour le storyboard et Inaki Holgado pour les dessins, cette belle adaptation a déjà été, dès le tome 1er, largement plébiscitée. Il est vrai que cette aventure dessinée redonne vie à ce film perdu que Marcel Pagnol avait refusé de terminer sous l’occupation et qu’il avait détruit. Une belle aventure, donc, surtout lorsque l’on se souvient que l’écrivain et réalisateur perdit également durant cette noire période sa femme et ses studios… L’histoire n’est pas sans rappeler la vie même de Marcel Pagnol, et pour ce second et dernier tome, le lecteur retrouvera la belle et jeune actrice, Florence à Cassis, entre son passé avec Dominique son protecteur et amant, et Pierre dont elle est tombée éperdument amoureuse, mais qui jaloux ne peut entendre et supporter ce passé… L’amour triomphera-t-il ? L’on retrouve pour ce second tome avec plaisir les jolies nuances de l’adaptation et les dessins stylisés d’Inaki Holgado. Une série qui relève un beau défi de mémoire et qui, à ce titre, mérite d’être plus que saluée ! Gilles Landais
		« Pigalle, 1950 » ; Scénario de Pierre Christin ; Dessin de Jean-Michel Arroyo ; Relié, 23.7 x31 cm, 152 pages, Éditions Aire Libre, 2022. La parution aux éditions Aire Libre de « Pigalle, 1950 » offre un irrésistible polar signé d’un duo de choc - Pierre Christin / Jean-Michel Arroyo – et ayant pour toile de fond ou prétexte le Pigalle des années 1950. Antoine, le jour même de ses 18 ans, décide de plaquer son Aubrac pour s’aventurer dans la grande capitale. Là, il y découvre tous les charmes et multiples fréquentations de Pigalle. Le cabaret « La Lune bleue » avec son patron « Beau-Beb » et ses danseuses, mais aussi « Pare-brise » ou encore « Poing-barre »… On l’aura compris il y a dans ce one shot toute la gouaille et l’ambiance aux néons des nuits chaudes du Pigalle des années 50. Pierre Christin, également romancier et scénariste, sait à merveille entraîner son jeune Antoine devenu « Toinou » et son lecteur dans les arrières cours et sombres ruelles de ce Pigalle aux mille tentations, mais aussi mille dangers du grand banditisme… Un traitement digne des grands films noirs ! Une atmosphère à nulle autre pareille que Jean-Michel Arroyo fait revivre de plume de maître avec de superbes dessins soignés et stylisés. Optant paradoxalement, mais judicieusement, pour ce récit haut en couleur pour des camaïeux sépia, se sont de splendides planches - pour certaines pleines pages – et un découpage travaillé des plus réussis que le lecteur sous le charme découvrira. « Pigalle, 1950 », un album à ne pas manquer ! Gilles Landais
		« Un ennemi du peuple » de Javi Rey d’après la pièce d’Henrick Ibsen, 152 pages, Éditions Aire Libre, 2022. À ne surtout pas manquer, le dernier album de Javi Rey « Un ennemi du peuple » aux éditions Dupuis d’après la pièce du célèbre auteur norvégien Henrik Ibsen (1828-1906). Alors que la toute nouvelle station thermale de l’île de la Baleine s’attend à accueillir ses nombreux touristes, le docteur Stockmann découvre que l’eau de la station est contaminée. Mais alors qu’il en informe le maire, son propre frère, et entend rendre l’affaire publique, les autorités, la presse et sa ville se dressent contre lui ; Stockmann est devenu l’ennemi à abattre, « Un ennemi du peuple »… Pièce majeure du dramaturge norvégien avec notamment « La maison de poupée », « Un ennemi du peuple » fut publié en 1882, il y a donc 140 ans, soit presque un siècle et demi. Aussi, bien que gardant tout sa force, le dessinateur Javi Rey (« Un Maillot pour l’Algérie » ; « Violette Moris »), ici en auteur complet, a-t-il fait choix pour cet album d’adapter la pièce et de livrer un récit graphique quelque peu recontextualisé et revisité. Aux faiblesses de la démocratie soulignées par Ibsen lui-même – corruption, manipulation, populisme, démagogie, etc., Javi Rey a entendu « greffer » l’impuissance des démocraties occidentales modernes face aux injustices, aux inégalités et aux affres des crises financières. Ainsi que l’auteur a pu, à juste titre, le souligner : « C’est la force d’un classique d’être intemporel. Ibsen nous fait réfléchir sur des problématiques très contemporaines. » Et effectivement, face à cette étrange contamination, le Docteur Stockmann n’est-il pas, en effet, devenu un dérangeant « lanceur d’alerte » ?... comme un écho de notre société moderne. Certes, l’absolutisme ou la radicalité du Docteur posés par Ibsen ont pu et peuvent encore apparaître ambigus ; aussi Javi Rey a-t-il également choisi -comme bien des metteurs en scène avant lui - de réécrire notamment le discours final du Docteur et de rappeler en exergue concernant la démocratie la fameuse phrase de Churchill : « C’est le pire système de gouvernement conçu par l’homme. À l’exception de tous les autres. » Rey livre ainsi un récit graphique actualisé à la fois fluide et construit, tout en offrant un rythme et une dynamique propres avec des dialogues forts répondant à merveille aux dessins épurés volontairement rendus dans la ligne claire et aux couleurs réfléchies. « J’ai pensé toute la mise en scène graphique au service de la narration, en simplifiant le trait au maximum. » souligne le dessinateur. Une inclinaison que bien des lecteurs apprécieront et salueront. Javi Rey parvient avec ce fabuleux album « Un Ennemi du peuple » travaillé et pensé à transmettre réactualisées l’atmosphère et la puissance de cette œuvre incontournable du grand dramaturge norvégien du XIXe siècle que fut Henrick Ibsen. Gilles Landais
		« Cinq Avril – Tome 1 – L’Héritier de Da Vinci »; Fred Duval, Michel Bussi et Noë Monin ; 21.8 x 30 cm, 64 pages, Coll. « Grand Public », Editions Dupuis, 2022. Nous sommes au XVIe siècle, le 5 avril précisément, et un nouveau-né est déposé aux portes du fameux château du Clos Lucé où réside depuis 1516, appelé par François 1er, le célèbre peintre italien Léonard de Vinci. Il a pour seul bagage un étrange collier d’or. L’enfant adopté par les cuisinières et surnommé comme il se doit « Cinq Avril » sera pris sous l’aile protectrice de Léonard de Vinci lui-même et initié par ce dernier à de nombreux secrets… Entre le mystère de ses origines et le legs initiatique de son maître italien, « Cinq Avril » va découvrir à la mort de son protecteur qu’il a l’étrange pouvoir de changer le cours de l’Histoire ! C’est un fabuleux récit divertissant mêlant aventure et Histoire que nous propose avec cet album le trio Fred Duval, Michel Bussi et Noë Monin. Pour cette première série de Michel de Bussi, géographe, professeur à l’Université de Rouen et écrivain que l’on ne présente plus, rien ne semble avoir été omis : actions, complots, secrets font de ce dynamique récit de cape et d’épée haut en couleur et rebondissements un captivant album happant le lecteur. Aux bases historiques se mêlent humour et clins d’œil. Il est vrai que le scénariste reconnu Fred Duval et Michel Bussi n’en sont pas à leur première association à succès, on se souvient avec plaisir de « Nymphéas noir » récompensé en 2011. Pour ce trépidant récit, leur talent ont rencontré celui du dessinateur Noé Monin (notamment « Les Larmes d’Âpretagne »). Des dessins présentant une énergie toute en rondeur attachante et ancrant joliment ce palpitant premier récit dont les lecteurs ne pourront qu’attendre avec impatience le prochain tome ! Gilles Landais
		« L’Or d’El Ouafi » de Paul Carcenac et Pierre-Roland Saint-Didier (scénario) et Christophe Girard (dessin) ; Relié, 128 pages, Editions Michel Lafon, 2022. A souligner ce bel et captivant album nous contant l’histoire trop peu connue du premier marathonien français médaillé d’or olympique aux éditions Michel Lafon. C’était à Amsterdam en 1928 et il s’appelait Boughera El Ouafi. Mais se souvient-on aujourd’hui vraiment de lui ? Né dans le désert du Sahara en Algérie bien loin des pistes et stades olympiques, son histoire n’est pourtant pas des plus banales. Et c’est en hommage et pour réparer cet oubli injustifié de l’histoire du sport que Paul Carcenac, journaliste et passionné d’athlétisme, Pierre-Roland Saint-Didier, son petit-fils, et Christophe Girard ont souhaité associer leurs talents pour raconter la destinée de Boughera El Ouafi. Au travers de ce récit mené pour le scénario à quatre mains par Paul Carcenac et Pierre-Roland Saint-Didier (auteur engagé ayant déjà signé notamment « Le Signal de l’Océan », « Le dernier Refuge » ou encore « Les adieux du rhinocéros), ce sont aussi les préjugés, les injustices, mais aussi la persévérance et le courage qu’ont entendu raconter nos deux scénaristes. Car El Ouafi ne fut pas seulement le premier marathonien africain médaillé d’or olympique, il fut également tirailleur algérien, ouvrier à l’usine Renault à Boulogne-Billancourt ou encore employé dans un cirque américain… Une destinée hors-norme joliment rendue par le trait et les couleurs inspirés et alertes de Christophe Girard. On se souvient dans le domaine sportif de ses deux albums avec Raymond Poulidor. En refermant cet album aussi passionnant qu’émouvant, on ne peut que saluer l’initiative de Paul Carcenac, Pierre-Roland Saint-Didier et Christophe Girard d’avoir fait résonner une nouvelle fois la Marseillaise pour le marathonien El Ouafi en mémoire de cette médaille d’or olympique gagnée en 1928 ! Gilles Landais
		« Wild West – Tome 3 – Scalps en série » ; Scénario de Thierry Gloris ; Dessins de Jacques Lamontagne ; Relié, 24 x 32 cm, 48 pages, Éditions Dupuis, 2022. Chacun se souvient de cette géniale et historique légende du western dénommée « Wild West » tant sa parution fut saluée ! Après le succès indéniable de ce premier diptyque ( Camamity Jane et Will Bill), les auteurs - Thierry Gloris au scénario et Jacques Lamontagne pour les dessins - poursuivent pour la plus grande joie de leurs lecteurs leur féconde complicité en livrant aujourd’hui de nouvelles aventures de leur fameux duo. Charlie Utter, un homme généreux et droit, a recueilli Martha Jane Cannary après la mort de son mari, abattu en légitime défense par Wild Bill Hickok ; Celle-ci noie son chagrin dans l’alcool et rumine sa vengeance… Mais, sur le chantier du nouveau chemin de fer en construction, Bill doit d’autre part, faire face à un mystérieux tueur, un tueur en série scalpant ses victimes… Les aficionados de la série retrouveront dans ce nouvel album ce qui a fait le sel et la réussite incontestable de « Wild West ». Thierry Gloris y déploie un scénario bien ficelé qu’il déroule avec ingéniosité. Bill sera cette fois-ci accompagné d’un nouveau personnage, Charlie Utter, un personnage également historique de la légende de l’Ouest américain. Jacques Lamontagne livre, pour sa part, de nouveau, de fabuleux dessins aussi soignés et puissants que réalistes. Un nouvel album offrant un plaisir de lecture rare. Gilles Landais