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Giorgio Manganelli « Salons » traduit de l’italien par Philippe di Meo, L’Atelier contemporain, 2018.
 

Si le nom de Giorgio Manganelli est moins familier de ce côté-ci des Alpes, cet écrivain italien jouit pourtant dans son pays natal d’une solide réputation depuis la publication d’Hilarotragaedia en 1964, plus de 50 ans maintenant, ainsi que le rappelle le traducteur Philippe di Meo dans sa présentation de l’ouvrage. C’est une singularité nourrie de fictions et d’irréalité, rejetant toute œuvre programmatique pour leur préférer une convergence d’inspirations qui donne ce style unique à l’écriture de Manganelli. Salons, publié aujourd’hui en langue française par les éditions de L’Atelier contemporain, est un recueil de chroniques d’expositions imaginaires que l’auteur fit à la suite d’images disparates (tabatières, armoires, éventails, tableaux célèbres…) soumises à son regard par l’éditeur Franco Maria Ricci. La qualité de ces petites chroniques et leur élan à dépasser les cadres convenus leur valurent d’être reprises par les éditions Adelphi.
Les devanciers de Manganelli sont illustres quant à la thématique des Salons, Diderot, Baudelaire ont eux aussi avant lui cherché à déceler ce qui nourrit et transcende l’œuvre d’art. Giorgi Manganelli suit de ce fait leurs traces, mais de manière toute personnelle. L’ouvrage débute par « Toutes les couleurs du fool » et le peintre et chimiste Édouard Bénédictus, un nom qui ravit notre chroniqueur pour toutes ses promesses, et qui pour l’anecdote aurait inspiré à Céline le personnage de Sosthène de Rodiencourt de Guignol’s band . La rencontre du sérieux du chimiste et de l’alchimiste de la peinture donne naissance à des métamorphoses qui enchantent Manganelli, visiblement séduit par cette personnalité si difficile à appréhender. Il y a un goût certain pour l’héraldique chez Manganelli, une curiosité qui le pousse vers ces Initiés, capables de tout comme ces Infrangibles fantômes perceptibles dans l’œuvre de Lalique. Du célèbre verre naît, en effet, des métamorphoses extatiques, une vie infinie sans dégradation, pureté fragile qui fascine l’écrivain-poète. Une exposition d’éventails est, elle aussi, prétexte à ces irruptions du temps sur l’évanescence, gestes rageurs d’une femme parfois plus définitifs pour le fragile objet que le temps qui passe. Et « l’éventail se fait fabuliste, porteur d’images, et confie sa propre survie à sa capacité à mêler une fable microscopique, une citation orgueilleuse au privé et au solennel… ». Que de secrets et indiscrétions, ces objets amis d’Éole ont à nous murmurer, et Manganelli de se réjouir de ces confidences de…l’éventail ! Ces petits riens signifient beaucoup dans la prose de notre auteur italien, rares sont les choses insignifiantes lorsqu’elles ont su retenir son attention, et le lecteur aura grand plaisir à découvrir ces lignes dans la belle traduction que nous laisse Philippe di Meo, restituant à merveille ce style hypnotique qui attire dans les méandres symboliques de ces méditations atypiques sur l’art.

Philippe-Emmanuel Krautter

Pitigrilli : « Cocaïne », Coll. L’indéFINIE, Editions Séguier, 2018.

Nombreux sont les livres drôles mais celui-ci, « Cocaïne » de Pitigrilli aux éditions Séguier, n’est pas seulement drôle, il est, qui plus est, savoureux sans aucun sérieux. Sous le pseudonyme Pitigrilli, se cache cependant, Dino Segre, cet italien né en 1893, et dont la vie et les actes de collaboration avec le régime fasciste font malheureusement moins sourire. On songe notamment à la regrettable détention de Carlo Levi dont il sera tenu coresponsable. Journaliste, romancier reconnu à la réputation sulfureuse dans l’entre-deux guerres pour ses nouvelles et récits notamment érotiques, Dino Segre fuira en Argentine. Ce n’est que depuis quelques décennies que ses ouvrages trouvent une certaine réhabilitation.
Reste que dans « Cocaïne », en un style maniant aussi bien l’image décapante que les épithètes désopilantes, Pitigrilli ravit son lecteur. Sur fond de cocaïne, de débauche et bien d’autres choses encore, passant des hauts quartiers malfamés de Paris, Montmartre, Clichy, aux froids quartiers luxueux plus bas de la capitale ou ailleurs encore, défilent sous la plume de Pitigrilli, et par la verve de son narrateur, journaliste dandy italien, fraîchement arrivé à Paris, sujets cocasses et corrosifs, les femmes avec une irrévérence, le journalisme sans concession, les drogues, les amours et l’amour libre, une décapitation capitale presque publique, et même dieu, « ce grand farceur » ! Hésitant entre un humour décapant et un irrésistible cynisme, dandy devenu audacieusement journaliste, désinvolte et sceptique, le narrateur ne peut rester en place et demeure incapable d’offrir à ses interlocuteurs, et donc au lecteur, ce commun sérieux tenu pour raisonnable. Ici, les femmes sniffent de la cocaïne comme d’autres se repoudrent le nez ; Là, les hommes prennent des têtes de « cocu convalescent » ou de « cocu chronique » lorsque leur femme, passant de la Butte à Chaillot, « offrent les plus impressionnants phénomènes de mimétisme du monde animal ». L’effronté journaliste s’embarquera alors pour de luxueuses croisières ou stations balnéaires, tous lieux de paradis artificiels et décadents où s’enchaînent jeux de mots, paradoxes grinçants, audacieuses impertinences et cocasserie des images, jusqu’à…
Publié en 1921, « Cocaïne », premier et l’un des plus célèbres romans de Dino Segre fut l’objet d’une vive polémique lors de sa parution quant à son sujet la drogue, mis à l’index par l’Église, il demeurera longtemps écarté des éditions. Aujourd’hui, sa réédition notamment en langue française aux éditions Séguier s’accompagne d’une poste-face d’Umberto Eco intitulée « Pitigrilli, l’homme qui fit rougir ma mère ». Dans cette dernière, Umberto Eco, sans pour autant le qualifier de très grand écrivain, n’hésite cependant pas à souligner, parallèlement aux influences d’Annunziennes, le côté parisien de Pitigrilli, « une forme d’élégance boulevardière », une influence toute parisienne modelant « non seulement son style, brillant, spontané, à la syntaxe dépouillée, mais jusqu‘à son onomastique… ». Une postface jetant un éclairage sur l’œuvre entière de Pitigrilli, de « Cocaïne » jusqu’ à ses derniers récits, après sa conversion au catholicisme.

Bernhard Schlink : « La femme sur l’escalier », Coll. Folio, Gallimard, Paris 2018.
 

« La femme sur l’escalier » est avant tout l’histoire d’un intriguant tableau. Sur cette toile, d’une belle taille, une hauteur de porte, une jeune femme, jolie et longiligne, nue, descend un escalier. On pourrait le rapprocher du « Nu descendant un escalier » de Marcel Duchamp, mais non, justement, il en est l’opposé, l’entière contradiction, il ressemblerait plutôt au tableau de Gerhard Richter intitulé « Ema (Nu sur un escalier) », mais là, aussi, l’auteur avertit ses lecteurs que toute ressemblance avec ce dernier serait fortuite. Qui est-elle, cette femme, alors ? Elle est l’épouse d’un riche homme d’affaires allemand prêt à tout pour la reprendre, elle, qui l’a quitté pour le jeune peintre, auteur du tableau. Ce dernier, lui, est prêt à l’échanger pour récupérer sa toile, son chef œuvre. Un jeune avocat allemand, brillant, en établira le contrat, mais… L’histoire n’est pas non plus sans rappeler un certain portrait, lui écrit et signé O. Wilde, mais là encore on se tromperait. Non, décidément, l’histoire de ce tableau, de cette femme est encore autre, une intrigue bien ficelée par Bernhard Schlink, auteur déjà d’une dizaine de romans et à son actif le fameux best-seller « Le liseur ». La femme, après avoir été aidée par le jeune avocat, veuf et amoureux transi, disparaît avec le tableau qui miraculeusement réapparaît, quarante ans tard, lors d’une exposition à l’Art Galery de Sidney…L’avocat, maintenant moins jeune, va-t-il enfin comprendre comment, lui, alors brillant et cultivé avait-il pu se laisser si facilement berné ? Après tout, elle n’était entrée dans sa vie que nue sur un tableau. Que peut faire ou obtenir une femme telle qu’Irène Grundlach ? Car, tel est son nom, Irène Grundlach, née Adler. Les choses auraient-elles pu se passer autrement ? L’avocat, du haut de son implacable rigueur, de son pragmatisme et de sa carrière, parviendra-t-il, aujourd’hui, tant d’années après, enfin à le savoir ? L’auteur se joue et déroute son lecteur autant que l'est le narrateur ; s’entrecroisent alors le monde de la finance, de l’art et les paradigmes, étriqués, audacieux, déterminés, de chacun, et puis les failles comme un château de sable qui se fissure… Mais, peut-on réparer les griffures, les blessures ou brûlures du passé ? Retenez bien son nom, « La femme sur l’escalier », un roman captivant à lire d’une traite.

Michel Dansel « Paris secret » Bouquins, Robert Laffont, 2017.

L’écrivain et poète Michel Dansel avait déjà emporté l’adhésion avec la parution de son essai consacré aux « excentriques », un regard transversal sur la singularité d’individus ayant décidé de ne pas se fondre dans la masse de leurs congénères. Il récidive pour le plus grand plaisir de ses lecteurs avec la parution toute récente de « Paris secret » dans la collection Bouquins. C’est, en effet, un peu de cette même veine qui coule dans ce nouvel opus « Paris secret », une ville tout autre que celle des guides, notices d’encyclopédies ou idées reçues. Adepte de l’humour décalé, préférant les ruelles aux autoroutes, l’auteur dédie en ouverture ce livre à toutes les bestioles de la capitale : chiens, chats, hamsters, poissons rouges et même coccinelles comme l’égrène à l’envi la Bible dans la Genèse… À défaut d’en faire ses lecteurs privilégiés, ce qu’il aurait souhaité, Michel Dansel a concédé ces pages alertes – et parfois iconoclastes – à ceux de ses congénères qui seront les « moins dramatiquement géométriques », au risque d’une incompréhension totale… Nous commençons ce voyage lutétien avec Charles Baudelaire et ses souvenirs « plus lourds que des rocs ». Paris « mosaïque polychrome » comme la nomme Michel Dansel en une belle métaphore que nos aïeux mérovingiens n’auraient pas reniée. Tesselles de vies accumulées depuis l’antique, espoirs uniques et pourtant si voisins, Paris peine à dévoiler tous ces trésors accumulés et exige acuité, sagacité et avant tout poésie. L’auteur parcourt les arrondissements avec nonchalance et gourmandise, en picorant ici ou là de quoi étancher une soif intarissable pour ces trésors cachés, ces perles méconnues d’un Paris profane ou sacré selon les lieux. Mystères de la colonne Vendôme, Zarafa, la fameuse « girafe » du Jardin des Plantes, Deyrolle et ses autres animaux – moins vivants - sans oublier les frasques d’un autre animal, le président Félix Faure dont le trépas est passé à la postérité dans la capitale… Entre histoire, légendes, phantasme et inconscient collectif, chaque ligne tisse un réseau de références qui laisse une couleur étonnante à la ville que nous pensions pourtant bien connaître. C’est tout l’art de Michel Dansel que d’évoquer ces nouveaux « Tableaux parisiens » en une vision à la fois héritéedes générations passées et drolatiquement personnelle, un Paris de métamorphoses permanentes comme il les nomme, des « légendes bétonnées » qui ne sauraient se fissurer que grâce à l’humour et au talent de celui qui les a si habilement rassemblées.

Philippe-Emmanuel Krautter

Florian Rodari : « Pierre Tal Coat», Editions Domaine de Kerguéhennec, 2017.
 

Il manquait une biographie informée et récente consacrée au peintre Tal Coat (1905/1985) ; cette lacune est avec justesse réparée avec la parution aux éditions du Domaine de Kerguéhennec d’une biographie signée Florian Rodari et intitulée « Pierre Tal Coat ». Un nom que l’artiste adopta dès 1926 pour se distinguer du peintre également breton, Max Jacob, et signifiant en langue bretonne « front de bois ». A celui-ci, le biographe fait le choix d’y ajouter – chose plus rare – le prénom de l’artiste, « Pierre », disant ainsi d’emblée toute la force de cet artiste qui ne voulut jamais se couper, s’extraire de la nature, « le monde », tel qu’il aimait à le dire et qu’il arpentera et peindra toute sa vie. Biographie soigneusement travaillée dans laquelle s’intercalent de nombreuses reproductions et un album de photographies, l’auteur, Florian Rodari, a opté pour une approche chronologique mettant en évidence les grands étapes et tournants marquant l’œuvre de Tal Coat, ce petit breton né dans une famille extrêmement modeste, orphelin très jeune de père, qui décida dès 13 ans de devenir peintre et viendra tout jeune à Paris. Là, il y rencontrera sa première femme, des peintres et galeristes qui très tôt l’accueilleront et lui porteront reconnaissance. Mais la vie, qui plus est la vie d’un peintre tel que Tal Coat, n’est pas aussi rectiligne… et c’est dans un style au ton juste et avec beaucoup de pudeur que Florian Rodari aborde chapitre après chapitre la traversée terrestre de ce géant qui jeune encore s’était passionné pour C.G. Jung qu’il n’avait cependant pu rencontrer bien que se rendant à Bâle tout exprès… On peut se demander si Tal Coat, travaillant sans relâche toute sa vie durant, questionnant pierres, carrières, arbres, l’eau et les champs, les pigments et les liants, dans « un travail acharné, silencieux et solitaire », écrit Florian Rodari, n’a pas cherché cette individuation si chère au psychanalyste suisse ?... Mais qu’importe, laissons plutôt la parole au biographe : « Peu à peu, cependant, Tal Coat s’impose comme l’un des rares peintres de sa génération, aux côtés de Giacometti, capables de tracer une voie vraiment neuve à la représentation réaliste ». Tal Coat n’aura alors de cesse de voyager, peindre, bouger, peintre toujours et encore, rejoignant, plongeant dans cette nature qu’il fait sienne et avec laquelle il communie cherchant moins la couleur que cette lumière qui lui sera propre, cette densité de la transparence. En 1936, évoquant la guerre d’Espagne et « sa propre vie », ainsi qu’il le dira, le peintre entame sa série intitulée « Massacres » qui ne sera pas toujours comprise, mais qui lui vaudra cette notoriété qui perdure aujourd’hui. Puis, ce sera les années d’Aix-en-Provence de 1941 à 1956, un tournant essentiel dans l’œuvre du peintre ; mais, alors même que Paris lui offre reconnaissance et succès, Toal Coat, plus solitaire que jamais, se retire… « Rochers », « Arbres et rochers », eau, cascades prennent alors toute leur force dans la série « Profils sous l’eau » et autres toiles, largement illustrées dans l’ouvrage en de nombreuses pleines pages. C’est une nature dans toute sa fragilité que le peintre saura rendre avec une rare sensibilité, on songe notamment aux toiles « Faille dans les rochers » (1949, 1950). À partir de cette période, écrit Florian Rodari, « En tant que peintre, Tal Coat se sent pleinement libre désormais ; Il suit sa voie sans faillir, en solitaire, rien ne pourra l’en faire dévier, ni les incompréhensions de ses proches qui ne parviennent pas le suivre, ni ses propres doutes qu’il surmonte et intègre à sa démarche ». Galeries et expositions internationales s’enchaîneront alors parallèlement à cette liberté qui le conduira à cette frontière qu’il sut si bien décrire en 1968 dans la célèbre revue L’Éphémère :

« L’espace et la lumière sont un
Ainsi tout flotte et dérive lentement
et la lumière et l’ombre
et toutes choses en cette lumière et cette ombre… »

Florian Rodari retrace ainsi dans un style sobre, soigné et avec beaucoup de pudeur, laissant la place d’honneur à l’œuvre, la ligne de vie de Tal Coat dans cette courbure des champs qu’il aimait tant, de sa jeunesse à ses années de maturité émaillées de nombreuses rencontres et amitiés avec d’autres peintres, écrivains et poètes, de sa reconnaissance jusqu’à sa disparition en 1985. Un essai biographique qui vient compléter à merveille les nombreuses autres publications parues en 2017 - monographies (éditions Somogy) ou entretiens (édition de L’Atelier contemporain) - dédiées à ce grand artiste breton que fut Tal Coat.

L.B.K.
 

Clarice Lispector, « Nouvelles ; édition complète », éditions Des femmes-Antoinette Fouque, 2017.
 

La parution aux éditions Des femmes-Antoinette Fouque d’un ouvrage de l’auteur Clarice Lispector est toujours un heureux événement ! Si Clarice Lispector est une grande romancière, figure majeure de la littérature brésilienne du XXe siècle, connue notamment pour son roman Le Bâtisseur de ruines (1961), elle fut aussi une très grande nouvelliste. Son premier roman « Plus près du cœur sauvage », publié en 1944 alors qu’elle n’a pas 25 ans, sera un succès, et il sera le premier d’une longue carrière vouée à l’écriture. Les éditions Des femmes-Antoinette Fouque ont maintenant depuis 30 ans entrepris de rendre accessible en français l’intégralité de l’œuvre de Clarise Lispector. Un pas de plus est franchi avec la parution de ce volume consacré à l’intégralité de ses nouvelles dont certaines inédites en langue française. Toute sa vie, de 17 à 57 ans, de 1937 à 1977, Clarice écrira en effet des nouvelles parallèlement à ses romans, articles de mode ou traductions. 85 nouvelles au total dont l’actuelle publication nous donne une version et traduction complète, car bien que connaissant de nombreuses langues, c’est cependant toujours en portugais qu’elle écrira ses livres. Le recueil s’ouvre avec « Les premières nouvelles », des œuvres de jeunesse lorsqu’elle est encore étudiante en droit, son premier conte connu et « Lettres à Hermengardo » retrouvé dans les archives par Benjamin Moser. Ses nouvelles ont pour point d’ancrage la femme, la vie d’une femme dans ce qu’elle a d’intimement fascinant, de mystérieusement enfoui. Empreintes d’une certaine croyance que certains qualifieront de mysticisme ou de magie, selon, l’écrivain explore les sentiments féminins intérieurs, les états d’âme tremblants ou dévastateurs, les interroge, les rumine aussi parfois. Mais, chose intéressante, l’artiste suivra pour l’écriture de ces nouvelles la trame même de sa vie selon son âge, de l’adolescente à la femme, à la mère, à la femme vieillissante jusqu’à cette femme qui sait qu’elle va mourir avec ces « Dernières nouvelles » demeurées inachevées comme un « non finito » et publiées après sa mort. Avant ces dernières nouvelles se glissent également « Liens de famille », recueil qui fut dédié à sa psychiatre ou encore « Passion des corps » écrit selon l’auteur en un seul week-end. Ainsi que le souligne avec justesse en préface à cet ouvrage Benjamin Moser, ces nouvelles révèlent – fait rare – tant la complétude de la femme que de l’écrivain ; cet écrivain (elle refusera toute sa vie le féminin du terme alors même qu’il existe en portugais) qui sut si bien, dans son style et sa syntaxe singulière, scruter le point infime qui fera basculer la vie d’une femme dans ce qu’elle a de plus quotidien, ce point de vertige fatal. Clarice saisit l’inouï des vies, « l’étrangeté d’être au monde » dira-t-elle.

L.B.K.

Picasso « Le regard du minotaure – 1881-1937- tome 1 » et « Si jamais je mourrais -1938-1973 – tome 2 » de Sophie Chauveau. Éditions Télémaque, 2018.
 

Il ne fallait pas moins de ces deux tomes pour permettre à Sophie Chauveau, auteur reconnu pour ses romans biographiques, d’explorer la personnalité complexe et pour le moins contradictoire de Pablo Picasso, surtout par ce choix audacieux de retenir le prisme de la vie privée de l’homme avant celle de l’artiste, marque de fabrique – il est vrai, de l'auteur. Le sujet et l’objet même de l’ouvrage n'est pas ici d'admirer ou de détester plus que de raison cet immense artiste, nombreux sont ceux l’ayant déjà fait et qui le feront encore, Picasso étant une légende de la peinture, un monstre sacré dans l'histoire de l'art. Ce statut l'a mené, aussi loin que Sophie Chauveau remonte dans son passé, dans un labyrinthe de sentiments aussi créatifs que destructeurs ; « Ce qui est terrible, c'est qu'on est à soi-même son propre aigle de Prométhée, à la fois celui qui dévore et celui qui est dévoré », lucidité ? Cet homme est dès son plus jeune âge un ogre en devenir. Rien ne lui résiste, il n'a qu'une seule ennemie, la mort qui de toute façon gagne toujours et l’obsédera jusqu'à la dernière minute de son long passage sur terre. Pourquoi perdre du temps dans ce qui n'est pas essentiel, créer, aimer, boire, manger, fumer jusqu'à tout détruire. Picasso souffre dans sa chair de la mort de sa sœur. « Pas un jour sans jouir, pas un jour sans peindre », une revanche sur l'insupportable ? Non « Le terrible, c'est qu'on a jamais fini avec la peinture. Il n'y a pas un moment où tu te dis : Allez, j'ai bien travaillé et demain c'est dimanche. Non, dès que tu t'arrêtes, c'est que tu as déjà recommencé. En peinture, on ne peut jamais lettre le mot « Fin ». En peinture, en dessin, en sculpture, en collages divers, en céramique, en toutes techniques qu'il aura abordées, touchées, et maîtrisées jamais de fin et les sources d'inspirations sont si nombreuses autour de lui, chez les autres artistes et tout prendre, tout comprendre, tout digérer et tout rendre « à la Picasso »... Également tout critiquer et tout révolutionner... Mais, qui admirer quand on se prend un peu pour Dieu ? Restent les grands, les très grands, Delacroix, Caillebotte, David, Corot, Ingres, Daumiers, Manet, Degas ou Bazille, Cézanne... et Matisse, le seul qu'il respectera au-delà de tous. Picasso dévore et jouit de tout et en premières victimes des femmes, de ses femmes dont les prénoms resteront à jamais liés à ces amours autant qu’à son œuvre. Tristes sorts pour celles qu'il a séduites, admirées, faites mères, trahies, délaissées, abandonnées, trompées, laissées crever sans bouger le petit doigt, ou tout au contraire dans la plus grande discrétion aidées, ses femmes comme ses amis, comme ses enfants... Rédemption ? Oh, non Picasso y trouve encore une nouvelle force pour créer ! Créer, être reconnu de son vivant et vivre de son art, quel artiste de son siècle n'a pas espéré le millième de ce que Picasso a pu engranger d'argent (caché en Suisse), de célébrations à travers la monde, de vente aux plus grands collectionneurs ? Matisse, lui ne fantasme pas sur Picasso, de douze ans son aîné, il n'a pas toujours considéré l'Espagnol, c'est peut-être cela qui attire le catalan vers cet alter ego.
Deux tomes pour être au plus près de cet artiste incontournable et de ses chefs-d’œuvre, deux tomes pour entrer dans sa vie sans être voyeur, sans être vu du maître, et porter un regard distant sur ses peurs, ses envies, ses dénis, ses fantômes et les puissances destructrices qui le hantent, son « bordel » intérieur qui hurle à la vie, à la mort et à son œuvre. Deux tomes pour tenter d’offrir au lecteur une autre approche de tout ce qui a, en fin de compte, fait du petit Pablito ce géant qui souffrira toute sa vie de sa petite taille dévorant tout sur son passage. Une immersion privée dévoilant l’homme face à son œuvre. « Celui qui a vécu jusqu'au bout l’orgueil de la solitude n'a plus qu'un seul rival : Dieu », écrivit si justement Emil Cioran.
Et peut-être, ne jamais oublier que l’on n’en a jamais fini avec Picasso.

Sylvie Génot

Benoît Castillon du Perron : « Mourir avec la rivière », éditions Arcades Ambo, 2018.

« Mourir avec la rivière » signé Benoît Castillon du Perron et publié aux éditions Arcades Ambo raconte ou plutôt conte l’univers biographique d’un petit garçon qui grandit et qui, un jour, est devenu grand… Un univers, tout d’abord, doré, fait de vastes parcs, de hauts et grands escaliers ornés de tableaux tout aussi grands qu’eux, mais un univers bien trop vaste et hermétique pour ce petit être, tenu à l’écart du monde des adultes et du club de ses trois sœurs, seul dans la chambre verte de l’oncle Romain, seul à regarder l’horizon et cette rivière, sa rivière et cette photo en noir blanc donnée en couverture de l’ouvrage : « Et c’est ainsi que je reviens au bord de la rivière, ma rivière, ma douce, ma si jolie et ma si tendre morte. Je ne sais plus, tant le temps a passé, si le noir des trous d’eau, entre les nénuphars, s’est élargi au soir, définitif, qui tuera tout et tous, ou si je puis encore m’éveiller, réveiller avec vous ce qui fut l’une de mes plus grandes joies, et fouler à nouveau, en une danse légère, nécessaire et sacrée, les chemins d’autrefois pour moi seuls inventés, et retourner, sans doute pour la dernière fois, parmi joncs et roseaux délicatement froissés, revoir luire au bas du talus, là-bas, au pied des peupliers, les trésors de l’essentielle enfance où j’allais puiser sans fin, par les beaux soirs d’été. »

Et c’est dans la mémoire de cette rivière, devenue matrice, refuge, dans laquelle on entre, pas à pas, avant que subrepticement, elle n’entraîne le lecteur dans cette enfance où déjà se dessinent les ombres. Une enfance aux nombreuses pages et souvenirs qui jamais ne lassent tant elle s’écoule en de jolis moments et phrases comme la douce rivière du garçonnet ou ces notes d’un nocturne de Chopin joué pour lui seul par une complice grand-mère. Mais les étés se suivent laissant aussi advenir un long et doux ennui qui grandit malgré les portes ouvertes des greniers, malgré la rivière, ne laissant « Jamais apaisée, cette envie de partir comme j’étais parti dans tes bras, ce désir d’écarter les murs, d’élargir l’horizon, cette pulsion montante, de plus en plus puissante au fur à mesure que je grandissais ; tout cela qui ne supportait plus, maintenant, la contrainte d’une porte, d’un simple verrou fermé… ».

Entre pêche et jeux, percent les illusions, désillusions et secrets des adultes, la larme vite cachée de sa grand-mère, un père de plus en plus absent que remplacent les certitudes toujours plus implacables de cette mère à l’affection si mondaine, alors s’ajoutant à l’ennui, s’immisce le manque, ce puits qui se creuse. « Allongé, presque nu, à l’avant du bateau, je joue à être mort. Mes pieds, mes mains traînent dans l’eau. Dans le bleu flamboyant du ciel, je regarde fondre les nuages. Mes paupières se ferment, rougissent, s’emplissent de tâches noires… La brise, sur ma peau, fait comme l’empreinte irrésistible d’une lèvre. Mais mourir n’est pas si aisé. »

Entre souvenirs et mots choisis, l’auteur saisit, navigant tout à la fois entre sensibilité à fleurs d’âge de l’enfance et émotion des souvenirs de l’adulte, les moments clefs de ce paradis de l’enfance qui se fissure, la rivière de La Saulière qui laisse place à celle de l’Abbaye, au collège, à la séparation, aux crises et aux cris, et aux années 68... L’adolescence qui accoste se fait maintenant empreinte. Les morceaux du puzzle des vies s’ajustent avec en contrepoint les larcins, vengeances et mensonges d’un adolescent poursuivant encore l’auteur des lignes, champs de bataille de pulsions. Le rythme s’accélère malmenant la monotonie des étés et des rentrées. Les photos du vieux Leïca fixent le lecteur et s’enchaînent alors comme un film en 24 x36, aujourd’hui, remastérisé et gravé par les mots de l’auteur jusqu’à ses 17 ans, lorsqu’on n’est pas sérieux.

Puis, le cinéma encore, la poésie, la littérature plus encore et les rencontres d’amis, ceux que l’on n’oubliera jamais, amis perdus ou ennemis de demain et frères de toujours… Époque des amitiés profondes, des séparations familiales, des chambres de bonne, des premiers emplois où la vie de bohème vibre de sa jeunesse et de sa beauté.

Notre narrateur, après un intermède flashback, est devenu Jean (Jean, ici, aussi…), et c’est bien ainsi. Jean est devenu un peu adulte, mais pas encore assez pour retenir la belle Maud et les autres. Puis, Joy apparut et demeura. Entouré maintenant de sa famille, de sa femme et de ses enfants déjà grands, le narrateur regarde Jean s’avancer vers lui, éclairé par la lune, jusqu’à cette étrange bulle… La réalité, « Cela faisait bien longtemps qu’il n’y croyait plus, tout au moins pas au sens où tout le monde l’entend.» ! Demeure l’âme de la rivière. Un joli ouvrage où le travail de l’écriture s’efface pour laisser place à un style personnel au rythme scandant ceux de la vie qui grandit, s’affirme, se vit et s’écrit.

L.B.K.

Marc Pautrel : « La vie princière. », Gallimard, 2018.

Le dernier roman de Marc Pautrel, « La vie princière », commence par une lettre, une lettre adressée à une femme. Celle-ci débute ainsi : « Chère L***, Je voudrais pouvoir te remercier de tout. Rester à tes côtés pendant ces quelques jours a été merveilleux, de la première à la dernière minute. » Tout et dit et rien ne l’est… Rien n’est jamais aussi simple, surtout lorsqu’on est écrivain, l’inconscient efface, les souvenirs persistent, le corps résiste. Dans un style qui se veut net, comme un regard lointain qui se souvient trop bien, et dont aucune mise au point ne serait nécessaire, le narrateur, pensionnaire de ce vaste Domaine à la végétation tout italienne, se souvient…
Elle, elle à ses côtés. L***, italienne, venue pour une semaine, et n’être qu’avec elle. L***, belle, intelligente, vive, qui aimait, aime tant parler, parler et parler, marcher aussi… Et, maintenant, repartie, et lui, seul, face à lui-même, sans elle à ses côtés, avouant comme on confesse, quelques lignes plus loin : « […] je ne pouvais plus faire qu’une chose, la seule chose que je sache faire dans la vie : me nourrir de mes propres phrases, et qu’il allait me suffire de t’écrire une lettre […] ».
Une lettre pour ouverture d’un livre qui s’écrit, ne peut que s’écrire… écrire contre le temps, retisser la ligne de vie d’une rencontre amoureuse avant qu’elle ne perde sa réalité. Retenir, tenir encore ce « dernier moment où en une demi-seconde tout pourrait encore changer […] ». Une écriture fluide, diaphane, transparence d’une lumière italienne, pour réminiscence de ces instants où ils dévalèrent ensemble la pente des collines du vaste Domaine, laissant les mots glisser, et « […] t’expliquer que j’étais tombé amoureux de toi, de te dire ce qui s’était passé et comment c’était arrivé […] ». Chaque mot est là, présent, tout proche, à portée de pages. « Redoubler l’éternité », écrit le narrateur… L***, dans les allées de « La vie princière », avec ce désir de laisser les phrases dirent chaque minute, chaque journée de cette présence d’L*** dans l’ombre des grands pins du Domaine, juste dire et pouvoir écrire : « Et qu’alors, je serais soulagé. »

Pierre Voélin « Sur la mort brève » Fata Morgana, 2017.

Pierre Voélin signe avec Sur la mort brève un recueil de poésie à la fois empreint de gravité et en même temps d’un souffle qui dépasse celui des contingences des vies humaines. La nature est complice de la poésie de l’auteur, tour à tour témoin ou participant, rarement indifférente. « L’esprit s’ouvre à des puits de neige », des « Sentinelles obscures » et « D’anciennes fêtes rouvrant leur manteau et la miséricorde en pleurs » ponctuent nos marches obscures. Comme un espace à la fois feutré et paradoxalement sonore, la nuit osseuse a des accents de barque antique traversant le Styx… Poudroiement de graines exquises pour un cœur pris dans les étaux du lierre, végétal enserrant la mémoire du poète en une étreinte mortelle. La mort rôde sans que nous sachions si elle est miroir ou reflet, et si nos prières dans le « bréviaire des étoiles » offrent une voie ou une voix « d’une langue incertaine » ? Le poète s’interroge plus qu’il n’assène, une invitation à la patience des incertitudes. « Sur la mort brève » rappelle la mémoire implacable du « battement sourd des heures », cette « mémoire glisse comme un lac de montagne. L’implacable mémoire ». Caractère inéluctable des instants où tout bascule, « Elle marche, On ne l’entend pas venir » ; et le poète, de préciser en un rappel inéluctable, ce témoignage indicible et inouï de la nature : « Seules des feuilles récitent », et nous nous ferons complices avec lui de ces murmures qui signent nos fins. Un recueil aux murmures et au timbre mélodieusement grave comme un bruissement d’automne.
En une éternelle confession avec la mémoire et la nature, Pierre Voélin signe également « De l’enfance éperdue » aux mêmes éditions Fata Morgana.

Philippe-Emmanuel Krautter

Lucien Jerphagnon « L’astre mort » roman, Robert Laffont, 2017.

Autre jardin secret méconnu du public, le manuscrit de L’astre mort récemment découvert par sa fille Ariane, et aujourd’hui publié pour la première fois aux éditions Robert Laffont. Un roman que Lucien Jerphagnon souhaitait garder inédit. S’expliquant sur cette décision de mettre au grand jour ce seul roman écrit par son père au début des années 1960, à la veille de rompre son engagement religieux, sa fille justifie cette publication par le fait que son père avait détruit en toute connaissance de cause un grand nombre de documents et de correspondances avant sa mort annoncée, et que ce manuscrit sauvé de ce tri sélectif selon la volonté même de son père, et qu’il avait gardé secret pendant une si longue période de sa vie, ne pouvait dès lors selon elle rester caché, d’autant plus qu’il éclaire une étape importante de la vie de l’homme et de l’historien de la philosophie. À partir des réflexions du personnage principal de ce livre, qui s’intitulait originellement Journal d’un anxieux, Lucien Jerphagnon évoque les errements initiatiques d’un homme allant de Bordeaux à Bayonne, sans oublier Saint-Jean-de-Luz ou l’Espagne à la manière d’un Montaigne. De l’obscurité à la lumière, toutes les expériences de la vie vécues par le romancier dans sa jeunesse s’invitent discrètement dans ce livre écrit par cette plume rigoureuse et inimitable. Les souffrances vécues lors de l’enfance, les traumatismes de la guerre et de la captivité, les doutes et les questionnements sur le mal et le sens de la vie, tout est prétexte à interrogation mystique et philosophique, sous forme romanesque et selon une chronologie qui se termine un 29 septembre, un mois qui curieusement avait vu naître et disparaître Lucien Jerphagnon, dernier clin d’œil de ce grand homme que fut Lucien Jerphagnon.

« Récrire l’histoire de sa vie… Oui, que de fois j’en aurai tâté, de ce jeu-là, depuis vingt ans ! On efface tout et on recommence… Faites vos jeux… » (p. 176)

Philippe-Emmanuel Krautter

(à lire notre interview

de Lucien Jerphagnon)

Philippe Sollers « Beauté » roman, Gallimard, 2017.

Euterpe, la muse grecque sait plaire selon l’étymologie de son nom et ses charmes ont certainement inspiré l’écrivain Philippe Sollers pour son dernier roman Beauté. Elle est associée à la musique et le lecteur pourra s’interroger : la muse ne s’est-elle pas substituée à Lisa, cette pianiste aimée par le narrateur dans ses pérégrinations grecques ? Notre rhapsode des temps modernes loue depuis longtemps déjà les arts et la beauté qui s’en dégage de différentes manières. Comme ses antiques devanciers, Philippe Sollers sait mettre en avant ce qui est plus que ce qui paraît. Le romancier excelle dans l’art de la variation - mélodique, rythmique ou harmonique - peu importe. Ainsi, la référence récurrente dans Beauté aux Variations pour piano, opus 27 d’Anton Webern rattache tout naturellement aux dieux grecs pour l’écrivain, l’écoute des rares fragments d’hymnes à Apollon parvenus jusqu’à nous lui donne raison. Sa pensée et ses œuvres tissent sur un métier une toile infinie, et Beauté ajoute encore quelques pages encourageant à cette prise de conscience : notre monde ne cesse de s’enlaidir. Les voix s’élèvent alors tel un chœur de vierges effarouchées, Sollers réactionnaire, Sollers conservateur, Sollers rétrograde ! Non point, Sollers plutôt optimiste, La beauté sauvera le monde aurait pu être de sa plume si Dostoïevski ne l’avait devancé. Du chaos peut ressortir la beauté, c’est un thème récurrent de tous les mythes fondateurs et des sagesses millénaires. Webern aimait citer Hölderlin qui estimait que « Vivre, c’est défendre une forme », ce qui perdure malgré les aléas du temps. Face à cela, l’obscénité inconsciente prédomine sur les écrans comme dans la vie quotidienne, les deux se confondant. Les dieux grecs font signe pour Hölderlin, le poète croit en leur résurrection, ce qui fait dire trop rapidement à Schelling qu’il a perdu l’esprit, image qui fait penser à la « folie » présumée de Nietzsche, mais en sommes-nous si sûrs ? Pour cela, pourquoi ne pas rêvrer comme l’y invite Philippe Sollers, un rêve vrai pour lequel il faut se rendre disponible, se déconnecter des interminables sollicitations modernes. Jüng a également fait ces voyages, Ulysse aussi, en enlevant ses bouchons de cire, mais attention au chant des sirènes… On retrouve dans ces pages inspirées les touches en botte du fin escrimeur qu’est Philippe Sollers qui encourage de lire Hamlet plutôt que d’assister à une de ces représentations contemporaines « foireuses » ! Le narrateur est dans les cieux avec Lisa alors que l’interminable guerre de Troie a toujours lieu, en bas. « Les phénomènes passent, je cherche les lois ». Face à la manipulation de l’ignorance, l’omniprésence des projecteurs aveuglants et du bruit médiatique, le sacré se voile, l’ennui guette, alors il est temps d’entendre et d’écouter ce que les anciens Grecs percevaient déjà, leurs dieux et leurs éclairs n’ont pas disparu, Beauté en témoigne !
 

Philippe-Emmanuel Krautter

Goliarda Sapienza : « Rendez-vous à Positano », Coll. Météores (n°16), éditions Le Tripode, 2018.

Littéralement subjuguée lors d’un simple repérage par ce petit village du nom de Positano perché sur la côte amalfitaine, comme suspendu entre mer et ciel, à quelques kilomètres de Naples, Goliarda, la narratrice, ne peut s’en détacher. Fascinée par la beauté des lieux, par ses villageois, et surtout par cette énigmatique femme dont la beauté rivalise avec le paysage, elle entreprend d’y demeurer et d’en savoir plus… Se nouera alors, entre ces deux femmes, une profonde amitié quasi amoureuse de plus de vingt ans. Par une étrange alchimie menée entre vécu et roman, entre réminiscences et songes, l’auteur happe à son tour son lecteur et l’entraîne dans la sensualité des criques brûlées de soleil méditerranéen ou dans la fraîcheur des ruelles étroites de Positano avec son dédale d’escaliers de pierre à la rencontre d’Erica. Erica, si belle, si mystérieuse enveloppée dans son élégant halo, et habitant cette maison quasi-inaccessible au plus haut du village, à la fois retirée, fermée et ouverte sur toute la beauté de cette baie infinie. Qui est Erica avec sa fine et élégante silhouette quasi mystique, sa pâleur et cette froide aura tenant à distance tout Positano émerveillé ? Goliarda apprendra à la connaître et se tisseront alors entre elles deux, dans cette atmosphère à la fois insaisissable et palpable de tendresse, de sensualité, ces liens forts faits de silences, de rires et de larmes. Hypnotisé, on plonge doucement dans ces vies, la mer, Positano, enveloppé dans le voile léger de la tendresse, celui qui pudiquement cache les brûlures du désir et la violence des amours. Car, dans ces confessions se distillera aussi le lancinant poison des secrets dévoilés… Et s’engouffreront dans ces vies et ces pages, comme le vent et les pluies diluviennes d’une fin d’été dans les ruelles de Positano, pulsions, battements de vie, de survie et de mort. Vie marquée de revers de fortune, de déceptions et de joies consolatrices avec pour fond, Positano, petit village perdu dans la tourmente de l’histoire de l’Italie et de l’après-guerre. Auteur engagé, on y retrouve des thèmes chers aux intellectuels italiens de cette époque notamment de Pier Paolo Pasolini avec la modernité avançant implacablement, l’argent comme nouvelle force fasciste et ce temps ancestral marquant Positano comme un axis mundi. Erica et Goliarda sauront elles y échapper ? Sortiront-elles indemnes de la tourmente de la force des orages de la vie ? Se refuser à partir, fuir ou accepter ce « Rendez-vous à Positano » hors du temps… Goliarda ne retournera dans cette baie cachée « au-delà des monts, frontière métaphysique entre le rêve et le réel créé », que bien après, longtemps après…

« Ce n’est qu’après avoir, moi aussi, osé jeter un regard dans le trou noir du non-être, sans pour autant arriver à m’y abandonner, retenue peut-être par une curiosité démesurée qui a toujours été l’axe de ma nature, ou seulement parce que je ne trouvais personne de vraiment décidé à me donner un bon coup de pouce, que le désir me reprit de retourner dans ce petit village encore intact dans son humanité de visages et de pierres, avec sa mer limpide où laver nos « péchés » et ceux des autres. Où je pourrais poser les paumes de mes mains sur les rochers et les troncs des caroubiers encore intouchés et prier là où le bonheur d’être jeune était encore intact – en esprit du moins – comme un papillon bloqué sous la vitre immortelle du souvenir. »

« Rendez-vous à Positano » est l’un des derniers ouvrages écrits par Goliarda Sapienza alors que sa monumentale œuvre « L’art de la joie » n’a pas encore rencontré le succès qu’il méritait et qu’il aura seulement quelques années après, lors de sa publication posthume en France en 2005, puis en 2018 aux éditions Le Tripode.

G. Sapienza découvrit Positano à la fin des années 40 lors d’un repérage cinématographique avec le cinéaste Francesco Masseli, son premier mari. Trop beau, le film sera tourné ailleurs. Pour autant, Goliarda Sapienza, tout comme sa narratrice, ne pourra se décider à partir et il faudra que Luchino Visconti s’impatiente à Rome pour la faire rentrer ! Mais, Goliarda Sapienza ne tardera pas à y revenir… jusqu’à écrire cet ouvrage. Achevé en 1994, juste deux ans avant sa mort, « Appuntamento a Positano », aujourd’hui traduit en français par Nathalie Castagné et également édité par les éditions Le Tripode, bien que moins volumineux que « L’art de la joie », mais méritant tout autant d’être connu, réunit à lui seul toute la fascinante et fragile force d’écriture propre à son auteur.

L.B.K.
 

Goliarda Sapienza : « L’Art de la joie », Coll. Météores, Editions Le Tripode, 2016.
Angelo Maria Pellegrino : « Goliarda Sapienza, telle que je l'ai connue. », Editions Le Tripode, 2015.

« Raconte, Modesta, raconte. » ;
Cette phrase devenue célèbre est la dernière phrase du roman « L’art de la joie », un roman vertigineux écrit de plume de femme, Goliarda Sapienza. D’une écriture très personnelle, qui touche au plus profond de l’être et émeut, l’ouvrage raconte la vie romanesque de cette femme nommée Modesta dans la Sicile et l’Italie de la fin du XIXe siècle. Mais comment ne pas dévoiler la vie si haute en couleur de cette petite fille du sud de l’Italie qui au-delà de la pauvreté, des malheurs et horreurs, des peurs que lui infligera le destin, au-delà aussi des bonheurs et des étoiles que lui offriront le ciel et les gouffres insondables de l’âme humaine, s’accrochera désespérément, dans un entêtement vital, toute sa vie durant, à la seule compagne peut-être qui vaille : « L’Art de la joie ». « L’Art de la joie » comme firmament ; « Le firmament, quel beau mot…peut-être le plus resplendissant du firmament des mots », dira enfant encore l’héroïne, Modesta.
Alliant en une belle écriture, réalisme cru et magnifique imagination, l’ouvrage se heurtera pourtant aux heures sombres de l’Italie de la fin des années 1970 et ne trouvera pas d’éditeur ; il faudra attendre 1998 et toute la ténacité de son dernier compagnon Angelo Maria Pellegrino pour qu’enfin une première version posthume complète paraisse en Italie. Mais ce sera surtout sa parution française aux éditions Viviane Hamy en 2005 avec une traduction de Nathalie Castagné, aujourd’hui aux éditions Le Tripode, et son immense succès qui apporteront à « L’Art de la joie » et à son auteur, enfin publiée et reconnue en France et dans son Italie natale, toute la reconnaissance méritée.
D’une écriture inconsolable de joie, d’une sensualité à fleur de mot, maniant fines nuances et couleurs chatoyantes ou crues, aussi changeantes que les ailes de papillon, à l’image peut-être des photographies de l’auteur, Goliarda Sapienza, l’héroïne grandit et affronte dans un face à face étourdissant son destin, celui qui condamne ou qui sauve, et qui l’arrachera des brûlures pour le couvent et du puits pour une vie de Princesse… Habitée d’une insatiable ténacité de vie, d’une volonté d’une inconsciente légèreté avec sur ses pas l’ombre implacable d’une réalité toujours trop réelle, Modesta, insoumise, vit et affronte, en effet, sa destinée, et celle de la Sicile et de l’Italie au tournant du XXe siècle. Devenue une femme à la sensibilité aussi grande que son caractère, instruite, Modesta demeurera toujours ouverte aux idées modernes, dérangeantes, provocantes de son temps, et sera sensible aux idées des féministes et des socialistes anarchistes de cette fin et début de siècle, sans jamais cependant en oublier son sens critique acéré et épris de liberté. Ainsi affrontera-t-elle avec volonté ou impuissance, mais toujours force, détermination et patience, les amours et les maternités, les deuils et la guerre, la folie aussi ; la folie de la vie contre celle de la mort.
L’héroïne n’est pas, bien sûr, sans rappeler la personnalité singulière de l’auteur, née, elle aussi en Italie du sud à Catane, de père avocat et d’une mère se faisant, avec son mari, l’écho des luttes socialistes et de la résistance au fascisme. Entourée de nombreux frères et sœurs, l’auteur sera, en effet, comédienne, féministe, socialiste anarchiste, mais surtout et avant tout écrivain. Il faut lire avant, après ou parallèlement à « L’Art de la joie » pour en saisir tout le rapprochement l’ouvrage que lui consacre son dernier compagnon Angelo Maria Pellegrino « Goliarda Sapienza... », paru également aux éditions Le Tripode qui ont, sous l'initiative audacieuse de son directeur Frédéric Martin,  entrepris de publier l'intégralité de son oeuvre.
« L’Art de la joie », passant d’une tendre lucidité à une impitoyable imagination avec des phrases terriblement splendides, offre cette écriture aussi particulière que la personnalité même de son auteur, Goliarda Sapienza, qui au travers de la vie mouvementée de Modesta,  enrobe, happe et vous kidnappe par ce souffle de liberté et de vie. Dans un style singulier alliant douceur et dureté, l’intime et le lointain, changeant de narration pour ne pas lasser, se faisant distant, épistolier, confident, les chapitres viennent rythmer le récit comme ils rythment la vie. Mais, sous le charme d’un roman de « châle et d’épée », c’est bien un roman existentiel sensible et profond qui se dévoile au lecteur. Un livre fort qui marque au-delà de la mémoire, lorsqu’on se surprend à dire : " Raconte, Modesta, raconte », encore...

« Et peut-être parce que je m’attendais à le voir d’en haut comme avant, je dus lever les yeux pour trouver ce ciel liquide renversé qui fuyait calmement vers une liberté sans limite. De grands oiseaux blancs glissaient dans ce vertige de vent. Mes poumons libérés s’ouvraient et, pour la première fois, je respirais. Pour la première fois des larmes de reconnaissance me descendaient sur les lèvres. Ou était-ce le goût sec et fort de ce vent qui s’inclinait sur ma bouche pour la baiser ? »
 

L.B.K.

Louis-Stéphane Ulysse : « Harold ; Il veut la protéger…Qui la protégera de lui ? », Éditions La Bibliothèque, 2018.
 

« Harold » de Louis-Stéphane Ulysse, une étrange et étonnante fiction, raconte l’histoire d’un corbeau. Mais, voilà le mot, l’animal à peine lâché que déjà Les Oiseaux d’Alfred Hitchcock croassent et s’envolent dans votre esprit. Un remake ?! Vous n’y songez tout de même pas, impossible, voyons ! Non, le corbeau de Louis-Stéphane Ulysse, réédité par les éditions La Bibliothèque - Harold, car tel est son nom, est un corbeau très intelligent, bien plus intelligent que tous les corbeaux, mouettes et autres oiseaux mécaniques réunis pour le 50e film d’Alfred Hitchcock ; intelligent, mais surtout bien plus dangereux encore… Car si tout y est, Hollywood avec ses éclairages et trucages, ses bars, sa pègre et ses vedettes, Tippi Hedren, Rod Taylor et Hitch pour les intimes, l’intrigue doit cependant faire, cette fois-ci, avec cette autre vedette, plus difficile, intransigeante, plus noire encore que toutes les autres. Faussant les éclairages, modifiant les rôles et les répliques, révélant les sentiments, « Harold » s’immisce en effet griffant, déchirant, crevant les décors. Qui capture qui ? Qui comprend qui ? Mieux qu’un super-bonus, séquence après séquence, prise après prise, dans une audacieuse fiction ayant pour décor le tournage du célèbre film Les Oiseaux, le noir corbeau s’impose à part entière, pour lui-même, seul et orgueilleux, plus dangereux que le corbeau idéologue d’Uccellacci e uccellini de Pier Paolo Pasolini. Qui pourrait, il est vrai, après l’avoir vu seulement une fois, l’oublier, lui, « Harold », ce corbeau à l’œil si perçant ? Rien n’a échappé à Louis-Stéphane Ulysse dans l’univers du cinéma d’Hollywood des années 30 à ces années 1957-67, les studios, les quartiers, les légendes et anecdotes, les mœurs et coutumes, et surtout ses producteurs, réalisateurs et ses vraies vedettes jusqu’à Sean Connery qui y fait même une apparition. Avec les couleurs crues d’un thriller, un éclairage en un sombre clair-obscur rehaussé d’humour, et quelques clichés bien rendus, l’auteur laisse « Harold » poser, bien mieux que Hitch, dans toute son intrigante présence et angoissante prestance. Désormais, vous ne pourrez plus croiser un corbeau sans vous demander, penchant la tête, le scrutant toujours un peu mieux, s’il s’agit ou non d’ « Harold » ? « Harold » et la silhouette en tailleur de Tippi Hedren ! Mais, le noir oiseau bagué d’argent osera-t-il, ira-t-il jusqu’à voler la vedette à la belle et émouvante actrice ? Non, trop belle, trop sensuelle et lointaine, il ne veut que la protéger envers et contre tous, même Chase, ce dresseur d’oiseaux plus fin que les autres. La protéger mais jusqu’où ?... Et si les prises de vues ne sont pas celles que le grand réalisateur Hitchcock avait initialement prévues, les chapitres eux aussi échappent au lecteur, l’emmenant là où il ne pensait pas, les dunes, les loges des acteurs, les arrières salles ont de bien sombres et noirs recoins… « Harold » aurait-il dès lors à jamais disparu ?... Non, il se pose – regardez ! – là, délicatement sur l’épaule de Tippi Hedren, doucement, frôlant ses cheveux blonds, son oreille… Est-il la chance, la mort ? Commis voyageur ou destin ? Qui sait ?… Attention… Silence ! Action !

L.B.K.

Lucrèce Luciani : « Le démon de saint Jérôme ; L’ardeur des livres », Editions La Bibliothèque, 2018.

Lucrèce Luciani nous livre un bien iconoclaste saint Jérôme ! Ni hagiographie ni énième Légende dorée, encore moins histoire de la Vulgate (cette traduction latine de la Bible léguée par le saint) ou des Saintes Écritures, non, Lucrèce Luciani est atteinte en ces pages de « daïmônia » de lectures et de livres, et saint Jérôme en est son meilleur daïmôn. Elle l’écrit haut et fort et le titre même de l’ouvrage en est le cri d’espoir : « Le démon de saint Jérôme ; L’ardeur des livres ». Et qui d’autre, en effet, que saint Jérôme, ce grand érudit du IVe s., ivre de connaissances avec sa soif insatiable et impénitente de lectures, de traductions, de disputatio, de commentaires, et son fort caractère, pouvait mieux convaincre et séduire ? Cependant, Jérôme de Stridon n’est nullement pour l’auteur un pur et simple prétexte, il est bien plus, mieux et au-delà de cela ! C’est une véritable projection choisie et désirée. Parcourant la vie et l’œuvre du saint homme, Lucrèce Luciani, avec une exaltation volontairement exposée, projette en effet toute sa passion des livres et de l’écriture. Ardeur, amour, passion, aucun mot ne semble assez fort pour elle ! Psychanalyste lacanienne, elle en connaît cependant, pour le meilleur et le pire, le processus et les ressorts, et en joue pour ses lecteurs à merveille. Traversant la vie de saint Jérôme, de Dalmatie en Orient, du désert de Chalcis à Rome, puis à Bethléem en compagnie du fameux lion du saint et de ses lecteurs (à moins que cela ne soit l’inverse), c’est tout son amour des livres et de l’écriture que l’auteur entend partager dans une stylisation littéraire volontiers décalée. La lecture, bien sûr, et l’écriture, toutes deux si débordantes, dévorantes et dont saint Jérôme se révéla être le plus grand pêcheur parmi les lecteurs ; mais aussi les livres eux-mêmes en ce IVe s., tablettes, volumen, parchemins, codex déroulés, posés, exposés, là, devant le lecteur, dans tous leurs états ! Ainsi défilent dénominations et étymologie, fabrication, rangement, circulation, lorsque saint Jérôme les écrivait, les rangeait, les convoitait et les lisait, surtout la littérature païenne au grand dam de son ami Rufin ; cela lui vaudra le fameux songe que l’on sait et sa retraite dans le désert de Chalcis… Et pourtant, de retour à Rome en 382, si Jérôme, ce saint polyglotte qui connaissait le grec et même l’hébreu, contrairement à saint Augustin, traduisit, pestant et vitupérant, pour mieux les réviser sur la demande du Pape Damase les quatre Évangiles, une partie de l’Ancien Testament et plusieurs fois le Psautier, jamais le saint homme ne put cependant lâcher et s’empêcher de lire Cicéron ! Lucrèce Luciani entend transporter tout autant sa passion des livres au IVe siècle que son lecteur, et si le saint n’avait pas été si bien gardé par son lion (dont la légende est déjà quelque peu malmenée), Jérôme ne s’en serait peut-être pas sorti indemne ! Pour cela, elle n’hésite pas à entraîner son lecteur non seulement dans les précieux thêkê ou étranges bibliotheca de l’époque du saint, mais aussi dans les tableaux ou gravures qui le représentent, ceux de Sano di Pietro, Lotto, d’Antonello da Messina, de Colantonio ou Dürer donnés en illustration... Mais, là encore, il ne s’agit pas seulement pour Lucrèce Luciani d’apercevoir ni même de voir ces représentations, mais d’inviter littéralement son lecteur à y entrer de plain-pied, celle-ci pointant de son calame le détail qui nous avait échappé, espérant à chaque page, chaque voyage ou retraite du saint, un véritable partage avec son lecteur, une ardente communion... Au lecteur d’y consentir !

L.B.K.

Stéphan Huynh Tan « Anarchie en France, en Allemagne et en Savoie » Pierre Guillaume de Roux éditions, 2018.
 

Stéphan Huynh Tan est un écrivain au long cours qui puise son encre dans la mémoire de ses pérégrinations autour du monde et des plus belles pages de la littérature qu’il ne cesse également d’explorer. Que peuvent bien avoir en commun Stendhal, Gobineau, Ernst Jünger et Xavier de Maistre ? Sous la plume de notre essayiste, qui a notamment déjà publié un Dictionnaire de Chateaubriand, leurs aspirations mais aussi leurs contradictions tissent un maillage serré qui peut paraître bien souvent incommode à démêler pour le lecteur noyé par les sollicitations médiatiques du XXIe siècle. Mais Stéphan Huynh Tan, lui, est en retrait du monde, sait prendre le temps d’aborder ces rivages comme le faisaient nos aïeux, otium revisité des temps modernes où le lecteur gourmand se met à table avec Henri Beyle, la duchesse de Sanseverina n’est jamais très loin, pour « un bon dîner dans la compagnie d’un esprit libre »… Le promeneur écrivain sillonne les clues de Barle, non loin de Digne-les-Bains, une manière de retrouver le temps primordial, grandeur discrète, d’où tout est parti ou presque. Nos cathédrales des temps modernes comme il les nomme avec une pointe caustique où s’entassent caddies et monceaux de victuailles ne rassasient pas notre homme, il leur préfère les vraies, non cet amas de ferrailles et de plastique, mais celles en pierre où le lecteur impénitent retrouve les souvenirs de l’auteur des Chroniques italiennes et des Promenades dans Rome. La saveur de la lecture de Stéphan Huynh Tan est d’apporter à ces textes que nous pensions pourtant connaître de nouvelles épices, une lumière rasante d’un soleil de fin d’été sur la garrigue. Avec le comte Arthur de Gobineau, nous filons à Turin, une ville secrète qui ne se livre pas au premier venu. L’endroit sied à l’auteur de L’Essai sur l’inégalité des races humaines, et notre essayiste de ne pas résister à plonger dans la lecture de ce pavé de mille deux cents pages développant des théories plus que controversées sur les races… Le mythe aryen, la race blanche dissoute dans ses métissages multiples, sombre constat de ce que la pensée peut produire dans ses contradictions, lui qui pourtant s’avérait philosémite. Le livre poursuit cette exploration de ces auteurs aux frontières de l’Histoire, tel Ersnt Jünger dont la valeur militaire n’attendra pas le nombre des années, un courage que certains souhaitent obscurcir par certains de ses écrits nationalistes avant la Seconde Guerre mondiale alors que l’écrivain se retirera de la vie publique et de toute participation au régime nazi qu’il détestait. Le livre conclut avec Xavier de Maistre, le frère de Joseph, exilé de sa bien-aimée Savoie. Il y a comme une curiosité d’entomologiste chez Stéphan Huynh Tan, passion d’ailleurs partagée par Ernst Jünger, curieux de ces insectes étonnants que sont parfois les écrivains, et dont il sait avec une verve bien singulière rendre la grandeur comme les contours plus obscurs. C’est un étrange plaisir que de lire les pages de ce dilettante à la rigueur caustique et implacable, de ce plaisir qui saisit le lecteur comme un décapant étourdissement.

Philippe-Emmanuel Krautter

BEAUX LIVRES et CATALOGUES D'EXPOSITION

La Bible de Gutenberg de 1454 Stephan Füssel Relié, 2. vol. avec livret, 23,5 x 33 cm, 1400 pages, Taschen, 2018.

2018 marque l’année du 550e anniversaire de la mort du célèbre imprimeur Johannes Gutenberg (1394-1468). A cette occasion, les éditions Taschen ont fait le choix – et quel choix ! – de rééditer dans une somptueuse publication la fameuse Bible de l’imprimeur germanique dans sa version intégrale et originelle. C’est un spécialiste des sciences du livre qui est à l’origine de cette édition exceptionnelle de la célèbre Bible Gutenberg datant de 1454. Stephan Füssel est en effet directeur de l’Institut des sciences du livre de la Johannes-Gutenberg-Universität de Mayence (ville natale de Johannes Gutenberg) où il est titulaire de la chaire Gutenberg.

Ayant une connaissance intime des débuts de l’imprimerie et du rôle du livre du XVIIIe au XXe siècle, Stephan Füssel a su également repousser son champ d’études en l’élargissant à l’avenir des nouveaux médias. Il n’est donc pas étonnant que cette fabuleuse édition en deux volumes ait été confiée à ses soins, d’autant plus que la version de la Bible de Gutenberg demeure, rappelons-le, la Bible la plus connue du grand public.

Cet ouvrage sacré a été en effet le symbole d’une véritable révolution puisqu’elle fut le premier livre d’importance à avoir été imprimé avec des caractères en métal mobiles, à la différence des manuscrits jusque-là réalisés par les moines copistes. Ce fut au milieu du XVe siècle une profonde évolution qui allait élargir la diffusion des idées ouvrant sur la Renaissance et plus tard sur le Siècle des Lumières, le savoir se trouvant ainsi partagé et accessible à un plus grand nombre, multipliant des écrits jusqu’alors trésors des bibliothèques des monastères, une révolution donc que seules les technologies de la fin du XXe siècle tenteront d’égaler avec Internet.

C’est à partir de l’exemplaire conservé à la bibliothèque de Göttingen qu’a été réalisée cette somptueuse réédition, un exemplaire imprimé en latin sur vélin et l’un des rares au monde qui soit parvenu jusqu’à nous, ce qui explique que l’UNESCO l’ait fait figurer au Registre de la mémoire du monde. Le lecteur aura grand intérêt en découvrant cet ouvrage divisé en deux volumes réunis en coffret à commencer par l’étude proposée par Stephan Füssel exposant la personnalité de Gutenberg et les conséquences de l’imprimerie qu’il initiera, prenant bien soin de rappeler que si le procédé existait auparavant en Asie, en Europe, il fut en revanche le premier à inviter ce système de caractères métalliques mobiles appelé à un incroyable avenir.

Avec ses 1 282 pages, cette édition offre deux sources essentielles pour l’histoire du livre et de la culture : le livre modèle de Göttingen et le seul acte officiel subsistant sur la Bible de Gutenberg rédigé par Ulrich Helmasperger. Fort de ces informations, il sera alors loisible de feuilleter ces pages étonnantes pour celles et ceux habitués à la froideur des typographies modernes pourtant héritées de cette invention. L’héritage des manuscrits enluminés se fond avec la typographie fleurie conçue par Gutenberg, rencontre de deux univers appelés progressivement à se séparer de plus en plus et que ce magnifique coffret fait revivre, le temps d’une édition d’exception.
 

"Guernica" édition publiée sous la direction d'Émilie Bouvard et Géraldine Mercier, Coédition Gallimard / Musée national Picasso-Paris, Gallimard, 2018.

La quatrième de couverture du catalogue Guernica publié aux éditions Gallimard reproduit une citation de Picasso suffisamment évocatrice : « Non, la peinture n’est pas faite pour décorer les appartements, c’est un instrument de guerre offensive et défensive contre l’ennemi »… Cet engagement entier de la personne et de l’art du peintre transcende en effet la dimension esthétique d’une manière radicale dans l’œuvre de Picasso et notamment pour Guernica. Ce cheval hennissant dont la langue acérée est pointée comme une lame de rasoir témoigne de la violence au cœur de cette œuvre iconique de l’engagement de l’artiste. Émilie Bouvard rappelle la destinée de cette peinture à l’huile de taille monumentale de plus de 3 mètres de haut sur plus de 7 mètres de long. Témoin de la guerre d’Espagne vue de Paris par un artiste espagnol en 1937, Guernica cristallise l’aboutissement du peintre à cette époque et les fracas de la guerre, tout d’abord civile puis mondiale quelques années plus tard.

Dora Maar, Huile sur toile "Guernica" en cours d'exécution, état VII, atelier des Grands-Augustins, Pari, en mai-juin 1937, Paris, 1937, Musée national Picasso-Paris, don Succession Picasso, 1992 © RMN­‐Grand Palais / Mathieu Rabeau © Succession Picasso 2018

Exposer Guernica ne saurait ainsi être un accrochage de plus, mais bien un engagement prolongeant celui de l’artiste au risque d’en dénaturer l’originalité et les sens. Tant d’interprétations ont été portées sur cette œuvre dont elle s’est trouvée enrichie ou alourdie selon les cas. On connaît l’intérêt que porta André Malraux à l’œuvre de Picasso à qui il consacra son fameux livre La Tête d’obsidienne en 1974, deux ans avant de disparaître. Pour le ministre, romancier et passionné de l’art « Picasso fut habité par la métamorphose plus profondément que par la mort », même dans cette œuvre où elle rôde incontestablement.

Les métamorphoses opérées par Picasso trouvent leur origine dans le regard insatiable de l’artiste porté sur des sources iconographiques diverses et variées que rappelle le catalogue ; allant de l’Apocalypse de Saint-Sever (XI° s.) jusqu’à Delacroix avec Le 28 juillet, Tauromachie, Minotaure, cheval, chacun de ces emblèmes puissants dans l’œuvre de Picasso avant Guernica vont converger de manière éblouissante dans cette arène internationale anticipée. Le lecteur aura cette chance avec ce précieux catalogue de faire défiler les pages du laboratoire intérieur de l’artiste de manière contextuelle et selon une nouvelle approche qui sort des sentiers battus et à laquelle le lecteur est convié de manière dynamique.

Till-Holger Borchert « Peinture flamande de Van Eyck à Rubens » 360 illustrations couleur, relié sous jaquette, format 30 x 39 cm, nombre de pages 498 pages, 2014, Citadelles & Mazenod, 2014.

Till-Holger Borchert, spécialiste réputé de la peinture des Pays-Bas et conservateur en chef du Groeningemuseum de Bruges, a réalisé avec « Peinture flamande de Van Eyck à Rubens » aux éditions Mazenod un somptueux ouvrage, véritable promenade d’art avec les plus grands artistes de ce courant de peinture. Par sa connaissance intime de ces peintres qu’il fréquente depuis longtemps et ses différentes fonctions de conservateur et de commissaire d’expositions ( « Jan van Eyck, les primitifs flamands et le Sud » en 2002 et « De Van Eyck à Dürer – les primitifs flamands et l’Europe centrale » en 2010-2011), l’auteur a retenu à juste titre un dialogue au cœur de ces œuvres. Grâce à des détails extraordinaires révélés par le grand format de l’ouvrage et la qualité des illustrations, c’est tout l’art du détail caractérisant la peinture flamande qui se trouve placé au premier plan de ce livre d’art. L’auteur en avant-propos rappelle d’ailleurs ce jugement repris par le grand historien de l’art Aby Warburg « Le diable est dans les détails… », ce qui s’applique notamment aux arts plastiques… Rares sont les observateurs d’œuvres d’une telle richesse ayant le temps, la patience et l’acuité d’en découvrir les infimes contours et recoins lors d’une visite dans une exposition ou un musée.

Aussi Till-Holger Borchert se fera-t-il dans ces pages, le temps d’une lecture, le guide de cette intimité, qui exige recul et connaissance, ce que l’auteur transmet avec une générosité sans bornes et invitant d’ailleurs son lecteur à faire suivre cette découverte par celle des œuvres in situ, une approche incontournable pour lui. C’est une sélection d’une quarantaine de chefs d’œuvres qui ont été retenus pour leur importance, richesse symbolique et caractère de la peinture flamande. Le livre débute naturellement par Jan Van Eyck, celui qui fut considéré comme le père de l’art pictural flamand pour le réalisme de ses détails et la beauté de ses paysages. L’Agneau mystique du peintre étudié en ouverture donne une idée de la démarche entreprise par Till-Holger Borchert qui n’est pas sans rappeler celle d’un cinéaste : vue éloignée du polyptyque fermé puis ouvert, avant d’entrer dans le cœur de l’oeuvre en une succession de gros plans éclairés par une « voix off », celle de l’historien de l’art. Il ne manque que la musique pour que l’expérience soit complète, une belle leçon. Plutôt que de privilégier un nombre incalculable d’œuvres, l’auteur a fait choix de retenir une sélection réduite mais donnant lieu à une initiation entière et complète.

Ainsi au fil des pages, l’historien de l’art fera-t-il défiler pour le lecteur de ces chefs-d’œuvre déterminants pour l’art européen, des toiles effarantes de Jérôme Bosch qui semblent encore plus psychédéliques avec force détails proposés par l’auteur, au dramatisme puissant de Rubens avec La Descente de Croix de la cathédrale d’Anvers, sans oublier la joie transmissible de Jordaens avec Le roi boit ! Une expérience unique au cœur de l’intimité de la peinture flamande.

Pierre-Joseph Redouté « Le livre des fleurs » Werner Dressendörfer, H. Walter Lack, relié, reliure tissu, imprimé sur papier Acquerello, avec ruban marque-page, 28,5 x 39,5 cm, 336 pages, dans une mallette en carton avec poignée, Édition multilingue: Allemand, Anglais, Français, 2018.
 

Redouté, un nom qui évoque subrepticement un bouquet de couleurs et de senteurs, une poésie florale qu’aucune technologie numérique n’est parvenue à ce jour à égaler. C’est l’œuvre et le génie d’un visionnaire et d’un poète, Pierre-Joseph Redouté, qui fait pour le grand des bonheurs l’objet du présent ouvrage réunissant somptueusement 144 gravures en grand format. Né en plein siècle des Lumières, c’est à la veille des heures révolutionnaires qu’il s’oriente dans l’illustration botanique, qu’il est introduit à la cour de Versailles et très tôt remarqué par la reine Marie-Antoinette. Il deviendra même dessinateur et peintre officiel du Cabinet de la Reine, sa consécration est dès lors établie.

La tempête révolutionnaire n’éteint pas son génie, il entre à l’Académie des sciences, se fait remarquer par Joséphine de Beauharnais qui le protégera et en fera son peintre officiel. Les régimes passent, mais la reconnaissance de Redouté ne faiblit pas, et ce dernier traverse les affres des régimes politiques et voit son œuvre encensée pour sa qualité botanique et son esthétique unanimement saluée. Les gravures réunies dans ce livre d’art exceptionnel témoignent du soin apporté par l’artiste pour associer exactitude scientifique et esthétique avec ces mises en couleur à la main de fleurs, fruits et rameaux. Afin de rendre plus exactement les détails de ses représentations, Redouté va jusqu’à perfectionner la technique de gravure au pointillé en ayant recours à de minuscules points de couleur plutôt qu’aux lignes pour mieux rendre les infimes variations de couleur dans ses œuvres.

Car si l’on associe très souvent le nom de Redouté à ses fameuses roses inoubliables, on oublie parfois que l’artiste a manifesté un intérêt insatiable à l’art botanique de manière générale, les plantes les plus méconnues retenant également son attention. La légende aime à dire que Marie-Antoinette aurait convoqué Redouté à minuit pour qu’il lui peigne un cactus, ceci n’aurait rien d’étonnant pour cet artiste curieux de tout. L’éphémère des fleurs, et notamment de ses roses, est comme un rappel philosophique du caractère transitoire des choses et des régimes politiques qui ne parviendront pas à abattre son génie. 144 espèces de fleurs, rameaux d’arbres et fruits sont ainsi réunis dans cette réédition exceptionnelle qui attire le regard pour sa beauté indéniable, mais dont il ne faudra pas négliger la valeur scientifique à l’époque qui fit de Redouté, mort en 1840, un artiste également aimé des sciences.

« Une lutte moderne, de Delacroix à nos jours » catalogue sous la direction de Dominique de Font-Réaulx et Marie Monfort, Louvre éditions – Le Passage, 2018.

C’est un détail de La Lutte de Jacob avec l’ange qui orne la couverture de cet ouvrage collectif consacré aux trois œuvres peintes tout spécialement par Eugène Delacroix en l’église Saint-Sulpice de Paris, une commande reçue pour la chapelle des Saints-Anges et qui l’occupa jusqu’en 1861. Métaphore de l’artiste en lutte avec son art mais aussi avec ces questions existentielles se posant à l’homme quant à son destin. Cette œuvre est souvent présentée, à juste titre, comme le

testament spirituel du peintre qui disparaît trois ans plus tard.

À l’occasion de l’exposition consacrée au musée Eugène Delacroix à ces trois œuvres et venant de faire récemment l’objet d’une restauration exemplaire, le présent ouvrage revient sur la genèse de ce projet, ses sources d’inspirations puisées auprès des grands maîtres et sur l’influence qu’eurent ces toiles sur les successeurs de l’artiste tels Maurice Denis, Gustave Moreau, Marc Chagall… Il aura fallu une restauration complète des œuvres de la chapelle des Saints-Anges pour redécouvrir ce qui restait jusqu’alors caché sous un voile de brume et d’opacité rendant quasi impossible leur lecture. Si les mouvements et le dynamisme des actions pouvaient être devinés, les couleurs et les jeux de miroirs restaient absents jusqu’à ce mois de novembre 2016 où les couleurs comme par enchantement ont retrouvé leur place et leur éclat. Ainsi que le soulignent les auteurs en introduction, unir les œuvres de la chapelle au musée Delacroix en une thématique commune renoue ainsi ce lien indéfectible qui unit le peintre entre son atelier souhaité proche du lieu de la commande qu’il lui échut et lui demanda tant d’énergie. Grâce aux nombreux détails et informations rendus visibles par la restauration, c’est toute l’histoire du projet de Delacroix qui est de nouveau compréhensible et partageable au plus grand nombre ainsi qu’en témoignent les essais réunis dans cet ouvrage.

Glacis inutiles supprimés, lisibilité des compositions améliorée, chaque strate interrogée, toutes ces questions techniques de restauration offrent une mine d’informations précieuses sur l’art et la technique du grand peintre du XIX° s. Par ailleurs, l’ouvrage rappelle les sources essentielles de Delacroix pour concevoir et élaborer ces œuvres de grand format, le peintre ayant toute sa vie durant manifesté un respect pour ses illustres prédécesseurs tels Raphaël, Titien, Tintoret, Véronèse, Rubens ou Rembrandt. En fin de carrière, le peintre ne désavoue pas, bien au contraire, ces inspirations qui nourrissent son art et tout particulièrement ce projet pour l’église Saint-Sulpice. Nous pourrons ainsi grâce aux nombreuses contributions réunies pour cet ouvrage mieux saisir les nombreuses intrications artistiques, historiques, religieuses et métaphysiques qui caractérisent ces trois chefs œuvres et que ce livre encourage à aller sans plus tarder redécouvrir in situ en passant et s’arrêtant, bien entendu, préalablement à la très belle exposition qui leur est consacrée au musée Delacroix.

« Delacroix » de Peter Rautmann Citadelles & Mazenod, 2018.

Peter Rautmann propose avec cette monographie d’exception parue aux éditions Mazenod un regard autre sur ce grand peintre que fut Eugène Delacroix, celui de la modernité et ses liens avec la création européenne de son temps. Historien de l’art et spécialiste du romantisme allemand et européen, « son » Delacroix s’ouvre sur un détail du tableau Les Convulsionnaires de Tanger, toile où la couleur dialogue avec le sujet en un lien à la fois intime et puissant de ces visages tendus sur un fond d’azur immaculé. Partant des crises artistiques du début du XIXe siècle, le livre explore cette expérience de son art entreprise par Delacroix tout au long de sa riche et fertile carrière. Ne recherchant pas une étude exhaustive mais privilégiant plutôt une étude approfondie de certaines œuvres déterminantes, Peter Rautmann analyse le processus même du travail artistique du peintre invitant pour cela toutes les étapes allant du projet, des esquisses, dessins, gravures, photographies jusqu’à l’œuvre inachevée. Dépassant les idées traditionnelles avancées pour caractériser l’art de Delacroix, notamment l’importance et la force de la couleur, l’auteur entreprend également l’étude d’autres clés ouvrant à une plus profonde compréhension de son œuvre, l’aspect graphiste avec l’importance du noir et des ténèbres, ainsi que celle de la ligne, du mouvement et de l’espace. La dimension subjective n’est pas non plus occultée dans ces pages superbement mises en pages et illustrées par une iconographie choisie avec attention pour ces 320 illustrations couleur. La personnalité de Delacroix s’immisce dans ses tableaux avec une sensibilité psychique et émotionnelle à fleur de toile, ce dont témoignent d’ailleurs les pages de son fameux Journal. Retraçant les déterminantes années 1820, la tempête romantique, l’ouvrage ouvre également sur d’autres espaces et horizons avec la découverte essentielle pour Delacroix de l’Orient, irradiant son travail de lumière et de mouvements. De par sa formation, Peter Rautmann invite d’autres disciplines pour jeter des ponts avec l’œuvre de Delacroix notamment l’esthétique, la musique, les sciences, la littérature… En ces pages, Eugène Delacroix se révèle être non seulement un homme de son temps ne reniant pas l’héritage du passé, mais aussi une figure de proue d’un courant artistique ouvrant sur les siècles à venir avec le modernisme dont il est d’une certaine manière le prophète et l’avant-garde.

L'épopée du canal de Suez sous la direction de Gilles Gauthier Coédition Gallimard / Institut du monde arabe / Musée d'Histoire de Marseille, Gallimard, 2018.
 

Si le mot « canal » renvoie plus de nos jours à des chaines de diffusion médiatiques qu’aux cours d’eau artificiels que creusa l’homme dès le début de son histoire pour dépasser le cadre de sa géographie, il demeure cependant que de tout temps, relier mer et terre a été une priorité. Le canal de Suez compte assurément parmi ces efforts insensés si l’on pense à la difficulté de la tâche : permettre à des bateaux de passer du Nil à la mer Rouge, et permettre à la Méditerranée et mer Rouge de se rejoindre, de communiquer… Si l’on ajoute à cela que, ce qui deviendra le canal de Suez se trouve au croisement de l’Asie, de l’Afrique et de l’Europe, il est plus facile de comprendre pour quelles raisons dès l’Antiquité cette tache surhumaine a été au cœur des projets des puissants, notamment de Sésostris, le pharaon mythique. L’égyptologue Christiane Ziegler souligne combien son tracé, connu à l’époque des sources antiques, reste de nos jours sujet à discussion, la topographie se modifiant considérablement au fil des siècles. L’homme moderne redonnera vie à cette voie mythique avec, en 1859, le creusement du Grand Canal de Suez reliant la Méditerranée à la mer Rouge sur une étroite bande de terre de 125 km comme le rappelle Ghislaine Alleaume. Le présent catalogue retrace cette aventure avec force archives photographiques sépia qui ne pourront que laisser une nostalgie certaine de ces lieux plus proches alors de l’Antiquité que de la modernité… Et pourtant c’est bien la modernité et cette force de l’homme sur la nature qui motivent le percement « pharaonique » de cet isthme sous la direction de Ferdinand de Lesseps avec des moyens, certes, plus modestes que ceux entrepris il y a quelque temps pour relier l’Angleterre à la France sous la Manche. Philippe Régnier rappelle, pour sa part, les différents projets proposés avant celui retenu définitivement alors que Caroline Piquet met dans sa contribution en évidence les enjeux stratégiques des puissances internationales concernées par ce nouveau mode de communication fluvial inauguré en 1869. Il faudra en effet dix ans pour que cette entreprise soit accomplie avec un prix humain non négligeable si l’on pense à ces milliers d’ouvriers qui y laisseront leur vie. Ce sera également le point de départ de nouveaux équilibres : nationalisme arabe, lutte pour l’indépendance de l’Égypte… Cette épopée est retracée avec un nombre important de documents reproduits, une histoire prolongée par les questions d’actualité et des projets d’extension, de doublement du canal. Une aventure pouvant être précédée, suivie ou compétée par la visite de l’exposition sur ce même thème se tenant actuellement à l’Institut du Monde Arabe.

Alice au Pays des Merveilles et De l'autre côté du Miroir de Lewis Carroll illustrés par Pat Andrea (édition bilingue) 49 œuvres de Pat Andrea et 120 détails. 1 volume broché sous jaquette, 400 pages, 25 X 23 cm, La Petite Collection Editions Diane de Selliers, 2018.

L’œuvre de Lewis Carroll Alice au Pays des Merveilles fait partie du patrimoine littéraire depuis de nombreuses années au même titre que Le Petit Prince. Et en effet, quelle joie inépuisable que de découvrir à chaque nouvelle lecture ces mots et tour de passe-passe, ces écrits aux entrées multiples, surtout lorsqu’ils font l’objet d’une édition aussi singulière que celle réalisée par les éditions Diane de Selliers réunissant Alice au Pays de Merveilles et De l’autre côté du Miroir. Afin de proposer au lecteur, grand ou petit, la meilleure introduction à ce texte conçu non seulement par un écrivain, mais aussi par un logicien et mathématicien averti, quarante-neuf toiles originales ont été commandées à l’artiste Pat Andrea ; des œuvres qui accompagnent idéalement la traduction d’Henri Parisot.

Avant de plonger dans la lecture de ces deux œuvres emblématiques, il suffit de feuilleter les 400 pages de cette édition pour mesurer combien l’artiste Pat Andrea est littéralement habité par l’écriture et l’univers de Lewis Carroll. Ainsi que le souligne Diane de Selliers, l’artiste fut dès le départ de ce projet fasciné par les correspondances de son travail avec ces œuvres. Le travail de ce peintre et sculpteur néerlandais est en effet marqué par le sexe, la violence sourde, ces rapports de tension entre les êtres et les choses aux lignes brisées. Ces huis clos, inversions et autres étrangetés trouvent des échos dans l’univers carrollien où les corps sont souvent étirés ou réduits selon leur rapport aux adultes. Chaque œuvre est présentée en deux parties offrant le plaisir d’une lecture intégrale du texte ou au contraire de s’arrêter plus longtemps sur des extraits bilingues nouant des rapports intimes aux œuvres de Pat Andrea. Le lecteur pourra ainsi avec délectation découvrir ou redécouvrir ces œuvres si familières sous un autre angle, angle idéalement complété par l’appareil critique de Jean Gattégno, l’un des grands spécialistes de Lewis Carroll.
 

« Chantilly, le domaine des princes », photographies de Marc Walter, Format : 245 x 335 cm, 488 pages dont 3 dépliants de 8 pages, Environ 450 illustrations en couleurs, Relié plein papier, fer à dorer, signet, sous étui illustré, Swan éditeur – Domaine de Chantilly, 2017.
 

A lieu d’exception, livre d’exception, c’est désormais chose faite avec la splendide édition Chantilly, le domaine des princes (Swan éditeur), un livre d’art et d’histoire, servi par une iconographie remarquable. Le lecteur est en effet invité en ouvrant ce coffret raffiné à entrer dans cet univers d’ors et de moulures anciennes qu’une couronne princière souligne. Les splendides photographies de Marc Walter font immédiatement participer à cet univers qui pourrait relever du domaine onirique si nous n’étions pas en ces lieux en plein cœur de l’Histoire, celle du royaume de France jusqu’à l’actuel Domaine de Chantilly, au XXIe siècle. Qu’il s’agisse d’un détail de marqueteries précieuses, d’un ciel d’orage soulignant les dentelles de pierre du château ou de l’eau qui se joue des reflets de l’auguste demeure, chaque image participe à ce joyau dont l’histoire reste mouvementée par ces multiples facettes.

Regarder les façades du château de Chantilly de nos jours, c’est se tourner vers une belle utopie, celle d’Henri d’Orléans, duc d’Aumale (1822-1897), cinquième fils de la reine Marie-Amélie et du roi Louis Philippe, dernier roi des Français, et qui décida un demi-siècle après que la Révolution eut abattu les murs de ce château de redonner vie à ce phénix princier. Sa devise était « J’attendrai », c’est dire si la résolution de l’homme était aussi grande que son souhait, alors qu’il vécut plus de vingt ans en exil en Angleterre. Mais il est des attentes qui dépassent celle des hommes pour rejoindre celles des siècles, une prédestination à recomposer ce qui avait été à tort défait. Aujourd’hui plus personne ne remet en cause cette réhabilitation, bien au contraire, des foules de touristes s’empressent pour découvrir une partie de ce patrimoine réhabilité par cet homme qui s’éteindra dans son domaine de Zucco en Sicile, trois ans avant le début du nouveau siècle. L’ouvrage fait défiler cette riche histoire, page après page, de la forêt des origines avec Anne de Montmorency, connétable de France aux XVe et XVIe siècles jusqu’au fameux Condé au XVIIe siècle, descendant de saint Louis, et qui offrira à ce lieu sa splendeur toute princière grâce au concours d’un jardinier appelé à un destin célèbre, André Le Nôtre…

Le Grand Condé aimait la rivalité et notamment à l’encontre de son royal cousin auquel il emprunta le génie d’un de ses plus brillants architectes, Jules Hardouin-Mansart. Chaque génération des Bourbon-Condé apportera sa pierre à cet édifice faisant l’admiration de tous, Grands Appartements, Singeries, Grandes Écuries, Petit Parc, Jeu de Paume, Hameau dont s’inspirera Marie-Antoinette et jardin anglais passeront à la postérité jusqu’à ce qu’Henri d’Orléans ne redonne vie à cette splendeur au XIXe siècle après les ravages de la Révolution. Une partie entière de ce livre est d’ailleurs consacrée aux fameuses collections du Duc d’Aumale, un musée unique dont la seule visite donne le vertige tant les œuvres d’art réunies par cet esthète laissent sans voix. Lui qui interdit dans son legs de modifier l’accrochage ou de prêter et faire sortir du domaine la moindre œuvre de sa collection. Il suffit pour s’en convaincre de déplier les doubles pages successives de la Galerie de peinture insérées dans cet ouvrage d’art…

Les expériences seront multiples à la lecture de ce livre incontournable, la plus précieuse d’entre elles sera notamment ce désir irrépressible de partir à la découverte toujours renouvelée des charmes du Domaine de Chantilly.

L’effet boomerang – Les arts aborigènes et insulaires d'Australie,
160 pages - photos et illustrations couleurs et noir et blanc, Éditions In folio/ MEG - Musée d'ethnographie de Genève, 2017.
 

Le catalogue de l'exposition « L'effet boomerang, les arts aborigènes d'Australie », exposition qui s'est achevée il y a quelques semaines au musée d'ethnologie de Genève, permet de revenir sur les nombreuses pièces exposées grâce aux riches contributions. Qu’il s’agisse des liens profonds qui relient chaque objet à la terre des ancêtres, aux territoires du Temps du Rêves ou au temps de l'histoire des luttes des populations autochtones pour la reconnaissance de leurs droits, il n'y a pas d'objet en bois, armes, boucliers, pointes de lances, propulseurs, ornements, masques, bois gravés, peintures corporelles, représentations sur écorces ou aujourd'hui sur toile ou papier qui n’ait sens et n’ait fait l’objet d’une minutieuse analyse.
Les auteurs de ce catalogue, sous la direction de Roberta Colombo Dougoud (conservatrice du département Océanie du Musée d’Ethnographie de Genève et commissaire de cette exposition) ont pour chacun apporté dans leur domaine respectif une extrême attention à la conservation et mise en valeur des gestes culturels ancestraux, rappelant ainsi à quel point la culture australienne des origines, donc aborigène, porte en elle tout une part de l'art de l'humanité et de sa mémoire collective. Que ce soit Brook Andrew, artiste australien, Philip Jones, Eric Venbrux, Perrine Saini, Marcia Langton, Clotilde Wuthrich ou Nicholas Thomas, chacun aborde cette culture et les arts aborigènes avec un regard ethnologique, historique, scientifique, anthropologique, artistique ou muséologique permettant de mieux découvrir et appréhender les collections de M.E.G, dont le fonds australien ne compte pas moins de 850 œuvres, et ainsi de comprendre, depuis la colonisation de ces terres en 1788, l'effacement progressif de la culture aborigène et la mise à l'écart flagrante des populations autochtones des différentes régions du continent. Les collectes des objets présentés dans ce catalogue témoignent du chemin parcouru depuis les premiers contacts avec les anthropologues européens comme Norman Tindale en 1921 jusqu'à la reconnaissance actuelle des arts insulaires. « Les Noirs affirment qu'aux « Temps du Rêves » d'un passé très lointain, leurs ancêtres sont entrés dans le pays avec tous leurs totems, qu'ils gardent précieusement avec eux. En ces temps-là, ils n’étaient pas très sûrs de leur nature ; ceux qui possédaient le totem disons du canard sauvage étaient-ils vraiment des êtres humains, ou étaient-ils en partie l'animal ou la plante dont ils portaient le nom ? » Le chemin pour retrouver les traces des ancêtres est complexe mais évident pour qui sait lire sur la terre, à travers la voie lactée, au milieu des déserts, et seuls savent ceux qui y sont initiés... C’est avec les premiers objets rapportés au M.E.G, le 3 juillet 1880, très précisément, et leurs les observations que commence la collection particulièrement riche et diversifiée d'objets. Observations qui permettront aux chercheurs de classifier minutieusement les productions des peuples aborigènes des différentes localités géographiques et leurs utilisations précises, tels ces coolamon ou pitchi tantôt récipient pour l'eau ou pour la nourriture, tantôt berceau pour les nouveaux-nés. Les Aborigènes du Nord, dès le XVIIe siècle et jusqu'au début du XXe siècle, ont entretenu des échanges culturels avec les marins indonésiens et autres habitants de Madagascar... Leur histoire se lit comme un roman jusqu'à aujourd'hui et les nouvelles créations d'art contemporain recyclant des filets de pêche usés (installation du requin de récif Ged Nor Beizam – Queensland) comme les toiles acryliques des grands artistes partis pour d’autres rêves ou actuellement vivants, ont pris, depuis quelques années, toute leur place sur le marché de l'art international. Nombre de ces œuvres figurent aujourd’hui dans les musées et galeries du monde, gardant cependant toujours cette part de mystère… C'est cette histoire de groupes, familles, sociétés complexes au plus proche d'un environnement difficile, toute cette richesse de styles et de créations que viennent illustrer les très belles photographies que l'on redécouvre sous une perspective nouvelle par ce livre faisant déjà référence en matière d’arts aborigènes. Alors le lire et y revenir, c'est aussi cela, l'effet boomerang...

Sylvie Génot-Molinaro
 

Jean-Pascal Léger : « Tal Coat. Pierre et Front de bois », Editions Somogy, 2017.
 

A noter la parution aux éditions Somogy d’une belle monographie consacrée au peintre Tal Coat. Appuyée par un riche texte documenté et soigné signé Jean Pascal Léger, cette dernière parution s’est vite imposée comme ouvrage de référence. Jean Pascal léger, écrivain, critique d’art et commissaire d’expositions, a bien connu et côtoyé le peintre à maintes reprises et lui a consacré de nombreux textes, entretiens ou émissions ("L'Immobilité battante" L'Atelier contemporain, 2017). Et comme on le comprend ! Comment ne pas apprécier, en effet, cet artiste (1905-1985) dont toute l’œuvre puise sa force dans la terre, les rochers et les arbres, dans cette nature qu’il aimait appeler tout simplement « le monde ». Pour cet ouvrage, l’auteur a retenu pas moins de 150 illustrations ; retenues, souligne-t-il, comme il aurait choisi des toiles pour une exposition : « J’ai fait mes choix comme pour un accrochage, je vais à la rencontre des tableaux comme on va trouver des personnes. Mais surtout j’ai adopté la méthode Tal Coat. Certains tableaux ont pris l’initiative »…
Tal Coat aimait avant tout les arbres, ces grands et hauts arbres, son nom de peintre signifie d’ailleurs en breton « front d’arbre », prémonition ou avertissement ? Ce Breton d’origine et de caractère l’a dit et peint, peint et redit, lui épris avant tout de liberté. Il aimait aussi peindre les rochers qu’il escaladait volontiers, la terre, ses ocres et les champs dans lesquels sa peinture s’enracine. « Certes, lorsque Tal Coat, au printemps, couvrait ses tableaux des jaunes acidulés et des verts vifs de la campagne, ce sont bien des tableaux verts et des tableaux jaunes, les Mai, Vient mai, Mariés (au mois de Marie) et des Colzas. Mais ces mêmes tableaux pouvaient se couvrir de coquelicots, de chaumes puis de cendres. Un tableau de Tal Coat est l’équivalent d’un champ, une parcelle de peinture », écrit Jean-Pascal Léger se souvenant de ce que lui avait dit le peintre, un jour, à propos d’une toile :

« Laissez-le faire son effet !
C’est un peu terne mais il y a les coquelicots en dessous, je peux aller chercher le coquelicot ».

Sa peinture aux couleurs puissantes ne pouvait dès lors qu’interpeller et reçut tôt dans sa carrière la reconnaissance de ses pairs, mais aussi de poètes ou d’écrivains. Aujourd’hui, c’est une large admiration qui est vouée à ce peintre qui sut aussi, avec une rare sensibilité, laisser transparaître dans ses peintures toute la fragilité de l’être. Les champs verts d’un printemps ou ses nombreuses toiles sur le thème de l’eau traduisent ces sourdes failles aux côtés de toiles plus sombres et des carrières qu’il affectionnera également. La série Les failles de Tal Coat révèle cette sensibilité « Comme l’écume frange la mer, comme l’air flotte ou tremble quand il brûle et suspend notre jugement », écrit encore Jean-Pascal Léger citant un peu plus loin André du Boucher

« La faille tient lieu de corps, le rocher devient blanc. Dur comme pierre, ou dur comme l’air. »

En onze chapitres aux titres choisis – dont « Carrières », « Profils sous l’eau », « L’eau lustrale », « vert mai », comme une fenêtre que l’on ouvrirait sur un paysage, celui de Tal Coat, lui qui aspirait à se défaire des cadres. Avec délicatesse et finesse, moins comme un formel hommage, mais plus une réminiscence qui se veut partage, Jean-Pascal Léger mène de chapitre en chapitre le lecteur « A la rencontre de Tal Coat », photographié dans son atelier de Dormont avec l’auteur en 1983. Page après page, l’œuvre se déplie, déploie, offrant toute sa force et dévoilant toujours un peu plus la singularité de l’artiste et la pudeur de l’homme. « Il faut beaucoup de temps et beaucoup d’espaces pour qu’apparaisse l’œuvre de Tal Coat dans sa juste lumière. », écrit, en toute fin de ce bel ouvrage, Jean-Pascal Léger.

L.B.K.

« Schoendorff – Ces lavis… », Préface de Florian Rodari, Editions de La fosse aux ours, 2017.

Comment parler de cet ouvrage paru aux éditions La fosse aux ours et consacré à ces lavis énigmatiques signés Max Schoendorff ? Qu’ajouter au texte que nous livre pour l’occasion Florian Rodari en un prologue nommé « Théâtre des origines » et dont aucune phrase ou mot n’enserre ou ne vient figer ces œuvres à nulles autres pareilles ? L’ouvrage s’intitule simplement « Schoendorff – Ces lavis… », et c’est bien ainsi ! Ici, les figures, l’érotisme connus de l’artiste (1934-2012) se sont effacés ou plutôt ont pris d’autres formes. Ce sont vingt-neuf lavis, autant de faces de l’astre lunaire qui naissent ici, se déroulent et s’enroulent comme au commencement. Cette série à la monochromie puissante retient le regard comme pour mieux l’ouvrir. On s’approche, s’éloigne, laissant apparaître ou disparaître du chaos de la surface les contours et les formes. Là, une ligne, mais rien pourtant de linéaire ; ici, des rondeurs mais sans courbes, des élancements sans direction… Paysages au visage minéral qui n’auraient probablement pas déplu à Roger Caillois, on songe en regardant « L’haleine emprisonnée des cavernes » aux mystères des cœurs des agates emprisonnant en leur sein cette fascinante bulle de gaz liquide primordial ; ou encore, découvrant le lavis « En barque » aux fascinantes paésines avec leurs oniriques univers engloutis dans une création millénaire. Évocations d’un infiniment petit laissant jouer un inconnaissable qui se fait visible, « Ce sont des traces du vivant qui passe, qui remue, spectacles nés d’un subit obscurcissement aussi bien que d’un accroissement de la conscience, comme si sur un écran tout à coup rapproché de l’œil parvenaient en désordre des messages sans liens, des résidus de la mémoire de l’univers que l’artiste aurait un instant reconnus pour siens, mais pas davantage », écrit en prologue Florian Rodari. Métamorphose permanente, la structure des formes laisse surgir l’immédiateté de l’instant. Détails, spores, écailles nacrées ou autres encore pour lesquelles Ernst Haeckel a pu, lui aussi à sa manière, se passionner. Des plumes aussi, comme des masques ou brocarts vénitiens aux étranges éclats tels le « Retour aux sources » ou « La montée au Brocken ». Echos de l’infiniment grand avec ces hiérophanies stellaires qu’efface un lavis comme s’effacent les destins. « Scintillations, échos, informations brèves, allusives, en transit, sur nous-mêmes ou sur d’autres univers, qu’en sait-on vraiment ? et qui disparaissent sans que cela ait une incidence plus grave que cela », écrit encore Florian Rodari sur ces lavis d’un artiste nourri et épris de littérature et de philosophie allemande et antique. Parfois, une source, une « Rencontre avec une cascade » comme celle de Nachi qui provoqua chez certains célèbres écrivains par son paradoxal mouvement un subit état extatique. Songes éveillés dans lesquels vivent aussi tapies, blotties ou cachées d’étranges et multiples créatures. C’est autant dans les taches d’encre et dessins hugoliens, ainsi que le souligne Florian Rodari, que dans l’univers des fonds ou gouffres marins des « Travailleurs de la mer » que « Ces lavis… » signés Max Schoendorff prennent toute leur toute puissante énergie.

L.B.K.

« Rome. Portrait d’une ville » de Giovanni Fanelli, Relié, 25 x 34 cm, 486 pages, Édition multilingue, Taschen, 2017.
 

Giovanni Fanelli, professeur d’histoire de l’architecture est un amoureux de longue date de la ville éternelle à laquelle il a consacré de nombreux ouvrages. Alors que se profile le 150e anniversaire de la ville (en 2020) comme capitale de l’Italie, et alors même que cette auguste cité a presque aujourd’hui trois mille ans d’une riche histoire, il fallait assurément un ouvrage à la hauteur de la tâche ! Et c’est ce que réalise avec bonheur et merveille l’auteur en signant ce bel ouvrage alliant à la rigueur scientifique un style alerte et accessible. D’un format généreux (25 x 34 cm), « Rome ; Portrait d’une ville » séduit par cette narration jamais rébarbative mais qui bien au contraire tient en haleine son lecteur en raison de la diversité des angles adoptés. Rome bénéficie en effet de cette singularité qui la distingue de bien d’autres villes de réunir en de mêmes lieux antiquité, renaissance, baroque et temps modernes sans qu’aucune césure ne semble inopportune au regard. La culture est bien entendu au cœur de ce livre superbement illustré, une culture justement au diapason de cette diversité historique selon les différentes époques concernées et évoquées par l’auteur partant de 1839 où Rome était encore la capitale des États pontificaux jusqu’à nos jours.

Qu’il s’agisse de l’incontournable Colisée, forums et autres Thermes, des splendeurs de la Cité du Vatican avec sa place dessinée par Le Bernin, la chapelle Sixtine, véritable concours des meilleurs artistes de la Renaissance, jusqu’à nos jours si l’on pense notamment au fameux EUR souhaité par Mussolini pour la glorification du fascisme… Le livre réunit quelque cinq cents images allant des années 1840 jusqu’à nos jours pour composer un véritable album de ce patrimoine unique, point de convergence d’un tourisme international incessant année après année.

Il faut dire que Rome offre à chacun un éventail non seulement large, mais également varié, les amoureux de pierres antiques étant aussi servis que ceux rêvant de la Dolce Vita de Fellini ou des pérégrinations littéraires de Pier Paolo Pasolini. Nous retrouvons ainsi avec un rare bonheur des clichés anciens en noir et blanc d’une époque révolue où les monuments n’étaient pas encore balisés et restaurés. Les artistes tels Giacomo Caneva, Pompeo Molins, Giuseppe Primoli, Alfred Eisenstaedt, Carlo Bavagnoli, Henri Cartier-Bresson, Pasquale De Antonis, Peter Lindbergh, Slim Aarons et William Klein offrent leur regard sur la ville éternelle au travers de leurs œuvres, ce qui ajoute au charme d’un livre décidément pluriel et que l’on aura plaisir à découvrir avant, après son voyage à Rome ou tout simplement chez soi pour rêver!
 

« Saint-Pierre de Rome » Hugo BRANDENBURG, Antonella BALLARDINI et Christof THOENES, Traduit de l’italien par Célia Bussi, 2015, 352 p., L’Arche Editeurs.
 

L’ouvrage « Saint Pierre de Rome » aux éditions L’Arche comptera à n’en pas douter parmi les livres de référence sur la basilique la plus célèbre de l’Histoire et du monde. La haute qualité de cet ouvrage tient tout d’abord à la qualification de ses auteurs, Hugo Brandenburg professeur de l’université de Münster, spécialiste des premières églises chrétiennes à Rome, Antonella Ballardini, chercheur en histoire de l’art et Christof Thoenes, professeur honoraire à l’université de Hambourg et notamment spécialiste de l’architecture de la Renaissance. A cela s’ajoute une très riche iconographie détaillée et soignée faisant littéralement « entrer » le lecteur dans l’un des lieux saints de la chrétienté les plus connus au monde. Saint-Pierre-de-Rome a, en effet, depuis des siècles été le lieu de convergence d’un flot incessant de pèlerins, mais aussi des puissants de chaque époque qui vinrent et viennent encore chercher en ces lieux, sinon l’inspiration divine, tout au moins l’appui souvent déterminant d’une papauté toute puissante. Rome est lieu de pouvoir et lieu de foi, lieu de culture réunissant en ses murs tout ce que compta la ville éternelle d’artistes renommés mus par un seul élan, inscrire dans cet édifice sacré leur nom et leurs œuvres pour l’éternité. Mais avant cette profusion de marbres et de chefs-d’œuvre, Saint-Pierre a été une basilique nommée Saint-Pierre de Constantin, ainsi que le rappelle Hugo Brandenburg en préalable. L’empereur ayant obtenu la victoire sur son rival Maxence lors de la célèbre bataille du pont Milvius grâce à un signe divin, fit édifier en reconnaissance au IVe siècle cette basilique avec celle non moins célèbre du Latran. Pour quelle raison avoir choisi ce lieu proche du cirque privé édifié auparavant par Caligula ? Il est probable que l’apôtre saint Pierre ait été martyrisé en ces lieux, un graffiti mentionnant son nom « Petros enim » ayant été découvert sous l’actuel baldaquin de Saint-Pierre… Ce chapitre passionnera les amateurs non seulement d’histoire ancienne, mais également les amoureux d’archéologie, les nombreuses illustrations permettant, qui plus est, d’entrer dans des lieux difficiles à visiter lors de son séjour romain. Antonella Ballardini s’attache, quant à elle, à caractériser ce qu’a pu être la basilique au Moyen-âge, avant la date fatidique de 1506 ; date décidant d’un nouveau chantier, et qui sera suivi un siècle après, par la destruction sur décision de Paul V de ce qui restait de l’ancien édifice, donnant ainsi lieu à la construction de la basilique telle que nous la connaissons de nos jours. De nombreux plans anciens et illustrations permettent de se faire une idée de cet édifice certes bien différent de ce dont nous avons l’habitude de voir à Rome, une basilique plus proche de ce que furent les édifices antiques. Mosaïques anciennes, statues et décors architecturaux encore présents dans des musées témoignent de cette magnificence médiévale tel le Saint-Pierre de marbre du grand artiste Arnolfo di Cambio. Près de 90 pages en images illustrent cette riche histoire des débuts antiques jusqu’à l’actuelle Saint-Pierre de Rome ; une métamorphose relatée par de nombreux plans, gravures, peintures et photographies de cet antique lieu qui garda tout le prestige de son nom malgré des mutations architecturales radicales. Christof Thoenes évoque, pour sa part, le nouveau Saint-Pierre, un édifice qui prendra deux cents ans de construction, non sans de nombreux changements en cours de route. Une double page instructive donne une petite idée des multiples projets qui furent proposés par les plus grands artistes de cette époque Antonio da Sangallo, Cigoli, Giacomo della Porta, Michel-Ange… avant que celui de Bramante ne soit retenu ! La première pierre est posée là où se trouve l’actuelle statue de sainte Véronique de l’artiste Francesco Mocchi et on ne compte plus les artistes les plus connus qui contribueront aux nombreuses évolutions qui suivront jusqu’à l’actuelle Basilique. Chaque pape apportera sa part de grandeur à ce symbole de foi et de pouvoir universel, les plus grands chefs-d’œuvre étant commandés pour l’orner, la place dessinée par Le Bernin n’étant pas le dernier en importance, et en grandeur. Ce formidable voyage dans la basilique Saint-Pierre-de-Rome se termine par son état actuel, tel que le visiteur peut ou n’arrive pas toujours à percevoir et découvrir en se rendant au Vatican avec un luxe de détail par des prises de vues soignées détaillant voûtes et colonnades pour le plus grand plaisir du lecteur !

WAX & CO – Anthologie des tissus imprimés d'Afrique – Anne Grosfilley, 264 pages – illustrations couleur, Éditions de La Martinière, 2017.
 

Anne Grosfilley, cette passionnée des tissus colorés aux graphismes reconnaissables dans le monde entier, docteur en anthropologie, est spécialiste – mais est-il besoin de la rappeler ?! -des textiles et de la mode en Afrique. Ces recherches sont connues dans bien des pays et ses publications comme ses différents projets de faire découvrir l'Afrique à travers les textiles sont remarqués et obtiennent un succès toujours croissant (lauréate de Millénium Award). Qui n'a jamais vu un Wax ? Anne Grosfilley nous entraîne au fil des pages de cette anthologie haute en couleurs à la découverte de l’histoire de ce tissu symbole de l'Afrique mais qui n'y est pourtant absolument pas né... Comment ça ? Et toutes ces boutiques et échoppes spécialisées dans le monde ne vendraient pas un produit 100% Afrique ? Et non... qu'à cela ne tienne, voici l’histoire de ce tissu en six grands chapitres de la naissance de ces étoffes jusqu'à aujourd'hui, évoluant en technique, en créativité comme en symbolisme. « Considéré comme le tissu africain le plus emblématique, le wax est une tradition inventée, un produit que l'Europe a élaboré pour séduire les populations de l'Afrique de l'Ouest. Bien avant de devenir le reflet d'une certaine identité africaine revendiquée et assumée, le Wax est né de l'impérialisme occidental et du génie compétitif d'industriels et de marchands dont l'audace a franchi les frontières. Deux grandes rivales, l’Angleterre et la Hollande, ont remporté cette conquête tentaculaire qui a atteint jusqu'à l'Asie. Une histoire qui se perpétue depuis des siècles. » De là, Anne Grosfilley retranscrit la grande aventure humaine, culturelle, géographique, intellectuelle, politique, technologique, économique, sociale, religieuse, créative, esthétique et symbolique de cette étoffe, qui a accompagné dans leur évolution les peuples d'Afrique, d'Europe et d'Asie. Depuis le XIe siècle, le coton est tissé et teint à l'indigo par les artisans maliens des falaises de Bandiagara. C'est au XVIIe siècle que l'Occident va porter son attention sur les productions africaines de textiles. Suivront les longues époques de conquêtes des territoires, de colonisation, évangélisation, d'intégration culturelle et autres événements qui se retrouvent « teintées » laissant leurs empreintes dans ce tissu si particulier par sa fabrication, sa quantification, son exploitation, son intégration, et aujourd'hui encore ce challenge de perdurer en qualité malgré les imitations d'Asie qui inondent les marchés. Incroyable tout ce que ce tissu a fédéré et fédère encore autour de lui « Le textile unit les cultures, et il est fascinant que chacune ait exploré à sa manière les techniques de tissage ou de teinture pour élaborer finalement un style original, caractéristique d'une population donnée», et si on l'aime esthétiquement, ne convient-il pas d’en apprécier l'histoire aux fins de le lire différemment et de comprendre son attrait et son intérêt, de Manchester à Ouagadougou, de Java aux Pays-Bas (Haarlem) de 1686 (description de l'Afrique de Olfert Dapper) au métissage de notre siècle et le mouvement autour du Woodin qui « a construit sa propre identité sur la base d'une alliance entre codes de la mode mondialisée et répertoire iconographique traditionnel stylisé. » Anne Grosfilley, par son travail d’anthropologue et les collectes de ces étoffes, les répertorie mettant ainsi en valeur ces tissus qui témoignent des différentes mutations des sociétés africaines et racontent l'histoire des relations entre l'Europe et l'Afrique. « Bien plus qu'un livre d'histoire, les dessins de wax, en donnant une visibilité dans l'espace public à un patrimoine presque oublié, lui offrent une part d'immortalité. »
Et si un bon parfum est français, un bon Wax reste anglais ou hollandais, alors lisez les étiquettes et les signatures des manufactures sur les lisières, commencera alors votre voyage à travers le Wax, et si Anne Grosfilley est « tombée dans la marmite » du Wax toute petite, aujourd'hui elle sait par cet ouvrage avec un plaisir certain nous y entraîner !

Sylvie Génot-Molinaro
 

« L’art de la Préhistoire » Carole Fritz, 650 illustrations couleurs, relié en toile sous jaquette et coffret illustrés, 24,5 x 31 cm, 626 pages et 5 dépliants panoramiques, Mazenod, 2017.

La célèbre collection « L’Art et les grandes civilisations » des éditions Mazenod comptait déjà un titre prestigieux consacré à la Préhistoire et l’art occidental sous la plume du grand André Leroi-Gourhan, un ouvrage de référence qui a marqué bien des générations. Mais, depuis sa publication, il y a maintenant plus de cinquante années, la discipline a, il est vrai, connu comme ses homologues, évolutions et bouleversements, non seulement par de nombreuses découvertes, mais également de nouvelles connaissances et théories imposant une réflexion d’ensemble plus récente. C’est chose faite, avec cette nouvelle parution des éditions Mazenod intitulée aujourd’hui « L’art de la préhistoire ». Sous la direction de Carole Fritz, toute une équipe dynamique de chercheurs internationaux renommés réactualise ainsi, dans cet impressionnant volume, non seulement l’ensemble des connaissances, mais offre un panorama élargi à l’échelle mondiale des arts de la Préhistoire de l’Europe à l’Australie, en passant par l’Asie, l’Afrique et les Amériques.

Frontières et disciplines font en effet l’objet de développements au fait des toutes dernières découvertes et approches, tels la région de la rivière Pecos aux États-Unis ou encore Narwala Gabarnmang en Australie. Nourri par plus de 600 illustrations, l’ouvrage initie le lecteur aux tout premiers chefs-d’œuvre de l’humanité. Carole Fritz souligne combien notre conception du temps est si différente de ces temps premiers de l’humanité, un décalage rendant compliqué l’analyse et l’interprétation des temps du récit et de la vie (le vécu, l’action, le futur). Comment lever ces difficultés ? L’approche pluridisciplinaire et plurielle de nombreux chercheurs venus de pays et cultures différents offre une des solutions à la vision plus « monolithique » d’André Leroi-Gourhan d’il y a un demi-siècle. Si la voix singulière d’un seul penseur s’efface de ces pages, la richesse des différents angles et points de vue rend probablement plus compte de la complexité de la discipline.

Le premier volet du livre présente un très vaste panorama de l’art rupestre mondial avec de précieuses synthèses par continent ou grande région : Europe, Gobustan (Azerbaïdjan), Asie des steppes, Inde, Chine, Afrique australe, Sahara, Amérique du Sud, Amérique du Nord et Australie. Le deuxième volet s’attache à l’art préhistorique analysé selon des filtres analytiques : iconographie et société, art et territoire, l’artiste, le geste et la matière… Ce regard transversal sur près de cinquante millénaires, avec un focus tout spécialement sur l’art du Paléolithique supérieur, offre au lecteur du XXIe siècle une somme irremplaçable servie par une iconographie de premier plan avec notamment de fabuleuses photographies d’art pariétal sur quatre pleines pages dépliées !
 

Paris et ses églises de la Belle époque à nos jours, Isabelle Renaud-Chamska (dir.) Antoine Le Bas, Claire Vignes-Dumas, Isabelle Saint-Martin, Éric Lebrun, avec la collaboration d’Élisabeth Flory et Hélène Jantzen, relié sous jaquette, 22 x 28 cm, 416 pages, 500 illustrations en couleurs, préface de Jean-Marie Duthilleul, Collection Églises de Paris, dirigée par Mathieu Lours, Picard éditions, 2017.
 

Après un premier volume consacré à Paris et ses églises du Grand Siècle aux Lumières, les éditions Picard poursuivent cette exploration des liens entre édifices religieux et environnement urbain avec un ouvrage plus proche de notre époque, « Paris et ses églises, de la Belle Époque à nos jours ». Le livre superbement illustré, et ce dès le choix de sa jaquette reproduisant un détail des vitraux de l’église Marie-Médiatrice (19e arr.), invite le lecteur dans l’univers moins familier et à tort moins prisé des églises parisiennes construites après 1905. C’est ainsi un vaste paysage architectural souvent négligé qui s’ouvre ainsi à l’intelligence du regard grâce à ce guide incontournable qui accompagnera celles et ceux qui auront à cœur d’explorer ce patrimoine méconnu. 75 églises et chapelles font ainsi l’objet d’une présentation et analyse de par les riches contributions d’auteurs sous la direction d’Isabelle Renaud-Chamska. Cette dernière insiste en ouverture de l’ouvrage sur l’importante transformation subie par les églises qui s’organisent néanmoins toujours à partir de l’élément central et incontournable de la liturgie. Mais une évolution a gagné les formes traditionnelles dont nous avons hérité, une libération anticipée que viendra confirmer l’importante réforme apportée par le Concile Vatican II. Qu’il s’agisse de la population visée dans des quartiers plus populaires, des conditions historiques du XXe siècle avec ses deux guerres mondiales ou encore des restrictions financières, l’État s’étant désengagé de ces constructions, toute une série de paramètres intervient dorénavant dans la physionomie de ces nouveaux édifices, à la fois familiers des habitants de la capitale et en même temps souffrant souvent d’une certaine désaffection par rapport aux édifices traditionnellement - et jugés à tort - plus « nobles ». C’est tout le mérite de ce livre à la rigueur scientifique incontestable en raison de la qualification de ses auteurs que d’ouvrir justement ce regard à toutes les dimensions qu’impliquent ces églises qui nécessitent, comme pour leurs aînés, d’en connaître les lignes directrices, les clés de lecture et un certain nombre de règles et de principes de l’architecture moderne pour en apprécier toute la valeur. Une première partie est consacrée à ces principes, de leur construction, aux œuvres d’art abritées, en passant par les aménagements liturgiques, les décors sans oublier les orgues toujours à l’honneur dans ces lieux souvent plus propices à leur acoustique. La deuxième partie explore, arrondissement par arrondissement, chaque église et chapelle en offrant un aperçu suffisamment complet pour préparer la visite du lecteur dont la curiosité sera aiguisée sans aucun doute par cet ouvrage utile et précieux !
 

Robert de Montesquiou Ego Imago présenté par Philippe Thiébaut, 132 p. format 24,5 x 21,5 cm, environ 65 illustrations traitées en quadrichromie, couverture pleine toile , éditions La Bibliothèque des Arts, 2017.

Le nom de Robert de Montesquiou a de nos jours quelque peu sombré dans l’oubli, si ce n’est dans la mémoire de quelques amoureux de la littérature de la fin du XIXe et début du XXe siècle. L’homme, véritable esthète et amoureux des arts, est passé avant tout à la postérité pour les traits qu’il a pu prêter bien involontairement au personnage caricatural du baron de Charlus dans La Recherche sans oublier l’inspiration qu’il suscita à Huysmans pour Des Esseintes dans À Rebours, ou encore pour le comte de Muzarett dans Monsieur de Phocas de Jean Lorrain, le vicomte Jacques de Serpigny d’Henri de Régnier (Le Mariage de Minuit), et le coq arrogant d’Edmond Rostand (Chantecler)… Et pourtant, il demeure si mal connu aujourd’hui…
Issu d’une ancienne famille de la noblesse de Gascogne qui compte parmi ses ancêtres le fameux mousquetaire D’Artagnan, l’homme est un dandy pour qui rien n’est trop beau afin de satisfaire son idée, élevée, de l’excellence. Ego Imago présenté et annoté par Philippe Thiébaut aux éditions La Bibliothèque des Arts s’avère être un précieux album élaboré par Robert de Montesquiou lui-même, parallèlement à ses Mémoires, Les Pas effacés. Grâce aux photographies retenues par l’auteur pour illustrer cet album, nous approchons une autre vérité de ce que fut ce personnage complexe, dont la préciosité et le raffinement extrême ont souvent nui à son image. C’est pourtant bien encore d’image – Ego Imago – dont il s’agit ici, Robert de Montesquiou ayant eu toute sa vie le goût de la représentation de son image, le nombre impressionnant de photographies, de « selfies » illustrant cet album ne manquant pas de frapper ; comme le rappelait en son temps Élisabeth de Clermont-Tonnerre : « Il ne se fit pas photographier au cours de sa vie moins de cent quatre-vingt-neuf fois » ! Robert de Montesquiou fut homosexuel, amoureux fou de son secrétaire Gabriel de Yturri, ce qui valut un jeu de mots douteux de Jean Lorrain à la mort de ce dernier : « « Mort, Yturri te salue, tante »… De Gascogne au fameux Palais Rose du Vésinet en passant par Venise et Dieppe, le lecteur déambulera dans l’univers raffiné et précieux de cet homme souvent moqué, à la voix qui pouvait couvrir trois octaves. Il suscita plus souvent l’incompréhension et la raillerie que l’admiration qu’il aurait méritée, et pourtant il fut apprécié de Gustave Moreau, Octave Mirbeau ou Gabrielle d’Annunzio et de nombreux autres écrivains. La publication posthume de ses Mémoires au début du XXe siècle fit frémir et sema d’ailleurs un vent de panique dans le monde parisien, redoutant les flèches acerbes de celui qui aurait pu révéler bien des turpitudes d’un grand nombre, ce qui n’eut pas lieu, est-ce dommage ?... Jalousie, quand tu nous tiens…

Shakespeare à Venise - Le Marchand de Venise et Othello illustrés par la Renaissance vénitienne, 2 vol. sous coffret, Editions Diane de Selliers, 2017.
 

Il fut un temps où les arts étaient conjugués pour dialoguer ensemble. Pluriels certes, mais voix résonnant souvent de concert. Les éditions Diane de Selliers, le temps de l’édition d’un ouvrage exceptionnel, fait revivre cette époque rêvée où peinture, théâtre - ne manque que la musique en arrière-plan, mais ne l’entend-on pas ? - perpétuent avec cette superbe parution consacrée à Shakespeare la féerie de Venise. Quel plus beau décor en effet que celui de la Cité des Doges pour accueillir ces joyaux du théâtre élisabéthain que sont Le Marchand de Venise et Othello, deux pièces ayant pour cadre les palais, ponts et canaux sur fond de lagune, couleurs faisant écho au clair-obscur des pièces du célèbre dramaturge. Avec ce coffret impressionnant divisé en deux volumes (24,5 x 33 cm.) de 312 pages pour Le Marchand de Venise et 352 pages pour Othello, ce ne sont pas moins de 250 peintures de la Renaissance vénitienne qui composent le décor de ce théâtre où dominent les contrastes de l’âme humaine.

Francesco di Giorgio Martini, Vue idéale suggérée par la Piazzetta de Venise (détail), 1495, détrempe sur bois, Gemäldegalerie, Berlin

L’édition retenue est celle de la Bibliothèque de la Pléiade revue et corrigée par Jean-Michel Déprats qui signe également une postface stimulante à découvrir en refermant cette lecture singulière de Shakespeare. Singulière en premier lieu en raison de l’exceptionnel travail réalisé par Michael Barry, grand spécialiste de la transversalité culturelle. Nous avions connu l’auteur pour sa remarquable connaissance de l’Afghanistan alors aux prises avec l’ex-URSS. Avec ce livre, ce sont d’autres cultures et d’autres rapports qui sont en jeu entre l’Angleterre élisabéthaine et la puissante Cité des Doges. Son travail iconographie l’a ainsi amené à entrer littéralement en dialogue entre le texte de ces deux pièces qui ont en commun Venise comme cadre fastueux et la peinture de cette même Cité sur une période allant du milieu du XVe jusqu’au début du XVIIe ; autant dire des trésors qui ont pour signature les frères Bellini, Carpaccio, Giorgione, Véronèse, Titien ou encore Tintoret pour ce théâtre imaginaire.

Vittore Carpaccio, Le Miracle de la relique de la Vraie Croix au Pont du Rialto (détail), 1494, huile sur toile,, Galleria dell’Accademia, Venise
 

Chaque œuvre a fait l’objet d’une étude détaillée pour s’insérer dans la dramaturgie shakespearienne, cette dramaturge qui a non seulement révolutionné les codes de son temps, mais ne cesse d’influencer les artistes depuis. Pour convier plus encore le lecteur à entrer dans cet univers si particulier qui suscite tant d’émotions et de questionnements sur l’âme humaine, Michael Barry a signé vingt intermèdes sur l’histoire de la Cité des Doges et sa place dans le monde des œuvres présentées. Autre témoignage, et non des moindres, que celui d’un homme de théâtre avec Denis Podalydès, sociétaire de la Comédie-Française qui n’est plus à présenter, mais qui a eu à cœur d’offrir une réflexion sur ce jeu presque « scénique » entre le texte et l’image à l’occasion de la parution de ce travail sur ces deux pièces de Shakespeare qui n’a pas son équivalent dans l’édition.

Hieronymus Francken l’Ancien, Carnaval vénitien (détail), 1600,

huile sur toile, Musée Suermondt-Ludwig, Aix-La-Chapelle

Cet éclairage offre en effet l’immense bénéfice – que le lecteur ait déjà fait ou non l’expérience de Venise – d’accompagner et d’élargir le dialogue intérieur suscité par la force de ces textes. Le Marchand de Venise se situe dans le contexte vénitien de la fin du XVe siècle, au sommet de son épanouissement. Ce sont les temps où des artistes aussi fameux que Antonello de Messine, Dürer et Léonard de Vinci peignent les lettres de noblesse de la fameuse cité bâtie sur l’eau en un rêve d’architecture voulu par ceux qui dominent le commerce international. Un siècle plus tard, lors de la première d’Othello, Venise connaît la crise et le doute en matière religieuse, début d’un lent déclin. Ce vent de l’Histoire souligné par les chefs d’œuvres de ces grands maîtres offre ainsi une expérience renouvelée de la langue du grand dramaturge, complétée par l’admirable traduction en vis-à-vis. Une heureuse et nouvelle manière de monter « chez soi » une mise en scène imaginaire de ces œuvres qui ont toujours tant à nous dire sur l’altérité en nos périodes troublées. Une proposition d’excellence digne de cet anniversaire des éditions Diane de Selliers qui fêtent ses 25 ans d’édition d’art !

Philippe-Emmanuel Krautter

Françoise Cachin : « Gauguin » Flammarion, 2017.
 

Françoise Cachin, petite fille du peintre Paul Signac fut une spécialiste de la peinture française de la seconde moitié du XIXe s. et une historienne de l’art engagée qui s’opposa en son temps au projet d’un Louvre à Abou Dhabi… Elle a signé en 1968 la première édition d’une monographie sur Gauguin ; accueillie à l’unanimité, cette dernière a su s’imposer et faire depuis autorité. Incontournable, donc, c’est cette monographie que les éditions Flammarion rééditent aujourd’hui à l’occasion de l’exposition consacrée au peintre qui se tient actuellement au Grand Palais à Paris. C’est en effet toute la vie et le riche parcours de ce singulier artiste qui ont su être appréhendés avec une justesse d’analyse et un style alerte dans ce livre bénéficiant d’une riche iconographie (200 illustrations). Gauguin est le peintre des extrêmes et des légendes, avec sa vie tumultueuse, son art prolixe et particulièrement insaisissable. C’est toute la complexité du peintre de ces curieux Tropiques qui a attiré l’œil et l’analyse de l’historienne de l’art. Peinture paradoxale aussi parfois, l’auteur souligne combien Gauguin pense saisir le sacré lors d’évocations picturales de la nature qui relèvent du motif décoratif et qu’à l’inverse « c’est sans le vouloir […] qu’il transmet son émotion ou son anxiété et avec des moyens purement picturaux ». La tâche est décidément délicate. Gauguin, en une certaine rivalité avec la littérature ou la poésie, va chercher une dignité spirituelle de la peinture dans le contexte du symbolisme. Entre innocence et sacré, apparence et profondeur, mythes et quotidien, Françoise Cachin rappelle dans ces pages lumineuses toutes ces nuances de formes et d’approches adoptées par l’artiste et qui métamorphosent le sensible en une représentation artistique à nulle autre pareille pour ce peintre scandaleux et maudit, agent de change venu tard à la peinture.

Stéphane Guégan « Gauguin, voyage au bout de la terre » Éditions Chêne, 2017.

Stéphane Guégan, historien, critique d’art et conservateur au musée d’Orsay, a signé de nombreux ouvrages de qualité, saisissants pour leurs synthèses. Avec ce riche parcours biographique consacré au peintre Paul Gauguin et illustré par un grand nombre de documents et reproductions d’œuvres, l’auteur se penche sur ce singulier « braconnier, converti au symbolisme et la barbarie canaque des mers chaudes »… Reprenant le fil de cette vie proche de celle d’un roman d’aventure, Stéphane Guégan parvient en un texte percutant et incisif à faire ressortir cette insatiabilité de Gauguin qui lui fit dépasser les limites artistiques de son temps pour parvenir à un autre langage des formes dont a bénéficié la modernité artistique du XXe et XXe. C’est bien à un « voyage au bout de la terre » auquel invite Gauguin et que nous transmet l’auteur de cet ouvrage, cet éloignement favorisant le rapprochement de l’humain à l’invisible, pour un dialogue en peinture fait de touches successives – raffinées ou plus triviales - tendant à approcher ou saisir le transcendant, quel que soit son nom, maori ou chrétien, cet insaisissable. Gauguin par son amour de la navigation, tant réelle que métaphorique, conduit aux confins de nos univers mentaux, et approche avec la « barbarie » ce qui est « autre » selon l’étymologie antique du mot. Avec l’art de Gauguin, le « Je » est-il « autre » ? Belle interrogation à laquelle invite cet ouvrage stimulant signé Stéphane Guégan.

François Ier et l’art des Pays-Bas sous la direction de Cécile Scailliérez, 480 p., 24x30 cm, Somogy, 2017.

Cécile Scailliérez, commissaire de l’exposition François 1er et l’art des Pays-Bas et dirigeant ce volumineux catalogue paru aux éditions Somogy ouvre le propos en rappelant que si l’italianisme a largement influencé la Renaissance française, les influences néerlandaises et germaniques au nord des Alpes sont loin d’être négligeables lors du règne de François 1e ; une étude qui dépasse largement d’ailleurs le cercle même de la personne du roi pour s’étendre à l’ensemble du royaume. Poursuivant l’œuvre de ses prédécesseurs, François 1er encourage en effet la tradition flamande, qu’il s’agisse de traditions locales avec Gauthier de Campes et son majestueux Baptême de Clovis, ou de l’ouverture au maniérisme leydo-anversois autour des années 1520 avec un artiste majeur comme Jan de Beer. Le Maître d’Amiens, Jean et Engrand Leprince pour le vitrail contribuent à ce rayonnement qui parviendra jusqu’aux portes de Paris à Montmorency, puis à Paris même avec le développement de l’enluminure anversoise notamment celle de Noël Bellemare.

Jean Clouet, François Ier, roi de France

© RMN – Grand Palais (Musée du Louvre)

Une très belle section est réservée au fameux Maître d’Amiens et à son entourage dont les œuvres sont reproduites et étudiées. La diversité et la créativité remarquables qui caractérisent ces artistes démontrent l’extraordinaire essor des arts venus du nord à cette époque. Une autre section s’attache à l’influence nordique pour le portrait en France sous François 1er, on pense immédiatement, bien entendu, à Jean Clouet né à Bruxelles et qui travaillera pour le monarque avec ce fameux portrait équestre représentant le roi en majesté et retenu pour ouvrir l’exposition.

Corneille de Lyon, Portrait de Pierre Aymeric

© RMN Grand Palais (musée du Louvre)

Corneille de Lyon, Lucas Cranach l’Ancien, Joos Van Cleve, Jan Gossaert et bien d’autres noms réputés vont également dresser une galerie de portraits parvenue jusqu’à nous, non seulement riche d’enseignement pour l’Histoire de ce siècle, mais également pour les arts. De manière plus générale, la politique d’achat d’œuvres d’art aux Pays-Bas menée par François 1er démontre, s’il en était encore besoin, la force de cette région de l’Europe au XVIe siècle dans la politique artistique du monarque ainsi que le démontre l’étude développée dans ce très beau catalogue.

« Triumph » de Michaël Levivier et Zef Enault, photographies Yud Pourdieu Le Coze, E/P/A, 2017.
 

Triumph, un mot magique dans le monde de la moto dont le seul logo évoque l’âge d’or de la marque anglaise. Qui n’a pas vu une seule fois dans sa vie la fameuse Bonneville, star des années 60 ? Michaël Levivier, passionné et spécialiste de moto, a signé avec Zef Enault également passionné d’endurance, cet ouvrage illustré par les photographies de Yud Pourdieu Le Coze.
C’est en 1885 que l’histoire de Triumph commence à Coventry avec Siegfried Bettmann, fils d’un marchand de bois. Les premiers modèles ressemblent plus à des vélos motorisés qu’aux monstres que produira la marque quelques décennies plus tard, mais l’aventure est lancée avec ses hauts et ses bas. Progressivement, l’identité Triumph s’affermit jusqu’à la fameuse Bonneville T120, une légende à elle seule. Chaque décennie verra des modèles se succéder, certains marquant un cap, d’autres plus discrets… Qu’il s’agisse de Steve McQueen dans le fameux film « La Grande Evasion » ou du jeune passionné d’un quartier obscur de Liverpool, chaque génération a rêvé sur ces modèles décrits et détaillés par les auteurs visiblement eux-mêmes émus par leur sujet. Contrairement à ce que le néophyte pourrait croire l’histoire de Triumph ne s’est pas arrêtée avec le XXe siècle. Les années 2000 ont également vu des modèles marquer à leur tour leur époque telle la Daytona 675 pour arriver jusqu’à nos jours avec trois gammes principales et des monstres tel le Street Triple 765… Ce livre se découvre avec plaisir et surtout passion, jusqu’à la dernière page, illustré des photographies sous tous les angles des plus beaux modèles de la marque anglaise, un ouvrage à offrir aux passionnés et passionnées de belles anglaises !

« Rubens » par Nadeije Laneyrie-Dagen, Hazan, 2017.

Nadeije Laneyrie-Dagen avec cet ouvrage consacré à « Rubens » offre au lecteur de cette superbe monographie un large éventail du talent et de la diversité de cet artiste considéré comme le plus grand peintre européen de la première moitié du XVIIe siècle. Européen grâce aux différents voyages qu’il put faire tout au long de sa riche carrière, sa vie fut complexe et influença sa production allant de pièces profanes au portrait princier, en passant par les retables d’église, sans oublier la gravure et la tapisserie. Paradoxalement ce peintre adulé jusqu’aux siècles derniers souffre de nos jours d’un certain désintérêt, et la présente biographie se charge de montrer combien cette situation s’avère injustifiée et mérite d’être reconsidérée. Amoureux des grandes entreprises, Rubens voit grand et réalise ses toiles de la même manière, avec un art consommé de la gestion de l’atelier. Si la mythologie et l’Histoire ont nourri par-dessus tout son art, le regard porté sur lui-même, ses proches et par la suite sur les grands de son époque démontrent une acuité certaine de l’artiste sur le monde et sur soi-même, une indication biographique précieuse que souligne l’auteur au début de l’ouvrage. La fin du XVIe siècle correspond pour Rubens à la genèse de son style avec l’apprentissage flamand auprès de trois maîtres successifs : Verhaecht, Adam Van Noort et Otto Van Veen. Le jeune artiste reçoit alors de ces aînés un héritage classique, ainsi que les manières aristocratiques qu’il faut maîtriser pour évoluer dans cet art au service des puissants. Puis viendront les années déterminantes en Italie, notamment à Mantoue auprès de la puissante famille des Gonzague, puis Florence, Rome…

Rubens Marie de Médicis, reine mère de France 1622

Huile sur toile 131x108 cm, Espagne, Madrid, Museo Nacional del Prado

©Museo Nacional del Prado, Dist. RMN-GP/image du Prado

Le jeune Rubens affine son art, et commence à exceller dans le portrait des dames de l’aristocratie, celui de la marquise Brigida Spinola Doria datant de 1606 en témoigne avec faste. La peinture religieuse acquière également une place de choix non négligeable pour l’évolution de sa carrière, et Rubens ne sera pas en effet le dernier à exceller dans des scènes qui consolideront sa réputation auprès de ses commanditaires : La Pietà réalisée vers 1601 de la Galleria Borghese et le Baptême du Christ quelques années plus tard manifestent les qualités abouties de l’artiste. A son retour d’Italie, les commandes, notamment d’art sacré, afflueront avec pour Rubens la nécessité d’organiser son travail pour produire dans les meilleurs délais des œuvres de taille remarquable grâce à une rigoureuse gestion de l’atelier du maître avec ses collaborateurs. Cette organisation permettra à Rubens et à son équipe de mener à bien une série vertigineuse de grands travaux de 1617 à 1626, avec des cycles de tapisseries, la décoration d’églises, sans oublier la fameuse Galerie de Médicis à Paris… Puis vient de nouveau le temps des voyages auprès des cours européennes où l’art de Rubens est apprécié des plus grands monarques dont il laissera les portraits pour l’immortalité, thème de l’exposition qui se tient actuellement au musée du Luxembourg.

Matthieu Ricard « Un demi-siècle dans l’Himalaya » Editions La Martinière, 2017.

1967 – 2017, cinquante ans et un anniversaire pour Matthieu Ricard qui signe avec ce beau livre de photographies, un art qu’il chérit depuis longtemps, non seulement le récit d’une vie, la sienne, mais plus largement celui de la vie. Fils du philosophe Jean-François Revel et de l’artiste peintre Yahne Le Toumelin, Jean-François Revel qui était destiné après de brillantes études scientifiques à devenir lui-même un scientifique prestigieux a décidé de tout abandonner pour ces hautes cimes de la spiritualité bouddhiste. Cette figure à la fois joviale par sa rondeur et austère par l’exigence de son détachement est bien connue des Français qui auront plaisir à découvrir avec ce splendide album de photographies non pas un jardin secret du moine bouddhiste mais bien la manifestation du regard de compassion posé par lui sur le monde qui l’entoure et dont il est fait partie. Matthieu Ricard a inlassablement photographié les maîtres spirituels, les monastères qui les abritent, ces paysages si « exotiques » à nos yeux du Tibet, du Bhoutan ou du Népal. Il ne s’agit pas ici on l’aura bien compris d’un voyage d’agrément ou d’une croisière spirituelle mais d’un voyage intérieur porté par une personnalité née en Occident et menée vers cette sagesse millénaire de l’Extrême-Orient. Ces ponts que nous offre Matthieu Ricard peuvent prendre diverses formes, celle de la répétition de chaînes de montagnes noyées dans les nuées telle la répétition monocorde d’un mantra ou encore ce monastère surgit presque de nulle part au sommet d’une montagne et baigné de nuages… Henri Cartier-Bresson, grand maître en la matière, a dit du fameux moine : « La vie spirituelle de Matthieu et son appareil photo ne font qu’un, de là surgissent ces images fugitives et éternelles », analyse pertinente si l’on considère la profondeur du champ embrassé par les prises de Matthieu Ricard. « Un demi-siècle dans l’Himalaya » n’est pas qu’un beau livre de photographies, il est également un témoignage sur les grands maîtres que l’auteur a tout au long de ce demi-siècle côtoyés, souvent de très près tel Kanguiour Rinpotché qui fut son maître principal, sans oublier bien entendu le Dalaï-Lama, pour nous en livrer un témoignage précieux et direct. La vie de Matthieu Ricard, c’est également une vie passée avec les plus démunis, ces pauvres auxquels il a inlassablement consacré toute son énergie et l’intégralité de ses droits d’auteur. L’objectif du photographe capte les couleurs, comme les nuances du noir et blanc, le sourire malicieux comme la profondeur de la compassion qui se dégage de nombre de ces grands maîtres, à mille lieux des selfies, les photographies de Matthieu Ricard parlent des autres, des hommes, de la Vie, au-delà des montagnes.

Philippe-Emmanuel Krautter
 

« Robert Doisneau, Les Années Vogue », Flammarion, 2017.

En 1922, le célèbre magazine Américain Vogue a déjà 30 ans, il a su malgré les vicissitudes internationales s’imposer, et Vogue-France en cette année voit le jour. Toujours en quête d’évolution, le célèbre magazine de la haute couture, d’art et de la high society insère dès 1929 sous l’influence de ses directeurs artistiques successifs, à côté des illustrations, ses premières photographies. En 1932, soit 40 ans après sa création, le pas décisif est franchi avec une couverture photo couleur pleine page, ce sera le début d’une longue histoire… Naîtra alors l’heure pour Vogue des photographies de mode et des mannequins internationalement connus qui en firent sa réputation. C’est dans ces années d’après-guerre, en 1949, que Robert Doisneau rejoindra l’équipe de Vogue. À 47 ans, il a déjà collaboré à de nombreux magazines, dont Life, Paris-Match, Point de vue… Pendant 3 ans, le célèbre photographe français, l’œil à portée d’objectif, sillonnera Paris, les défilés, soirées, expositions, galeries et artistes pour Vogue-France. Il continuera après 1952, à la fin de son contrat d’exclusivité, à travailler et photographier encore pour son amie Edmonde Charles-Roux, devenue en 1954 rédactrice en chef de Vogue-France. Certaines de ces photographies signées Robert Doisneau pour le magazine Vogue ont fait le tour du monde, des mémoires, suscitant admiration et jalousie. Brigitte Bardot, Picasso… Mais, nombre de ses clichés de ces « Années Vogue » demeurent encore aujourd’hui peu connus, et l’ensemble des photographies pour Vogue du célèbre photographe, ici, reporter mondain, ont rarement été rassemblées ; or, c’est cet ensemble qu’offre aujourd’hui à voir et à parcourir le très bel ouvrage « Robert Doisneau, les années Vogue » paru aux éditions Flammarion, ouvrage venant en complément de l’exposition du même nom qui s’est tenue à l’espace Richaud de Versailles. Avec plus de 350 pages, 300 illustrations, et une présentation extrêmement soignée « Les années Vogues de Robert Doisneau » défilent pour celui qui tourne ces pages avec et par enchantement. En clichés noir et blanc, s’animent de nouveau en ce début de XIXe siècle, presque 70 ans plus tard, célébrités, artistes, écrivains, mannequins des plus célèbres Maisons de Haute-Couture lors de dîners, soirées, bals dans ces somptueux hôtels particuliers, célèbres restaurants, studios ou encore rues et quais de ce Paris d’après-guerre. Plus de vingt ans après la disparition du photographe, quel plaisir que de retrouver cet élégant Paris signé Robert Doisneau, ces incomparables « Années Vogue ».

Xavier Salmon « Pastels du musée du Louvre XVIIe – XVIIIe siècles » format : 257 x 292 mm, 384 pages,Louvre éditions, Hazan, 2018.

Les détails des différents portraits réunis dans les premières pages de ce magnifique livre édité par Hazan en coédition avec Louvre éditions donnent immédiatement la tonalité de l’ouvrage : émerveillement et raffinement. Émerveillement tout d’abord de la fraîcheur de ces œuvres que le temps n’est pas parvenu à altérer, chose remarquable lorsque l’on sait la fragilité de la poudre laissée par ces bâtonnets et les vicissitudes qu’elles eurent à connaître avec la période révolutionnaire. Raffinement aussi avec le soyeux de ces étoffes rendu par la main de l’artiste ou ces regards pétillants captés à jamais par le geste du pastelliste. Xavier Salmon va droit au but lorsqu’il rappelle avec raison qu’aucune collection de pastels de ces XVIIe et XVIIIe siècles n’égale celle du Louvre. Couvrant les règnes de Louis XV et de Louis XVI, ces instantanés fragiles reflètent l’esprit d’une société, celle de l’Ancien Régime, qui par ces portraits semble encore vibrer devant l’œil du lecteur. C’est cette magie qui capte immédiatement l’attention, le geste d’une main dont les veines trahissent discrètement l’âge, un regard énigmatique dont on ne sait s’il est complice ou distant, voire ironique, bruissement des étoffes perceptibles au seul regard ou encore cette étonnante fraîcheur carnée de Madame de Pompadour captée par Maurice Quentin de la Tour… Le Siècle des Lumières scintille avec le génie de ses plus grands artistes qui se sont essayés à cet art plus discret que la peinture à l’huile.

Perronneau Marie-Anne Huquier Musée du Louvre

 © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Michel Urtado

Cette magnifique galerie défile au gré des pages avec les notices détaillées pour chaque œuvre et ce plaisir de glaner au hasard de ses affinités tel portrait, tel détail, telle sensation avec les pastels de Rosalba Carriera, Maurice Quentin de la Tour, Jean-Baptiste Siméon Chardin, Jean-Baptiste Perronneau, Jean Étienne Liotard, Jean-Marc Nattier ou encore Élisabeth Louise Vigée Le Brun, sans oublier certains artistes moins connus comme Marie-Suzanne Giroust, Adélaïde Labille-Guiard, Joseph Boze ou Joseph Ducreux. Un ouvrage qui trouvera assurément une belle place dans les bibliothèques.

« Les Impressionnistes à Londres, Artistes français en exil, 1870-1904 » catalogue de l’exposition sous la direction de Caroline Corbeau-Parsons avec la collaboration scientifique d’Isabelle Collet, Editions Paris Musées, 2018.

C’est un détail de l’œuvre fameuse de Claude Monet « Le Parlement de Londres » peint au tournant du siècle qui illustre la couverture du catalogue « Les Impressionnistes à Londres », rappelant ainsi le contexte de cette célèbre vue. Si Claude Monet avoue « Je dois reconnaître que le climat est des plus surprenants : les merveilleux effets que j’ai pu voir durant les deux mois passés à observer sans cesse la Tamise sont incroyables », il ne faut pas oublier que ce jugement n’est pas celui d’un artiste en voyage d’agrément mais d’un exilé forcé de quitter son pays. Quittant la France en guerre, ces artistes de cette fin de siècle en mal d’acheteurs et de commandes trouvent dans ce pays d’accueil non seulement de nouvelles sources d’inspiration ainsi qu’en témoigne le jugement de Claude Monet également de nombreuses relations utiles à leurs affaires grâce aux réseaux d’artistes déjà installés. Daubigny, Legros précèdent en effet Monet, Pissarro, Tissot et Sisley accompagnés de sculpteurs tels Carpeaux, Dalou, Rodin… un nombre suffisamment important pour que cette période anglaise ait eu une influence sur chacun d’entre eux, ce dont témoignent les articles réunis dans ce riche catalogue. Entre la chute du Second Empire et le début de la IIIe République, la défaite de Sedan joue, en effet, un rôle déterminant pour le départ de ces artistes comme le rappelle Caroline Corbeau-Parsons dans en introduction. Les différentes contributions du catalogue analysent la situation de ces peintres dans cet exil artistique de 1870 à 1904 avec, en premier lieu, cette Année terrible avant l’exil en 1871.

James Abbott McNeill Whistler, Noctune en bleu et argent : les lumières de Cremorne, huile sur bois, 1872 Tate, Londres, legs d’Arthur Studd en 1919. © Tate 2017. Photo : Joe Humphrys

Puis, c’est de l’autre côté de la Manche que se penchent les analyses proposées : comment ces artistes parvinrent-ils à s’implanter dans la capitale britannique ? Avec quelles aides et pour quels résultats ? Les échanges entre artistes anglais et français sont également éclairés avant d’étudier le célèbre motif de la Tamise et de Westminster cher notamment à Monet. Une chronologie, une bibliographie ainsi que la liste des œuvres exposées complètent ce catalogue à l’iconographie soignée et nombreuse (250 illustrations pour 272 pages).

UAM une aventure moderne, catalogue sous la direction d'Olivier Cinqualbre, Frédéric Migayrou et Anne-Marie Zucchelli, Centre Pompidou éditions, 2018.

Jouant sur la dénomination du sigle UAM, Union des Artistes Modernes, le catalogue publié à l’occasion de l’exposition au Centre Pompidou a retenu comme sous-titre Une Aventure Moderne, un choix approprié si l’on pense à la durée de ce mouvement prolifique sur près de trente années et dont le champ d’action fut sans frontières. Renouant en quelque sorte avec certaines époques de l’Ancien Régime réunissant tous les arts, ce mouvement a également su associer artistes français et étrangers pour une aventure dans la modernité du XXe siècle. La maquette du livre a, bien à propos, retenu une esthétique dans l’esprit de ce courant, privilégiant une abondante iconographie qui permet au lecteur de plonger littéralement dans cet univers créatif. Reflet d’une période et d’une société, ainsi que le souligne le directeur du musée des arts décoratifs Olivier Gabet, la perception de l’UMA a évolué au fil des années. C’est moins sa rupture avec la production antérieure qui retient désormais l’attention que cette « dissidence » incertaine qui marque ces créations. En faisant défiler les pages de ce catalogue, les créations de Francis Jourdain, Fernand Léger, Sonia Delaunay ou encore Le Corbusier lancent indéniablement un défi au siècle de la science et de la technique.

Le Corbusier (1887 - 1965) Pavillon des temps nouveaux, panneau mural "Habiter"
1937 Papiers découpés et encre brune sur papier 21 x 31 cm
© Jean-Claude Planchet - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
© F.L.C. / Adagp, Paris

Rêver l’avenir en appréhendant le présent au quotidien, dans tous ses possibles, du Pavillon de l’Esprit nouveau de Le Corbusier et Pierre Jeanneret à l’hôtel particulier de Jacques Doucet. Les fauteuils perdent leurs pieds, acier et métal peint nouent des mariages inattendus, un élan vers plus de pureté, une simplification des moyens vers l’essentiel et ce « besoin de créer pour le plus grand nombre » comme l’affirment Carlu, Salomon et Pingusson. Cet élan se matérialise par de grandes manifestations et notamment les quatre salons tenus par l’UAM de 1930 à 1933, tentative d’apporter une réponse aux problèmes artistiques vécus en ces temps troublés. L’architecture et la création des grandes villas emblématiques de ce courant étonnent encore le regard du XXIe siècle avec cette interpénétration de volumes éclatés, jeux de lumière et de formes d’une rare liberté. Cette impulsion se prolonge encore vers des créations plus collectives, scolaires, sociales… un mouvement qui ne se tarira officiellement qu’à la fin des années 50 avec la disparition de l’UAM, mais dont les créations, même si le courant lui-même a pu souffrir quelque peu de l’oubli, continueront à inspirer nombre d’artistes et de créateurs jusqu’à nos jours.

« Indiennes, un tissu révolutionne le monde ! » Collectif, 232 p., Format :25 x 28,5 cm, 250 ill. couleur, reliure : Reliure couture au fil, La Bibliothèque des Arts, 2018.

Les Indiennes, ces tissus de coton imprimé dans les tons de rouge issus de la garance remontent aux XVIIe et XVIIIe siècles et nous sont plus familières que l’on ne pourrait le penser. Venus des comptoirs des Indes lointaines à ces époques où seuls de longs voyages en bateau en ramenaient les étoffes, ces trésors étaient non seulement rares et précieux par leur provenance mais également recherchés car ils étaient synonymes d’exotisme et d’évasion en un siècle ouvert sur l’extérieur et sur les plaisirs, ainsi que le relève le romancier Jean-Claude Gorgy en 1789 : « Le plaisir s’établit dans l’alcôve au lieu du luxe qui l’avait occupée jusqu’alors. » À partir de ces tissus qui connurent une diffusion mondiale, seront produites des multitudes de motifs allant des fleurs aux allégories, en passant par des paysages et autres thèmes littéraires. Le présent livre explore l’une des collections privées françaises les plus riches en la matière, celle de Xavier Petitcol, acquise récemment par le Musée national suisse. Les Indiennes ou « Toiles cirées peintes » vont connaître une véritable folie, une mode qui gagnera toute l’Europe et rapidement toutes les couches sociales. Chefs-d’oeuvre pour les plus belles qui sont peintes, et réalisations plus communes, cohabiteront par la suite, contrepartie d’un succès mondial. Les auteurs de ce livre illustré par les plus belles pièces de la collection nous font entrer dans cette aventure passionnante qui - au-delà de ces beaux tissus- transporte le lecteur dans le commerce et les plus grandes manufactures françaises et suisses de ces époques, une manière de mieux comprendre cette histoire qui eut tant d’influences sur l’habillement, l’ameublement et la décoration. Nous entrons au cœur des procédés de fabrication, découvrons l’encadrement réglementaire avec ses prohibitions afin de protéger le marché national des manufactures, le développement de ces manufactures en Suisse puis en Amérique et en Afrique. Les siècles suivants par leur développement d’une production de masse contribueront à lui faire perdre son identité au profit d’un marché sans limites, celui des cotonnades imprimées. Partons à la découverte des Indiennes, véritables narrations miniatures qui décoraient – et décorent parfois encore – des alcôves et autres chambres à coucher, doux rêves de paysages animés et d’histoires merveilleuses que ce livre nous fait revivre bien agréablement.

Les auteurs : Helen Bieri-Thomson, directrice du Château de Prangins-Musée national suisse ; Bernard Jacqué, historien des arts industriels et ancien maître de conférence à l’Université de Haute-Alsace ; Jacqueline Bacqué, conservatrice honoraire du Musée de l’impression sur étoffes, Mulhouse ; Liliane Mottu, professeure titulaire émérite, Université de Genève ; Xavier Petitcol, collectionneur de tissus imprimés et expert honoraire en étoffes anciennes. Diplômé de l’École du Louvre ; Margret Ribert, conservatrice des arts décoratifs, Musée historique, Bâle ; Patrick Verley, historien de l’histoire économique des XVllle et XlXe siècles.
 

Nymphéas, l’abstraction américaine et le dernier Monet, 208 pages – 25 x 30 cm – 128 illustrations, coédition Musée d’Orsay / RMN GP, 2018.

C’est à une véritable plongée dans l’abstraction des formes et des couleurs à laquelle invite ce catalogue prolongeant l’exposition du musée de l’Orangerie en cours jusqu’au 20 aout 2018. Ainsi que le rappelle en ouverture Cécile Debray, commissaire de l’exposition et directrice du musée de l’Orangerie, Claude Monet consacrera les trois quarts de sa production à des vues de son jardin et des nymphéas de Giverny. Ce chiffre éloquent montre combien au-delà de la représentation du réel, le peintre se tourne de plus en plus vers le formel en d’inlassables recherches jusqu’à ses derniers jours.

Philip Guston : Painting, 1954. Huile sur toile, 160,6 cm x 152,7. The Estate of Philip Guston, courtesy Hauser & Wirth

Illustré par de nombreux détails d’œuvres de Monet, le catalogue invite le lecteur à retrouver ces liens parfois évidents, d’autres fois plus ténus, entre la fin de l’impressionnisme marqué par ces dernières toiles et les créations de l’expressionnisme américain. La réception des Nymphéas dans l’entre-deux-guerres ne peut que laisser dubitatif si l’on songe au « critique » François Fosca qui ne voit là qu’un essai raté d’un vieillard…

Guston, Philip, Dial, 1956 © New York, Whitney Museum of American Art / The Estate of Philip Guston, courtesy Hauser & Wirth / musée de l'Orangerie

Le retour à l’ordre après le premier désastre mondial ne s’accommode pas des explorations picturales allant vers l’abstraction, on veut de l’ordre, du concret et du sérieux comme le souligne Laurence Bertrand Dorléac. Il faudra attendre l’après-Seconde Guerre mondiale et les années 50 pour qu’enfin ce legs soit apprécié à sa juste valeur et prolongé par le travail d’artistes de l’expressionnisme abstrait comme le rappelle Jean-Pierre Criqui ; un nouvel élan autorisé en cela par les œuvres tardives du peintre français qui avait banni depuis longtemps toute figure humaine, facilitant ainsi leur réception par l’abstraction. De nombreux documents, témoignages et études complètent le présent catalogue qui permettra d’apprécier respectivement les œuvres tardives de Monet et celles de l’expressionnisme américain sous un nouveau regard.

« Âmes sauvages. Le symbolisme dans les pays baltes » Catalogue d'exposition sous la direction de Rodolphe Rapetti, 23,5 × 30,5 cm - 312 p. - 177 ill., Musée d'Orsay / RMN-GP - 2018

Prélude indispensable à l’émancipation politique, la prise de conscience d’une identité culturelle a été très tôt associée au symbolisme européen dans les pays baltes anticipant ainsi leur indépendance survenue au lendemain de la Première Guerre mondiale. Le présent catalogue qui reproduit en couverture le détail de l’œuvre de Johann Walter Jeune paysanne interroge le lecteur et l’invite à entrer dans cet univers marqué par un symbolisme omniprésent et protéiforme selon la sensibilité de chaque artiste. Servi par une mise en page et une iconographie soignées, cet ouvrage retrace ces légendes et ce folklore qui ont construit l’identité et nourri l’âme de l'Estonie, Lettonie et Lituanie.

Konrad Mägi (1878-1925)Paysage de Norvège au pin1908-1910Huile sur toileH. 58,5 ; L. 75,2 cmTallinn, Musée d’art d’Estonie© Photo courtoisie du Musée d’art d’Estonie

Si les influences d’artistes comme Munch, Gauguin ou encore Van Gogh ont pu être perceptibles dans le travail des artistes baltes, c’est bien une identité propre qui se constitue et qui au-delà des différences de ces trois pays converge vers un symbolisme commun. Rodolphe Rapetti et Julien Gueslin font entrer le lecteur dans ce kaléidoscope balte et aux origines de ces trois cultures nationales. Chaque pays est ensuite étudié dans son propre rapport à l’art et à l’histoire. Puis les trois sections de l’exposition sont présentées avec la reproduction des œuvres accompagnées de notices complètes permettant ainsi de plonger dans cet univers complexe et passionnant, un prélude indispensable pour mieux comprendre ce qui nourrit ces « âmes sauvages » !

Didier Ben Loulou : « SUD », Editions La Table Ronde, 2018.

Ouvrir le dernier recueil de photographies de Didier Ben Loulou, qui vient de paraître aux éditions de La Table Ronde, intitulé tout simplement « SUD », c’est accepter la promesse d’un long voyage, d’un ailleurs, celui de la Méditerranée… Un monde où la vie bat, tape comme le soleil du sud ou gronde comme un ciel d’orage en plein été. Telle la première photographie de cet ouvrage avec l’ange de Jaffa, annonciateur, guerrier ou ange déterminé ?... Il faut regarder ces tirages pris entre 1980 et 2017, revenir, tourner les pages, oser comme on se souvient des morts et de la vie. Le photographe n’a pas souhaité pour ce recueil de chronologie, de titres, d’ordre, Jérusalem, Marseille, l’Espagne, la Sicile, le Maroc, Jaffa, mais le SUD. Seulement partir pour un long voyage, prendre son envol sur les ailes du large à San Remo ou à Marseille, se poser comme l’oiseau de Jaffa avant de repartir en bateau avec pour seule trace la vapeur du ferry dans la brume du Golf Saronique, ou à cheval, temps qui se croisent, et dans l’écume, les vagues, la houle d’une calanque de Marseille ou de La Ciotat, oser plonger. Didier Ben Loulou ne cherche ni les belles et tendres couleurs ni à témoigner, il photographie et n’ignore ni le rouge ni les couleurs éclatantes de Jaffa, de Marseille, Jérusalem, du « SUD ». Là où s’insuffle la vie de la Méditerranée, faite tout autant de bleu azuréen que de nuages, de confrontation de bateaux et d’âmes échouées. Il sait que dans ce long périple, il y aussi les chiens errants d’Athènes ou de Palerme, mais au-delà aussi le jaune d’un printemps à Jaffa qui éclate ou le jaune d’un camion qui éclaire, ou cet imperturbable vert le long d’une balustrade sicilienne ou encore le rose vif d’un tee-shirt sur la peau mate d’une jeune fille. Ses photographies parlent ou plutôt écrivent, « graphent », cette Méditerranée, ce « SUD » ( D. Ben Loulou est également l’auteur des « Chroniques de Jérusalem et d’ailleurs », Éd. Arnaud Bizalion, 2016). L’attente aussi le photographe la connait, l’attente des silhouettes dans ces rues vides, désertées, plein soleil d’Israël ou d’Espagne. Didier Ben Loulou aime aussi à ravir ces visages, détail d’une main, profils saisis avec ses empreintes et brûlures des vies… Et le photographe de continuer sa route, les prises, les paris. Percevoir les vies, la vie, ombres de Jérusalem, ombre sur un carrelage ensoleillé ou longeant un mur d’ocre et de jaune. C’est l’enfant de Jaffa, l’homme de dos de Sicile… et ce baiser repris pour couverture telle une promesse d’instant de vie, l’aube d’une étape, celle du « SUD » qui s’éveille et interpelle. Un très bel album qui fait suite et confirme la valeur du travail du photographe Didier Ben Loulou.

L.B.K.

A regarder notre interview vidéo de Didier Ben Loulou

« Le pain est d’or » de Massimo Bottura & Friends, Phaidon, 2018.

Il fallait oser et le chef triplement étoilé Massimo Bottura et ses amis ont conçu un livre de recettes à partir d’ingrédients ordinaires pour réaliser des recettes extraordinaires ! Militant contre le gaspillage alimentaire international, Massimo Bottura a eu recours à sa notoriété pour mobiliser la profession et un public le plus large possible afin de proposer des alternatives à ce qu’il estime à bon droit ne pas être une fatalité. Le chef a fait ses preuves, dans ce qui n’est pas un coup médiatique de plus, mais une vraie action militante de fond depuis 2015 et l’Exposition Universelle de Milan avec la création du Refettorio Ambrosiano dans la banlieue italienne où sont servis au quotidien des repas aux plus démunis à partir des surplus abimés lors de l’exposition. Invitant les plus grands chefs à proposer leurs recettes de ces petits restes qui honoreraient plus d’une table de qualité, cette vaste expérience a donné également lieu à un beau livre édité par Phaidon et qui a pour nom « Le Pain est d’or » du nom d’une recette de sa mère à base de pain rassis, de lait chaud et de sucre… Chaque cuisinier sait par expérience que c’est lorsque les ingrédients viennent à manquer que l’imagination est de ce fait sollicitée pour plus de créativité. Alain Ducasse, Yannick Alléno, Michel Troisgros, Mario Batali, Joan Rocca et bien d’autres toques célèbres ont prêté leurs concours et sollicité leur mémoire pour proposer des recettes inventives à partir de produits accessibles pour des recettes savoureuses présentées dans le détail et avec une mise en page joliment réussie sur papier sépia. Envie de pâtes au pesto menthe-chapelure, un poulet xinxim, ragout de veau ou de poisson ? Les idées ne manqueront pas avec « Le pain est d’or », un livre aisément applicable au quotidien et agréable à feuilleter avec ses nombreuses illustrations et ses éventuelles « notes » personnelles laissées à discrétion !

« Delacroix (1798-1863) » sous la direction de Sébastien Allard et Côme Fabre, Hazan, 2018.
 

Le quatrième de couverture de l’imposant catalogue de l’exposition Delacroix du musée du Louvre paru aux éditions Hazan annonce la couleur : « Prie le ciel que je sois un grand homme » implore Delacroix, un peintre pourtant peu porté aux questions religieuses dans la première partie de sa vie… C’est l’un des paradoxes de cet artiste aux multiples facettes, et talents, qui fait de Delacroix un peintre original et complexe dont la critique et le public n’ont pas fini d’explorer la portée. En un remarquable travail de synthèse, ce catalogue fort de 480 pages et de 250 illustrations retrace la longue carrière de l’artiste sur 40 ans. Si les débuts de l’artiste sont plus familiers, les trente années qui suivent sont cependant plus méconnues du fait qu’un grand nombre de ces œuvres ne se trouvent pas dans des musées, mais dans des églises, grands bâtiments publics tels le Sénat, la Chambre des députés ou encore des musées américains. Le catalogue avec des études soignées et une riche iconographie offre ainsi au lecteur une meilleure connaissance de ces créations un peu en marge et qui ne correspondent pas à l’étiquette convenue de romantique que l’on accole traditionnellement à Delacroix. L’ouvrage dévoile alors un autre Delacroix, pour qui « La gloire n’est pas un vain mot… » comme le rappelle Sébastien Allard en introduction, une volonté et « Ce besoin de faire grand… » également rappelé par Côme Fabre, des dimensions qui sont complétées par des sensibilités successives, voire parfois concomitantes, d’élans artistiques et métaphysiques sur près de 40 ans. La complexité de Delacroix transparaît ainsi au fil de ces essais et des peintures reproduites avec qualité – parfois en double page - mais aussi des dessins, carnets, croquis, gravures, lithographies pour lesquels Delacroix a souvent été pionnier, sans oublier ses écrits tout aussi nombreux.

Corot, le peintre et ses modèles par Sébastien Allard, Hazan, 2018.
 

C’est à un Corot plus méconnu auquel invite ce catalogue écrit, à l’occasion de l’exposition consacrée au peintre au Musée Marmottan Paris, par l’un de ses meilleurs spécialistes, Sébastien Allard, directeur du département des Peintures du musée du Louvre. L’ouvrage est illustré par une couverture attractive puisqu’il s’agit d’un des chefs-d’oeuvre du peintre en matière de portrait avec La Dame en bleu du Louvre, un portrait où la couleur et l’étoffe de la robe prédominent sur le modèle… Il faut avouer que le lecteur est plus familier des paysages représentés par le peintre que de ses portraits, angle original choisi par le musée Marmottan, et le présent catalogue, pour mieux faire connaître une facette inattendue, plus intime et secrète de l’artiste. Loin d’être une pratique résiduelle ou contingente, avec la représentation d’enfants, de proches ou de modèles, Corot prolonge ses recherches picturales en un dialogue incessant entre nature et figures. Ni ancien ni moderne, Corot est un homme de son temps qui cherche à capter l’insaisissable, à offrir un reflet de ce que le regard perçoit souvent subrepticement sans savoir l’isoler, l’instantané qui révèle…

Il suffit pour s’en convaincre de scruter attentivement les nombreuses illustrations réunies dans ce catalogue soigné pour mieux percevoir cette acuité, a priori discrète mais véridique. Corot porte son regard au-delà de l’apparence, à l’image d’ailleurs de ses tableaux de nature, les deux se confondant parfois. Ainsi que le rappelle Patrick de Carolis, directeur du musée Marmottan, Corot est indissociable des débuts de l’impressionnisme avec son sens de la lumière et son attirance pour le travail sur le motif et du souvenir. Méconnaître le peintre de figures que fut également Corot reviendrait à oublier une part intime et profonde de l’artiste, une intrication héritée du Titien, Rubens ou Watteau comme le souligne Sébastien Allard. Le genre du portrait chez Corot se concentre essentiellement entre les années 1820 et 1840 pour se métamorphoser par la suite en représentation de la « figure » avec un modèle « désindividualisé ». Le portrait chez Corot se réalise principalement à partir de proches (amis et famille) avec une acuité particulière quant aux portraits d’enfants, genre dans lequel le peintre exprime sans retenue l’éventail de sa palette et de sa sensibilité, sans « influence » excessive du modèle.

Avec ce livre abondamment illustré des œuvres de Corot, le lecteur entre ainsi dans l’univers intime, plus méconnu et secret de l’artiste, un angle inhabituel pour mieux comprendre l’art du grand peintre de paysages qu’il fut et demeure.

« Tintoret » Guillaume Cassegrain Hazan 2018.

C’est une somme incontournable consacrée au grand maître italien Tintoret qui est proposée par les éditions Hazan en un luxueux ouvrage relié sous coffret. Guillaume Cassegrain, auteur de ce bel ouvrage, est un spécialiste de la peinture vénitienne et cette monographie compte parmi les ouvrages essentiels sur le peintre. Venise au début du XVIe siècle est en période de transition, entre son passé prestigieux et son orientation vers l’industrie et les manufactures, un autre visage s’offrant à elle. Alors que l’on peut parler d’un certain déclin, Venise reste cependant une cité riche et prospère. Si Titien et Véronèse ont souvent occulté des artistes comme Tintoret, ce dernier-né à Venise va néanmoins s’imposer et radicalement repenser les codes de son époque, notamment en contournant l’opposition classique du colorito local et du disegno toscan. Le peintre va développer son art avec une rapidité à la hauteur de ses ambitions et concurrencera avec génie son aîné Titien. La narration se métamorphose sous le pinceau du jeune artiste, une narration faite d’emprunts et d’un dynamisme novateur. Vasari décrit Tintoret comme un être extravagant et bizarre, faisant de l’art de la peinture un jeu. Ce personnage « capricieux », toujours selon Vasari, place en effet le dynamisme au cœur de sa création Guillaume Cassegrain souligne combien le « cas » Tintoret démontre qu’il n’a jamais été à sa place. S’il a été apprécié des artistes et des écrivains, les siècles qui suivirent n’ont pas su replacer son génie à sa juste place. Le peintre s’intéresse à l’architecture et à la sculpture qui nourrissent directement son inspiration. L’impulsivité qui le caractérise se réalise dans le mouvement et la perspective, notamment dans L’Origine de la voie lactée et Le Martyre de sainte Catherine. Le Massacre des Innocents fait souffler un vent pictural d’une modernité surprenante en ce milieu de XVIe s. Les thèmes auxquels a recours Tintoret sont rarement inédits et ont longtemps fait du peintre un artiste produisant des images simples destinées à des illettrés ou des gens de condition modeste, un jugement réducteur ainsi que le souligne encore Guillaume Cassegrain. Tintoret se plait à mêler au discours symbolique traditionnel d’autres messages, parfois grivois, comiques ou parodiques. Ainsi représente-t-il d’une nouvelle manière l’espace en réinterprétant les thèmes classiques sur d’autres registres. Guillaume Cassegrain évoque également dans le chapitre « Le regard matériel » l’approche de Tintoret pour les peintures disposées sur les murs latéraux des chapelles, un genre important chez l’artiste. Cet art implique davantage le spectateur dans l’image représentée, une expérience que chacun peut faire en observant ses œuvres à Venise notamment. Cette prise en considération du point de vue de l’observateur et de ses différentes perceptions implique celui-ci dans un rapport nouveau qui se perpétuera jusqu’à nos jours, et entretenant un dialogue sans cesse renouvelé grâce à la mobilité et au dynamisme de l’image anticipant ainsi le baroque à venir. Avec cet ouvrage somptueusement illustré par une remarquable iconographie, notre regard sur Tintoret est renouvelé à sa pleine mesure, son originalité et sa richesse étant pleinement mises en évidence par l’auteur, Guillaume Cassegrain.

« Tintoret, naissance d’un génie » sous la direction de Roland Krischel, RMN, 2018.

Si l’œuvre classique de ce maître de la renaissance italienne est bien connue, ses années de formation le sont nettement moins, et discerner les diverses influences de sa propre originalité est justement l’objet de cet ambitieux programme développé dans ce riche catalogue publié par la RMN à l’occasion de l’exposition consacrée à ce grand maître au musée du Luxembourg. Ainsi que le relève Sylvie Hubac, présidente de la Réunion des musées nationaux, c’est grâce à un long travail de coordination et d’années de recherches que l’exposition rétrospective consacrée à Tintoret a été rendue possible en ce 500e anniversaire de sa naissance. C’est une vision plurielle du contexte artistique des années de formation du jeune peintre qui est adoptée pour cette étude comme le souligne Roland Krischel en introduction de l’ouvrage. Il est intéressant de noter que si les années 1990 ont vu se développer les études sur le Tintoret, ces dernières années, l’image du peintre se trouve cependant plus figée. Et pourtant, la recherche s’impose pour un peintre aussi fertile, ambitieux quant à son projet artistique reflétant l’esprit de son époque, celle de la Venise du XVIe siècle.

Les essais réunis dans la première partie du catalogue font, ainsi, un état des connaissances sur le peintre depuis l’ouvrage fondateur de Rodolfo Pallucchini en 1950 « La Giovinezza del Tintoretto » souligné dans l’étude de Stefania Mason. Giuseppe Gullino, pour sa part, retrace dans sa contribution le contexte historique contemporain aux jeunes années du peintre, une époque de renouveau propice aux novations artistiques, et dont Linda Borean explore, quant à elle, documents et sources pour mieux saisir les années de formation du futur maître de Venise. L’article de Michel Hochmann « Tintoret et son atelier dans les années 1530-1540 » souligne, cependant, combien nous avons peu d’informations sur ces jeunes années d’apprentissage notamment auprès du Titien. Mais avec une analyse croisée de ce qui se passait dans les ateliers de cette époque à Venise, le lecteur peut se faire une idée de ce que dut être la formation du jeune peintre, une interrogation prolongée par la contribution de Roland Krischel, « Qui est le jeune Tintoret ? ». Enfin, la seconde partie de l’ouvrage dresse le catalogue des œuvres présentées dans l’exposition du musée du Luxembourg avec des notices particulièrement utiles à la compréhension des œuvres reproduites en pleine, voire double page. Le lecteur pourra ainsi prolonger ou anticiper sa découverte des œuvres de jeunesse du Tintoret grâce à cet ouvrage à la mise en page soignée et complétée d’une bibliographie et d’un index.

« Daimyo, seigneurs de la guerre au Japon » sous la direction de Jean-Christophe Charbonnier, éditions Toriilinks, 2018.
 

Complétant idéalement l’exposition Daimyo, le catalogue paru sous la direction de Jean-Christophe Charbonnier fait entrer le lecteur dans l’univers de ces parures guerrières avec un luxe de détails qui rend leur compréhension plus aisée. Contrairement à ce que le néophyte pourrait de prime abord penser, ces armures, sabres, casques et autres armements correspondent non seulement à une esthétique évoluant au fil des siècles, mais répondent également à un code strict de règles à partir desquelles la créativité des artisans a pu s’exprimer. Trois années ont été nécessaires, rappelle la présidente du musée Sophie Makariou, pour monter cet ensemble unique d’armures japonaises à partir de collections publiques et privées.

L’armure Matsuaira acquise récemment par le musée Guimet fait bien entendu partie de ces trésors, aussi riche par sa valeur esthétique que par l’Histoire qu’elle évoque, un choc esthétique, mais aussi un imaginaire sollicité par ces parures guerrières indissociables de l’univers mental associé au Japon médiéval et ses fameux samouraïs. Michel Maucuer retrace l’histoire de l’institution des daimyo, moins connus en Occident que les shoguns ou les samouraïs en soulignant combien ce maillon s’avéra vite essentiel dans la féodalité japonaise.

Jean-Christophe Charbonnier retrace, quant à lui, l’histoire et l’évolution de l’armure au Japon, des temps anciens jusqu’aux armures du temps de paix (époque Edo). Suivent des sections où chaque armure, casque, masque, sabre, textile et autre accessoire fait l’objet d’une présentation détaillée, permettant au lecteur de mieux se familiariser avec cet armement complexe, et d’en saisir plus aisément la valeur esthétique. Des annexes précieuses détaillent, enfin, chaque partie des armures, casques et sabres avec son nom japonais et sa fonction, et rappellent les principaux armuriers cités. Une chronologie et une carte des provinces du Japon complètent cet ensemble unique sur l’univers des Damyo.

« Versailles : invitation privée » de Guillaume Picon, photographies de Francis Hammond, Flammarion, 2017.

Guillaume Picon est un historien familier de la royauté et notamment du château de Versailles. Pour cette nouvelle édition revue et augmentée, c’est non seulement le château public bien connu de ses visiteurs mais également tous ses recoins et lieux inaccessibles qui sont proposés au lecteur, bénéficiant ainsi d’une information de première main. À l’image du Louvre, le château de Versailles ne se laisse pas si facilement appréhender. Le visiteur peut avoir l’impression – trompeuse - d’avoir « fait » Versailles comme on l’entend souvent trivialement, oubliant par là même que bien de ses aspects lui demeureront inconnus. Grâce à l'approche retenue par l'auteur et servie de manière remarquable par les photographies de Francis Hammond, c’est dans l’intimité même de ce lieu chargé d’Histoire et d’histoires que le lecteur sera convié. Prélude ou conclusion à une visite, cet ouvrage imposant de 320 pages et 300 illustrations se propose en effet de dévoiler les secrètes et fabuleuses facettes méconnues, parallèlement aux fastes plus familiers avec la fameuse statue équestre de la cour d’entrée, la grille dorée récemment réinstallée ou encore la non moins célèbre et éblouissante Galerie des Glaces… Ainsi que le souligne en préface Laurent Salomé, le directeur du musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, lorsqu’on entre dans l’ouvrage « on croit sentir en tournant les pages des parfums de soie, de marbre frais, de parquets cirés, et ceux des fleurs du parc portés par de légers courants d’air »…
Ces pages, en ouverture, convient, en effet, le lecteur à des enfilades de couloirs et autres corridors, des escaliers tous plus étonnants les uns que les autres dans leur grandeur ou leur intimité, un éventail sans cesse renouvelé de marbres précieux et stucs aériens, et ce dans le plus grand calme, vide de toute cohue ! Nous prenons alors ce temps si cher à Proust d’apprécier détails et harmonies, échos et jeux de lumière pour admirer et rêver à ce cadre toujours étonnant, décidé un jour par un roi, et ce pourtant en un lieu inhospitalier. Comment comprendre ce faste du Roi-Soleil avec ses grands appartements, cette Chapelle tout droit sortie d’un conte de fées si l’on oublie cette décision royale, ce fiat décidé en réaction aux épreuves de la Fronde lors de la jeunesse du monarque, c’est désormais de sa seule personne qu’émanera toute décision, en une monarchie absolue qu’il sut à merveille définir autant en lois, qu’en arts ! Mais Versailles sut s’entourer de conseils, et si Louis XIV avait l’œil à tous les détails, il savait faire appel aux meilleurs artistes et artisans, quitte à les « emprunter » à ceux qui avaient eu l’audace de les remarquer avant lui… Ce livre offre également ce rare plaisir de découvrir des lieux que nous n’avons pas l’habitude d’arpenter, de petits espaces fermés habituellement au public et qui semblent avoir préservé cet air d’antan, prisonnier d’un écrin et qui le restitue à l’envi grâce aux admirables prises de vues de Francis Hammond. Guillaume Picon réussit avec cette Invitation privée la gageure de rendre familier un lieu connu du monde entier et pourtant si insaisissable, une épreuve périlleuse accomplie avec brio !

Le jardin japonais de Sophie Walker Phaidon, 2017.

L’art du jardin japonais est ancestral, étroitement associé à une dimension spirituelle à partir de laquelle une véritable architecture esthétique a pu s’élaborer au fil des siècles et des différentes influences (lire notre interview de Masuno Shunmyo). L’auteur, elle-même paysagiste, explore à partir de 90 jardins cette histoire du jardin japonais sur un millénaire. Servi par une riche iconographie (350 ill. couleur), ce livre au design réussi fait entrer le lecteur dans cet univers à nul autre pareil, l’art du jardin au Japon étant érigé en une voie, à l’image de bien des disciplines comme la calligraphie ou le sumi-e. Du plus petit jardin de sanctuaire aux plus majestueux espaces des domaines impériaux, chaque création paysagiste répond à des critères stricts hérités de la géomancie chinoise, puis du bouddhisme avec ses créations plus connues de l’occident sous l’appellation de jardin zen. Géométrie rime avec abstraction, figuration et asymétrie, perspective et éléments cachés, les paradoxes ne manquent au Japon dans l’art des jardins pour nos esprits cartésiens. Et pourtant, en découvrant au fil des pages les extraordinaires créations présentées, le lecteur réalisera combien une unité guide ces espaces bien particuliers soumis à des concepts esthétiques comme le wabi sabi, les nombreux symboles et plus généralement la spiritualité bouddhiste. Avec dix chapitres thématiques, le lecteur occidental plongera dans cet art du jardin japonais, un parcours ponctué régulièrement d’essais originaux d’artistes et architectes tels Tadao Ando, Anish Kapoor, Lee Ufan… accompagnés de la reproduction d’œuvres d’artistes faisant écho à ces jardins. Complétant ce panorama, l’ouvrage se termine par un glossaire des termes et concepts de l’art du jardin japonais et une liste des principaux végétaux utilisés. Ainsi que le souligne Anish Kapoor : « Le vide n’est pas un désemplissage ; il crée activement davantage d’espace et conserve un potentiel de forme et de sens. Le jardin vide crée plus d’espace et, ce faisant, augmente le temps et le silence ». En découvrant ce livre initiatique remarquable, c’est à un tout autre univers esthétique, spirituel et culturel auquel est invité le lecteur.
 

Marianne Mathieu et Dominique Lobstein : « Monet, Collectionneur », Editions hazan, 2017.
 

Claude Monet était un grand collectionneur, c’est aujourd’hui un fait connu ; Mais connaissons-nous pour autant cette fantastique collection de peinture, estampes, sculptures, dessins qu’il constitua avec passion toute sa vie durant ? Les éditions Hazan avec la parution de l’ouvrage « Monet Collectionneur » offre l’occasion de découvrir cette formidable collection, Sa collection, véritable trésor que l’artiste gardait jalousement auprès de lui. Ce bel ouvrage signé Marianne Mathieu, adjointe au directeur, chargée des collections du musée Marmottan et commissaire d’expositions, et Dominique Lobstein, historien de l’art, vient idéalement compléter l’exposition du même nom de cet automne-hiver au Musée Marmottan, permettant ainsi de retrouver tout à loisir ou de découvrir pour ceux qui n’ont pas eu la chance de la voir, ce foisonnement de peintres et d’œuvres entourant Claude Monet et signées notamment Renoir, Delacroix, Corot, Boudin, et tant d’autres encore, si célèbres et que sut en son temps aimer, repérer et collectionner le chef de file de l’impressionnisme.
Préfacé par Patrick de Carolis, c’est l’ensemble de la collection du Maître qui est ainsi dévoilé avec un soin tout particulier apporté aux sources, textes et spécialistes retenus pour l’occasion, une étude appuyée par plus de 180 illustrations couleur dont de nombreuse pleine page, lettres, photographies, carnets, listes ou autres documents.
Après « Une brève histoire d’une collection » et un rappel des sources documentaires qui réjouiront les historiens de l’art ou amateurs avertis, l’ouvrage donne une première place de choix à la collection d’estampes japonaises d’Utagawa Hiroshige qu’affectionnait tout particulièrement Claude Monet, et dont la seule évocation nous transporte dans l’univers jaune de la salle à manger. Puis, chapitre après chapitre, 14 au total, avec de riches contributions sous la signature des meilleurs spécialistes, la voix est donnée aux artistes, peintre ou sculpteur, choisis par le Maître et aux œuvres négociées, achetées ou offertes : Delacroix, Manet, Renoir, Caillebotte, etc. C’est un véritable dialogue qui s’établit alors entre Monet, ces autres peintres, non des moindres, ses aînés ou pour nombre d’entre eux ses amis, et le lecteur. Monet ne possédait pas moins de 14 œuvres de Renoir qu’il admirait et qu’une profonde amitié réunissait. S’y révèlent ainsi les liens étroits qu’entretenait Claude Monet avec chacun de ces peintres, artistes choisis et ses œuvres. Comme invité, on entre dans l’intimité de Claude Monet, son salon-atelier dans lequel il aimait recevoir aux côtés des « Nymphéas » d’autres grandes toiles, et ce couloir intime, presque secret, et dont les toiles et portraits collectionnés le menaient jusqu’à sa chambre où régnaient sur son sommeil des œuvres de Delacroix, Boudin, Corot ou Constantin Guys. L’ouvrage évoque pour finir avec une dernière contribution signée Marianne Mathieu, un angle moins connu, celui de Monet non plus collectionneur mais donateur. À ces riches et nombreuses études, viennent s’ajouter enfin, outre une bibliographie, deux « Vues synoptiques », de la collection elle-même et des carnets japonais de celle-ci. Un ouvrage soigneusement documenté qui s’impose en référence.

Antoni Clavé « Œuvre gravé » Catalogue raisonné Skira, 2017.

Antoni Clavé (1913-2005) compte parmi les peintres-graveurs majeurs du XXe siècle. Natif de Barcelone, ami de Picasso, installé à Paris après la guerre d’Espagne, « Espagnol pour les Français, Français pour les Espagnols », selon les mots de François Pinault son ami préfaçant ce catalogue, Antoni Clavé a laissé une œuvre singulière, ni abstraite, ni figurative. Ce trait lui valut une reconnaissance certaine de ses pairs et de nombreux amateurs, et en même temps suscita une certaine inquiétude chez l’artiste qui décida de fuir la capitale française pour s’installer plus à l’écart dans une maison à Saint-Tropez dans les années 60. Il faut dire qu’Antoni Clavé possède en lui deux forces, une tellurique et incandescente et, parallèlement, une mélancolie certaine. Ces forces antagonistes se déploient dans ses œuvres avec une part variable selon les époques et les inspirations. L’artiste entretiendra également un dialogue étroit entre la gravure, la peinture et la sculpture pour offrir une œuvre réunie dans ce superbe catalogue riche de plus de 700 illustrations, dont de nombreuses reproductions pleine page. L’ouvrage offre ainsi l’intégralité de l’œuvre gravé et inclut les dernières estampes de l’artiste redécouvertes et jamais montrées, ce à quoi s’ajoutent les ouvrages de bibliophilie réalisés par Antoni Clavé. Par ces 520 estampes et 22 livres illustrés, le lecteur découvrira une œuvre puissante et fragile à la fois, un regard lucide sur la matière, et des interstices infimes ouvrant à d’autres espaces, suggérés parfois, ou tacites. La géométrie capte l’attention de celui qui observe le travail d’Antoni Clavé, une géométrie puissante qui s’effrite en des paysages intérieurs ouverts à l’éclatement et aux imbrications plurielles. La couleur s’invite dans ce dialogue tellurique et cosmique, une couleur franche où le bleu, le rouge et le noir dominent, contrepoints de la gravure et suggestions de bien d’autres échos. Clavé se situe entre deux générations, celle de Joan Miro (20 ans plus âgé) et d’Antoni Tapies (dix ans plus tard) ainsi que le souligne Tomas Llorens dans sa contribution. Cela conforte cette position marginale et explique son œuvre solitaire. Suivant un modèle intérieur à l’image d’Alberto Giacometti, Henri Michaux ou Jean Fautrier, chaque œuvre ouvre sur plusieurs dimensions où l’inconscient rythme l’inspiration de ces formes et traverse les couches picturales. Le lecteur découvrira également avec intérêt la contribution de Céline Chicha-Castex qui évoque le travail « d’expérimentateur » de l’artiste avec la gravure, un art dont il souhaitait contrôler toutes les étapes et les enrichir de novations personnelles ; contribution suivie de celle d’Aude Hendgen qui rappelle les multiples connexions de l’œuvre d’Antoni Clavé dans le domaine artistique de son époque. Un riche catalogue raisonné qui réjouira assurément les connaisseurs et les passionnés ou amateurs d’art.
 

Visiteurs de Versailles. Voyageurs, princes, ambassadeurs (1682-1789), édition publiée sous la direction de Daniëlle Kisluk-Grosheide et Bertrand Rondot, album Beaux Livres, Gallimard, 2017.
 

« Visiteurs » tel est le thème de la dernière exposition du Château de Versailles, un sujet éminemment à propos si l’on pense que plus de 7 millions de visiteurs par an se pressent aux grilles de ce lieu symbole de la toute-puissance de la monarchie absolue d’Ancien régime. Hiver, comme été, par temps ensoleillé ou par grands vents, fréquents en ces lieux d’anciens marécages, les visiteurs s’empressent de rejoindre cet aimant à la fois historique, culturel et symbolique de la France. Pour quelles raisons ? Le présent catalogue édité pour l’occasion par Gallimard montre que si les facteurs sont pluriels, ils reposent essentiellement sur ce rêve devenu réalité d’une volonté d’un seul homme, un jeune monarque conscient que cette réussite serait celle de la gloire du royaume et de son règne, les deux étant indissociables. C’est un peu de ce rêve doré que chacun cherche dans les méandres des galeries et salles royales ou au détour d’un labyrinthe végétal dans son parc. Vain esprit de gloire ? Non point ! Car, derrière les fastes et les exigences terribles de la Cour réside le destin incontournable de chaque individu : que faisons-nous de notre vie et de notre destin ? Ceci explique certainement en partie cette attraction irrésistible pour ce petit relais de chasse métamorphosé en château connu du monde entier pour sa splendeur, un lieu à la fois du pouvoir mais ouvert à tous selon la volonté du monarque absolu. Il faut dire que les paradoxes ne manquent en effet pas à Versailles, bâtir un palais sur un marécage, édifier de somptueux jardins là où ne régnaient que moustiques et maladies, gloire encore de la France républicaine pour ce haut lieu dans ce qu’il eut pourtant de plus absolu et contraire à la démocratie… Mais chacun en ces lieux, de la seconde moitié du XVIIe siècle jusqu’à la Révolution, qu’il soit français ou étranger, rois, diplomates, artistes ou visiteurs inconnus, est venu chercher ici une faveur, là une mission diplomatique ou encore un chantier à édifier pour le compte du Roi Soleil. L’ouvrage rappelle combien le Château de Versailles est à la fois un lieu royal et un espace public, une demeure où le roi vit et où il paraît à la face du monde, Louis XIV poussant cette rhétorique de la représentation à son maximum en mettant sa personne elle-même en spectacle de la manière que l’on sait par les arts, et notamment la dance et la musique qu’il pratiqua avec excellence. L’Histoire a parfois gardé trace de visites notoires, de ces ambassades telle celle de Siam en 1686 jusqu’à la veille de la Révolution qui grondait alors à ses grilles en 1788… Ces échanges étaient riches d’enseignement à une époque où les communications n’étaient pas ce qu’elles sont aujourd’hui, allant jusqu’à inspirer directement des comédies bien connues. Les pages de ce catalogue richement illustré font revivre pour le lecteur ces temps si lointains où les costumes, les mobiliers d’art, les tapisseries, les glaces et autres splendeurs végétales ne pouvaient qu’émerveiller le visiteur découvrant Versailles. C’est cette magie qui est ici entraperçue et suggérée dans cet ouvrage réalisé sous la direction de Daniëlle Kisluk-Grosheide, Conservatrice au département de la sculpture et des arts décoratifs européens du Metropolitan Museum of Art, et de Bertrand Rondot, Conservateur en chef du patrimoine, chargé du mobilier et des objets d’art au musée national des châteaux de Versailles et de Trianon. Nous pouvons, grâce à eux, retrouver le temps d’une lecture le regard de ceux qui nous ont précédés en découvrant le Château et son domaine, fascination et émerveillement n’en étant pas les moindres qualificatifs !
 

Jean Fautrier catalogue exposition sous la direction de Dieter Schwarz, Musée d’art moderne de la Ville de Paris, Paris Musées éditions, 2018.
 

Matière et lumière, tel est le sous-titre de ce riche catalogue d’exposition consacré à Jean Fautrier actuellement présentée au Musée d’art moderne de la Ville de Paris, et dont le portrait photographié ouvre en page intérieure cet ouvrage consacré à ce peintre secret et peu enclin au témoignage ainsi qu’en témoigne ce début de lettre à Jean Paulhan : « -enfin, nous voici ! Vous m’obligez à quelque chose de bien désagréable » à l’évocation de sa biographie. Fabrice Hergott, directeur du Musée d’art moderne de la Ville de Paris, rappelle combien l’œuvre de Jean Fautrier est étroitement associée à ce musée même, le peintre ayant fait don d’un ensemble de ses œuvres quelques mois avant sa disparition en 1964. Alors qu’il eut assez tôt reconnaissance et honneurs d’un grand nombre d’intellectuels, à la fin de sa vie son génie est étrangement et injustement oublié des plus jeunes générations. Dieter Schwartz souligne en ouverture de l’ouvrage combien l’œuvre de Jean Fautrier développe une expressivité impressionnante qui fit dire au poète Francis Ponge que Fautrier souhaitait avant tout « rompre le mur », une autre manière de dépasser la matière à partir de cette matière elle-même dont donne une petite idée cette série de clichés pris dans son atelier en 1955.

Un corps à corps avec l’œuvre pour aller au-delà des apparences, « pour réinventer ce qui est »… Nous retrouvons dans ce catalogue à l’iconographie et la mise en page soignées l’extraordinaire créativité de cet artiste atypique, de ses premières œuvres figuratives jusqu’à ses ultimes créations ouvertes vers un dépassement de son héritage pourtant riche. Une partie entière est également consacrée à un aspect souvent méconnu de l’artiste quant à la sculpture, sans oublier la prolifique œuvre sur papier dont une sélection est également reproduite dans ces pages. Au terme de cet ouvrage passionnant, le mystère Fautrier demeure, cette dernière photographie où l’artiste regarde l’objectif plus que l’objectif ne le regarde inverse le rapport de l’observé/observateur, un art dans lequel Jean Fautrier était passé maître et qui ne cessera pas de nous émouvoir.

Hiroshige & Eisen. Les soixante-neuf stations de la route Kisokaido, Andreas Marks, Rhiannon Paget, reliure japonaise sous coffret pleine toile, 44 x 30 cm, 234 pages, dans une mallette en carton avec poignée, Édition multilingue : Allemand, Anglais, Français, Taschen, 2017.

A tout amateur d’estampes japonaises ou des arts d’Extrême Orient plus largement, cet ouvrage d’exception sera assurément destiné ! Le format XXL retenu pour cette splendide édition des fameuses soixante-neuf stations de la route Kisokaido offre un voyage à nul autre pareil sur la route historique reliant Edo (l’actuelle Tokyo), lieu de résidence du shogun, jusqu’à Kyoto où séjournait l’empereur. Ce format 44 x 30 cm rend ainsi accessible le rare privilège d’apprécier la composition de l’estampe dans toute sa finesse, avec son luxe des détails si nombreux chez Utagawa Hiroshige et Keisai Eisen au XIXe siècle, l’un des derniers témoignages avant l’arrivée imminente de la modernité avec l’ère Meiji à la fin de ce même siècle. Réalisée avec une reliure japonaise et présenté sous un coffret pleine toile lui-même protégé d’une mallette carton avec poignée, nous sommes sans aucun doute dans une édition d’exception multilingue destinée à faire date. C’est à partir d’un exemplaire d’une fraîcheur remarquable que cette édition a pu être réalisée, on sait combien les tirages d’estampes peuvent varier selon les temps. Andreas Marks spécialiste des arts japonais et conservateur d’art japonais et coréen de la collection Mary Griggs Burke, directeur du département d’art japonais et coréen, et directeur du Clark Center for Japanese Art au Minneapolis Institute of Art a relevé le défi de cet admirable travail éditorial avec Rhiannon Paget, conservatrice d’art asiatique au John & Mable Ringling Museum of Art à Sarasota, en Floride.

Le lecteur occidental ne sait pas toujours que le réaménagement de cette route ancienne de la Kisokaidō qui traverse le Japon fut ordonnée par Tokugawa Ieyasu. Shogun fameux, il s’imposa au début du XVIIe siècle et contribua à l’unification d’un Japon qui souffrait d’un morcellement cruel dû à la féodalité et aux rivalités des clans. Pour affirmer son pouvoir et réaliser son projet, une voie sûre et aménagée était nécessaire avec ses auberges et restaurants, sources d’inspirations par la suite pour de nombreux artistes dont Keisai Eisen, puis Utagawa Hiroshige qui resteront les plus célèbres. C’est une commande qui échoit au premier en 1835, Eisen doit en effet réaliser une série d’œuvres évoquant ce fameux itinéraire de la Kisokaidō et qui donnera naissance à 24 estampes mémorables. Eisen sera remplacé par Hiroshige qui complètera cette commande en 1838. Cette série est ainsi l’évocation par deux artistes majeurs du Japon à la sensibilité différente de ces relais et lieux typiques.

Eisen a produit vingt-trois stations ainsi que le point de départ nommé le Nihonbashi, lieu très animé. Hiroshige réalisera le reste de la série avec pas moins de quarante-sept estampes, soit au total 71 estampes d’une qualité exceptionnelle et dont certaines ont acquis avec les siècles une célébrité inébranlable. En feuilletant les pages de ce livre d’exception, nous retrouvons le style délicat et sobre d’Eisen avec ses femmes élégantes, ces petits détails de la vie quotidienne qui surgissent au gré du voyage et dont l’artiste fait son miel. Les paysages d’Hiroshige, auteur également remarqué des Cinquante-trois Stations du Tōkaidō, sont quant à eux grandioses, fleuves et cols, cieux nocturnes rivalisent d’une beauté époustouflante avec un rendu impressionnant sur ce grand format. Que le lecteur s’attarde sur ce cavalier traversant un pont sous la lune en une représentation puissante ou cette cascade non moins remarquable sous le regard étonné des voyageurs, il aura fait un beau et lointain voyage en terre nippone du XIXe siècle grâce à cette édition époustouflante.

La Bible historiale de Guyart Des Moulins, 48 x 34 cm, 5.34 kg,
Dorures : Coffret, couverture, tranches, Marquage : Or, Editions des Saints-Pères, 2017.
 

La Bible a longtemps été exclusivement diffusée dans ses langues originelles, à savoir l’hébreu et l’araméen. Progressivement, avec sa propagation sur une aire géographique plus étendue, le grec avec la Septante, puis le latin avec la Vulgate en étendront plus encore la portée. Puis viendra le tour des langues vernaculaires de voir traduire l’un des textes les plus diffusés au monde depuis plus de deux millénaires. Elle reste encore aujourd’hui le livre le plus lu au monde, même si la saga d’Harry Potter semble la talonner… Mais, qui connaît encore de nos jours le nom de Guyart des Moulins en dehors de quelques chartistes et chercheurs médiévistes ? Et pourtant ce personnage mériterait un peu plus de notoriété au XXIe siècle en France, car il fut le seul à offrir en prose le texte de la Bible en langue romane à partir de la Vulgate de saint Jérôme, et ce trois ans avant la fin de ce XIIIe siècle qui vit la quatrième croisade, la reconstruction du pouvoir royal sur la féodalité et la canonisation de saint Louis la même année 1297 de l’édition de cette Bible. C’est donc une très heureuse et audacieuse initiative des Éditions des Saints-Pères que d’avoir rendu accessible aujourd’hui par cette splendide parution cette Bible dans sa riche version originale, fabuleusement enluminée et illustrée, et ce, incroyable !, dans son format initial. Présentée sous sa couverture et son coffret de couleur choisie, vert espérance, avec ses tranches dorées…Un événement assurément !

L’homme, Guyart des Moulins, auteur donc de cette Bible, est en ce XIIIe siècle un historien du royaume, un érudit qui deviendra précisément en cette année 1297, décidément faste, chanoine de Saint Pierre d’Aire en Artois, l’actuel Pas-de-Calais. Quelles furent les motivations qui l’amenèrent à traduire la Bible dans la langue courante du royaume ? Si le latin est pratiqué par la noblesse et l’Église, le peuple n’y entend rien, cela explique ce choix, choix judicieux que de rendre accessible le texte de l’Ancien et du Nouveau Testament au plus grand nombre de laïcs. L’historien ne s’est pas cependant limité à traduire le texte latin des commentaires de Pierre le Mangeur sur la Bible, il a également réalisé un véritable travail sur le texte même de la Vulgate qu’il juxtaposera dans sa Bible historiale aux commentaires de Pierre le Mangeur, comme le rappelle Xavier-Laurent Salvador dans sa passionnante postface au livre. Pour quelles raisons cette Bible se nomme-t-elle historiale ? Le lecteur découvrira avec un rare plaisir la réponse en ouvrant les pages de cette Bible aux proportions généreuses (48 x 34 cm) afin de respecter les dimensions de l’original : page après page, une succession d’enluminures plus riches les unes que les autres s’offre au regard ! C’est cela une Bible historiale, un texte richement illustré dont les images, la calligraphie et les enluminures dialoguent en des liens étroits pour magnifier le texte biblique. Historiale inclut également cette dimension essentielle des histoires de la Bible et des hommes. On reste d’ailleurs étonné qu’un tel texte ait pu sombrer dans l’anonymat des bibliothèques alors qu’il « est en vérité un monument de la culture française dont la connaissance populaire a été, au fil des ignorances de nos modernités, effacée au profit d’une réécriture de la civilisation médiévale par des érudits peu soucieux de travailler à la source » souligne peut-être abruptement Xavier-Laurent Salvador. C’est en effet une véritable encyclopédie médiévale qui encadre les récits bibliques par d’étonnants commentaires et digressions sur des thèmes variés allant des animaux au calendrier en passant par la vie des patriarches, des apocryphes, les secrets de la magie de Moïse, et bien d’autres curiosités, toute une série de textes qui ferait de nos jours frémir les services de l’Imprimatur de l’Église catholique…

Nous pouvons ainsi découvrir les textes de cette bible glosée avec ces lettres travaillées comme de l’orfèvrerie, ces enluminures et miniatures qui développent et enrichissent le texte de manière parallèle en une profusion de volutes et de dorures. Si le nom de Guyart des Moulins reste associé à cette Bible fameuse, il ne faut pas néanmoins oublier le copiste Thomas du Val de l’abbaye de Notre-Dame de Clairefontaine et le Maître d’Egerton, l’artiste et illustrateur de cette première partie de l’Ancien Testament qui font de la Bible historiale un ouvrage indispensable dans toute bibliothèque de lettré des temps modernes !
Ce volume contient la Genèse, l’Exode, le Lévitique, le Deutéronome, les Nombres, Josué, les Juges et les Roy. La suite est prévue en 2018, riche programme !

Philippe-Emmanuel Krautter
 

Images Birmanes 1865-1909, Trésors photographiques du MNAAG, Editions Cohen & Cohen, 2017.

C’est un paysage à la fois rare et poétique, celui de la Birmanie à la fin du XIXe siècle et début du siècle suivant qu’offre cette dernière parution des éditions Cohen & Cohen. Avec une centaine d’œuvres photographiques originales et uniques de la Birmanie de cette fin de siècle, ces trésors d’un temps révolu sont non seulement un témoignage historique et ethnographique essentiel pour la connaissance de ce pays, mais également pour le néophyte un admirable voyage dont les couleurs sépia et noir et blanc accentueront le charme poétique. C’est la première fois que ce fonds acquis par le musée Guimet en 1989 et complété par des acquisitions de 1992 à 2015 se trouve exposé et donne lieu à un tel ouvrage de référence. C’est un regard européen au temps des colonies britanniques qui tient l’objectif de ces clichés, regard parfois naïf, poétique souvent, et qui fait écho à notre propre ignorance de cette contrée éloignée et tenue longtemps secrète. Une multitude de visages et de paysages sont gravés par ces prises de vues soignées dont les épreuves à l’albumine sur papier sont d’une fraîcheur saisissante. Les photographes auteur de ces photographies ne sont pas des amateurs, tant s’en faut ! J. Jackson, Felice Beato, Philip Adolph Klier comptent parmi les pionniers à produire des cadrages rigoureux et des prises de vues remarquables si l’on songe à l’époque et au contexte ainsi que le relève Jérôme Ghesquière au début de l’ouvrage. C’est à une véritable exploration à laquelle invite cet ouvrage d’art dont les photographies pleine page sont accompagnées d’un texte éclairant la représentation. Personnages, parfois hiératiques devant l’objectif tel ce moine au regard insondable, ou pris sur le vif telle encore cette conversation entre deux femmes sur fond de stupa central de la Shwedagon, chaque prise contribue au caractère vivant et émouvant de ce témoignage. Fragilité et intemporalité rythment ces photographies qui portent tout autant sur des minorités ethniques que sur des scènes de la vie quotidienne. Ce livre est idéalement complété par des notes de voyage « Un Français en Birmanie » du comte Alexandre Mahé de la Bourdonnais, un texte incisif pour cet homme issu d’une famille de marins originaire de Saint-Malo, mais né à Calcutta. Conseiller du roi, il offre un témoignage unique sur ce pays coincé entre l’Inde et la Chine ; contrée lointaine qui à l’époque de la parution du livre en1883 demeure quasiment ignorée de la France.
 

« L’art et la science d’Ernst Haeckel » Rainer Willmann, Julia Voss, relié, 28,5 x 39,5 cm, 704 pages, dans une mallette en carton avec poignée, édition multilingue : Allemand, Anglais, Français, Taschen, 2017.

Il fallait un sujet d’exception pour une édition d’exception, défi relevé avec ce volume impressionnant de beauté et de surprises esthétiques, graphiques et scientifiques. La beauté du monde naturel ou « L’art et la science d’Ernst Haeckel » de son titre exact a été en effet captée d’une manière à nulle autre pareille par cet artiste et biologiste auquel ce livre rend un bel hommage. Ernst Haeckel au XIXe siècle anticipa tout ce que la science moderne développe aujourd’hui à l’aide des instruments les plus perfectionnés. C’est avec sa plume, ses couleurs que cet homme hors du commun établit des planches inouïes et extraordinaires dont 450 d’entre elles ont été retenues pour cette anthologie.

La beauté est, avec le recul de notre regard, au cœur de cette évocation avant toute chose scientifique. Tout à cette époque ou presque est à cataloguer, classer et organiser dans l’immense réservoir que la Terre offrait en ces temps aux scientifiques, véritables défricheurs. Ce qui aujourd’hui est dévolu aux microscopes électroniques, appareils photo numériques et autres scanners, était alors réservé au regard du chercheur et artiste, mû par l’attraction de ces formes animales et végétales. Kunstformen der Natur compte assurément parmi les publications du scientifique parmi les plus prestigieuses. Aussi Rainer Willmann, (chaire de zoologie à l’université de Göttingen, directeur du musée zoologique) et Julia Voss ont-ils mis leur talent à rendre aujourd’hui de nouveau disponible à un plus grand public cette somme allant des plus petits radiolaires visibles avec une loupe binoculaire jusqu’aux spongiaires, méduses et autres merveilles de la nature.

Une lecture trop rapide de cette somme pourrait laisser croire que ces planches sont nées du génie d’un artiste à l’imagination trop fertile. Il n’en est rien ! Ernst Haeckel est un biologiste et naturaliste allemand évolutionniste, il est également médecin, philosophe et… artiste. Se plaçant dans la ligne directe de l’évolutionnisme darwinien, c’est en positiviste qu’il aborde donc les sciences dénonçant les dogmes religieux. Il sera l’inventeur de termes aujourd’hui courants comme ceux d’écologie ou de cellule-souche. Une part sombre entache cependant également cette personnalité fervent partisan du pangermanisme et de la supériorité de la race blanche, des idées malheureusement en genèse à son époque et qui auront le triste destin que l’on sait au siècle suivant. Malgré tout, l’héritage scientifique et artistique d’Ernst Haeckel est incontestable au regard de cette somme unique et singulière qui chercha non seulement à explorer mais également à expliquer le vivant. La précision graphique de ses dessins est encore aujourd’hui saluée des spécialistes, et le regard porté sur l’évolution biologique pour son avance sur son temps.

L’ordre, la symétrie, la beauté comptent parmi les priorités du regard porté par Ernst Haeckel sur ces êtres fascinants dont il sut rapporter fidèlement l’incroyable richesse au fil de ses planches. Son œuvre a fasciné nombre d’artistes et peintres célèbres notamment de l’Art nouveau dont Munch, Klimt, Max Ernst... En observant minutieusement chacune de ces planches pleine-page, le lecteur du XXIe s. pourtant habitué aux reportages et études scientifiques les plus poussés demeure ébahi et fasciné. Dans la lignée D’Adolf Portmann, zoologiste suisse du XIXe siècle et auteur de « La forme animale », on ne peut s’empêcher de se poser la question : comment expliquer certaines de ces formes, certaines de ces couleurs dont on sait qu’elles n’ont pas toujours « d’utilité » et de raison d’être. Artifice et fantaisie de la Nature ? Hasard des formes et des évolutions ? Poésie immanente ou transcendante ? Les réponses sont ouvertes pour le plus grand plaisir du lecteur émerveillé par la splendeur de cette édition.

Dada Africa catalogue de l’exposition au musée de l’Orangerie, Hazan, 2017.

Cécile Debray, directrice du musée d’Orsay et co-commissaire de l’exposition, signe le catalogue accompagnant l’exposition consacrée aux rapports du dadaïsme avec les arts extraoccidentaux actuellement à l’Orangerie à paris. Cela fait 101 ans que le dadaïsme joue avec la sonorité du nom de son mouvement comme de la fantaisie des créations qu’il a encouragées.

Masque anthropomorphe, Bête-Gouro, début du XXe siècle. Artiste Inconnu. Musée du quai Branly ‒ Jacques Chirac, Dist. RMN-Grand Palais / Bruno Descoings

Ce qui apparaît comme une transgression – ce que fut le dadaïsme - est aussi une incroyable invitation à la création repensée au fil de la modernité, celle de ces femmes et de ces hommes au cours du premier conflit que connut le monde à cette époque. Ce qui est académique est remis en cause, reflet des conventions ayant conduit au désastre, la liberté des formes et des inspirations est au contraire encouragée, et cette liberté est très souvent synonyme d’exotisme. Le catalogue ouvre sur une incroyable confrontation d’œuvres, photographies et performances réalisées par les artistes avec une vitalité proportionnelle à l’angoisse transcendée par ces créations.

Sophie Taeuber-Arp (1889-1943), Motifs abstraits (masques), 1917
Stiftung Arp e.V., Rolandswerth/Berlin
© Stiftung Arp e.V., Berlin / Rolandswerth. Wolfgang Morell

Les contributions des historiens de l’art s’attachent dans leur contribution à analyser la perception qu’eurent les dadaïstes des cultures de pays colonisés par les principaux États occidentaux. Le rapport à l’autre, les entrecroisements qui en découlent notamment pour la création artistique, sont au cœur de cette réflexion à partir des œuvres majeures.

Anne Baldassari « Icônes de l'Art moderne. La collection Chtchoukine Au musée d'État de l'Ermitage (Saint-Pétersbourg) et au Musée d' État des beaux-arts Pouchkine (Moscou) » Édition publiée sous la direction d'Anne Baldassari, Coédition Gallimard / Fondation Louis Vuitton. Nouvelle édition brochée en 2017, Livres d'Art, Gallimard
 

Peut-être serait-il opportun de commencer par découvrir ce portrait de Sergueï Chtchoukine peint par Christian Cornelius (Xan) Krohn et fixer ce regard si intense du collectionneur russe pour capter déjà ce qui habite l’homme et sa riche collection ? La musique d’Alexandre Scriabine surgira alors probablement de cette observation, la 1ère et la 12e études n’embrassent-elles pas, en effet, le caractère de cet homme à la fois austère, frugal et en même temps passionné, capable de ne plus penser à autre chose qu’à l’une de ses toiles, à acquérir ou déjà accrochée. On a beaucoup parlé de l’âme slave et ce caractère vibre sans aucun doute dans cette collection présente à la Fondation Louis Vuitton pour la première fois depuis sa dispersion en 1948 et que cet épais catalogue fait revivre une fois encore avec une nouvelle édition brochée. Une heureuse manière pour ceux qui n’ont eu la chance de voir cette exposition qui fut un évènement ou pour ceux l’ayant parcourue de la redécouvrir au calme. À la date de ce fameux portrait, en 1915, Sergueï a déjà réuni une collection incroyable d’œuvres refusées par le Louvre et ignorées - si ce n’est conspuées - par la plupart de ses contemporains. À cette date, l’homme a dû aussi surmonter de terribles épreuves, celle de la mort de son fils, puis celle de son épouse, son second fils se donnera la mort avant que la tempête révolutionnaire soviétique de 1917 ne balaie tout sur son passage et ne provoque son exil en France, alors que sa collection sera nationalisée par le nouveau gouvernement avec l’appui de Lénine et de Trotski ayant meilleur goût que Staline. L’homme, malgré l’adversité, aura su cependant écouter cette musique intérieure – vibrant également sous les doigts de Scriabine- et qui lui permettra d’acheter toutes ces peintures raillées par la critique et l’opinion publique, et d’aimer Gauguin, Matisse ou encore ce tout jeune peintre, nommé Picasso, et dont il réunira les plus grandes œuvres dans son palais à Moscou. Le catalogue est une fois de plus l’occasion de remarquer combien Sergueï Chtchoukine entretient une relation passionnelle avec l’art et les œuvres qu’il retint, Malraux dirait plutôt ces œuvres qui le retinrent. Dans ses choix, le collectionneur réalise un éventail suffisamment large pour être évocateur de l’art moderne européen de son époque, l’énumération des œuvres que nous retrouvons au fil des pages servies par une iconographie réussie parle d’elle-même : Monet, Cézanne, Gauguin, Rousseau, Derain, Matisse, Picasso, Degas, Renoir, Toulouse-Lautrec, Van Gogh sans oublier l’avant-garde russe également présente et ayant été largement influencée par la collection Chtchoukine elle-même, le collectionneur partageant sa passion en un élan généreux : Malévitch, Rodtchenko, Larionov, Tatline, Klioune, Gontcharova, Popova et Rozanova… Le vertige – si ce n’est le syndrome de Stendhal- gagne le lecteur comme ce fut le cas lors de l’exposition l’année passée.

« Visionnaire », Chtchoukine le fut sans aucun doute, mais il y a plus dans cette collection, un rapport à l’œuvre qui parvient à électriser le regard et l’esprit que l’on lise ce catalogue du début à la fin ou bien qu’on le feuillette au gré des inspirations qu’il s’agisse de cet échange sacré de « La Visitation » surpris par Maurice Denis sur sa toile, ou cette ombre sous Les Lilas au soleil de Claude Monet, sans omettre ce mouvement cubiste dont nous avons la plus belle illustration avec Braque, « le Château de la Roche-Guyon », Cézanne avec « L’Aqueduc » ou la fameuse « Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves », ni oublier Matisse, Picasso, cette multitude de tableaux de Gauguin, une belle manière de revivre cette expérience incontournable par le livre !

« L’art du pastel, de Degas à Redon » catalogue sous la direction de Gaëlle Rio, Éditions Paris Musées, 2017.
 

Gaëlle Rio, commissaire de l’exposition de L’art du pastel au Petit Palais à Paris souligne dès son introduction au catalogue accompagnant cette exposition le rapport sensuel entretenu entre la matière et l’œuvre désignées par le même mot. Poudre qu’un vent disperse, le pastel va paradoxalement fixer sur la matière les contours, impressions et perceptions parfois les plus fugaces. Entre dessin et peinture, le pastel apparaît vite dans les arts comme une technique de liberté. Si elle est déjà utilisée au XVIe siècle par les Florentins et Vénitiens, son âge d’or débute au XVIIIe, pour atteindre son apogée en créativité au XIXe s. Cette deuxième moitié du XIXe s. connaît en effet un renouveau extraordinaire traduit par la diversité des œuvres (221) que possède encore le Petit Palais et objet de ce catalogue.

Citant la passion qu’eut Huysmans pour le pastel qui « a une fleur, un velouté, comme une liberté de délicatesse et une grâce mourante que ni l’aquarelle, ni l’huile ne pourraient atteindre », le lecteur pourra suivre le chemin parcouru par cet art à partir de ses créations classiques héritées du XVIIIe. Le développement des études d’après nature fait du pastel une technique idéale à transporter partout avec soi pour l’artiste. Le naturalisme, puis l’impressionnisme viendront enrichir cet art par des compositions plus rapides afin d’en saisir tout l’instantané irradiant ainsi l’œuvre entière en autant de sensibilités que d’artistes.

Si le pastel mondain se plie, certes, à certaines conventions, le symbolisme brise, quant à lui, à jamais les cadres pour introduire dans l’œuvre un univers qui jusqu’alors n’appartenait qu’aux rêves et à la littérature, comme l’y invite l’admirable Naissance de Vénus de Redon ou ces pastels extatiques de Lévy-Dhurmer… L’ouvrage illustré de toutes les œuvres exposées est complété par un catalogue exhaustif des pastels du Petit Palais avec pour chacun d’eux une miniature permettant de les identifier et un descriptif.

« Univers – Explorer le monde astronomique » de Paul Murdin Phaidon, relié, 250 x 290 mm, 352 pp, 300 illustrations, Phaidon, 2017.

L’univers a de tout temps fasciné l’être humain, et ce depuis que son évolution lui a fait prendre conscience de ce qui l’entourait et le dépassait. Le regard s’est ainsi porté vers la voûte céleste, longtemps demeurée inaccessible, mais qu’en est-il aujourd’hui ? Pour mieux appréhender et comprendre notre univers et « explorer le monde astronomique », Paul Murdin Phaidon nous invite à nous pencher sur ce regard porté par l’homme et la manière dont il a appréhendé ce cosmos depuis l’aube des temps ; miroir aux multiples influences sur ses projections et représentations du monde, du divin, dans l’art, la culture, et par là même de sa place dans cet infini… Paul Murdin est un astronome qui a parcouru notre monde pour cette quête, il exerce maintenant à l’Institute of Astronomy de l’université de Cambridge et est professeur associé à l’université John Moores de Liverpool. Avec ce beau livre illustré par 300 images allant des premières représentations de l’univers sur les voûtes rupestres de Lascaux jusqu’aux somptueux clichés du fameux télescope Hubble, c’est à la fois la beauté et l’insaisissable qui sont représentés dans ces pages ouvertes au rêve. Beauté bien entendu des œuvres d’art, qui cherchent à capter sur les mosaïques l’origine du monde par les plus riches représentations. Insaisissable, car de tout temps, l’homme sait qu’il ne peut arriver à sonder les confins de l’Univers, même lorsqu’il dispose comme aujourd’hui de la technologie la plus moderne. Quête éternelle ? La question participe certainement à la fascination portée à l’Univers présenté dans ce livre selon l’angle original de contrastes : une image ancienne et moderne en vis-à-vis pour un même thème afin de mieux mettre en évidence, les permanences et les évolutions de notre conception même du cosmos. Tous les arts sont convoqués, européens comme ceux relevant des cultures indigènes, un point commun : la rotondité et l’idée de centre et d’axe qui les ont structurés pendant de longs siècles. Un fascinant voyage dans l’au-delà !
 

Être moderne, le MoMa à Paris, Fondation Louis Vuitton, catalogue sous la direction de Quentin Bajac, Coédition MoMa et Fondation Louis Vuitton Paris, 2017.
 

Dans le riche catalogue « Être moderne, le MoMa à Paris », accompagnant l’exposition du même nom actuellement à la Fondation Louis Vuitton de Paris, Quentin Bajac souligne combien la collection du MoMa est polyphonique depuis sa création, il y a maintenant près de 90 ans, avec pas moins de quatre générations de conservateurs. Fort de cette diversité et de cette richesse, les contours traditionnels fixés par l’histoire de l’art ne correspondent plus à la richesse accumulée par le musée. Peintures et sculptures ne suffisent plus à caractériser le MoMa, son approche pluridisciplinaire déjà ancienne et ses explorations transversales venant avec audace, sans discontinuité, enrichir en effet depuis ses débuts cette institution de l’art moderne devenue incontournable. Objet de nombreuses critiques et en même temps d’adulations, l’histoire du MoMa est complexe et se caractérise par une collection toujours en mouvement, en écho avec l’art évoluant décennie après décennie. Parmi ces mythes associés au MoMa, il en est un qui persiste à savoir que ce musée serait le temple du modernisme à partir de ses collections de peintures et sculptures de la première moitié du XXe s. Ainsi que le souligne Glenn D. Lowry dans sa contribution, cette image est cependant réductrice de ce qu’est réellement le MoMa, dépassant ces clivages chronologiques pour faire sans cesse d’autres propositions notamment celles de galeries ouvertes aux juxtapositions et aux accrochages pluridisciplinaires, comme on le constate d’ailleurs aujourd’hui de plus en plus également lors d’expositions internationales. À partir de ces collections enrichies année après année, le choix est fait de privilégier des manifestations multiples d’une esthétique moderne appréhendées sous l’angle de différentes disciplines, chacune valorisant les autres par ces rapprochements. La présente exposition « Être moderne, le MoMa à Paris » à la Fondation Louis Vuitton se veut un exemple de ces mises en rapport éclairées avec justesse par son catalogue, chacune des œuvres exposées étant reproduite dans celui-ci selon l’ordre d’acquisition et faisant l’objet d’une étude détaillée ; un bon moyen de réfléchir non seulement à l’évolution d’une des collections les plus prestigieuses de l’art moderne mais également à l’art en tant que tel en ce début de XXIe s.

POP ART - Icons That Matter. 160 pages – illustrations couleurs, éditions Culturespaces -Fonds Mercator, 2017.

En complément de l’exposition Pop Art – Icons That Matter- Collection de Whitney Museum of American Art, actuellement installée au musée Maillol, les éditions Culturespaces – Fonds Mercator proposent un catalogue détaillant cette collection réputée internationalement. « Fondée par la célèbre mécène Gertrude Vanderbit Whitney (1875/1942) et voulue comme un « musée d’artistes », l’institution éponyme a vu le jour dans un atelier. Visionnaire et sculptrice, Madame Whitney soutien dès 1907 les artistes américains de son époque et les fédère en une véritable communauté : elle les expose dans son « studio » et multiplie les acquisitions. Après l’ouverture de son musée en 1931, sa collection ne cessera de s’enrichir, grâce à des legs d’artistes comme Edward Hopper ou aux dons de généreux collectionneurs et philanthropes. Aujourd’hui, la collection du Whitney Museum compte environ 23000 œuvres, de quelque 3300 artistes. » ainsi que le rappelle le catalogue qui détaille les œuvres emblématiques, comme celles un peu moins connues, exposées au musée Maillol. L’histoire de la collection du musée - qui au début de cette aventure n’en n’était pas un - s’est étirée sur une période de deux décennies de 1907 à 1930. De belles photographies en noir et blanc montrent l’atelier de Gertrude, son studio, les premières expositions, le Whitney Museum au 22 West 54th street en 1954 ainsi qu’en 1962. « Par nature, (la collection) n’a jamais été complète et ne pourra jamais l’être. (Mme Withney) souhaitait qu’elle soit pensée comme un organisme qui grandirait comme nous-mêmes nous grandissons. Et c’est ce qu’elle fait. Le Withney continue d’être démocratique dans son esprit, pluraliste dans son goût, toujours audacieux et déterminé à acquérir ce qui se fait de mieux aujourd’hui. »
Et depuis le début de ce mouvement né au milieu des années 50, il s’est répandu dans différents pays jusque « dans la France de De Gaulle, où les milieux intellectuels sont fortement marqués par les courants communistes et le débat sur la réception des théories marxistes puis maoïstes les reproches faits au Pop-Art prennent place dans un contexte politique et culturel différent qui marque un nouveau chapitre dans les relations franco-américaines par rapport à l’immédiat après-guerre… Beaucoup d’artistes de la contestation, en Europe et en France notamment, utilisent les détournements de l’image propre à l’esthétique pop pour créer des œuvres engagées politiquement mais se tiennent à distance du mouvement américain.. » Dans les années 60 un grand nombre d’artistes se revendiquent du Pop art et se côtoient dans les galeries parisiennes ou New-yorkaises comme Arman, Jim Dime, Christo, Roy Lichtenstein, Raymond Hains, Claes Oldenburg, Yves Klein, James Rosenquist, Mimmo Rotella, Georges Segal, Martial Raysse, Tom Wesselmann, Daniel Spoerri et Andy Warhol… Certains de ces artistes sont remarqués dans les grandes manifestations comme Robert Rauschenberg à la Biennale de Venise en 1964, une histoire du mouvement Pop-Art retracée par Annabelle Ténèze. Dans la dernière partie du catalogue, chacun des 24 artistes est présenté par un article le replaçant dans le mouvement du Pop-Art, mettant ainsi sa démarche artistique en évidence. Le livre permet ainsi d’apprécier les 65 œuvres exposées grâce à la qualité des photos qui en restituent toutes les nuances et différentes techniques employées (sérigraphies, toiles, installations ou photographies) telle la série de photos d’Harold Edgerton ou les installations de Claes Oldenburg. Complété par un index et une bibliographie, ce livre est un bel exposé de ce mouvement dont l’art et la publicité tirent encore une certaine inspiration, un moyen d’anticiper ou de revivre cet événement parisien qui rassemble autant d’œuvres que de talents, habituellement dispersés aux quatre coins du monde, partagés entre musées et collections privées.
 

Sylvie Génot-Molinaro

William Faulkner « Nouvelles » trad. de l'anglais (États-Unis) par Jules Bréant, Louise Bréant, Maurice-Edgar Coindreau, Didier Coupaye, Renée Gibelin, Michel Gresset, François Pitavy, René-Noël Raimbault, Henri Thomas, Ch.-P. Vorce et Céline Zins et révisé par François Pitavy. Édition de François Pitavy, Bibliothèque de la Pléiade, n° 620, 1824 pages, rel. Peau, 105 x 170 mm, Gallimard, 2017.

Michel Foucault Œuvres Tome I Édition publiée sous la direction de Frédéric Gros avec la collaboration de Jean-François Bert, Daniel Defert, Francois Delaporte et Philippe Sabot, Bibliothèque de la Pléiade, n° 607 1712 pages, rel. Peau, 105 x 170 mm ; Tome II Édition publiée sous la direction de Frédéric Gros avec la collaboration de Philippe Chevallier, Daniel Defert, Bernard Harcourt, Martin Rueff et Michel Senellart, Bibliothèque de la Pléiade, n° 608 1792 pages, rel. Peau, 105 x 170 mm, Gallimard, 2015.

Lucien Jerphagnon « L’au-delà de tout » préface du cardinal Poupard, Collection Bouquins, Robert Laffont, 2017.

Six ans déjà que Lucien Jerphagnon nous a quittés, et pourtant son sourire malicieux et son regard pétillant semblent encore si présents ! Ce grand spécialiste de la philosophie antique et médiévale aimait à se présenter comme un historien de la philosophie, et non en philosophe, n’ayant pas de « jerphagnonisme » à proposer comme il le rappelait d’un clin d’œil complice. Né en 1921, Plotin et saint Augustin, entre autres, n’avaient aucun secret pour lui. La collection Bouquins, après le premier volume Les Armes et les Mots réunissant les titres les plus connus de l’auteur vient de lui consacrer un deuxième volume intitulé « L’au-delà de tout » et réunissant des titres méconnus s’inscrivant dans la période 1955-1962. C’est la pensée intime d’un esprit à la fois jaillissant et secret qui se révèle au fil de ces pages à la saveur incomparable. Ainsi que le rappelle le cardinal Poupard qui signe la préface de ce fort volume, si la pensée et les convictions spirituelles de Jerphagnon ont pu évoluer au cours de son riche parcours, il demeure certaines convictions de fond, immuables, et que résume à elle seule, de manière évocatrice, la phrase d’André Malraux mise en exergue par Jerphagnon lui-même de son essai « Le Mal et l’Existence » : « Tous les grains pourrissent d’abord, mais il y a ceux qui germent… Un monde sans espoir est irrespirable. » André Malraux, L’Espoir, ouvrage qui ouvre aujourd’hui ce recueil. 
Le thème du mal et de la souffrance qu’il engendre est récurrent depuis l’aube de l’humanité croyante, et bien souvent un argument avancé pour critiquer l’idée même de transcendance. Si Dieu est amour, comment peut-il accepter que sa création subisse le mal ? Plutôt que de partir de cette traditionnelle opposition amour / mal, Lucien Jerphagnon souligne combien il s’agit là d’un mystère qui ne saurait être réduit à une « explication » rationnelle, mais à une interrogation sur la propension de l’homme à se diviser. L’auteur développe le fameux exemple de Job dans la Bible, comme l’illustration de l’impuissance de l’homme à comprendre les maux qui peuvent s’abattre sur lui, des épreuves souvent initiatiques qui invitent à un rapprochement de la source transcendante, au lieu de l’en éloigner, ce qui arrive parfois. Prolongeant sa réflexion sur le mal, Lucien Jerphagnon étend son analyse notamment au philosophe Pascal auquel il consacrera un premier essai « Pascal et la souffrance », complété par un autre titre « Pascal », et enfin « Le Caractère de Pascal », chacun de ces ouvrages explorant la position philosophique de celui qui estimait que l’homme est inévitablement malheureux en raison de sa nature même mue par un mécanisme absurde le poussant à être inconstant et misérable. Seule la rencontre du Crucifié, le Dieu humilié, peut confondre le mal et réduire à néant les misères de l’homme. La lecture de ces essais ne peut être dissociée de cette période bien particulière de l’auteur – longtemps tue et ignorée du public, période durant laquelle il fut ordonné prêtre en 1950 avant de quitter les ordres dix ans plus tard, une parenthèse de vie sur laquelle il garda un silence absolu. Ce deuxième recueil démontre, s’il en était encore besoin, que l’on a encore beaucoup à apprendre sur et de ce grand maître, Lucien Jerphagnon.

Philippe-Emmanuel Krautter

(à lire notre interview

de Lucien Jerphagnon)

Baudouin de Bodinat : « Au fond de la couche gazeuse ; 2011-2015 », Editions Fario.

« Au fond de la couche gazeuse ; 2011-2015 », le dernier ouvrage de Baudouin de Bodinat paru aux éditions Fario qui fait suite à « La Vie sur Terre » (T. 1 & 2, Ed. de l’Encyclopédie des nuisances) est un livre lumineux à l’écriture implacable dont la lecture, certes exigeante, ne pourra laisser le lecteur indifférent. C’est, en effet, un regard lucide que pose l’auteur sur le monde « comme il va ». Désastres écologiques, pollution de l’air et des mers, effets dévastateurs méconnus ou volontiers ignorés du numérique, des nanotechnologies, etc. rien n’échappe vraiment à Baudouin de Bodinat. L’auteur n’a de cesse, non de dénoncer, mais bien de penser. Ne posant ni jugements, ni procès, il mène une inlassable réflexion comme d’autres respirent ; une pensée comme quelque chose de vital, dans ce monde où la pollution lumineuse laisse l’homme moderne s’engloutir dans un somnambulisme numérique d’où la mémoire de la voie lactée et de l’homme lui-même se perdent sans bruit. Dans cette vaste réflexion menée sur plusieurs années, il s’interroge notamment sur l’abîme qui se glisse inexorablement entre l’intelligence émotionnelle et le numérique, le partage de la prétendue intelligence des Smartphones dans ce monde panoptique ou encore sur ce temps numérique « en simultanéité planétaire, dans ce présent stationnaire où l’histoire est rentrée en phase gazeuse (un gaz explosif) ; qui substitue ainsi à la durée psychique de la rotation des aiguilles (en analogie à la course du soleil, à la succession des jours et des nuits) sa chronométrie d’instants égrenés au compteur du processus en cours, où nous n’importons pas avec nos allées et venues… »
Baudouin de Bodinat ne se complait cependant pas dans un pur et sombre pessimisme, mais propose, dans une langue ciselée, une prise de conscience, un avertissement, « une expansion de la conscience, qui puisse la nourrir et l’accroître, étendre ses perspicacités dans les choses d’où dépend la conduite de la vie », souligne-t-il à propos des livres « papiers ». Laisser encore un peu de place à la pensée, à l’imagination, aux fantasmagories qui font le temps et les mystères de la vie. Enrayer cette vaine course folle à la performance et au « toujours plus ». Il y a chez lui comme une volonté de conjuration face au sort de ce monde dévasté. Comme Eugène Atget, à qui il a consacré un petit ouvrage (éd. Fario 2014 ; notre chronique), il capture par son écriture les dernières images d’un monde qui s’éteint, et se souvient d’une rangée de haricots, des pois de senteur, ou de la valeur d’un livre papier tenu entre les mains comme un éveil des sens ; « certains matins la beauté inaugurale du ciel s’illuminant au levant infuse l’âme tout entière, et profondément alors nous accorde à notre partie terrestre » écrit-il. Et de son regard, comme par la lucarne d’un téléobjectif, il nous décrit ce monde déjà présent qui nous apparaît à tort comme l’impensable ; une cartographie de cet indéniable saccage qualifié étrangement d’inimaginable. Sa pensée n’est pas éloignée d’autres philosophes engagés tel que Miguel Benasayag dont les écrits, dans une tonalité certes différente, avertissent des mêmes dérapages et dangers imminents. Perdre de vue la terre et tout ce qui fait l’homme. Car si l’humanité du XXe siècle fut la première à aller, certes, sur la lune, mais aussi à acquérir la capacité de s’autodétruire, elle est surtout, en ce début de XXIe siècle, la première à ne plus savoir comment arrêter ce compte à rebours d’un suicide généralisé et autoprogrammé.
Un ouvrage qui interroge, interpelle et rappelle combien il est nécessaire et urgent pour l’homme d’aujourd’hui de ne plus se vouloir aveugle et de regarder « au fond de la couche gazeuse », en se souvenant que la « chose qui surprend les astronautes […] – souligne Baudouin de Bodinat - c’est la minceur de la couche d’atmosphère entourant notre globe ; la ténuité de cette enveloppe gazeuse autorisant la vie en bas, la respiration de la nature ensoleillée en rotation dans l’obscurité intersidérale ; l’existence de ces milliards d’humains s’activant sans relâche dans leurs villes énormes, leurs fumées, leurs radiations. »

Elisabeth de Fontenay « La prière d’Esther » Seuil, 2014.

Élisabeth de Fontenay signe avec La prière d’Esther un livre très personnel, à mi-chemin entre l’évocation cathartique et la digression savante invitant pour ce faire l’Ancien Testament, Racine ou encore Proust à ces conversations intimes. La philosophe incite à ouvrir la Bible, celle de Sacy de préférence pour son admirable traduction qui nous transporte à Port-Royal et à sa sobre élégance, afin d’y relire la mémorable prière d’Esther, personnage éponyme du livre de l’Ancien Testament. La prière d’Esther, épouse du roi de Perse Assuérus et originaire de Judée, débute ainsi :

O roi, si j'ai trouvé grâce devant vos yeux, je vous conjure de m'accorder, s'il vous plaît, ma propre vie pour laquelle je vous prie, et celle de mon peuple pour lequel je vous supplie. Car nous avons été livrés, moi et mon peuple, pour être foulés aux pieds, pour être égorgés et exterminés. Et plût à Dieu qu'on nous vendît au moins, hommes et femmes, comme des esclaves ! ce mal serait supportable, et je me contenterais de gémir dans le silence ; mais maintenant nous avons un ennemi dont la cruauté retombe sur le roi.

Racine reprit dans sa tragédie Esther, en écho cette antique supplique commémorée chaque année lors de la fête de Pourim, et dont les premiers vers commencent ainsi :

Ô mon souverain Roi !
Me voici donc tremblante et seule devant toi.
Mon père mille fois m’a dit dans mon enfance
Qu’avec nous tu juras une sainte alliance,
Quand pour te faire un peuple agréable à tes yeux,
Il plut à ton amour de choisir nos aïeux.
Même tu leur promis de ta bouche sacrée,
Une postérité d'éternelle durée.
Hélas ! ce peuple ingrat a méprisé ta loi.
La nation chérie a violé sa foi.
Elle a répudié son époux, et son père,
Pour rendre à d'autres dieux un honneur adultère.
Maintenant elle sert sous un maître étranger.
Mais c'est peu d'être esclave, on la veut égorger.

Élisabeth de Fontenay a dès son plus jeune âge retenu par cœur cette prière, dans laquelle elle se réfugiait inconsciemment avant d’apprendre le terrible secret de famille : élevée dans la religion catholique afin de la protéger de la barbarie nazie, une grande partie de sa famille maternelle fut exterminée dans les camps de la mort. Petite, Élisabeth de Fontenay s’est identifiée à cette prière, jusqu’à la savoir par cœur, tout en « ignorant » qu’elle était issue de cette antique lignée célébrée dans la prière. Les raccourcis sont toujours rapides lorsqu’il s’agit de rechercher là son attachement avec les sans-voix que l’on mène chaque jour à l’abattoir, la philosophe est prudente et nous comprendrons mieux pour quelles raisons en découvrant cet essai inspirant à plus d’un titre. Le premier d’entre eux vient très certainement de cette idée évoquée par Walter Benjamin selon laquelle « entre les générations passées et la nôtre existe un rendez-vous mystérieux ». Ces instants de rencontre se font souvent à l’insu des protagonistes comme le démontre cette prière venue de la plus ancienne Histoire biblique aux oreilles d’une jeune enfant pourtant bercée par le rite catholique romain. Et cette fulguration, comme le rappelle la philosophie, a choisi un intermédiaire de choix en la personne de Racine. Ce n’est en effet pas par le texte biblique directement, mais par son heureuse variation léguée par le théâtre racinien que la jeune fille put en fin de compte cristalliser ce message par une anamnèse irréversible. Qu’allait-elle en faire cependant ? L’ensemble de l’œuvre d’Élisabeth de Fontenay en est en quelque sorte la réponse et cet essai, cette forte « prière d’Esther » en donne en filigrane une belle démonstration. L’intellectuelle, par-delà la mémoire particulière, est consciente des risques que font courir les enjambements temporels comme elle les nomme, ainsi que la continuité à travers les temps. Aussi, se garde-t-elle des généralisations qui réduisent et ouvrent les voies aux faux prophètes. Nous la suivrons alors dans ces habiles sinuosités d’un texte dont les multiples traductions sont autant de témoins convoqués à cette brillante conversation avec elle-même, et avec ses lecteurs…

Miguel Benasayag avec la collaboration d’Angélique del Rey : « Clinique du mal-être ; la psy face aux nouvelles souffrances psychiques », Editions La Découverte, 2015.

Après le livre La fragilité réédité en 2014, Miguel Benasayag avec la collaboration d’Angélique del Rey propose avec ce dernier ouvrage Clinique du mal-être de nouvelles réflexions sur les souffrances de l’homme moderne, mais ici confrontées à la psychanalyse, psychiatrie, et autres pratiques de psychothérapie, ou dit plus rapidement face au monde de la psy selon le titre de l’ouvrage. Comme à son habitude, Miguel Benasayag – philosophe et psychanalyste - ne prend ni détours ni gants pour dresser un bilan et les défis que doit aujourd’hui relever la psy face aux nouvelles souffrances psychologiques. Pour ce faire, l’auteur expose, en premier lieu, la solitude profonde qui touche l’homme et les femmes, mais aussi les enfants et ados dans notre monde occidental contemporain. Or, s’il existe bien une solitude existentielle inévitable propre à la condition humaine, à la condition d’être vivant limité, pour le psychanalyste Miguel Benasayag, l’homme moderne se cogne cependant aujourd’hui à une solitude ontologique. Les auteurs soulignent combien les liens qui structurent l’être sont de nos jours brisés voire absents, faussement remplacés par des liens ou réseaux toujours plus factices, oubliant ainsi la question de la séparation, et laissant l’homme moderne, seul, coupé de tout, de tous, et en premier lieu de lui-même ; Or, cette solitude ontologique est productrice de souffrances originales au sens où elle engendre l’impuissance. L’agir est en effet profondément attaché à nos liens éprouvés avec le monde, avec l’étendue de notre surface d’affection […] souligne l’auteur qui s’inscrit dans la lignée de la psychiatrie et des psychothérapies alternatives ; or, pour répondre à cette souffrance, l’homme moderne est de plus en plus conduit à choisir une adaptation excessive, une mobilité intérieure, qui ne peut entraîner malheureusement qu’une détérioration de sa propre intériorité aggravant ainsi ses maux psychologiques. Bien plus, note encore Miguel Benasayag, la souffrance de l’homme moderne est elle-même dénoncée comme déviance, déviance bien vite récupérée et prise en charge par le corps médical ; une médicalisation et médication conduisant à une désubjectivation de la souffrance engendrant ainsi encore une plus grande souffrance.
La psy se doit donc de répondre à ces nouvelles afflictions psychiques de l’homme du XXIe siècle qui se traduisent par de nouvelles demandes. Car, aujourd’hui, ce ne sont plus les classiques interrogations, Pourquoi je souffre ? D’où vient cette souffrance ?, qui sont posées au psy, mais comment recoller, comment être performant, réparer ? … comme on répare ou booste un moteur ! Car l’homme, la femme, l’ado sont bien perçus aujourd’hui – et se perçoivent – comme un pur mécanisme ou agrégat qu’il suffirait de démonter et de remonter dans le sens souhaité. Il y a, souligne Miguel Benasayag, une déconstruction, désintégration de l’intériorité de l’homme, ce dernier étant devenu – avec plus ou moins de complicité – toujours plus transparent et panoptique. Dépliant avec délectation, il est vrai, à l’aide de son smartphone, son appareil photo ou autres, sa vie, ses plaisirs et son propre divan, à tout moment et en tous lieux… Plus de plis pour reprendre Deleuze, plus de jardin secret, mais bien un dépliement quotidien de l’homme moderne. Face à ces nouvelles souffrances, nouvelles demandes, c’est à une véritable obligation de résultat à laquelle sont confrontés les psychiatres, psychanalystes et cliniciens. La vie de l’individu est devenue de plus en plus une stricte petite affaire personnelle n’aspirant plus qu’à trouver de pures techniques de bien-être sur la table de chevet du divan… Néanmoins, Miguel Benasayag, s’appuyant sur ses nombreuses années de pratique, n’entend pas pour autant dédouaner la psychanalyse ; selon lui, cette dernière avec ses querelles de clocher, ses dogmes, a raté également bien des rendez-vous, et notamment celui essentiel de sa dimension de recherches et de questionnements, et au lieu de participer - souligne-t-il - à la déconstruction de la figure de l’homme moderne, comme son origine pourtant l’y destinait, la psychanalyse se mit alors rapidement – ou disons cycliquement (elle finissait toujours par revenir à ce geste de restauration) – à fabriquer de l’individu. Et si la psychanalyse, par tradition, a trop tendance à recentrer l’individu sur son petit moi, les autres psychothérapies ont, quant à elles, en revanche, trop vite fait de le disloquer, le diluer dans des techniques qui lui demeurent trop souvent extérieures voire exotiques.
Or, pour l’auteur, le défi essentiel de la psychanalyse aujourd’hui est de remettre l’homme moderne, ni au centre ni à l’autre bout du monde, mais bien en situation, l’amener à reconsidérer ses souffrances eu égard à l’imbrication des circonstances, une mise en perspective tant individuelle que sociétale ou idéologique. C’est cette imbrication situationnelle, et non dislocation ou autocentrage de l’individu, que doivent rechercher en commun tant l’analyste que le patient dans une ouverture de non-savoir, de non-déterminisme ou quadrillage préétabli. Du ça m’arrive vers la compréhension du ça arrive… souligne l’auteur. Aborder, ou plus exactement accueillir la thérapie avec notamment un temps multidimensionnel et une recontextualisation permettant à l’analyse d’être pleinement situationnelle. Dans une approche spinoziste, se plaçant sur une connaissance du second genre, ce n’est plus un Connais-toi toi-même stricto-perso que préconise le philosophe et psychanalyste Miguel Benasayag, mais bien un Connais-toi dans ce monde et connais comment le monde se manifeste à toi. Pour l’auteur de Connaître, c’est agir (La Découverte 2006), l’analyse situationnelle doit amener le patient et l’analyste à appréhender – ensemble - les possibles concrets pour un agir tout aussi concret. Dépasser le narcissisme, tendre vers une « désidentification » des rôles sclérosés et sclérosants pour mieux connaître cette géographie intérieure (avec ses failles, son corps, ses ruses pour refouler sa propre négativité…) n’excluant ni réalité psychique ni extérieure, mais entendre ce qui cogne et ne demande qu’à déborder et happer chacun de nous. Ma vie ce n’est pas moi, souligne le philosophe et psychanalyste, telle est sans doute la conclusion à laquelle on arrive quand on se laisse capturer par les traits de singularité qui nous traversent. Plus je m’oublie, plus j’existe, car le moi est la prison de la vie. La thérapie situationnelle a précisément comme objectif d’aider cet « oubli » comme on permet à la porte de la cellule de s’ouvrir. Cet ouvrage captivant et stimulant, qui invite à un autre regard sur la thérapie, l’analyste et le patient, ne saurait être réservé aux seuls professionnels, mais captivera toute personne s’interrogeant sur l’humain, sur ce qui le traverse, sur la vie.

“The Unfinished Palazzo: Life, Love and Art in Venice” by Judith Mackrell, Thames & Hudson, 2018.

Dans le même esprit que son précédent ouvrage « Flappers: Six Women of a Dangerous Generation », Judith Mackrell a retenu pour son dernier livre “The Unfinished Palazzo”, un lieu ayant réuni à lui seul le destin de trois femmes hors du commun, trois femmes ayant laissé leur nom dans l’histoire du XXe siècle pour leur esprit de liberté et leur singularité extrême : la marquise Luisa Casati, Doris Castlerosse et Peggy Guggenheim, trois vies liées à ce Palazzo dei Leoni de Venise, bordant le Grand Canal et curieusement jamais achevé. Projeté au XVIIIe siècle par la famille Venier, ce bâtiment devait s’inspirer des deux architectes Palladio et Longhena mais des difficultés matérielles obligèrent à laisser la construction, une première fois, inachevée. Luisa Casati s’en portera acquéreur au début du XXe siècle et fit de ce lieu un endroit mémorable notamment pour ses soirées extraordinaires et souvent excentriques… mais ne put, elle-même en achever la construction. La muse de Gabriele d'Annunzio ne reculait pourtant devant rien pour faire de sa vie une véritable œuvre d’art.

Sébastien Gokalp : « Béatrice Casadesus », Editions ides et Calendes, Coll. Polychrome, 2017.

Un ouvrage agréablement vif et instructif pour appréhender en une centaine de pages l’œuvre picturale de Béatrice Casadesus. Signé Sébastien Gokap, spécialiste d’Art moderne et contemporain, commissaire d’expositions, on y découvre le parcours de l’artiste, de ses influences jusqu’à nos jours en 2017. Servi d’une riche iconographie, ce livre fait défiler les œuvres reconnaissables et à nulles autres pareilles de Béatrice Casadesus, on songe à « Vibration Or » (2013), à « Heure tranquille » (2013). Se servant de bullpack (ce papier d’emballage à bulles qu’affectionnent particulièrement les enfants) avant même le pinceau qu’elle dédaignera en début de carrière, l’artiste joue avant tout sur la lumière, plus encore que sur les couleurs. Par le bullpack, le résultat du travail pensé et réalisé par l’artiste relève toujours de l’aléatoire ou de l’inattendu. Bien sûr, le point et les nombreuses théories artistiques élaborées sur ce thème, on pense à Kandinsky et à ses cours au Bauhaus, sont incontournables pour appréhender son œuvre, mais si son influence majeure de jeunesse demeure Seurat (dont elle réalisera de nombreuses copies et variations), Casadesus a surtout été inspirée par l’Extrême Orient, notamment la peinture chinoise du XVIIIe siècle avec ses traités anciens sur l’esthétique extrême-orientale ; une influence qui s’ancre toujours plus pour l’artiste dans une quête spirituelle puisant tant dans cet Extrême-Orient que dans l’art chrétien, celui de la Renaissance italienne notamment, avec des toiles telle que « Psaume » - 2008. Car si dans ses œuvres hasard et imprévus trouvent leur place, c’est avant tout un travail minutieux et de discipline qui s’impose au rythme des superpositions, selon le grain choisi de la toile, venant atténuer, lisser ou souligner pour obtenir l’effet souhaité notamment de moirage. Intissés, peintures en rouleaux, papiers voilés, son œuvre, délaissant cadre et sujet, a interpellé de nombreux écrivains ou intellectuels, un dialogue littéraire ou philosophique que l’artiste apprécie et encourage volontiers. Points ronds ou carrés, alvéoles d’abeilles (« Jaune de chrome »), tissages (« India »-2015), pluie ou ruissellements (Série « Pluie d’or »- 2016 ou « Ruissellement »- 2015), les rendus des toiles de Béatrice Casadesus avec leurs couleurs d’eau ou plus vives mais toujours indéfinissables sont infinis, « Un face-à-face avec l’infini » cher à cette artiste trop peu exposée. La sérénité profonde de l’œuvre de Béatrice Casadesus dans notre époque troublée où, ainsi que le souligne Sébastien Gokalp , « sa singularité et sa force édénique n’en sont que plus essentielles » ne lasse jamais de surprendre et d’émerveiller comme cette toile intitulée « Infinito » datée de 2017…

L.B.K.

Florian Rodari : « Pierre Tal Coat», Editions Domaine de Kerguéhennec, 2017.
 

Il manquait une biographie informée et récente consacrée au peintre Tal Coat (1905/1985) ; cette lacune est avec justesse réparée avec la parution aux éditions du Domaine de Kerguéhennec d’une biographie signée Florian Rodari et intitulée « Pierre Tal Coat ». Un nom que l’artiste adopta dès 1926 pour se distinguer du peintre également breton, Max Jacob, et signifiant en langue bretonne « front de bois ». A celui-ci, le biographe fait le choix d’y ajouter – chose plus rare – le prénom de l’artiste, « Pierre », disant ainsi d’emblée toute la force de cet artiste qui ne voulut jamais se couper, s’extraire de la nature, « le monde », tel qu’il aimait à le dire et qu’il arpentera et peindra toute sa vie. Biographie soigneusement travaillée dans laquelle s’intercalent de nombreuses reproductions et un album de photographies, l’auteur, Florian Rodari, a opté pour une approche chronologique mettant en évidence les grands étapes et tournants marquant l’œuvre de Tal Coat, ce petit breton né dans une famille extrêmement modeste, orphelin très jeune de père, qui décida dès 13 ans de devenir peintre et viendra tout jeune à Paris. Là, il y rencontrera sa première femme, des peintres et galeristes qui très tôt l’accueilleront et lui porteront reconnaissance. Mais la vie, qui plus est la vie d’un peintre tel que Tal Coat, n’est pas aussi rectiligne… et c’est dans un style au ton juste et avec beaucoup de pudeur que Florian Rodari aborde chapitre après chapitre la traversée terrestre de ce géant qui jeune encore s’était passionné pour C.G. Jung qu’il n’avait cependant pu rencontrer bien que se rendant à Bâle tout exprès… On peut se demander si Tal Coat, travaillant sans relâche toute sa vie durant, questionnant pierres, carrières, arbres, l’eau et les champs, les pigments et les liants, dans « un travail acharné, silencieux et solitaire », écrit Florian Rodari, n’a pas cherché cette individuation si chère au psychanalyste suisse ?... Mais qu’importe, laissons plutôt la parole au biographe : « Peu à peu, cependant, Tal Coat s’impose comme l’un des rares peintres de sa génération, aux côtés de Giacometti, capables de tracer une voie vraiment neuve à la représentation réaliste ». Tal Coat n’aura alors de cesse de voyager, peindre, bouger, peintre toujours et encore, rejoignant, plongeant dans cette nature qu’il fait sienne et avec laquelle il communie cherchant moins la couleur que cette lumière qui lui sera propre, cette densité de la transparence. En 1936, évoquant la guerre d’Espagne et « sa propre vie », ainsi qu’il le dira, le peintre entame sa série intitulée « Massacres » qui ne sera pas toujours comprise, mais qui lui vaudra cette notoriété qui perdure aujourd’hui. Puis, ce sera les années d’Aix-en-Provence de 1941 à 1956, un tournant essentiel dans l’œuvre du peintre ; mais, alors même que Paris lui offre reconnaissance et succès, Toal Coat, plus solitaire que jamais, se retire… « Rochers », « Arbres et rochers », eau, cascades prennent alors toute leur force dans la série « Profils sous l’eau » et autres toiles, largement illustrées dans l’ouvrage en de nombreuses pleines pages. C’est une nature dans toute sa fragilité que le peintre saura rendre avec une rare sensibilité, on songe notamment aux toiles « Faille dans les rochers » (1949, 1950). À partir de cette période, écrit Florian Rodari, « En tant que peintre, Tal Coat se sent pleinement libre désormais ; Il suit sa voie sans faillir, en solitaire, rien ne pourra l’en faire dévier, ni les incompréhensions de ses proches qui ne parviennent pas le suivre, ni ses propres doutes qu’il surmonte et intègre à sa démarche ». Galeries et expositions internationales s’enchaîneront alors parallèlement à cette liberté qui le conduira à cette frontière qu’il sut si bien décrire en 1968 dans la célèbre revue L’Éphémère :

« L’espace et la lumière sont un
Ainsi tout flotte et dérive lentement
et la lumière et l’ombre
et toutes choses en cette lumière et cette ombre… »

Florian Rodari retrace ainsi dans un style sobre, soigné et avec beaucoup de pudeur, laissant la place d’honneur à l’œuvre, la ligne de vie de Tal Coat dans cette courbure des champs qu’il aimait tant, de sa jeunesse à ses années de maturité émaillées de nombreuses rencontres et amitiés avec d’autres peintres, écrivains et poètes, de sa reconnaissance jusqu’à sa disparition en 1985. Un essai biographique qui vient compléter à merveille les nombreuses autres publications parues en 2017 - monographies (éditions Somogy) ou entretiens (édition de L’Atelier contemporain) - dédiées à ce grand artiste breton que fut Tal Coat.

L.B.K.

Pierre Buraglio : « Notes discontinues », Editions L’Atelier contemporain, 2017.

« Notes discontinues » de Pierre Buraglio est un ouvrage à l’étrange attrait, une fascination tout empreinte d’une subjectivité partagée par l’auteur, l’artiste et le lecteur… Un jeu de miroir de lecture et d’écriture se démultiplie entre les œuvres regardées, lues par Pierre Buraglio et ses notes, et celles du lecteur pris dans les filets de cette lecture qui se veut active, appliquée et impliquée. Pierre Buraglio, né en 1939, artiste plasticien à la notoriété aujourd’hui bien établie, professeur à l’ENSBA jusqu’en 1997, a en effet depuis sa jeunesse entretenu avec la lecture des liens intimes au tissage serré fait de citations, de prises de notes et de commentaires s’intercalant ou plutôt s’immisçant, et dans laquelle le crayon, la main qui recopie, note, et souligne, devient plus qu’une mise en œuvre de la lecture, mais bien une mise en perspective s’étirant dans le temps, hors du temps. Et c’est justement crayon à la main que les éditions L’Atelier contemporain nous offrent aujourd’hui de lire ces « Notes discontinues » de Pierre Buraglio, « Écrites entre 2005- 2007, avec des textes retrouvés, moins ceux momentanément égarés ». Assemblages, montages, reliant l’hétérogénéité à la discontinuité, et révélant une manière de voir, de faire, dévoilant aussi « une manière d’être » celle d’un artiste plasticien et un peu de l’homme…
L’ouvrage s’ouvre par des notes consacrées à Chardin longtemps éparses mais réunies par leur auteur à l’été 1999. Il se referme sur un petit texte presque intime à l’adresse de Pierre Wat (et du lecteur) avec des mots choisis : « [Déceptif] Ce mot (sur la ligne de crête) que tu as utilisé à propos de mon travail m’émeut et me maintient dans une longue songerie. » ; Pierre Wat, professeur d’université, historien et critique d’art, qui signe aussi la préface de l’ouvrage, et dont on trouvera glissé dans ces pages un long et riche entretien empreint de connivence avec Pierre Buraglio, parallèlement à ceux de Sébastien Gokalp ou d’Amélie Adamo. On y découvre, au gré de ses digressions qui se veulent ouvertes et d’une subtile légèreté, les liens qui rattachent l’artiste à la peinture et au monde ; « J’ouvre des tiroirs … mais, je ne les referme pas. », dira-t-il.
« Notes discontinues », ce sont également des analyses sur Nicolas Poussin, réunies en 2002, sous cet énigmatique titre : « Le pêcheur à la ligne » Regarder, voir ; Il faut, note Pierre Buraglio, voir à la loupe et entendre les cris du « Massacre des Innocents ». C’est l’artiste, le praticien et l’homme tour à tour et ensemble qui en ces lignes s’écrivent. L’auteur réalisera lui-même sur ce thème plusieurs dessins (crayon et gouache sur papier 1991 – reproduit) ou peintures, et qui, il y a peu de temps encore, avaient place au Jeu de Paume à Chantilly aux côtés de la célèbre toile du Maître.
À Nicolas Poussin s’ajouteront ces autres notes consacrées à Eugène Delacroix, un Delacroix pour une fois religieux, autour de son « Christ en croix », et puis bien d’autres peintres parfois amis - Kenneth Yeung, Simon Hantaï…, des lectures, écrivains, poètes, des amis encore, des rencontres, évènements ou occasions et même un fax… Toutes choses, notes, pensées et analyses qui nous entraînent par un délicieux coup de crayon signé Pierre Buraglio dans les perceptions intimes, subjectives et singulières de l’artiste, et par là même, dans ses œuvres et celles à venir ; ainsi que le souligne Pierre Wat, « Lire ses notes, c’est faire l’expérience d’une écriture sur laquelle plane sans cesse l’ombre portée d’œuvres à venir ».
 

L.B.K.

Bertrand Galimard Flavigny « Histoire des décorations du Moyen-Âge à nos jours » Perrin éditions, 2017.

Quel est le rapport, parfois intime, que lie l’être humain avec la reconnaissance et les honneurs en occident ? C’est à cette question - source de bien d’espoirs, d’intérêts ou parfois d’illusions- à laquelle répond avec pertinence cette passionnante étude de l’« Histoire des décorations du Moyen-Âge à nos jours » (Éd. Perrin) retracée par Bertrand Galimard Flavigny, essayiste, critique et romancier ; auteur déjà de l’Histoire de l’ordre de Malte, de Les Chevaliers de Malte, et en collaboration avec Arnaud Chaffanjon de l’Ordre & contre-ordres de chevalerie.
L’auteur poursuit, ici, avec cette somme, sa recherche sur les ordres de chevalerie, plus particulièrement celui l’ordre de Malte, en l’élargissant à une vaste échelle historique, avec notamment l’étude de la Légion d’honneur ; bien des honneurs et distinctions dont l’auteur lui-même, Chevalier de la Légion d’honneur, Chevalier de l’ordre national du Mérite, Commandeur pro Merito Melitensi de l’ordre souverain de Malte, est gratifié. Le sujet est plus profond qu’il n’y paraît tant les notions de pouvoir, d’estime, de reconnaissance et d’autorité se conjuguent dans cette matière délicate où les caricatures peuvent trop rapidement passer à côté de phénomènes de société révélateurs. C’est bien entendu cette dimension qu’a retenue l’auteur avec le sérieux qu'on lui connaît dans ses précédents ouvrages. L’idée même de récompense est ancienne, presque consubstantielle à l’homme - et dans une certaine mesure au monde animal. Très vite adoptée par les premières communautés humaines, systématisées et organisées avec un rare souci de l’efficacité dans le monde romain, la décoration trouve ainsi loin dans le temps ses racines, ainsi que le rappela avec lucidité Bonaparte au Conseil d’État : « Je défie qu’on me montre une république ancienne ou moderne dans laquelle il n’y a pas eu de distinctions. On appelle cela des “hochets”. Eh bien, c’est avec des hochets que l’on mène des hommes »…
Dans le royaume de France, on pense bien entendu à l’institution de la chevalerie, pivot essentiel de la féodalité, reposant sur un système hiérarchique d’allégeances et de reconnaissances sous la forme de dons / contre-dons : avec une allégeance inconditionnelle du vassal (imposant aide et assistance) récompensée par le don d’une terre, un fief. C’est cette structure pyramidale qui fondera la force, mais aussi la faiblesse du système, lorsqu’elle se dissociera progressivement de la tête du pouvoir – le roi – et se désagrégera en autant de pouvoirs locaux autonomes. Bertrand Galimard Flavigny rappelle l’importance de la théorie des trois ordres analysée par Georges Duby et structurant la société du Moyen-Âge et de l’Ancien Régime jusqu’à la Révolution française, une théorie trouvant ses origines dans la trifonctionnalité mise en évidence en son temps par Georges Dumézil. L’Église n’est pas écartée de ces analyses, bien au contraire, avec les nombreuses congrégations religieuses. « Une certaine idée de la récompense » comme le souligne l’auteur naît ainsi progressivement, de l’anneau d’or à l’ordre de saint Louis, tout est mis en œuvre pour asseoir cette reconnaissance essentielle aux structures de la société de ces temps. Avec la Révolution, ce sont tous les privilèges qui sont abattus… avant d’en rebâtir de nouveau… Ainsi, refleuriront rapidement des décorations révolutionnaires pour aboutir quelques années plus tard à la naissance de la fameuse Légion d’honneur, souhaitée par Bonaparte, et qui a perduré jusqu’à nos jours, comme l’analyse en détail Bertrand Galimard Flavigny dans des pages nourries d’une riche documentation et précieuses annexes. Un ouvrage, agréablement bien écrit, dont l’intérêt n’échappera ni aux historiens ni aux lecteurs avertis.
 

Gaëtan Picon : « Admirable tremblement du temps. », Essais d’Yves Bonnefoy, Agnès Callu, Francis Marmande, Philippe Sollers, Bernard Vouilloux, Editions L’Atelier contemporain, 2015.

Immense plaisir que de pouvoir relire l’Admirable tremblement du temps, ce texte de Gaëtan Picon réédité aujourd’hui aux éditions de L’Atelier contemporain et paru en 1970 aux éditions Skira. Plaisir également de découvrir que l’Atelier contemporain a fait choix pour cette réédition d’adjoindre au texte initial des textes d’Yves Bonnefoy, Agnès Callu, Philippe Sollers, Francis Marmande et Bernard Vouilloux. Des contributions datées de 2014 ou 2015, pour la majorité inédite, proposées comme un hommage à ce texte profond, d’une richesse de pensée devenue rare, et aujourd’hui d’une lecture si émouvante.
Texte émouvant, oui, comme son titre même qui n’est pas sans rappeler le tremblement de cette main de Rembrandt qu’André Malraux sut lui aussi évoquer ou convoquer. Mais est-ce un hasard ? Ces deux grandes figures du monde de l’art et du paysage culturel français de cette seconde moitié du XXe siècle ne pouvaient pas ne pas se rencontrer - Gaëtan Picon fut un proche d’André Malraux puisqu’il fut le Directeur général des Arts et des Lettres de 1959 à 1966, la mort les ravira tous deux en cette même année 1976. Émouvant aussi parce que Gaëtan Picon débute son texte justement par l’évocation de cette autre main tremblante, celle de Nicolas Poussin, celle qui peignit Le Déluge, évoquée également en son temps par Chateaubriand, pour laisser se poser, plus que se déposer, la marque du temps, du temps qui passe - « surgit » écrit Philippe Sollers - et laisse advenir le peintre à sa création. Car c’est bien ce rapport de l’artiste, de cette main, et celle du temps qui le laisse advenir à sa propre création qui interpelle Gaëtan Picon. Cette main ridée, parfois déformée par le pinceau ou la plume d’un artiste vieillissant, main tremblante de celui qui se sait mortel et qui pourtant vit encore de quelques battements et traits comme pour défier le temps, la mort et peut-être le destin lui-même pour l’œuvre seule, « cet objet devenu tableau » ; mutation, métamorphose des derniers Titien, transfusion, fusion des derniers Cézanne, du dernier Manet; c’est ce défi, cet « antidestin » qu’interpelle G. Picon et l’emmène de Poussin à Léonardo de Vinci, Monet, Corot, Turner pour mieux et encore interroger cette main de vieillard peignant Le Déluge… « Les derniers tableaux annulent ce qui précède. Ils inaugurent le temps. Ils sont les tableaux d’une naissance. » écrit Gaëtan Picon. Une naissance comme un éclat, un éclatement, une diffraction du temps et de l’instant. Attente, « tic-tac de l’horloge de la mort », silence. Picon songe alors à Delacroix, Géricault et bien sûr à L’Eglise d’Auvers de Van Gogh. Effondrement, sommets, stupeur, effroi. Mais « qui aime la mort aime le temps », rappelle-t-il avant de souligner : « Qui a perdu l’éternité se défend contre la mort par les fictions de l’immortalité » et songeant alors aux statues grecques, à ces caves athéniennes emplies de secrets antiques qu’il visita un jour avec Georges Séféris, l’auteur touche de la main, du doigt presque, comme pour la Sixtine Michel Ange l’eut peut-être voulu, « cette mort que nous ne cessons de vivre », secrète connivence. Moisissures, craquelures, patine, œuvre livrée au temps, celui de Masson, de Dubuffet, reflet de l’espace invisible chez Vélasquez et de ces mains tremblantes où le temps se mesure aussi à sa propre vie, à sa propre vision. Alors apparaissent les peintures et rouleaux chinois ou japonais, les Nabis, Bonnard, le dernier Bonnard L’amandier en fleurs où espace et temps, instantanés et déroulements se lient et se jouent dans ces pleins et ces vides. Aspiration, souffle, battements. Chirico, Max Ernst, Proust et Baudelaire, Balthus, Klee, Stendhal et Tolstoï. Puis, étrangement, le rythme s’accélère, presque une cassure ou césure, entraînant Gaëtan Picon dans cet espace-temps devenu « tourment profond », dans cette course folle où la main du vieillard qui a froid, celle de Poussin, de Rembrandt, de Rubens, et celle de l’auteur de ses admirables pages dédiées – mais est-ce surprenant ? – au poète Yves Bonnefoy, ne cessent pourtant de dire et redire l’ Admirable tremblement du temps.
 

« Le visage humain n’a jamais été peint. Voilà le vrai. Et il ne faut pas dormir aussi longtemps que nous n’aurons pas mieux regardé. Ce que l’on rejette comme page lue, message épuisé, en deçà est un au-delà encore ; nous étions passés trop vite, nous nous étions détournés trop tôt. Entre le geste et la proie, entre l’affût et la lueur subsiste la distance, s’étendent les terres de la réminiscence et du mirage. Je suis prêt à écouter les nouveaux récits du guet et du voyage. Car on ne me parle, je ne parle que dans l’insomnie du temps. »

« Manet, le secret" de Sophie Chauveau, 382 pages, Éditions S W Télémaque, 2015.

« Chaque époque est dotée par le ciel d'un artiste chargé de saisir la vie de son temps et d'en transmettre l'image précise aux époques suivantes. C'est toujours des pierres dont on a lapidé l'homme qu'est fait le piédestal de sa statue. » (Jules de Marthold)
Édouard Manet, aujourd'hui un « classique inclassable » dont les toiles appartiennent au patrimoine de tous les grands musées du monde et autres collections privées, fit les frais de cette vérité de Jules Marthold toute sa vie durant. Reconnaissable parmi tous, sa touche, sa palette, sa lumière, ses sujets nous sont si familiers... Et pourtant Manet fut en son temps décrié, incompris et même haï du pouvoir, des institutions, de l'académisme en place, des critiques et pire du public lui-même, car Manet ne peindra jamais ce que l'on voudrait voir mais il montra toujours à travers son art ce qu'il voyait. En ce milieu du XIXème siècle, il bousculait alors les codes de l'art officiel et ouvrait la voie à l'art moderne et à ses divers mouvements. André Malraux lui-même dit en 1970, 88 ans après la mort du peintre, le 30 avril 1882, que l'art moderne commença avec l'Olympia. Si on connaît peu de choses sur Manet, le livre de Sophie Chauveau dévoile quelques secrets qui firent de cet homme un des plus grands sinon le plus grand artiste de son siècle. Sa vie d'enfant entouré de ses parents et ses frères, ses espoirs et blessures de jeunesse, son court mais marquant séjour dans la marine, ses débuts d'étudiant en peinture dans l'atelier de Thomas Couture donnent quelques clés pour une meilleure compréhension, hors des banalités anecdotiques, de son œuvre. « Malheureusement l'art est lent. L'apprentissage est long, rugueux, âpre. Pénible même. Ses premières œuvres le déçoivent.... Il détruit tout ce qui ne passe pas au crible du seul critère qui lui importe : ne pas décevoir son père... Plus son œil s'affûte, plus le niveau de ses exigences s'élève et le recale à la soumission au jugement paternel... Où s'est-il forgé une si grande idée de la peinture, pourquoi a-t-il placé la barre si haut qu'il ne se juge jamais prêt à la dépasser ? Comment s'est développée chez ce jeune gandin une si excessive exigence, comment pareil amour de l'art a-t-il pris racine dans cette famille ? Autant d'énigmes qu'il n'est pas prêt de résoudre mais qui tapissent le fond de son âme... » (extrait des pages 33-34). Il y a autour de lui ses amis de jeunesse (Proust en tête de liste), son admiration pour les poètes (Baudelaire, Mallarmé ami de toujours, Verlaine n'est pas loin), ses amours interdits et leurs secrets (Suzanne et Berthe qui êtes-vous pour Edouard ?), ses engagements politiques, ses prises de position artistiques, son incommensurable besoin de reconnaissance et les systématiques refus de ses tableaux par le jury du Salon mais « Manet apprend à peindre comme Manet. Par appropriations successives. Et rejets.» Tant d'œuvres devenues les plus célèbres dans le monde et autant de censures.
Dans un contexte de grands bouleversements de société et sur fond de guerre civile prête à se mettre en marche, Manet entouré de fidèles, Renoir, Monet, Pissarro, Berthe Morisot, Degas, Nadar et tout le « clan des futurs impressionnistes » donna un véritable statut aux artistes présentant leurs toiles en créant collectivement le Salon des refusés parallèlement à l'officiel. Que de grands noms de la peinture sont en pleine création à cette époque ! Courbet, Fantin-Latour, Rousseau, Bazille, Daubigny, Corot, Constable, Turner, Whistler, Prins, Moreau, Sisley … L'histoire de ce siècle fut illustrée par les plus grandes œuvres de ces passionnés qui se réunissaient dans les cafés où se créaient les nouvelles visions artistiques mais également les positions littéraires (Baudelaire, Verlaine, Rimbaud, Hugo, Zola...) et les divergences politiques de l'époque. Tous unis autour d'Édouard Manet et de son fameux « Bain » qui le rendit définitivement célèbre et obligea le monde de l'art à accepter (en grinçant des dents) une nouvelle catégorie d'artistes se regroupant sous le nom de « naturalistes » ou « modernes ». Manet devint le peintre subversif mais à son corps défendant, il ne voulait pas être le chef de file de quelque mouvement ou école que ce soit. Manet voulait juste peindre et montrer sa peinture, il voulait vivre de son art mais un si grand nombre de joies et de déceptions entretinrent chez lui, si sensible à son environnement, un état de doute et de déprime qui ne le quittera jamais. Manet scandalisa l'académisme du moment par pratiquement toutes ses propositions artistiques. « Il souffre du scandale mais ne renie pas un cheveu du travail qu'il a déclenché » et c'est une question de vie ou de mort car : « Pas vu, il est mort, vu, on peut commencer à parler d'art. »
Nul besoin de faire l'inventaire des œuvres d'Édouard Manet ni celles de ses acolytes pour comprendre ce qui les a lié, à tout jamais, jusqu'au dernier souffle du premier d'entre eux, Baudelaire. Enfin les collectionneurs s'intéressèrent à la peinture de Manet (et à certains autres membres du groupe) et le plus célèbre d'entre tous, Durand-Ruel va en acquérir un certain nombre. Manet du haut de ses quarante ans commence à recevoir une forme de reconnaissance sonnante et trébuchante…
Dans un semblant de mieux être, Manet continuait de peindre avec des hauts et des bas et luttait contre ses propres démons, sa famille, ses amours contrariés ou transcendés, et la maladie comme une épée de Damoclès au-dessus de sa vie et de son œuvre. Jusqu'à son dernier souffle Manet pensera peinture. Il était le plus grand de son temps et « il n'y avait pas quatre artistes dans toute la France capable de peindre comme lui. » affirmait Alexandre Cabanel, peintre académique, considéré alors comme un des meilleurs classiques.
C'est une page de l'histoire de l'art passionnante écrite par Sophie Chauveau, qui se lit comme un roman et qui invite à redécouvrir les œuvres évoquées afin de ne pas oublier à quel point Manet à définitivement changé les paradigmes de la peinture, le regard des artistes et celui du public.

Pierre Bonnard "Observations sur la peinture", préface d’Alain Lévêque, introduction d’Antoine Terrasse, L’Atelier Terrasse éditions, 2015.

Les éditions L’Atelier contemporain offrent au lecteur d’entrer subrepticement dans l’atelier de la création du peintre Pierre Bonnard. Ainsi que le souligne l’écrivain Alain Lévêque dans sa préface, Bonnard demeure "l’éphémère ébloui" selon les mots du poète Baudelaire, une belle association pour commencer. Et c’est en effet en un subtil équilibre entre la joie et l’angoisse d’exister que l’œuvre du peintre ravit le regard comme l’esprit par cette fraîcheur et cette rencontre avec le monde souligne encore Alain Lévêque. Ce livre admirablement présenté fait alterner les nombreuses reproductions de l’agenda du peintre aux notes retranscrites. Pierre Bonnard y consigne ses rendez-vous non pas avec le temps de la plupart des mortels, mais avec celui de l’atelier du vivant, l’instantanéité de l’immédiat. Le petit-neveu du peintre, Antoine Terrasse, récemment disparu, offre aux lecteurs pour cet ouvrage une introduction à ces "Observations sur la peinture" titre souhaité par Bonnard à cet ensemble de notes. Ces lignes rapides comme l’esquisse évoquent tant l’état de la météo du jour que les couleurs qu’elles suscitent chez le peintre : "Violet dans le gris. Vermillon dans les ombres orangées, par un jour froid de beau temps." (7 février 1927). Antoine Terrasse rappelle combien ces instantanés préfigurent une idée de tableau, dont certains prendront vie en effet sur la toile.
La genèse des formes, les couleurs en filigrane, le dialogue des traits ébauchés anticipent l’épiphanie de la lumière. Si la transparence ou au contraire la densité de l’air importe tant au peintre dans ses notes du temps qu’il fait, c’est pour sa création qu’il s’en soucie plus que pour lui-même : "Le noir comme couleur dans les ensembles clairs" note-t-il le 17 mai 1928, "Couleur moins éclatante, teintes neutres exaltées, pour l’unité de lumière". L’artiste est néanmoins vigilant, voire angoissé, lorsqu’il souligne :"En peinture aussi la vérité est près de l’erreur" (27 octobre 1935). Plus légères, les réminiscences des émotions passées pointent au détour d’une entrée d’agenda tel le charme toujours intact pour les lignes épurées d’une tasse japonaise ou la fascination pour un dessin de Rubens…
Ces aphorismes de peintures conduiront à n’en point douter le lecteur à une intimité certaine avec le peintre, une proximité qui renouvelle le regard et tous les sens en beauté.

Bible Segond Traduction : Louis Segond 1910, 1824 pages, 15 x 21 cm, 500 g, sous coffret, éditions Bibli’O, 2018.

L’Alliance Biblique Française aux éditions Bibli’O propose de nouvelles bibles dans différentes versions et finitions. C’est le texte de la Bible Segond 1910 qui a été retenu, du nom du théologien suisse Louis Segond qui traduisit la Bible en français à partir des textes originaux hébreux et grecs, et dont l’édition fut révisée après sa mort en 1910. De nombreuses introductions et cartes replacent dans leurs contextes historiques et géographiques les textes bibliques. A noter également les index, précieux pour retrouver instantanément le passage recherché. Finition cuir et tranches or pour cette Bible qui se referme par un zip, un moyen pratique de la protéger sur le long terme. Pour marquer les grands évènements, cette Bible comprend, enfin, une idée originale, un livret de mariage et des encarts pour indiquer ses différents propriétaires, et donc sa transmission, une belle manière de renouer avec la tradition des Bibles familiales.

La Bible en français courant - Format miniature 1536 pages, 10 x 13,5 cm, 300 g éditions Bibli’O.

Les Heures Grégoriennes Latin / français / chant grégorien
3 volumes (En option : CDs mp3 permettant d’apprendre et répéter l’intégralité des pièces grégoriennes), 2ième édition.

Le coffret « Les Heures Grégoriennes » réalisé par La Communauté Saint Martin offrent pour la première fois en trois volumes un bréviaire latin-français couvrant toute l’année (sauf l’office des lectures laissé à la discrétion des communautés). Une édition précieuse dont l’intérêt majeur réside dans la possibilité de suivre la prière dans la langue universelle de l’Église, tout en s’aidant d’une traduction en français, seule ou en communauté. Le pape Benoît XVI avait émis le souhait durant son pontificat que le latin soit de nouveau au cœur de la formation des jeunes séminaristes, son usage ayant tendance à disparaître depuis quelques décennies ; le Saint Siège a, d’ailleurs, encouragé depuis cette initiative. Cette édition est également dans la lignée de la volonté du concile Vatican II dans son souhait de rendre l’Office divin accessible au plus grand nombre de fidèles. La langue latine et la musique sacrée associées à la langue vernaculaire sont ainsi au cœur de ces Heures Grégoriennes réalisées par la Communauté Saint-Martin qui promeut depuis longtemps le chant grégorien de la Liturgia Horarum.
La mise en page synoptique des trois volumes offre un vis-à-vis aisé et essentiel avec le texte latin de la Liturgia Horarum (Libreria Editrice Vaticana) comprenant les notations grégoriennes de toutes les pièces de l’office choral, alors que la partie de droite propose, quant à elle, le texte français à partir de l’AELF, ainsi qu’une traduction des hymnes et des prières d’intercession également approuvées. Une mise en page qui recueillera assurément l’approbation d’un grand nombre de fidèles.
L’autre grand intérêt de cette très belle édition est d’introduire le fidèle à la liturgie grégorienne, la Communauté Saint Martin contribuant ainsi à cette préservation du trésor du chant grégorien. Il est, en effet, désormais possible d’avoir accès à cette source musicale avec plus de 1 700 pièces grégoriennes (Hymnes, antiennes, répons), des CDs mp3 en option permettant même d’apprendre et de perfectionner l’intégralité des pièces grégoriennes. Cette édition est le fruit d’un travail exemplaire de l’Atelier de paléographie musicale de l’Abbaye Saint-Pierre de Solesmes bien connue pour ses travaux en matière d’édition musicale et dont notre revue s’est fait l’écho dans ces colonnes.
Le plan des trois volumes suit l’évolution classique de l’année liturgique : le volume I : Avent ; Temps de Noël ; Temps ordinaire ; Solennités, volume II : Temps du Carême ; Temps pascal et le volume III : Sanctoral ; Communs des Saints. Chaque volume contient le Propre du temps, l’Ordinaire de l’Office, le Psautier sur 4 semaines, les Complies de chaque jour, les psaumes complémentaires et un index complet.
Un travail d’édition précieux et soigné avec une reliure solide, prête à résister aux longues heures de prière ; la typographie en deux couleurs et un papier de qualité traduisent également ce souci digne de l’époque ancienne où les abbayes réalisaient les plus beaux bréviaires pour la chrétienté !

Communauté Saint Martin
les Heures Grégoriennes
BP 34
F - 41120 Candé sur Beuvron

Macha Chmakoff « Les couleurs de l’Avent » DVD inclus, Fidélité, 2015.

« Les couleurs de l’Avent » de Macha Chmakoff jettent des ponts entre les deux passions de cette femme, Macha, peintre et psychanalyste. Les œuvres réunies dans cet album inspiré offrent en effet une belle variation de couleurs à partir de la vie du Christ, variations où le bleu domine, couleur orientée vers la transcendance depuis la Renaissance. Les œuvres parlent pour cette artiste si habituée par son métier à l’écoute. Les formes élancées, presque flottantes, laissent transparaître au-delà des simples apparences le message christique. L’artiste diplômée de l’École des Beaux-arts de Paris élabore ainsi un véritable accompagnement spirituel par l’image, à l’aide de l’épaisseur de sa peinture apposée au couteau et des lignes suggérées par les scènes représentées. On imagine sans peine la place d’une telle œuvre dans une démarche pédagogique auprès des plus jeunes ou lors d’une retraite avant la Nativité comme l’y invite le titre « Les couleurs de l’Avent ». À noter que l’album est accompagné d’un DVD permettant d’approfondir plus encore cette démarche artistique en forme de quête spirituelle.

Éric Monticolo « Gospel light - Evangile selon la lumière » méditations d’Eric Vermeer, Fidélité, 2015.

Enrico Impalà « L’ermite et le mendiant - biographie du Cardinal Martini » Editions Mediaspaul, 2015.

La route du cardinal Carlo Maria Martini a croisé à deux reprises la vie du journaliste et écrivain Enrico Impalà. A chaque fois, l’influence de cette rencontre a été grande, au point de donner naissance à cette biographie du cardinal, toute première depuis sa disparition en aout 2012. Enrico Impalà a découvert celui qui était alors archevêque de Milan, à une époque où cet homme d’études, ce bibliste réputé, était plus connu pour son art de la lectio divina et ses recherches sur les premiers documents de l’histoire chrétienne que sur l’art de diriger l’un des plus grands diocèses du monde. Et pourtant, il sut relever ce défi avec le succès que l’on sait et que l’auteur rappelle dans des pages pleines d’émotion tant le témoignage a été vécu non seulement physiquement mais aussi spirituellement. C’est de cette première expérience ayant marqué Enrico Impalà qu’est née cette volonté de laisser un témoignage à la fois public et privé d’un homme de foi et d’intériorité qui a marqué son époque. Le biographe a repris pour son livre les quatre périodes de vie naguère évoquées par le cardinal : celle où l’on apprend, celle l’on enseigne, celle où l’on se retire pour approfondir puis celle où l’on mendie quand on devient dépendant, ce livre retrace les grandes lignes de celui qui était destiné à l’étude et à la recherche pour finir par être l’une des grandes figures de l’Église du XX° siècle. Le propos retenu par l’auteur est sobre, discret, au diapason du cardinal qui aimait le silence et la méditation ignatienne. C’est une haute qualité qui émane de ces phrases concises et ciselées évoquant fidèlement celui qui aurait pu être souverain pontife mais préféra l’intériorité d’une retraite à Jérusalem, retraite qui sera malheureusement abrégée par la maladie et l’obligera à venir finir ses jours en Italie. Et même dans ces derniers moments, le témoignage reste fort chez cette personnalité qui sut maintenir une lucidité jamais entamée par la maladie. Alors que cette dernière gagnait chaque jour du terrain, l’esprit du cardinal ne s’avoua jamais vaincu et fut exclusivement tourné vers la célèbre devise qui résume si bien sa vie : Ad Majorem Dei Gloriam.

Damiano Modena « La théologie du cardinal Martini – Le Mystère au cœur de l’histoire » Lessius éditions, 2015.

Pascal Bouteldja « Un patient nommé Wagner » Editions Symétrie, 2014.

Richard Wagner « Ecrits sur la musique » traduit par Jean-Louis Crémieux-Brilhac et Jean Launay, préfacé par Richard Millet, Gallimard, 2013.

Richard Wagner, Franz Liszt « Correspondance » préface de Georges Liébert, collection Blanche, Gallimard, 2013.

Ivan Wyschnegradsky « Libération du son _ Écrits 1916-1979 » textes réunis, présentés et annotés par Pascale Criton (édition scientifique), traduction de Michèle Kahn, Symétrie éditions, 2013.

Les textes théoriques du compositeur d’origine russe Ivan Wyschnegradsky sont enfin réunis en une seule édition critique grâce au beau travail réalisé par Pascale Criton et nous permettent ainsi d’entrer au cœur même de l’espace pansonore théorisé par celui dont le travail fut soutenu par Olivier Messiaen ou encore Henri Dutilleux . Ivan Wyschnegradsky est né à la fin du XIXe siècle à Saint-Pétersbourg et émigrera en France après la révolution bolchevique, pays où il demeurera jusqu’à la fin de sa vie et où il réalisera l’essentiel de son œuvre. Il fait figure de pionnier de l’ultrachromatisme et de la musique microtonale. C’est en effet à Ivan Wyschnegradsky, mais aussi Julián Carrillo et Alois Hába, que l’on doit cet emploi de micro-intervalles, une manière de dépasser et d’aller au-delà du chromatisme selon ces théoriciens. Carrillo inventera ainsi une notation avec tiers, quarts, huitièmes et seizièmes de ton, ce qui encouragera ces musiciens à construire des instruments qui répondent à cette nouvelle approche. Wyschnegradsky élaborera en effet un piano spécial à quart de ton, premier d’une longue série d’instruments bien particuliers.
Il apparaît vite indispensable à la lecture de cet important volume de replacer cette réflexion dans le contexte plus général du symbolisme, du futurisme et des constructivistes. Dans son introduction, Pascale Criton souligne en effet combien il restait à étudier dans le domaine de la musique ce qui a déjà été défriché dans le domaine de la peinture (de Malevitch à Kandinsky), de la danse (Diaghilev et les Ballets russes), ou de la littérature (de Biély à Mandelstam) entre la Russie et l’Europe de cette époque.
Conçu en quatre parties chronologiques, cet ouvrage, premier du genre en français, couvre l’ensemble de la création du théoricien avec, pour commencer, ses années russes, déterminantes pour son parcours futur et éclairant la gestation d’une œuvre qui sera pleinement développée à partir de son émigration en France en 1920. C’est en effet dès le début des années 20 que Wyschnegradsky soulignera dans ses écrits la nécessité d’une révolution dans la musique à laquelle il s’emploiera dés ses premiers articles, avec en 1924, un article au titre essentiel : la musique à quarts de ton. La troisième partie du livre développe justement cette microtonalité si essentielle dans la pensée du théoricien. Particulièrement instructive, cette partie montre combien Wyschnegradsky s’impliqua personnellement dans le développement de ses théories, allant même jusqu’à la controverse avec d’autres théoriciens pourtant proches de sa pensée, et notamment celle l’opposant à Alois Haba quant à la réalisation de la musique à quarts de ton au moyen de deux pianos accouplés (l’un au diapason normal, l’autre d’un quart de ton plus haut).

« DEYROLLE ; Un cabinet de curiosités parisien », Louis Albert de Broglie, Emmanuelle Polle, Photographies Francis Hammond, Éditions Flammarion, 2017.

Magnifique cabinet de curiosités par lui-même, l’ouvrage « Un cabinet de curiosités parisien » présenté dans son coffret et paru aux éditions Flammarion réjouira tant par son contenu que par son esthétique. Signé Louis Albert de Broglie en collaboration avec Emmanuelle Polle, remarquablement mis en page et illustré par les photographies de Francis Hammond, c’est toute l’histoire de la célèbre enseigne Deyrolle, sise 46 rue du Bac, qui se dévoile ou égrène ses souvenirs page après page au lecteur. Des pages ô combien merveilleuses !
Deyrolle, cette noble dame aujourd’hui presque bicentenaire, est devenue une véritable institution portant avec fierté son âge. Connue des Parisiens, mais surtout des passionnés, collectionneurs ou curieux, la féerique boutique dénommée Deyrolle a enchanté bien des générations d’enfants parcourant émerveillés ses vitrines comme celles du Jardin des Plantes ou du Museum d’Histoire naturelle. Monde fantastique où l’imaginaire puise dans le merveilleux du réel, où la diversité se déploie dans toute sa beauté à l’infini comme une offrande à ceux qui en poussent la porte ou en ouvrent ces pages. C’est au XIXe siècle, en pleine révolution industrielle, que les Deyrolle, naturalistes de génération en génération, vont réussir ce pari fou de faire de leur enseigne un lieu unique de rencontres de savants, explorateurs, collectionneurs. Dans cet antre du savoir, des connaissances, des sciences et découvertes, sous les yeux des animaux, des reflets des coquillages et mille couleurs des ailes de coléoptères, lépidoptères ou minéraux défilent alors naturalistes et élèves. L’élégance des formes animales, végétales et minérales y trouve une merveilleuse chrysalide de choix. C’est à Émile Deyrolle, très attaché à l’enseignement, que nous devons bon nombre de ces merveilleuses planches de faune ou de flore que l’on nommait jadis du nom enchanteur de " Leçons de choses" et délicieusement reproduites. Fort de ces convictions réunissant sciences, beauté et enseignement, c’est en 1888 exactement que Deyrolle emménagera à l’adresse actuelle, rue du Bac. Depuis lors, les lieux ont conservé toute leur âme, cette ambiance de cabinet de curiosités avec son parquet qui craque, ses boiseries et tiroirs anciens aux mille trésors… Animaux empaillés ou moulés minéraux, coquillage ou fossiles, sans oublier cette salle du fond où insectes et papillons ont élu résidence et que l’on imagine volontiers prendre par enchantement possession des lieux la nuit…comme ils prennent possession de toute la beauté de leurs formes et couleurs des pleines ou doubles-pages de l’ouvrage. Aux découvertes, collections et taxidermie se mêlent, pour beaucoup d’entre nous, souvenirs et rêves, faisant de Deyrolle un temple de la Magie du Vivant telle que l’aimaient les naturalistes Ernst Haeckel, Adolf Portmann ou plus près de nous Roger Caillois. Ayant inspiré nombre d’écrivains, d’artistes ou couturiers, abritant une bonne librairie, entrer encore de nos jours dans l’univers Deyrolle, c’est ainsi que le souligne Louis Albert de Broglie « Comprendre que l’on appartient à l’extraordinaire aventure du monde » ; « Observer, comprendre, préserver, transmettre Pour l’avenir »… Aujourd’hui, la célèbre enseigne forte de son expérience vous ouvre, par cet ouvrage à la présentation élégante et soignée, les pages de son histoire et de ses fabuleux trésors.
 

Trinh Xuan Thuan "Dictionnaire amoureux du Ciel et des Etoiles" Editions PLON / FAYARD.

Trinh Xuan Thuan a réussi ce pari extraordinaire de rendre l'astrophysique et les origines de notre univers comme étant une mélodie familière à nos oreilles ! Le célèbre astrophysicien d'origine vietnamienne, professeur d'Astronomie à l'Université de Virginie à Charlottesville, est également un francophone convaincu puisqu'il partage sa vie entre les Etats-Unis et la France. Il est auteur de nombreux ouvrages de vulgarisation en français sur l'Univers et les questions philosophiques qu'il pose.
Thuan est également chercheur à l'Institut d'Astrophysique de Paris. Rencontre avec un grand scientifique, mais également avec un troubadour de l'immensité galactique !

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Le Figaro Hors-Série « Picasso, les habits neufs du musée Picasso - Dans l’antre du démiurge »

Relire les classiques sur son ordinateur, tablette, liseuse ou smartphone n’est plus un vain rêve avec les éditions Arvensa formées de passionnés de la langue française et qui ont décidé de proposer des éditions soignées qui se distinguent de ce que l’on constate souvent sur le Net. Nulle numérisation rapide et non corrigée pour ces éditions, mais un réel travail éditorial de correction, mais aussi de mise en page et de navigation, afin d’offrir une qualité optimale de lecture, même sur format réduit d’un smartphone. Chaque œuvre a fait l’objet de plusieurs mois de travail, ce que tout à chacun ne pourra que constater et apprécier à la lecture des textes proposés. Rencontrant un réel succès, Arvensa Éditions a acquis une position de leader pour l’édition numérique des œuvres classiques en langue française. Disponible à l’achat sur le site de l’éditeur, sans DRM, chaque livre peut être lu sur tous les formats de lecture, Arvensa Éditions est également disponible sur Amazon, iTunes Store, KoboBooks, Reader Store (Sony), Google play, Barnes & Nobles. Avec une telle offre, ce sont les grands auteurs classiques qui sont désormais à portée tactile du lecteur, soit à ce jour 1700 titres des grands auteurs de la littérature et de la philosophie, dont 39 œuvres complètes. Aussi est-il possible avec Arvensa Éditions de partir en toute légèreté avec les œuvres complètes de Sénèque ou de Proust, relire les plus belles poésies de Charles Baudelaire, flâner avec Rimbaud ou encore se plonger dans l’immense Comédie humaine de Balzac…

"Les 7 habitudes de ceux qui réalisent tout ce qu'ils entreprennent" de Stephen R Covey, un livre audio lu par Benoit Grimmiaux, Audiolib, 2014.